Grundlagen für Grafikdesign: Prinzipien des visuellen Designs | Ellen Lupton | Skillshare

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Grundlagen für Grafikdesign: Prinzipien des visuellen Designs

teacher avatar Ellen Lupton, Author and educator, MICA

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Einheiten dieses Kurses

9 Einheiten (36 Min.)
    • 1. Einführung

      1:32
    • 2. Symmetrie vs. Asymmetrie

      4:56
    • 3. Skalierung

      2:37
    • 4. Einrahmung

      3:10
    • 5. Hierarchie

      5:11
    • 6. Raster

      4:51
    • 7. Demo: Alles zusammenführen

      11:01
    • 8. Schlussbemerkung

      2:16
    • 9. Erfahre mehr mit Ellen Lupton

      0:36
  • --
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Projekte

Über diesen Kurs

Großartiges Grafikdesign ergibt sich aus dem Verständnis von ein paar grundlegenden Prinzipien.

Mit einer soliden Grundlage der wichtigsten Prinzipien ist tolles Design wesentlich einfacher. Die Designerinnen Ellen Lupton und Jennifer Cole Phillips erklären dir in diesem 35-minütigen Kurs die 5 grundlegenden Prinzipien des Grafikdesigns, die du für alle Projekte mit Bildern und Schrift anwenden kannst: kreatives Design, Marketing-Materialien und sogar Fotografie!

Die Kurseinheiten umfassen sowohl Beispiele als auch Demonstration, die dir eine Grundlage bieten, um inspiriert und funktional zu designen. Du lernst:

  • Identifizieren und Definieren von 5 grundlegenden Designprinzipien
  • Kritisches Betrachten deiner Arbeit für Effektivität und Balance
  • Anwenden jedes Kernkonzepts in zukünftigen Projekten

Ellen und Jennifer sind Co-Direktorinnen des MFA-Programms Grafikdesign am Maryland Institute College of Art (MICA). Dieser Kurs wurde von ihrem beliebten Lehrbuch inspiriert, das es bereits in der zweiten Auflage gibt: Graphic Design: The New Basics – sowohl online als auch über Princeton Architectural Press erhältlich.

Egal ob diese Prinzipien neu für dich sind oder du eine Auffrischung haben möchtest, du erhältst ein solides Verständnis der visuellen Sprache, die jedes großartige Design ausmacht.

Was du lernen wirst

  • Einführung. Ellen Lupton und Jennifer Cole Phillips werden dir die 5 grundlegenden Prinzipien des Grafikdesign erklären: Symmetrie, Skalierung, Framing, Hierarchie und Raster. Zudem geben sie dir eine Vorschau dessen, was du im Rest ihres Design-Kurses lernen wirst.
  • Symmetrie vs. Asymmetry Ellen wird ihre Liebe für Symmetrie in Designs erläutern und Jennifer spricht über ihre Leidenschaft für Asymmetrie. Du lernst, wie beides eine Balance darstellen sollte und dynamisch sein kann, vor allem mit der Einführung von kontrastierenden Farben, Formen und Mustern.
  • Skalierung Bei Skalierung geht es um die Größe, aber noch mehr geht es um Beziehungen. Ellen und Jennifer erklären dir, wie diese Beziehungen eine visuelle Geschichte erzählen können, indem du Spannung und Energie auf (und mit) der Seite aufbaust. Du wirst herausfinden, wie du ein Publikum mit Skalierung überraschst, indem du mit ihren Erwartungen spielst. Und du lernst, welche besonders wichtige Rolle Skalierung im Unternehmenslogo-Design einnehmen kann.
  • Framing „Jedes Mal, wenn du deine Bilder auf Instagram zuschneidest, ist das Framing“, sagt Ellen – und es stimmt! Framing wendest du schon jetzt ständig an. In dieser Kurseinheit lernst du, wie wichtig Framing für den Designprozess ist und welche 3 Hauptarten von Framing es gibt: Ränder, Beschnitt und teilweise Beschnitt.
  • Hierarchie  Die Schlüssel für Hierarchie sind Trennung und Differenz. Du lernst, wie du beides einsetzt, um Informationen anzuordnen und Leser:innen über den Text zu leiten – wichtige Lektionen für das Logo-Design. Ellen und Jennifer zeigen dir eine Übung, bei der du Hierarchie auf einem einfachen Textblock umsetzt. Darüber hinaus lernst du, wie nützlich Farbe für die Hierarchie in Texten ist.
  • Raster Ein Raster ist ein leistungsstarkes Tool, um dein Seiten-Design zu strukturieren und effizient zu gestalten. Durch die Erkundung verschiedener Raster lernst du den Unterschied zwischen Rändern und Stegen, dass ein leerer Bereich sich nicht leer anfühlen muss und wie du ein einfaches Raster in Adobe InDesign erstellst. Außerdem untersuchst du den Unterschied zwischen Web- und Druckrastern.
  • Demo: Alles zusammenführen In dieser Übung wählst du 3 bis 6 Fotos und 1 bis 2 Schriftarten aus. Das werden die grundlegenden Elemente sein, die du in dein Seiten-Layout-Design integrieren wirst. Du lernst, wie du in InDesign Hilfslinien erstellst und mit Bleistift gezeichnete Thumbnails als Mini-Plan für dein Design verwendest. Dann siehst du zu, wie Jennifer die typografische Hierarchie definiert, sich mit der Skalierung spielt und Text mit Bildern verbindet.
  • Schlussbemerkung  Schlussendlich wirst du Icons, Zeitschriften, Webseiten und sogar Hochzeitsalben anhand dieser 5 grundlegenden Designprinzipien, die Ellen und Jennifer in ihrem Kurs besprechen, entwerfen können. Abgesehen von den 5 Grundprinzipien können Kursteilnehmer:innen ihr Wissen noch weiter ausbauen, indem sie sich mit fortgeschrittenen Grundlagen des Grafikdesigns – wie Ebenen, Transparenz, Zeit, Bewegung und Gestaltpsychologie – beschäftigen. Was du aus diesem Kurs mitnehmen wirst? Bei Grafikdesign geht es um Beziehungen – die Beziehungen zwischen einem Designelement und einem anderen, dem Element und der Seite sowie dem Element und dir selbst.

____________________________

Dieser Kurs wird in Zusammenarbeit mit dem Maryland Institute College of Art präsentiert.

