Grafische Illustration: Mutig gestalten mit Farbe und Form | Olimpia Zagnoli | Skillshare

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Grafische Illustration: Mutig gestalten mit Farbe und Form

teacher avatar Olimpia Zagnoli, Illustrator

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Einheiten dieses Kurses

12 Einheiten (1 Std. 13 Min.)
    • 1. Einführung

      1:33
    • 2. Die Sprache der Farbe

      9:40
    • 3. Inspiration und Ressourcen

      7:14
    • 4. Ideen skizzieren

      10:53
    • 5. Skizzieren deiner Illustration

      4:43
    • 6. Digitalisieren deiner Skizze

      10:26
    • 7. Zeichnen mit Formen

      10:03
    • 8. Optimierung deiner Illustration

      10:08
    • 9. Farbe auftragen

      4:28
    • 10. Mit Farbe experimentieren

      10:04
    • 11. Abschluss

      3:38
    • 12. Was kommt als Nächstes?

      0:37
  • --
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  • Alle Niveaus

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392

Projekte

Über diesen Kurs

Farbe und Form sind starke Kommunikationsmittel in Design und Illustration — und dieser Kurs wird deine Kenntnisse vertiefen.

Begleite die berühmte Illustratorin Olimpia Zagnoli auf einem informativen Kurs, in dem sie ihren durchdachten, unerwarteten Einsatz von Farbe vorstellt. Inspiriert von ihrer italienischen Herkunft und von Künstlern, die sie bewundert, sind ihre Illustrationen das perfekte Mittel, um das Zusammenspiel von Inspiration und Techniken zu ergründen — und wie du sie in deiner eigenen grafischen Illustrationsarbeit kombinieren kannst.

In jeder Kurseinheit wird deutlich, wie Illustration ein Werkzeug sein kann, um eine Botschaft zu vermitteln. Du wirst Folgendes erkunden:

  • Inspiration und Ressourcen
  • Die Wirkung einfacher Formen, sowohl beim Skizzieren als auch bei der digitalen Illustration
  • Auswahl von Farben, die zu deinem künstlerischen und redaktionellen Konzept passen
  • Der letzte Schliff an deiner Illustration

Egal, ob du gerade erst anfängst oder schon Erfahrung in der Illustration hast, du wirst mit einem durchdachteren Ansatz an deine Arbeit herangehen und Techniken erlernen, die du in dein stilistisches Repertoire aufnehmen kannst. Alle Kursteilnehmer:innen werden ermutigt, die abschließende Aufgabe mit uns zu teilen: die Erstellung einer Illustration eines Selbstporträts von Anfang bis Ende.

______________

Was du lernen wirst

  • Einführung. In diesem Illustrationslehrgang lernst du, wie du deine Persönlichkeit und Identität in ein ausdrucksstarkes Selbstporträt umsetzen kannst.
  • Die Sprache der Farbe Olimpia Zagnoli nimmt dich mit auf ihre persönliche Reise zur Entdeckung von Farben und zeigt dir, wie du sie sinnvoll einsetzen kannst. Du bekommst ein Gespür dafür, wie man Farben „verantwortungsvoll“ einsetzt, d. h. sich mit politischen und kulturellen Konnotationen auseinandersetzt, die mit bestimmten Farben in bestimmten Kontexten verbunden sind, und wie man es vermeidet, mit der Verwendung von Farben zu übertreiben.
  • Inspiration und Ressourcen Bevor du mit diesem Illustrationskurs ernsthaft beginnst, musst du deine eigene Individualität entfalten. Du lernst, dies zu tun, indem du dir eine Reihe von Fragen stellst, beginnend mit: „Woher kommst du?“ Olimpia wird erzählen, wie ihr Hintergrund und ihre Heimatstadt ihre Arbeit auch heute noch inspirieren und dich überzeugen, dass Qualität wichtiger ist als Quantität.
  • Ideen skizzieren. Du lernst, wie du mehrere Konzepte in einer einzigenGrafik kombinierst. Schließlich wirst du einen Rahmen für deine Illustration festlegen und innerhalb dieses Rahmens eine Skizze von dir selbst anfertigen. Denke daran, wie sich Aktionen in ein unbewegtes Bild übertragen lassen und ein Gefühl für deine Person vermitteln.
  • Skizzieren deiner Illustration. Jetzt kannst du die Idee, die du in deinen ersten Skizzen entwickelt hast, weiterentwickeln und eine Version erstellen, die du digitalisieren möchtest. Du lernst, wie du deine Komposition farblich ausgewogen gestaltest und wie du nur wenige Farben in deinem Entwurf verwenden kannst.
  • Digitalisierung deiner Skizze Du wirst sehen, wie Olimpia aus ihrer ursprünglichen Skizze ein digitales Gemälde erstellt, indem sie auf einem Tablet zeichnet, das mit ihrem MacBook Pro verbunden ist. Du lernst, auf welche Elemente du dich beim Zeichnen in Adobe Illustrator zuerst konzentrieren solltest und welche Teile des Bildes du auf später verschieben kannst.
  • Zeichnen mit Formen Du lernst, wie du erkennst, wo Illustrator und andere Illustrationsprogramme deine Arbeit automatisch für dich „reparieren“ und wie du dies vermeiden kannst, um ein individuelleres Endprodukt zu erhalten. Olimpia zeigt dir einige Techniken, die dir helfen, Fehler in deinem digitalen Bild zu erkennen, indem du mit seiner räumlichen Ausrichtung spielst.
  • Optimierung deiner Illustration Du bekommst Tipps, wie du deine eigenen, einzigartigen Referenzbilder bekommst und wie du Fotos in digitale Illustrationen umwandelst. Du lernst, wie du die Realität veränderst und dabei trotzdem ein Gefühl für die physischen Gegebenheiten in deiner Arbeit beibehältst, und wie du kleinere Anpassungen in Illustrator vornimmst, die es dir ermöglichen, „deinen eigenen Stil beizubehalten, auch wenn du die Tools anderer verwendest.“
  • Der Einsatz von Farbe Du übst den Umgang mit Farben in einer ansonsten fertigen Komposition. Olimpia nimmt dich mit auf eine Entdeckungsreise zu Künstler:innen, die sie bei der Verwendung von Farben inspiriert haben, und zeigt dir, wie du eine Farbpalette findest, die die Stimmung ausdrückt, die du in der Arbeit darstellen möchtest.
  • Mit Farbe experimentieren Du erhältst Ideen für Farben und Muster und lernst, den Gedanken an Perfektion zu überwinden und stattdessen etwas Interessantes zu schaffen. Außerdem lernst du, wie man vermeiden kann, dass sich Bilder, die man innerhalb desselben Designs kopiert und einfügt, wiederholen, indem man unerwartete Muster und Farbtöne verwendet.

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Teacher Profile Image

Olimpia Zagnoli

Illustrator

Kursleiter:in

Olimpia Zagnoli was born on a leap day in a small city in Northern Italy. She moved to Milan at an early age and graduated from the Istituto Europeo di Design in 2006. She has been working as an illustrator ever since. Her client list includes, among others, The New Yorker, Taschen, Google, Vanity Fair, The New York Times, The Guardian, Fendi. Her work has been exhibited in several galleries worldwide. Her style is characterized by soft shapes and chameleonic colors. She lives in Milan in a house with kaleidoscopic floors.

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Transkripte

1. Einführung: Es spielt keine Rolle, was Sie in allem um sich herum haben, kleine Sache, die Sie eine Quelle der Inspiration finden könnten. Also, wir sind hier, um das zu kultivieren und es in etwas Fantastisches zu verwandeln. Hallo, mein Name ist Olimpia Zagnoli, und ich bin Illustrator mit Sitz in Mailand, Italien. Wenn ich meine Arbeit beschreiben müsste, würde ich wahrscheinlich sagen, dass sie wirklich bunt ist, aber gleichzeitig einfach ist, da die Illustration immer beliebter wird, denke ich, dass es wichtig ist zu wissen, woher man kommt, wissen, was Ihre Referenzen sind, um ein einzigartiger Illustrator zu werden und glücklich und erfolgreich zu sein. Heute werden wir einen Blick auf meinen kreativen Prozess werfen und sehen, wie ich versuche, all diese Elemente in eine Illustration zu integrieren und wir werden das tun, indem wir Selbstporträts erstellen. Ich habe hart gearbeitet, um meine eigene Stimme zu finden. Am Anfang war es wirklich schwer, weil ich wusste, was ich mochte, aber ich wusste nicht, wie ich es auf meine eigene Weise auf dem Papier übersetzen sollte, und so brauchte es viel Zeit, um einfach zu versuchen , all diese Elemente, die ich liebte, in etwas zu integrieren. Das war meine, fast was ich tue, spricht meine Sprache, also habe ich Glück, dass ich jetzt da bin. 2. Die Sprache der Farbe: Einmal, was für mich wirklich wichtig ist, ist Farbe. Als ich anfing zu arbeiten, war ich wirklich schüchtern in der Farbabteilung meiner Arbeit. Weil ich das Gefühl hatte, dass die Farbe so stark war, dass sie die Stimmung eines Stückes wirklich verändern könnte , besonders wenn es mit einer anderen Farbe oder mit mehr Farben gepaart wurde. Je mehr ich begann, diese Sprache zu erforschen, weil ich denke, dass es tatsächlich eine Sprache ist, desto mehr begann ich, sie verantwortungsvoller zu verwenden oder nicht, je nach Fall. Es hat mich Jahre gedauert, mutiger in der Verwendung von Farbe zu werden und viele Farben, die ich hasste, wurden meine Lieblingsfarben. Viele dieser Farben hatten eine sehr spezifische Konnotation in meinem Gedächtnis. Zum Beispiel waren die gelben und braunen zusammen etwas, das ich hasste, weil sie mich an die Topflappen meiner Oma erinnerten und dann im Laufe der Zeit änderten sie sich und ich fing an, sie ein wenig zu benutzen und sie zu integrieren ein wenig in meinen Stücken bis jetzt, dass ich sie zusammen liebe, weil sie etwas Neues und aufregender geworden sind und sie haben jetzt eine ganz andere Konnotation als das, was sie vor Jahren hatten. Am Anfang benutzte ich vor allem viele graue Hintergründe und ich würde Rot, Blau und Gelb als sichere Wahl verwenden . Primärfarben nehmen den Druck von Ihrer Farbwahl ab und ermöglichen es Ihnen, an der Struktur der Illustration, an dem dahinter liegenden Konzept zu arbeiten und gleichzeitig eine sehr sichere und elegante Wahl zu treffen. Ich würde Schülern und Anfängern vorschlagen, diese Farben zu verwenden, wenn Sie nicht wissen, welche Farbe Sie wählen sollen, wie Blau, Rot und Gelb sind immer eine gute Wahl und je mehr Sie sie verwenden werden, desto mehr lernen Sie, wie Sie einige andere Farben, um sie und ändern Sie sie und machen interessante Mischung ausgehend von ihnen. Mit der Farbe können Sie die Stimmung für eine Szene einstellen. Sie können auch eine Farbe viele Interpretation geben, wenn Sie wissen, wie man es benutzt. Zum Beispiel ist Schwarz eine Farbe, die normalerweise sehr dunkel und düster ist. Aber wenn Sie es mit anderen Farben, mit lebendigeren Farben mischen , wird es sehr fröhlich und sehr lebendig. Es könnte wie der Hintergrund einer grafischen Komposition sein. Es könnte eine Illustration über Licht in der Dunkelheit sein. Es könnte ein schönes, elegantes Kleid sein. Es hängt wirklich davon ab, wie Sie es verwenden. Zum Beispiel war Rosa so mädchenhaft für mich, dass ich es nicht einmal in meinen Arbeiten verwenden konnte, als ich anfing arbeiten, und dann lernte ich, wie man es benutzt und wie man es mit anderen