Ellen Lupton ist leitende Kuratorin für zeitgenössisches Design bei Cooper Hewitt. Lupton, ein renommierter Grafikdesigner, ist eine Direktorin des MFA-Programms Grafikdesign am Maryland Institute College of Art in Baltimore, an dem sie zahlreiche Bücher über Designprozesse geschrieben hat, darunter die Bestseller Thinking With Type, Graphic Design Thinking und Graphic Design: The New Basics. Im Jahr 2007 erhielt sie die AIGA-Goldmedaille für ihr Lebenswerk.

Jennifer Cole Phillips ist Direktorin des MFA-Programms Grafikdesign am MICA. Ihre Arbeit und die Arbeit ihrer Kursteilnehmer:innen haben zahlreiche Auszeichnungen für exzellentes Design von AIGA, Adobe, SoTA, Graphis, Print, STA 100, The Bill und Melinda Gates Foundation und zuletzt ein Stipendium von Sappi Ideas that Matter gewonnen. Im Jahr 2014 erhielt sie den MICA Trustees Award for Excellence in Teaching. Sie hat zu mehreren Büchern über Design beigetragen und ist Mitautorin (zusammen mit Ellen Lupton) von Graphic Design The New Basic (jetzt bereits in der zweiten Auflage erhältlich). Phillips hat einen MFA und einen BFA von der Rhode Island School of Design.

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Ellen Lupton

Author and educator, MICA

Kursleiter:in

I'm a writer, curator, educator, and designer. Lupton is the Betty Cooke and William O. Steinmetz Design Chair at MICA (Maryland Institute College of Art) in Baltimore. I've authored and co-authored many books about design practice, including Thinking with Type, Graphic Design Thinking, Graphic Design: The New Basics, and Design Is Storytelling.