Farben kombiniert, und jetzt fühlt es sich für mich überhaupt nicht mädchenhaft an. Es fühlt sich an wie eine sehr große neutrale Farbe, die sich so gut anfühlt, mit anderen Farben zu mischen, vor allem Farben, die in einer Weise wie Braun- und Grautöne langweilig sind und sie so gut zusammen arbeiten. Es wurde tatsächlich eine Farbe, die ich viel benutze und ich liebe jetzt. Je mehr Sie Farben verwenden, desto mehr werden Sie neue Bedeutungen für die Farben herausfinden. Ich habe nie ein Limit in der Verwendung von Farben gesetzt, die ich für ein Stück verwenden werde. Aber ich neige dazu, drei bis vier Farben in jeder Illustration zu verwenden, die ich mache. Besonders bei Studenten finde ich heraus, dass es wirklich wichtig ist, ihnen manchmal ein Limit zu geben. Denn Farben sind so aufregend und Sie wollen sie verwenden. Vielleicht haben Sie ein neues Bleistiftset oder was auch immer und Sie wollen alle von ihnen verwenden. Aber wieder, wie ich schon sagte, ist die Kraft der Farbe so wichtig und so schwer, dass manchmal, wenn man zu viele Farben setzt, es zu schwer wird und man verliert die Konzentration und man weiß nicht, was der Hauptaugenmerk von das Bild. Fragen Sie sich, wie viele Farben ich für dieses Stück verwenden möchte, ist immer eine gute Frage, um an einem Stück zu arbeiten. Dann, während Sie darin sind, können Sie eine weitere Farbe hinzufügen oder Sie können eine der Farben ausziehen und sie werden Ihnen einen so großen Unterschied im letzten Stück zeigen. Schwarz kann so viele Bedeutungen haben. Zum Beispiel gibt es ein Stück von Fortunato Depero , einem italienischen Futurist und einer meiner Lieblingskünstler, wo er Schwarz verwendet, um die Charaktere zu unterstreichen, die er in seinem Stück hat. Er paart es mit Weiß und Rosa und es wird sehr lebendig und sehr fröhlich in gewisser Weise. Nun, es gibt noch ein Stück von Dick Bruna. Es ist ein Bucheinband und er verwendet Schwarz im Paar mit Rot und das ist ein sehr starker Kontrast. Er benutzt es, um eine Mysterienszene zu beschreiben. Immer wenn ich einen neuen Auftrag bekomme, frage ich mich immer, welchen Charakter ich repräsentieren möchte? Nehmen wir an, ich bekomme eine Aufgabe, der Chef einer großen Firma zu sein. Ich bin sehr glücklich, weil ich für eine Sekunde anhalten kann und mich fragen kann, ich eine Frau vertreten möchte? Möchte ich einen Mann vertreten? Möchte ich eine schwarze, blaue, weiße, gelbe Person vertreten, um der Chef dieses Unternehmens zu sein? Meistens werden meine Entscheidungen von einem Art Director akzeptiert. Um für eine Sekunde anzuhalten und sich zu fragen, was ist die Geschichte, die Sie erzählen möchten? Ich denke, es ist sehr wichtig und es ist eine Verantwortung, die jeder, der mit visuellen Bildern arbeitet, haben sollte und sollte. Denn sobald die Arbeit gedruckt ist, wird Ihr Publikum die Wahl erkennen , die Sie getroffen haben, und wenn Sie keine Wahl treffen, treffen Sie sowieso eine Wahl. Ich denke, es ist wirklich wichtig, Ihr Stück entsprechend Ihren Bedürfnissen und Ihren Gedanken über die Welt anzusprechen . Als ich zum ersten Mal nach New York kam, nahm ich die U-Bahn und erkannte, dass es so viel Kunst um mich herum gab. Ich versuchte sofort zu finden, wer für dieses Kunstprogramm verantwortlich war. Und ich fand heraus, dass MTA tatsächlich ein Kunstprogramm hatte, und ich schickte eine E-Mail, ich glaube, es war 2008 und ich habe jahrelang nie mehr von ihnen gehört. Vor zwei Jahren, vielleicht vor drei Jahren, bekam ich diese E-Mail von einem ihrer Direktoren und sie luden mich ein, Teil dieses Projekts zu werden und ich war super aufgeregt. Die Aufgabe war es, ein Poster über die Stadt New York zu erstellen. Es war ein super-weites Konzept. Ich musste nur entscheiden, welche Geschichte ich erzählen wollte. Ich fing an, über die Idee dieser Frau aus Harlem nachzudenken, die den ganzen Weg zur Freiheitsstatue spazieren und bei Sonnenuntergang dorthin gelangen würde . Und als ich anfing zu skizzieren und fing an all diese Farben Uhren um meine Skizzen zu machen, wusste ich sofort, dass ich wollte, dass sie eine Frau der Farbe ist, weil ich dachte, das wäre wirklich authentisch für meine Geschichte. Ich baute die Farbpalette um das herum. Ich wählte die Farbe für ihre Haut, und dann um sie herum, habe ich die anderen Farben entsprechend ausgewählt. Ich wusste genau, was ich am Anfang porträtieren wollte , und ich wähle die Hauptfarben und dann begann ich mit ihnen zu spielen und ich dachte, es wäre interessant, eine Farbe oder einige Farben einzuführen, die nicht so erwartet wurden. Zum Beispiel hat sie orange helle Haare, die vielleicht nicht so erwartet werden. Ich denke, es ist interessant, die Perspektive