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Transkripte

1. Einführung: Willkommen in unserer Klasse für Grafikdesign ba sics. Ich bin Jennifer Cole Phillips. Ich bin Ellen Lipton. Wir sind Direktoren des Graphic Design MFA Programms am Maryland Institute College of Art. Diese Klasse stammt aus Kursen, die wir bei MICA unterrichten, und auch aus unserem Buch Graphic Design, The New Basics, veröffentlicht von MICA und Princeton Architectural Press. In dieser Klasse lernen Sie einige grundlegende Prinzipien des Grafikdesigns kennen, einschließlich Symmetrie, Maßstab, Rahmenhierarchie und Raster. Wir zeigen Ihnen Beispiele für Grafikdesign, die von unseren Studenten an der MICA erstellt wurden, sowie die Arbeit von führenden Fachleuten. Dann werden wir Sie durch den Prozess der Erstellung eines grundlegenden Seitenlayouts führen. Sie werden einen Prozess von Anfang bis Ende verfolgen. Du könntest alles gebrauchen. Du könntest Illustrator benutzen. Sie könnten PowerPoint verwenden. In welchem Programm Sie sich wohl fühlen. Sie lernen Ideen und Prinzipien, die auf jedes visuelle Layout angewendet werden können , von einem Buch oder Magazin verteilt auf ein Konferenzposter, eine Webseite oder jeden Ort, an dem Bild und Text zusammenkommen, um zu kommunizieren. Diese Klasse ist für alle, die Grafikdesign erkunden und experimentieren möchten. Sie brauchen keine Erfahrung aus der Vergangenheit, sondern nur ein Interesse an der Kommunikation mit Text und Bildern. Bitte besuchen Sie uns für diese Einführung in die Grundlagen des Grafikdesigns. 2. Symmetrie vs. Asymmetrie: Eines der grundlegendsten visuellen Werkzeuge der Designer ist die Unterscheidung zwischen Symmetrie und Asymmetrie. Sie werden überrascht sein zu entdecken, wie viel Sie Ihre Arbeit verbessern können , indem Sie diese mächtige Unterscheidung Ellen nutzen, Sie lieben Symmetrie. Sagen Sie uns, warum. Viele natürliche Organismen sind symmetrisch. Sieh mich an, ich bin symmetrisch. Meine Arme und Beine halten mich ausbalanciert. Ein Blatt wächst nach außen in einem symmetrischen Muster. Die Arme eines Seesterns strahlen aus der Mitte heraus. Das nennt man radiale Symmetrie. Symmetrische Layouts sind von Natur aus stabil und ausgewogen und deshalb haben sich Designer seit Jahrhunderten zu zentrierten Layouts entwickelt. Also, in einem symmetrischen Design, sollte ich in der Lage sein, eine Linie von oben nach unten zu zeichnen und es ist die gleiche auf beiden Seiten oder ich könnte eine Linie durch die Mitte zeichnen und es ist die gleiche oben und unten. Aber Jennifer, ich weiß, dass du Asymmetrie liebst. Erzählen Sie uns davon. Ich denke, dass Symmetrie von Natur aus verständlicher ist, weil wir uns alle als Menschen beziehen können , die symmetrisch zu diesem Prinzip sind, aber Sie fragen sich vielleicht, was genau Asymmetrie ist. Asymmetrie im Design ist wirklich die Verteilung von Elementen , so dass sie bewegen, bis sie sich wirklich ausgewogen fühlen. Also, das ist wirklich eine Frage der intuitiven Wahrnehmung. Die Natur ist voller Asymmetrie. Ein Berg hat Gleichgewicht, obwohl seine Volumina unregelmäßig sind. Moderne Architekten entfesselten die Kraft der Asymmetrie. Dieses Gebäude wurde 1925 von Le Corbusier entworfen. Es hat einen Baum, der durch den Innenhof aufwächst. Diese Albumcover-Designs sind asymmetrisch. Der linksbündige Typ verankert die Kompositionen nach links, aber es gibt genug Aktivität auf der rechten Seite, um jedes Design ausgewogen zu halten. Diese Layouts von Rick Valicenti zeichnen sich durch eine asymmetrische Verteilung aus. Die Layouts fühlen sich lebendig und dennoch ausgewogen an. Wenn wir den Begriff dynamische oder dynamische Asymmetrie verwenden, beziehen wir uns wirklich auf Design, das sich wirklich bewegt und verändert, Design, bei dem das Auge des Betrachters aktiv um und durch ein Design bewegt wird. Symmetrische Layouts können auch dynamisch sein. Sie können die Größe der Elemente variieren oder Sie können sie auf der Seite auf eine Weise zuschneiden , die Spannung, Bewegung und Wachstum andeutet. Zentrierter Typ scheint wie eine sehr traditionelle Komposition, aber hier hat der Designer zentrierten Typ erstellt, sondern auch Drama eingeführt, indem er den Typ zerschmettert, indem er ihn groß macht, indem er ihn zusammendrückt, den Zeilenabstand komprimiert. So kann die Komposition zentriert sein, aber sie ist sehr aktiv. Dieses Design besteht aus einem zentralen Kreuz aus Topographie erstellt wurde, und dann gibt es einen Ausbruch des Typs, eine Störung des Typs auf der linken Seite, die die perfekte Symmetrie des Designs stört. Ein Layout und ein Buch oder eine Zeitschrift sind immer symmetrisch wegen dieser starken Mittelwirbelsäule in der Mitte. Hier hat der Designer Paul Sahre eine Reihe von Fotografien direkt durch die Mitte des Buches positioniert eine Reihe von Fotografien direkt durch die und er hat auch Typografie geschaffen , die sehr aktiv mit dem Buchrücken spielt. Also, das sind symmetrische Designs, aber sie tun es auf eine Weise, die sehr aktiv und dynamisch ist. Hier ist ein Webdesign, das eine sehr starke Mittelachse hat. Es ist gelb auf der einen Seite und weiß auf der anderen Seite, und der Designer hat sein Webdesign übernommen und es auf eine Druckpublikation angewendet. Im Buch befindet sich ein kleines halbes Blatt Gelb. Das wird zur Art von Buch innerhalb des Buches. Es ist also sehr zentriert, aber es ist auch dynamisch und verspielt. Es greift den Leser an. Symmetrie ist nicht immer eine Entweder/oder Entscheidung. In dieser Plakatserie sind einige Lösungen stark symmetrisch und andere asymmetrisch. In jedem Fall hat der Designer Spannung und Bewegung durch kontrastierende Farben, Formen und Muster eingeführt . Also, hier ist ein Werkzeug, Symmetrie versus Asymmetrie. Es ist grundlegend. Es ist universell. Sie können sich jedes Design ansehen und fragen: „Ist es das Gleiche, links und rechts, oder ist es anders?“ Ich liebe Symmetrie. Symmetrie ist ausgewogen. Es macht Sinn. Es bezieht sich auf so viele Dinge in der Natur. Aber als Designer müssen wir es kreativ und dynamisch nutzen, nicht nur das Dumme in der Mitte. Ich liebe Asymmetrie, weil für mich Asymmetrie die Seite wirklich anregt, indem das Auge des Betrachters dazu ermutigt organisch auf eine viel spannendere Art und Weise durch die Seite zu bewegen. 3. Skalierung: Also, lassen Sie uns über Skala sprechen. Skala ist, wie groß etwas ist, aber es ist etwas komplizierter als das, nicht wahr? Jennifer, was meinen Designer, wenn sie über Skala sprechen? Die Skalierung ist relativ. Ein Element wird je nach Kontext größer oder kleiner erscheinen. Wie groß ist ein Kreis im Verhältnis zu anderen Kreisen? Wie groß ist es in Bezug auf die Seite? Was ist das für eine Beziehung zum menschlichen Körper? Skala vermittelt Bedeutung. Hier scheinen große Objekte näher zu sein und kleine Objekte scheinen weiter entfernt zu sein. Skalierungsbeziehungen können konzeptionell sein. Ein großes Element könnte wichtiger sein. In dieser Datenvisualisierung wird Maßstab verwendet, um genaue Unterschiede und Quantität darzustellen. Skala kann eine visuelle Geschichte erzählen. In diesen Layouts sind die großformatigen Buchstaben so groß, dass sie nicht auf die Seite passen. Beschneiden verbessert ihre Füllung der Skala. Ein dramatischer Kontrast in der Skala kann Leben und Aufregung in ein typografisches Layout bringen. Die Designer haben Spannungen zwischen kleinen, zarten Charakteren und großen, mutigen Charakteren geschaffen. das Beschneiden der Ziffern wird Tiefe erzeugt. Sehen Sie sich die Größenunterschiede in diesem Poster von Designers United an, dem von Dada Typography inspirierten Design. Aber Jennifer, ist dieses Poster wirklich chaotisch und zufällig? Nein, schauen Sie sich genauer an. Die Typografie nutzt nur wenige verschiedene Typengrößen, um Spannungen und Überraschungen aufzubauen. Dies ist ein Buch über digitale Medien und Kultur. Das Buch selbst ist wirklich klein, es geht um diese große, aber der Typ ist ungewöhnlich groß. Designerin Mieke Gerritzen entschied sich, mit ihrer Topographie nicht viel Kontrast zu schaffen . Stattdessen sprengt sie uns Seite für Seite mit ungewöhnlich großen, mutigen, lauten Typ. Also, Maßstab ist Größe, aber Maßstab ist wirklich Beziehungen. Wie hängt die Größe einer Sache mit etwas anderem zusammen? Skalierung ist ein wichtiges Werkzeug im Grafikdesign, da sie oft das Design anregen kann , indem wir das, was wir erwarten, ändern. Oft, wenn Sie ein Element nehmen und die Skalierung so ändern , dass Ihre Zielgruppe nicht erwartet, kann es das Design anregen. Sie können Ihr Publikum überraschen, indem Sie etwas machen, das in der Regel wirklich groß, wirklich klein und wirklich klein ist. Also, machen Sie Ihre Überschrift ein wenig größer, machen Sie Ihren Text ein wenig kleiner und Sie könnten mehr Aufmerksamkeit und mehr Interessen zwischen diesen Elementen haben . 4. Einrahmung: Grafikdesign ist eine Kunst des Rahmens. Beim Erstellen eines Layouts Designer die Aufmerksamkeit auf Bilder und Text mit Rändern, Rändern und Zuschneiden. Jedes Foto ist wirklich ein Akt der Einrahmung. Wir verwenden die Kamera, um sich auf Interessenpunkte zu konzentrieren. In diesen Bildern findet der Fotograf einen weiteren Rahmen innerhalb des Rahmens , um das Auge weiter zu lenken. Lisa Rienermann schuf dieses Alphabet, indem er die Räume zwischen Gebäuden fotografierte. Sie hat ihre Umgebung auf unerwartete Weise umrahmt. Ränder und Beschnittzugaben beeinflussen, wie ein Bild Platz einnimmt. Betrachten Sie also einen Rand als eine Art Schutzrand um das Bild. Es ist eine Grenze, die uns erlaubt, dieses Bild als Objekt zu sehen. Es zieht die Aufmerksamkeit auf sich, indem er leer ist. Eine Blutung ist das Gegenteil. Ein Beschnittzuschnitt verläuft direkt an den Seitenrändern. Es bringt uns mehr ins Bild. Es macht das Bild sofortiger. Designer verwenden auch partielle Beschnittungen, bei denen ein Teil des Bildes vom Rand abgeht, aber es gibt einige weiße Reste. Das ist wirklich nützlich, weil es einen Platz für Text oder Beschriftungen schafft. Zuschneiden eines Bildes kann seine Form und Proportionen sowie seinen Sinn für Drama, Intimität oder Abstraktion verändern sowie seinen Sinn für Drama, . Zuschneiden eines Fotos oder das Zuschneiden von Beschnitt ändert seine Wirkung. In diesem Poster von Ragnar Freyr erscheint uns die Figur aus der Ferne heraus. Hier ist das Foto ein Vollblut. Der Charakter fühlt sich an, als wäre er direkt in unserem Raum. Diese Branding Stücke für ein Museum verfügen über einen gebrochenen Rahmen. Inhalt blutet über die Grenze hinaus. Ellen, warum glaubst du, der Designer hat das getan? Der Rahmen fokussiert Ihr Auge, aber es deutet auch darauf hin, dass der Inhalt nicht vollständig gezähmt wurde. Das Ergebnis ist offen und dynamisch. In diesen drei Kampagnen wurden einfache gedruckte Plakate direkt an die Wand geklebt, aber dann wurden ein Bild, eine Überschrift und ein Logo direkt darüber geschablont, in einer Weise, die über das darunter liegende Druckbogen hinausgeht. Also, hier haben Sie wieder einen Rahmen, der nicht ganz den Inhalt enthält, auf den es unsere Aufmerksamkeit lenkt. So ist Framing Teil von fast allem, was Grafikdesigner tun. Wir schneiden ein Foto, wir platzieren ein Bild im Raum, wir legen einen Rahmen um einen Text oder um das Bild herum. Jedes Mal, wenn Sie das Zuschneiden des Bildes in Instagram ändern, werden Sie Framing. Jedes Mal, wenn Sie ein Bild in die Mitte einer Seite setzen, werden Sie Framing. Jedes Mal, wenn Sie sich entscheiden, ob Sie einen Rahmen um das Bild legen oder es sauber lassen möchten, werden Sie umrahmt. All diese Dinge sind Möglichkeiten, die Aufmerksamkeit auf den Inhalt zu lenken, Menschen zu lenken, wo sie suchen, um Menschen zu zeigen, was wichtig ist. Das ist etwas, das Grafikdesigner ständig in unserer Arbeit tun. 5. Hierarchie: Visuelle Hierarchie gibt Ordnung zu Informationen. Es ermöglicht es Lesern, komplexe Inhalte zu navigieren oder schnell die große Idee zu bekommen. Jennifer, warum sehen diese krümmigen alten Buchseiten so schlecht aus? Weil sie wählerisch