dessen zu ändern, was Sie denken, es wird natürlich und normal sein und versuchen, es von einem anderen Standpunkt aus zu sehen. Die Plakate, die ich gemacht habe, waren früher auf den Bahnsteigen der U-Bahn in den Zügen, und sie wurden von so vielen Menschen gesehen. Es war wirklich unerwartet für mich. Es war wirklich spannend, weil ich die Chance hatte, mit so vielen Menschen zu interagieren, die normalerweise nicht mein Publikum sind. Ich bekam Bilder, ich bekam E-Mails von Leuten, die Pendler waren, die jeden Tag mit ihren Kindern, mit ihren Familien, für die Arbeit den Zug fuhren und das ist wirklich wie ein Fenster auf einer Welt, die ich selten von meinem kleinen Atelier. Es war wirklich ein ganz besonderes Projekt für mich. 3. Inspiration und Ressourcen: Was ich herausgefunden habe, Unterricht ist, dass Studenten meistens das Gefühl haben, dass sie ins Ausland gehen müssen, um es zu schaffen oder sie müssen sich von anderen Illustratoren inspirieren lassen , die vielleicht aus den USA oder sie sind asiatisch, und das ist großartig denn offensichtlich ist das Kopieren von Illustratoren eine großartige Übung. Aber ich denke, dass sie vergessen, dass der Grund, warum sich diese Illustratoren so exotisch und aufregend fühlen , weil sie einzigartig sind. Also, wir müssen diese Einzigartigkeit, die wir in uns haben, kultivieren. Um das zu tun, ist es immer sehr gut, sich ein paar Fragen zu stellen, bevor Sie mit der Arbeit beginnen. Eine der Fragen ist, woher kommst du? Man könnte denken, dass der Ort, wo man herkommt, der langweiligste Ort der Erde und dass es nichts Gutes daran gibt. Aber ich wette, dass jeder einzelne Ort ein Potenzial hat. Zum Beispiel bin ich aufgewachsen, ich meine, ich wurde in Reggio Emilia geboren , eine sehr kleine Stadt im Norden Italiens und es ist in einem Flugzeug. Also, wenn Sie stundenlang einen Zug nehmen, sehen Sie nur zwei Streifen aus dem Fenster. Einer ist blauer Streifen für den Himmel und ein Streifen für das Gras. Also, es gibt nichts wirklich Interessantes daran, aber ich denke, dass ich es irgendwie so lange im Hinterkopf hatte, und das ist wahrscheinlich der Grund, warum zum Beispiel, wenn ich Landschaften zeichne benutze ich eine sehr zweidimensionale Art wie Orte zu erzählen, und vielleicht könnte das der Grund sein, warum ich Streifen so sehr liebe. Ich trage immer Streifen, ich ziehe immer Streifen auf die Kleidung meiner Figur. Wieder, Sie könnten das Gefühl haben, dass Ihr Leben nicht so aufregend ist, aber wenn Sie sich nur umsehen, aber wenn Sie sich nur umsehen,werden Sie etwas Besonderes sehen, und das gehört Ihnen. Zum Beispiel, als ich aufwuchs, hatte meine Mutter viele Kunstbücher im Haus, die natürlich sehr nützlich waren. Aber wenn man ein Kind ist, interessiert man sich nicht wirklich für Kunst an sich. Also, ich würde mir die Buchumschläge ansehen und die meiste Zeit, würde ich das Buch öffnen und das Buch war total langweilig für mich. Also, ich würde nur die Buchumschläge anstarren. Ich erinnere mich, dass meine Mutter dieses Buch über Architektur hatte, es war wie fantastische Architektur. Auf dem Cover hatte es dieses Haus, das ist im Grunde ein Gesicht und ich fand Jahre später heraus, dass es tatsächlich ein Gebäude von Nikki de Saint Phalle ist. Ich fand es so interessant, weil dieser Künstler etwas nehmen konnte, das ein Gesicht ist, mit großen Augen und einem großen Mund mit einer Zunge draußen und es in eine Architektur verwandeln konnte. Also, ich denke, dass von all diesen Dingen, die ich mich umsehen würde, dass ich im Haus finden würde, so dass ich nie wirklich gedacht, dass sie etwas Besonderes sind. Ich nahm kleine Teile davon und verwandle sie in etwas, das jetzt mein Stil ist. Eine andere Sache, die ich aufgewachsen hatte, war Musik. Früher hörte ich viel Musik und ich denke, es gab einen Moment, in dem Musik mir das Leben gerettet hat. Als ich ein Teenager war, trennten sich meine Eltern und ich hatte das Gefühl, dass ich eine Art Gemeinschaft um mich herum brauchte , die mich verstehen konnte und ich sie nicht in meinem Klassenzimmer finden konnte. Dann entdeckte ich, dass Punk und Punk wirklich wichtig für mich war weil es mir eine Art Trost gab und im Punk entdeckte ich viele Dinge, die ich nicht erwartet hatte. Zum Beispiel sah ich nicht nur die Musik, sondern auch den Stil, und ich sah vor allem, dass die Rolle der Menschen in Punk, wo es sehr anders war, als ich mir vorgestellt. Besonders die Rolle der Frauen war für mich sehr interessant weil Frauen in Punk frei sein könnten, könnte übertrieben sein, könnte ein Minirock tragen und dann blaue Haare haben, und singen in einer Band, und das Zentrum der Aufmerksamkeit, ohne sich beurteilt zu