überladen klobige Hierarchien haben. Werfen wir einen genaueren Blick. Also, dieses Inhaltsverzeichnis stammt aus einem alten Buch über Manieren. Es wiederholt das Wort Kapitel immer und immer wieder. Sehr schlechte Manieren. Die Seitenzahlen liegen weit weg von den Kapiteltiteln, so dass es nicht einmal leicht zu lesen ist. Dieser Pariser Reiseführer verwendet diese altmodische Methode der Skizze, die Sie in der High School gelernt haben, römische Ziffern, arabische Ziffern, ABC und dann Einzüge, viele und viele Einzüge. Das ist ein zeitgenössisches Layout, das von Nicholas Blackman entworfen wurde. Es ist prägnant und dramatisch. Er legte den Titel des Buches direkt durch die Mitte des Inhaltsverzeichnisses, eine Plakatwand für sein Buch. Das Ding nimmt die linke und rechte Seite ein, die ganze Ausbreitung. Sieh dir das an, ich liebe dieses Ding. Die Seitenzahlen befinden sich direkt neben den Titeln der Kapitel, so dass Sie die Kapitel überhaupt nicht nummerieren müssen und Sie können wirklich leicht finden, welche Seite der Inhalt ist, die Sie suchen. Diese klassische Übung wurde von dem Schweizer Designmeister Emil Ruder Pionierarbeit geleistet. Diese Übung beginnt ohne Hierarchie, nur mit einem Textblock. Der Designer fügt allmählich Signale der Differenz wie Gewicht und Farbe hinzu, um einen Teil des Textes zu nennen. Im Verlauf der Übung beginnt der Designer mit räumlichen Hinweisen wie Einzüge, Hervorhebungen und Zeilenabstand. Nun, es ist wirklich interessant, sich zu verlangsamen und Schritt für Schritt Unterschied hinzuzufügen. Also, Sie können das versuchen. Nehmen Sie einen Textkörper und es ist alles einfach, es ist alles gleich und beginnen Sie methodisch Unterschied hinzuzufügen. Fügen Sie etwas Fett hinzu, ziehen Sie etwas in den Rand, schaffen Sie Platz, um die Aufmerksamkeit zu erregen. Es ist eine wirklich gute Möglichkeit, Hierarchie als System zu erleben , wo Sie nur Signale hinzufügen, wie Sie sie benötigen. Was eine Hierarchie ist, ist ein wirklich Signale der Differenz, Signale der Trennung. Aufbauend auf der grundlegenden Hierarchie kann der Designer ausdrucksvoller werden. Ein Restaurantmenü ist ein überraschend komplexes typografisches Problem. Ellen, schauen wir uns genauer an und sehen, wie die Topographie zusammengesetzt ist. Nun, ich sehe nur zwei Größen des Typs, aber der Designer hat mit Unterschieden wie Fett und Licht, Großbuchstaben und Kleinbuchstaben, Roman und Kursiv gearbeitet , um eine Hierarchie zu erstellen. Lassen Sie uns über typografische Farbe sprechen. Wir alle betrachten Farbe als rot, blau, grün, gelb, aber in der Topographie verwenden wir den Begriff Farbe, um über den Ton, den Grauton eines ganzen Textblocks zu sprechen . Also, Jennifer, zeig mir, wie das aus nächster Nähe funktioniert. Der Designer hat verschiedene Größen und Gewichte verwendet sowie den Zeilenabstand variiert. Sie hat Spannung mit großen dünnen Typ und kleinen schweren Typ erzeugt. Die Farbpalette der typografischen Farbe dient dazu, den kompositorischen Raum zu vertiefen und das Auge um und durch das Design zu lenken. Dieses fortschrittliche Projekt erforscht typografische Farben auf abstraktere Weise. Hier ist keines dieser Typen real. Alles besteht aus Texturen und Formen, die uns an die Farbe und den Ton des Textes erinnern. Der Designer hat ein Gefühl von Nachrichten würdig Dringlichkeit ganz mit abstrakten Elementen geschaffen. Auch ohne reale Sprache schaffen die visuellen Signale eine klare Reihenfolge der Betonung. Jennifer, erzähl mir von diesen Paketdesigns. Wie verwenden sie Hierarchie? Diese Serie wird als die Architektur von Snacks bezeichnet. Jede Packung hat ein Fokusdiagramm eines Lebensmittelprodukts und einen sehr großen einfachen direkten Produktnamen. In diesen schönen Tamponboxen die Dichte des Musters eine leichte oder schwere Strömung dar. Der Konstrukteur dieses Verpackungssystems hat einen anderen Ansatz verfolgt. Anstatt das Produkt zu benennen, nennt sie es verschiedene Verwendungszwecke. Huhn, Brot, Fisch, Marinade. Das Produkt selbst ist durch das transparente Glas sichtbar, so dass Sie in gewisser Weise nicht sagen müssen, was wir es sehen können. Diese Variationen in der Art und Weise führen das Auge dynamisch. Der Schlüssel zur Hierarchie ist die Trennung. Sie müssen Spuren von Unterschied machen, die stark genug sind, dass die Menschen sie sehen können, hell und dunkel, groß und klein. Sie möchten diesen Kontrast signifikant machen, damit wir ihn aufnehmen können. Das Wichtigste ist nicht unbedingt oben auf der Seite, es ist nicht unbedingt das Größte, vielleicht ist es die röteste Sache, vielleicht ist es das einzige, was eine Box um sie herum hat. So können Designer die Hierarchie nicht nur auf offensichtliche Weise auf überraschende Weise ausdrücken. 6. Raster: Raster sind ein leistungsfähiges Werkzeug im Seitenlayout. Sie geben der Seite Struktur und erhöhen die Effizienz des Entwurfsprozesses. Ein Grundraster verfügt über vertikale Spalten und horizontale Zeilen. In Diagrammpapier sind die Divisionen perfekt gleichmäßig. Designer verwenden Raster, um Muster und Formen zu generieren. Die Felder des Rasters können eine grundlegende Struktur für Seitenlayouts bieten. Ein typografisches Raster enthält mehr als nur Spalten und Zeilen. Es hat auch Ränder und Dachrinnen. Ein Rand ist der Raum um den Rand des Layouts und Rinnen sind der Abstand zwischen den Blöcken des Inhalts. Also, Jennifer, warum sind Gitter im Layout-Design so wichtig? Das Raster hilft dem Designer, Elemente in Größe zu platzieren , und das Raster schafft Konsistenz über viele Seiten. Beachten Sie, dass der Designer einige Stellen leer gelassen hat und dynamische Layouts erstellt hat. Das Gitter ist unsichtbar und dennoch vorhanden. Also, der Leerraum hat Struktur. Es fühlt sich nicht leer an. Es fühlt sich durch das Gitter unterstützt. In InDesign ist es einfach, ein Raster zu erstellen. Wenn Sie ein neues Dokument öffnen, werden Sie aufgefordert, wie viele Spalten auszuwählen und die Größe der Ränder und Rinnen festzulegen. Hier ist ein