fühlen. Das war etwas, das so mächtig war, und es bleibt mir so sehr, dass ich jetzt denke, meine Charaktere wie die Frauen, die ich dargestellt habe aber auch die Männer haben keine Angst, anders zu sein, und keine Angst davor, verrückte Haare zu haben, oder tragen Dinge, die normalerweise nicht mit ihrem Geschlecht verbunden sind, zum Beispiel, was ein weiteres Merkmal von Punk ist. Wieder muss es sich anfühlen, als wären sie nicht so wichtige Dinge deines Lebens, aber dann gibt es immer eine Möglichkeit, sie in deine Kunst einzusetzen. Heutzutage sehe ich viele Studenten und Anfänger, die versuchen, Inspiration auf ihrem Instagram, auf Pinterest, auf Google Images zu finden , und das ist großartig, weil es viel Material gibt und das ist fantastisch. Aber ich denke, wenn Sie einen Schritt zurück machen, ist es interessanter, für eine Sekunde anzuhalten und sich vor dem Produzieren ein paar Fragen zu stellen. Produzieren ist großartig und es lässt Sie sich aktiv fühlen, und es ist großartig zu teilen, was Sie getan haben. Aber ich denke, dass es wichtiger ist, an der Qualität des Stückes zu arbeiten, das Sie herstellen, anstatt an der Quantität und wie viel es im Internet zu sehen ist. Um für eine Sekunde zurücktreten und an der Qualität des Stückes arbeiten zu können, denke ich, dass es wirklich wichtig ist, sich wieder zu fragen, wer bist du? Woher kommst du? Anstatt diese Angst vor dem Produzieren und Produzieren zu haben, ist es wirklich wichtiger, sich darauf zu konzentrieren, was hinter dem Stück steckt, wer du als Künstler bist, und nur indem du deine wahre Art findest, Dinge zu sagen, denke ich, du werden zu einem Künstler, der einzigartig ist. Ich glaube, ich habe meine Sprache und meinen Lebensstil entwickelt. Aber jeder Tag ist eine neue Herausforderung. Ich will nicht immer wieder dieselben Dinge machen, und wann immer ich das Gefühl habe, fühle ich mich ein bisschen unwohl damit. Also versuche ich immer, neue Techniken zu verwenden, und selbst wenn ich sie nicht im Internet teile oder wenn du sie nicht in meiner Arbeit siehst, sind sie in meinem Studio. Sie sind auf dem Boden. Sie sind in den Schubladen. Ich denke, es ist wirklich wichtig, sich nicht an eine Sache zu halten , weil es gut läuft, weil Sie es für nett halten, aber es ist auch sehr wichtig, jeden Tag an Ihrer Praxis zu arbeiten und neue Wege zu finden. Andernfalls wird Ihr Job sehr bald langweilig werden, und der Zweck Ihrer Arbeit ist nicht nur, ein schönes Bild zu machen, sondern es ist, ein besserer Künstler zu werden. 4. Ideen skizzieren: Also haben wir viel über Orte gesprochen, wo wir herkommen und jetzt, wo wir anfangen würden zu skizzieren, werde ich über den Ort nachdenken, wo ich gerade bin, ich bin in New York. Wie gesagt, ich würde gerne ein Selbstporträt machen , aber ich wollte auch die Tatsache, dass ich gerade in New York bin und dass ich New York liebe und es eine Stadt ist, in der ich viel Zeit verbringe. Also versuche ich, diese beiden Konzepte zusammenzustellen und zu sehen, was auftaucht. Also, wir werden anfangen zu skizzieren, ich werde mein übliches Skizzenbuch benutzen und nur den Bleistift. Normalerweise beginne ich mit der Definition eines Rahmens um meine Illustration, einem Bereich, in dem meine Arbeit sein wird. Also, ich denke, es ist wirklich wichtig zu definieren, ob Sie in einem Quadrat arbeiten, horizontal oder vertikal und dann anfangen, in der Box zu skizzieren oder zumindest das funktioniert für mich. Also werde ich einen Bereich definieren. Nehmen wir an, ich mache es vertikal, was aus irgendeinem Grund eines meiner Lieblingsformate ist, und ich werde an mich denken, wenn ich in New York bin. Also, ich habe eine sehr spezifische Art, mich selbst darzustellen. Also, ich ziehe mich normalerweise mit einer Brille, weil ich sie die ganze Zeit trage, und ich werde darüber nachdenken, was ich mache, wenn ich normalerweise in New York bin, ich gehe viel. Also, um Freunde zu treffen, Kunden zu treffen, einkaufen zu gehen, in Buchhandlungen zu gehen und so. Also, am Ende des Tages, sind meine Beine völlig zerstört und es ist ein gutes Gefühl, weil ich mit der Stadt New York verwandt und ich mag es. Also, eine Sache könnte sein, zum Beispiel, an dieser Idee zu arbeiten und zu versuchen, zu unterstreichen, wie meine Beine nach einem Tag voller Spaziergänge in New York fühlen. Das könnte also ein Weg sein, das Gefühl von verrückten Beinen, wackeligen Beinen nach einem Tag in der Stadt zu geben. Mir ist klar geworden, dass ich in letzter Zeit gerne viel von dem Platz nutze , den meine Box mir gibt. Also in letzter Zeit neigen alle meine Figuren dazu, den gesamten Raum zu nutzen. Sie alle gehen fast an die Grenzen. Sie berühren fast die