grundlegendes Achtsäulen-Raster. mit acht oder mehr Spalten arbeiten, haben Sie mehr Freiheit als mit nur zwei oder drei Spalten. Sie werden Inhaltselemente erstellen, die sich normalerweise über mehrere Spalten erstrecken. Ein Bild kann also drei Spalten breit sein, ein Textblock kann zwei Spalten breit sein oder manchmal ist eine Beschriftung nur eine Spalte breit. Diese Plakate von Wagner Frayer verwenden Gitter, um Inhalte zu organisieren. Sie verwenden es auch, um abstrakte Linien und Formen zu erzeugen und zu platzieren, wodurch das Design lebendig wird. Beachten Sie die starken vertikalen Unterteilungen. Der Typ wird am linken Rand der implizierten Spalten ausgerichtet. Horizontale Unterteilungen bieten unsichtbare Linien, um Elemente rhythmisch zu verankern. Das Gitter hat auch Dachrinnen und Ränder. Denken Sie daran, dass diese Raum zwischen und um Elemente herum bieten. Um diese Serie von Plakaten zu erstellen, produzierte der Designer ein Grundlayout mit einem starken Gitter, und Sie können das auf der linken Seite sehen, und dann teilte er sein anfängliches Layout mit seinen Freunden, die das Raster verwenden, um dem Design Farbe und Formen hinzuzufügen. Es macht wirklich Spaß, dies mit Ihren Freunden auszuprobieren oder es auf eigene Faust auszuprobieren. Also, es ist ein grundlegendes Design, und dann hat er diese Tiefe und diese Farbfelder erstellt , indem er einfach die Einheiten im Raster aktiviert. Raster können die vielen Seiten einer Publikation vereinheitlichen. Beachten Sie das starke horizontale Band, das diese mehrseitige Programmanleitung durchläuft. Alles, worüber wir gesprochen haben, kommt in diesem komplexen Layout-System zusammen. Ich sehe Skala, Zuschneiden, typografische Farbe, dynamische Asymmetrie und natürlich ein sehr starkes typografisches Raster. Hier ist eine weitere Reihe von leistungsstarken Layouts. Alle Seiten sind unterschiedlich, aber sie sind durch eine gemeinsame Rasterhierarchie und Ansatz zur Darstellung der Bilder vereint. Beachten Sie die schöne Verwendung von Leerraum und die filigrane Art und Weise, wie Elemente durcheinander gehen. Beachten Sie auch die unterschiedliche Skalierung, Tempo und die Verteilung der Elemente. Raster, die für das Web und digitale Medien erstellt wurden, sind in der Regel einheitlicher als Druckraster. Responsive Design erstellt Layouts, die auf verschiedenen Geräten funktionieren. Also, hier sehen Sie ein Desktop-Design und ein mobiles Design. Sie haben den gleichen Inhalt und ein ähnliches Raster, aber eine andere Anzahl von Bildern, eine unterschiedliche Anzahl von Spalten. Eine Google Image Search baut automatische Raster on the fly und um für die verschiedenen Formen der Bilder zu berücksichtigen, Google Linien die Höhen, aber nicht die Breite, und es schafft eine Art funky leicht schief Gitter, das Spaß macht zu sehen. Wir sehen die Ästhetik automatisierter Webseiten, die auf Drucklayouts angewendet werden, wie in diesem Buch, das vom niederländischen Designmaster Irma Boom entworfen wurde. Sie hat viele Bilder in einem sehr engen Raum auf eine funktionale Matter-of-Fact Weise gepaßt. Ein ähnliches Konzept zeigt sich in diesen Layouts von Benedikt Reichenbach. Seine Seiten haben eine coole tote Luft, als ob sie von einer Maschine gemacht wurden. Seitenlayouts können einfach oder streng, locker oder eng, heiß oder kühl sein. Die Auswahl, die Sie in Bezug auf Symmetrie, Skalierung, Zuschneiden, Hierarchie und Raster treffen, wirkt sich auf die Stimme des letzten Stückes aus. Also, probieren Sie es selbst aus und haben Sie Spaß. In unserer letzten Lektion können Sie mitverfolgen, während wir ein Seitenlayout von unten nach oben erstellen. 7. Demo: Alles zusammenführen: Also, jetzt werden wir zusammen ein grundlegendes visuelles Layout erstellen, und wir werden einige der grundlegenden Prinzipien betrachten , die wir gerade in der Lektion überprüft haben. Der erste Schritt besteht darin, drei bis sechs Fotografien auszuwählen und zu beschneiden. Ihr könntet wählen, was ihr wollt, es könnte Fotos von Lebensmitteln sein, die ihr erstellt habt, etwas von eurem Instagram-Konto. Ich wählte Fotos von einer Reise, die ich letzten Sommer in China gemacht habe, ich dachte, diese Fotos seien bunt, sie hatten starke grafische Linien, und so fühlte ich, dass sie ein großes Reservoir an Rohstoffen waren, von dem man arbeiten kann. Sie können hier sehen, dass ich ein paar von ihnen zusammengezogen habe, und von diesen habe ich sechs von ihnen gerufen, und das sind diejenigen, mit denen wir arbeiten werden. Wählen Sie nun eine oder zwei Schriftarten aus, mit denen Sie arbeiten möchten. Ich habe Lava und National ausgewählt, eine ist eine Serif und eine ist Sans Serif. Jetzt werden wir ein Grundformat und ein Gitter erstellen. Also, hier sind wir wieder im Dialogfenster in InDesign, um zu beginnen und ein neues Dokument zu erstellen. Also, hier habe ich die Wahl, alles Standard zu halten, aber nein, ich werde das nicht tun, ich ermutige euch, mit Nicht-Standard-Optionen zu experimentieren. Also, für mich hielt ich einige Dinge Standard achteinhalb und ich ändere die Höhe anstelle von 11, was offensichtlich ein amerikanischer Standard ist; achteinhalb von 11 bis achteinhalb um 10. Laut unserer Lektion früher, viele Spalten, warum? Weil sie uns Optionen geben. Also, in meinem Fall habe ich 12 gewählt. Warum 12? Nun, 12 ist teilbar und alle Arten von Wegen. Ich kann zwei drei vier sechs kombinieren. Awesome! Dann mit den Rändern, können Sie sehen, dass es Ihnen einen Standardwert von 0,5 den ganzen Weg um 0,5 Zoll einen halben Zoll ganzen Weg gibt. Ich ändere einfach den unteren Rand, sehr einfach, aber dachte, wir geben ihm ein bisschen einen besonderen Look. Also, hier haben wir unser Raster, Sie können 12 Spalten pro Seite sehen. Das mag wie eine Menge erscheinen, aber tatsächlich werden Sie feststellen, wenn Sie mit einem mehrspaltigen Gitter wie diesem arbeiten , dass es wirklich phonisch ist, es macht Sie frei, indem Sie Ihnen so viele weitere Optionen geben. Jetzt haben wir die Hilfslinien erstellen