Grenzen, was ich mag, und ich denke, es drückt ihr Bedürfnis in diesem Raum zu leben, und sie erinnern mich ein bisschen an Fellini. Federico Fellini ist ein Regisseur aus Italien. Normalerweise hat er diese Frauen gezeichnet und vertreten, die sehr groß sind, sehr ikonisch, und sie fühlen sich so mächtig und so wichtig in ihren Filmen, dass ich es toll finde, sie in meinen Werken in gewisser Weise zu verweisen. Also, das sind meine Haare jetzt so ziemlich. Normalerweise stelle ich aus vielen Gründen gerne Haare dar , die nicht nur glattes Haar sind. Zunächst einmal, weil meine Haare in der Regel gewellt und ich wuchs auf, dass glattes Haar so viel sexy vielleicht oder sozial akzeptabel wäre als welliges Haar oder lockiges Haar. Also, lockiges Haar oder welliges Haar zu meiner Illustration hinzuzufügen ist eine Rache an jedem, der mich so fühlen ließ. Also, ich versuche immer, sie in meine Illustrationen aufzunehmen und auch ich denke, sie sind interessanter in Bezug auf die Komposition des Stückes. Es könnte vielleicht einen Hintergrund geben, ein wenig über die Stadt erzählt, wo wir sind, aber es könnte vielleicht ein wenig langweilig sein. Normalerweise, eine Illustration, wenn Sie nicht wissen, wie Sie zeigen, wo Sie sind, verwenden Sie eine Skyline in der Rückseite, die manchmal funktioniert und manchmal ein wenig langweilig ist. Also, lassen Sie uns nicht einfach damit gehen. Ich fange hier und ändere die Position des Charakters. Wieder berühren wir fast die Ränder des Rahmens. Da ich in New York bin, könnte es sein, in einem Park zu sitzen , einen Kaffee zu trinken. Das wird sehr groß, weil wir in New York sind. Also, das ist ein großer Becher. Wenn ich also skizziere, muss ich immer daran denken, dass ich in meiner Illustration keinen schwarzen Umriss verwende. Also, alles, was aussehen könnte, als ob es in der Skizze funktioniert, funktioniert vielleicht nicht so gut, wenn es digital ist, weil ich nicht all diese Zeilen habe , die mir sagen, wo ein Stück endet und wann das andere beginnt. Also, ich werde einfach alle Zeilen löschen, die mir helfen, zu definieren, wo mein Charakter beginnt und endet. Um die Bereiche zu definieren, die ich trennen möchte, verwende ich etwas wie eine Farbe, wie eine Vollfarbe oder ein Muster. Eine Sache, die ich gerne mache, wenn ich hier bin, ist, in Second-Shops zu gehen und einige Vintage-Shirts aus den 60er oder 70er Jahren zu finden, die schmelzen würden, wenn man um sie raucht. Aber in der Regel haben sie schöne Muster und ich würde sie gerne kaufen und dann fast nie tragen, aber ich denke, sie funktionieren wirklich gut auf Charaktere. Also verwende ich die Farbe jetzt nur, um die Bereiche zu definieren. Ich weiß nicht, ob ich gelb oder rot im letzten Stück verwenden werde , aber es ist nur so, als würde man ein Gefühl aller schweren all diese Teile in der letzten Illustration sein. Hier können wir bereits ein Gefühl bekommen, wie viele Farben wir in den endgültigen Illustrationen verwenden möchten. Zum Beispiel, wenn Sie nur zwei Farben verwenden, werden die Schuhe gelb sein und vielleicht könnte die Farbe rot sein und vielleicht alles andere könnte sein, lassen Sie uns ein Blau machen. Wie nur der Hintergrund wird eine Farbe sein. Ich denke, es ist wirklich gut, wenn Sie mit ein paar Farben arbeiten, um auch weiß oder schwarz zu haben, was ich weiß, ist eine andere Farbe, aber es wird vielleicht helfen, einige Formen besser zu definieren und vielleicht werde ich an diesem Tag etwas Lippenstift haben und etwas Nagellack, und der Kaffee kann eine große Wolke hinter mir oder so etwas machen . Also, ich mag die Zeichnung jetzt irgendwie, aber ich denke, es könnte interessanter in Bezug auf die Zusammensetzung des Bildes sein. Also könnte sie entweder außerhalb des Rahmens gehen, vielleicht könnten nur einige Teile nach draußen gehen, wie der Wolkenschuh und der Arm, oder vielleicht könnte es interessant sein, sie verdoppelt zu sehen. Also, lassen Sie uns das auf der nächsten Seite versuchen. 5. Skizzieren deiner Illustration: Eine Sache, die ich tun kann, ist, dass ich das Skizzenbuch hier benutzen werde , um mir zu helfen, die beiden Teile zu teilen. Lass uns mal sehen. Vielleicht könnte sie auf dieser Seite oder auf dieser Seite sein. Lass uns einfach ihren Hut hierher setzen und versuchen, in Symmetrie zu arbeiten. Also, wenn sie Kaffee auf dem anderen Bild trinkt, könnten wir sie vielleicht dazu bringen, dass sie ihren amerikanischen Kaffee auf diesem Bild hat, wie mit der großen Tasse, und vielleicht könnte sie einen italienischen Kaffee auf dem anderen Bild trinken, also mit der kleineren Tasse. Also könnte sie eine nette kleine Tasse Espresso haben und hier könnte sie ihren großen Becher haben. Vielleicht könnte der Rauch in diese Richtung gehen und sich mit der anderen treffen. Also, denke ich, es ist eine interessantere Komposition als die andere. Es funktioniert besser und ich denke, es beschreibt auch die Situation ein bisschen besser. Wieder, wie Sie sehen können, sind die Skizzen ziemlich schmutzig und rau, und es ist toll, diese Art von Raum zu haben. Manchmal, wenn Sie bereits mit der Arbeit an einer digitalen Datei beginnen, fühlt es sich an, als gäbe es weniger Platz, um Fehler zu machen, und versuchen Sie immer und immer wieder, und finden Sie den richtigen Zeitpunkt, um sich auf die Komposition und das Konzept der das Stück. Also, da dieses Bild jetzt symmetrisch wurde, denke ich, es könnte interessant sein, Farbe genauso wie Spiegel zu verwenden. So könnte sie zum Beispiel grüne Hosen haben und die andere könnte ein grünes T-Shirt haben, und umgekehrt mit der anderen Farbe. Also, fangen Sie mit Rot an. Sie könnte einen grünen Nagellack haben. Dann können wir eine weitere Farbe für den Hintergrund finden. Sie hat offensichtlich rote Schuhe und eine andere Farbe für den Hintergrund hier. Ich denke, es ist eine gute Übung, wenn Sie es versuchen möchten, können Sie auf jeden Fall diese Illustration mit nur zwei Farben machen. Nehmen wir also an, Sie nehmen das Grün und das Rot auf, Sie können die Illustration definitiv so arrangieren, dass sie nur zwei Farben unterstützt. Ich denke, es könnte eine interessante Übung sein, um zu sehen, wie viele Farben Sie vermeiden können, um zu verwenden. Also, hier ist es. Das ist so ziemlich die Skizze für unsere Illustration. Dann werden wir sehen, wie es digital funktioniert. Nun, da die Skizze fertig ist, werden wir sie digital machen. Gerade dort werden wir sehen, ob all diese Dinge funktionieren und wir werden wahrscheinlich diesen Raum auch nutzen, um der Illustration weitere Details hinzuzufügen. Ich könnte ein Muster verwenden, zum Beispiel, für die Kleidung. Ich könnte sehen, ob diese Wolke oben auf ihnen funktioniert oder nicht. Also, das ist nur der erste Schritt. Dann, von hier aus, werden wir viele neue Dinge im digitalen Teil lernen. 6. Digitalisieren deiner Skizze: Jetzt werden wir die Skizze, die ich auf meinem Skizzenbuch gemacht habe, auf diesem Wacom-Tablet, das mit meinem MacBook Pro verbunden ist, neu erstellen . Ich werde damit beginnen, den Bereich zu definieren. Wie ich es in der Skizze getan habe, werde ich den Bildschirm in zwei Teile teilen, und ich werde anfangen zu zeichnen. Ich benutze nie einen schwarzen Umriss in meiner Zeichnung, also gehe ich direkt zu einer flachen farbigen Form. Ich kümmere mich nicht wirklich um die Farben jetzt, weil ich später mit ihnen arbeiten werde, aber ich werde nur einige zufällige Farben auswählen, so dass ich eine Vorstellung vom Gewicht des Bildes habe. Ich werde die Leiche zeichnen, und wieder, wir werden hier eine flache Form machen. Als ich zur Schule ging, nahm ich Adobe Illustrator -Kurs, aber ich muss sagen, dass es nicht die beste war, und meine Art, es zu benutzen, wird es wahrscheinlich einige Leute zum Weinen bringen, aber ich denke, dass es auch in der Art und Weise ist, wie Sie die , die Sie Ihren eigenen Weg haben und Ihre eigenen persönlichen Entscheidungen treffen. Manchmal wünschte ich, ich wäre schneller oder kenne viele Abkürzungen und so, aber je mehr ich das Tool besser kennenlerne, desto weniger fühlen sich meine Dinge authentisch an, also ist es vielleicht gut, ein Gleichgewicht zwischen dem zu haben, was Sie wissen und dem, was Sie nicht wissen, was furchtbar klingt, aber manchmal ist es wahr. Wie Sie sehen können, geht der Körper jetzt außerhalb des Gitters, des Rahmens. Wir werden es später erweitern, ich lasse es einfach für eine Sekunde so, damit wir wissen, wie viel von dem Platz sie einnimmt. Ich denke, wenn sie eine Tasse Kaffee trinkt, müsste sie etwas Platz für ihre Arme haben. Diese Beine sind definitiv zu hoch, also werde ich sie senken. Eine Sache, die ich an der Symmetrie zwischen dem Bild und dem nächsten sehr mag , die wir schon sehen können, nur um eine Idee zu bekommen, ist, dass es mich wirklich an Architektur erinnert. Ich mag Architektur und einige Architekten wirklich. Wenn ich unterwegs bin, bin ich immer gespannt darauf, neue Architekturen zu kennen und zu sehen. Ich denke, es gibt so viele Dinge gemeinsam zwischen Illustration und Architektur, denn im Grunde schaffen Sie eine Balance zwischen Formen und es gibt definitiv Gewichte im Bild. Zum Beispiel ist der untere Teil sehr schwer, also werden wir denken, ob wir das behalten möchten oder ob wir die Aufmerksamkeit woanders bewegen wollen. Ein Beispiel für Architektur, die wirklich funktioniert mit Symmetrie