hinzugefügt. Wenn Sie sich erinnern, ist es ein Pulldown-Menü aus dem Layout oben in der InDesign-Eingabeaufforderung, und es gibt uns unsere horizontalen Zeilen, sehr wichtig. Ich habe gerade zufällig 10 ausgewählt. Als nächstes ermutige ich Sie zu beginnen, einige Miniaturansichten zu erstellen. Also, wie machen Sie Thumbnails? Was sind Thumbnail? Also, Thumbnails sind im Wesentlichen ein kleiner Mini-Blueprint zu dem, was Sie versuchen werden zu erreichen und zu entwerfen. Also, Sie können hier in meinen Zeichnungen sehen, Sie müssen nicht gut zeichnen, Sie wollen wirklich nur einige verschiedene Techniken angeben , wie groß Fotografien sein werden, wo sie im kompositorischen Raum erscheinen werden und einige Gedanken darüber, wie Sie sich Ihrer typografischen Hierarchie nähern. Sie können also mit einem genaueren Blick sehen, dass ich einen Bleistift benutzt habe und was das erlaubt ist, ist es mir erlaubt, die Leine zu schieben und zu ziehen, so dass einige Bereiche des Typs dunkler und etwas leichter sind. Also fange ich an, einfach zu spielen und ein Gefühl davon zu bekommen wie ich eine Trennung zwischen den Elementen schaffe. Wenn Sie sich erinnern, sind das Grundprinzip der Hierarchie Zeichen der Trennung, so finden Sie Wege, um eine Unterscheidung von dem, was zwischen einem Element und dem nächsten zu schaffen. Also, hier ist es wirklich nur eine Reihe von Kritzeleien, aber Sie können sehen, wenn Sie es betrachten, Sie können spüren, wie die Dinge sich trennen, auch wie ich beginne, Elemente durch die Seite zu bewegen. Also, mit diesem Feld, habe ich eine Reihe von Optionen, die ich erkunden kann. Als nächstes werde ich beginnen, sie in einige Layouts zu bauen. Also, jetzt werden wir eine klare typografische Hierarchie definieren. Der erste Schritt zum Erstellen Ihres Layouts besteht darin, alle Ihre Assets einzubeziehen. Also, wir haben Sie bereits gebeten, drei bis sechs Fotos auszuwählen, wir möchten auch, dass Sie einen Text auswählen, um eine Überschrift, einen Unterkopf, möglicherweise Untertitel zu erstellen und wenn Sie wirklich wild gehen wollen, können Sie auch Dinge wie Seitenzahlen hinzufügen und vielleicht erfinden Sie eine Titel für Ihre Zeitschrift. Wenn Sie also keine Kopie für Ihre Layouts haben, verwenden Sie Wikipedia, irgendetwas Open Source, das nicht urheberrechtlich geschützt ist, ist es absolut in Ordnung. Für eine Überschrift und einen Unterkopf oder ein Deck, ich denke, du könntest kreativ sein und dich selbst einfallen, warum nicht? Also, Sie können hier sehen, ich habe die Überschrift sehr groß und mutig in dieser schönen Schrift Lava gemacht. Ich habe einen Unterkopf genommen und ich habe es in Großbuchstaben gemacht, ich fühlte, dass es eine schöne saubere einfache Linie gemacht hat, ich mag das. Dann im Text sehen Sie, dass ich einen Teil der Texte genommen habe , von denen ich dachte, es geht um Design der Verbotenen Stadt, die insbesondere das Thema Peking ist, auf das ich mich konzentriere, und ich habe es ein wenig kühner gemacht, damit es sich als Subtext herausstechen würde, eine andere Ebene der Komplexität. So können Sie sehen, dass in dem Layout, das ich erstellt habe, es ist eine Zwei-Seiten-Verteilung und eine hypothetische Zeitschrift, aber Ihr Layout könnte alles sein. Es könnte ein Poster sein, es könnte alles sein, was Sie wollen, was Sie sich wohl fühlen. Sie können auch sehen, dass ich mit Skala und den Fotografien gespielt. Das Foto auf der rechten Seite habe ich viel größer gemacht und links die anderen beiden klein an dieser Stelle. Sie können auch feststellen, dass die Fotos an den Rand der Seite links, unten und rechts bluten . von den Fotografien kommen, können Sie die Untertitel sehen, sie sind im Raster verankert. Aber auch auf der rechten Seite sehen Sie, dass diese Beschriftung am Bildrand verankert ist. In unserer Form oder einem Rand eines Bildes oder Form innerhalb Ihres Layouts, ist oft ein sehr guter Ort, um Text oder Topographie zu verankern. Also, ich möchte nur auf eine andere Sache über die Ausrichtung hinweisen, die wir unser Raster verwenden, wir wollen auch bewusst sein, dass Ausrichtungen, die wir durch Platzierung von Bildern und Texten erstellen. Also, hier, worüber ich spreche, ist, wenn man sich die Ausrichtung zum Beispiel des kleinen Mädchens anschaut und wie sie mit einem Text wirklich sauber ausgerichtet ist, schafft es eine schöne gestochen scharfe Linie über die gesamte Seite. In ähnlicher Weise, wenn Sie sich die Überschrift ansehen, sitzen alle Buchstaben auf einer Grundlinie und Sie können sehen, dass die Grundlinie dieses Titels darauf folgt und es mit diesem großen groben Brennbild ausgerichtet ist. Schön, schafft schöne Struktur. Also, wenn ich es jetzt anschaue, denke ich, ich will nicht, dass alle Bilder bluten. Also, hier können Sie sehen, ich habe das Bild auf der linken Seite gelassen, um an den Rand zu bluten, aber die anderen beiden zog ich in. Ich habe immer noch die dramatische Skalenänderung und Variation in den drei Fotografien, aber jetzt können Sie sehen, dass ein bisschen mehr Energie los ist , weil einige von ihnen nicht bluten und einer von ihnen tut. Beachten Sie auch, dass das Foto auf der rechten Seite viel größer wird, eine dynamische Asymmetrie erzeugt. Also, hier ist unser letzter Schritt. Nun werden wir einige alternative Layouts mit unserer bereits etablierten typografischen Hierarchie erkunden . Also, ich hatte eine Idee mit diesem schönen kleinen Mädchen und es erscheint in den ersten Layouts, die ich als kleines Juwel wie kleines Bild gemacht habe , um sie riesig zu machen und die Rahmung und das Zuschneiden dieses bestimmten Bildes zu ändern und sie wirklich groß zu machen. Also, hier habe ich einfach die Topographie aus dem letzten Layout in dieses Layout importiert und was Sie bemerken können ist, dass es zu dunkel ist, es ist schwer zu lesen, man könnte es nie lesen. Also, was ich getan habe, ist es zu ändern, um zu wiegen, alle Typografie, die vorher in Schwarz existierte, wird einfach auf Weiß umgedreht. Aber da fehlt etwas, was ich fühle. Ich