und mit sehr, Ich würde sagen, sauber schneidet Formen, aber es hat auch eine romantische Seiten, um es. Rationalist kann all diese Architekturen haben, die wirklich sauber sind, und sehr quadratisch und so, aber dann hat es auch schöne Details wie runde Fenster und große Säulen und große Bögen, und manchmal der Eingang eines Palastes würde mit vielen Mosaiken und schöne Kunst dekoriert werden. Auch hier denke ich, es ist großartig, sich für die Zusammensetzung der Arbeit darauf zu beziehen. Hoffen wir, in diese Richtung ein wenig zu gehen. Nun, da wir wissen, dass die beiden Figuren an einem Ort wie diesem bleiben könnten, lassen Sie uns vielleicht ein bisschen mehr oben hinzufügen. Wir können das loswerden, und wir werden es später verwenden, wenn dieser Teil fertig ist. Es ist gerade etwas statisch, also werden wir versuchen, es ein bisschen weicher und natürlicher zu machen. All diese Frauen, möchten lange Beine und interessante Formen und machen sie sehr, wieder im Bild präsent. Ich mag es auch, sie als nicht die, schönen Fotoshop-Modelle, die Sie auf dem Cover von Zeitschriften zu sehen, darstellen , weil ich denke, dass dies eher so aussieht, wie Frauen über sich selbst fühlen, oder zumindest ist es ähnlicher wie ich fühle über mich selbst. Ich bin eine ziemlich große Person und ich war immer ein wenig aus der Größe im Vergleich zu meinen Klassenkameraden und meinen Freunden, und ich denke, es ist gut, anderen Körpertypen eine Stimme zu geben, und seltsame Körpertypen, denke ich oder nicht seltsam, aber verschiedene Körpertypen funktionieren wirklich gut in der Illustrationswelt, warum also nicht verschiedene Körpertypen darzustellen, wenn Sie können. Wie Sie sehen können, ging ich zur Kunstschule, aber ich wurde viele Jahre lang nicht ausgebildet, wie Figurenzeichnung und so, also lernte ich alles, was ich in Bezug auf Körperformen und Sachen weiß, von dem, was ich um mich herum sehe. Die Wahrnehmung, die ich auf Körper habe, mehr als die tatsächliche Form davon, und es mag sehr falsch klingen, aber ich denke, es ist auch eine gute Möglichkeit, Ihre eigene Art zu bauen, Dinge zu machen. Natürlich sind es die Grenzen, oft ist es Grenzen, aber ich denke, Sie können diese Grenze auch in Ihre eigene Sprache verwandeln, also ist es nicht so schlimm. Wie Sie sehen können, habe ich nur einige Formen in und ich färbe sie sehr kurz, und dann fange ich an, an den Formen zu arbeiten und dann verfeinere ich sie nach und nach. Es fühlt sich ein bisschen an wie eine Skulptur, wo man die ganze Materie auf den Tisch legt und man beginnt, ihm die Form zu geben, und dann dauert es lange, bis man die erste Form annimmt, und dann beginnt man von dort aus immer wieder die Arbeit zu verfeinern. Was ich suche, ist eine Form, die sich nicht zu gezwungen und zu gefälscht anfühlt. Durch die Verfeinerung und Verfeinerung versuche ich, eine gute Balance zwischen dem Rest des Bildes und dem einzelnen Detail zu finden, vor allem in Bezug auf die Sprache. Meistens fange ich an zu arbeiten und füge verschiedene Linien, verschiedene Gewichte, verschiedene Farben hinzu. Ein Bild wird sehr einfach sehr komplex. Ich denke, dass das Hinzufügen eines guten Niveaus der Verfeinerung, aber nicht zu viel, es sehr hilfreich ist, eine gute Balance im Bild aufrechtzuerhalten. Zum Beispiel, wenn ich diese Hand auf eine sehr definierte Art und Weise mache, würde es sich nicht organisch mit dem Rest des Körpers anfühlen , weil die Beine nicht definiert sind. Vor allem Menschen, die wirklich gut im Zeichnen sind, was offensichtlich eine tolle Sache ist, aber es kann Sie auch ablenken, und wenn Sie 20 Minuten auf dieser Hand verbringen können und dann haben Sie es völlig falsch mit dem Rest der Bild. Ich denke, Sie müssen eine gute Balance finden zwischen dem, was Sie verfeinern und dem, was Sie nicht sind. Ich werde nur die Hand so für eine Sekunde verlassen. 7. Zeichnen mit Formen: Eine Sache, die ich denke, dass es wirklich wichtig ist, wenn Sie auf Illustrator oder anderen digitalen Programmen zeichnen , ist, dass Illustrator Ihnen hilft, wie Sie sehen können , etwas runder und perfekter zu machen. Das ist offensichtlich großartig. Aber ich denke, es ist wirklich wichtig, dass der Computer verfolgt, was Sie wollen, und nicht das Gegenteil, Sie folgen nicht, was der Computer Ihnen sagt. So ist zum Beispiel, immer wieder zu gehen und zu versuchen, jede kleine Form zu verfeinern sehr wichtig, weil sie sonst sichtbar sein wird. Sie können erkennen, wo der Computer Ihnen hilft, und je mehr Sie ihn als Künstler verwenden, desto mehr können Sie ihn in den Werken anderer Menschen erkennen. So sehr es aufregend ist, dir offensichtlich jemand anderes helfen zu lassen, ich denke