fühle, dass die rechte Seite etwas braucht, also werde ich ein Foto hinzufügen, es ist immer noch asymmetrisch, aber ich fühle, dass es mit diesem Foto auf der rechten Seite etwas ausgeglichener ist. Also, hier ist ein ganz anderes Layout mit einem völlig anderen Foto. Mein Denken dabei war für das Thema Verbotene Stadt, dass dieses riesige Eisentor ein perfekter Brennpunkt für diese Nachrichtenverbreitung sein würde , die ich entwerfe. Sehen Sie, die Topographie ist immer noch ziemlich gleich; gleiche Größen und Gewichte und Verteilung. Ich habe sie gerade mit einem neuen Foto voller Blutung reingebracht. Was ich jetzt bemerkte, jetzt, wo ich es betrachte, ist, dass die rechte Seite dieses Bildes eine unangenehme kleine Lücke auf der rechten Seite hat , das gefällt mir nicht. Bumm! Ich kümmere mich um, siehst du, ich werde diese kleine Lücke herausnehmen, es macht es einfacher zu betrachten, oder ich bleibe einfach nicht daran hängen, was wichtig ist, ich nenne das ein visuelles Reizmittel. Also, um dieses neue Foto zu unterstützen, das ich ihm mit diesem eisernen Tor mitgebracht habe, das all diese kreisförmigen Elemente darin hat, beschloss ich, den Schlagzeilentyp so zu ändern, dass er diese Architektur reflektiert. So, Sie können sehen, dass ich jetzt National in einem wirklich klobigen Gewicht verwende. Sie können die Punkte der I das J und das I sehen, sind nur eine schöne kleine Sequenz von riesigen schweren Punkten. Um diesem Layout etwas Reichtum hinzuzufügen, habe ich beschlossen, Fotos zu wählen, von denen ich dachte, dass sie mit diesem großen Gate-Bild auf interessante und unterschiedliche Weise gearbeitet haben. Die Betonstücke an der Unterseite, Ich fühlte mich auch hatte die Kreise, die wir versuchen ein zu holen, aber dann die anderen Bilder ist viel organischer und natürlicher und ich dachte, dass einen schönen Kontrapunkt zur Steifigkeit der Tor. Immer noch gibt es etwas, das mich an diesem Layout stört, und das ist es. Was ich tun wollte, ist, dass das Tor auf der linken Seite beginnt , weil es nur Sinn macht, dass das Tor dich aus der Verbotenen Stadt fernhält und alle Informationen auf der Innenseite liefert. Indem man sich nach links bewegt es ganz einfach bewegt, ist es eine wirklich schöne Einführung in das Kapitel, das ich dachte. Hier und schließlich habe ich die Sekundärbilder umgedreht, so dass der kühle Beton neben dem heißen schweren Eisentor steht und ich denke, sie funktionieren besser zusammen. Auch indem er es von der Blutung im Rand abzieht, gibt es ihm ein wenig mehr Platz und es ist einfach schöner kompositionell. Hier können Sie die endgültigen Versionen von drei Layouts sehen, die ich erkundet habe. Sie können in jedem von ihnen sehen, dass die Topographie ziemlich ähnlich ist, aber jeder von ihnen hat ein ganz anderes Gefühl, basierend darauf, wie ich mit den Bildern und den Prinzipien der Framing, Skalierung, Symmetrie, Zuschneiden und Hierarchie gearbeitet habe . Sie fragen sich vielleicht, wie Sie das tun, wenn Sie InDesign nicht kennen? Nun, natürlich können Sie jedes Programm verwenden, solange Sie die gleichen Prinzipien nutzen und Sie wirklich über die Lektionen nachdenken , die wir Ihnen gerade gegeben haben, könnten Sie alles gebrauchen. Sie könnten Illustrator verwenden, Sie könnten PowerPoint verwenden, egal in welchem Programm Sie sich wohl fühlen. Während Sie die Galerie der Arbeit anderer Leute durchsuchen, ermutige ich Sie, in Ihren Kommentaren über die Prinzipien, die wir gerade durchgemacht haben, spezifisch zu sein , so dass anstatt nur zu sagen, dass Sie es mögen oder Sie es nicht mögen, denken Sie darüber nach, warum, denken Sie über die Prinzipien und was Sie sagen könnten, die hilfreich für die Person sein könnte, die ihre Arbeit hochgeladen hat. Ich bin so aufgeregt, deine Layouts und deinen Prozess in der Klasse zu sehen. 8. Schlussbemerkung: Vielen Dank, dass Sie uns in unserer Klasse beigetreten sind. Es hat so viel Spaß gemacht, durch die Grundlagen des Grafikdesigns zu gehen und mit Ihnen zu teilen Prinzipien, die Sie auf Ihre nächste Publikation, Magazin, PowerPoint, ein Sammelalbum für Ihre Hochzeit anwenden können , alles, was Typ und Bild verwendet, um Ideen zu kommunizieren. Worüber haben wir geredet? Was haben wir gedeckt? Oh, meine Güte! Wir haben die Grundprinzipien des Grafikdesigns behandelt. Nicht alle von ihnen, aber einige der wirklich wichtigsten. Wir haben die Rahmung abgedeckt. Wir haben die Skala abgedeckt. Wir haben Hierarchie, Zuschneiden, Symmetrie und Asymmetrie behandelt . sind Prinzipien, die Sie in allen Arten von Projekten tragen können , die schnell und nützlich sind , und sie sind im Hintergrund wirklich jedes Stück Grafik-Design sind diese grundlegenden Prinzipien. Wenn Sie dies tiefer machen möchten, schauen Sie sich unsere anderen Kurse auf Skillshare an. Ich habe einen Kurs über Typografie und ich habe einen Kurs zum Thema Plakatdesign. Oder schauen Sie sich unser Buch an, das gemeinsam verfasst wurde, Graphic Design The New Basics, jetzt in seiner zweiten Auflage. Hier können Sie die Ideen, über die wir heute gesprochen haben, genauer betrachten, sowie fortgeschrittene Prinzipien wie Ebenen und Transparenz, Zeit und Bewegung, Gestaltpsychologie. Tolle Ideen, um Ihr Grafikdesign auf die nächste Ebene zu bringen. Wenn es eine Sache gibt, die Sie aus dieser Klasse nehmen können, die alles miteinander verbindet, über was wir gesprochen haben, ist, dass Grafikdesign alles um Beziehungen, Symmetrie und Asymmetrie, Zuschneiden, Skalieren, Raster geht. Es geht darum, wie Elemente sich auf andere Elemente auf der Seite beziehen, wie sie sich auf den Gesamtrahmen beziehen, wie sie sich auf uns als Betrachter beziehen. Scale, wie groß ist es für mich? Wir freuen uns, Ihre Layouts zu sehen. Sie können sie in InDesign, Illustrator oder PowerPoint oder einem beliebigen Programm erstellen , in dem Sie arbeiten möchten. Stellen Sie einige Bilder zusammen, die Sie lieben, mit etwas Text und sehen Sie, wie Sie diese Stücke zusammenpassen, um zu kommunizieren. 9. Erfahre mehr mit Ellen Lupton: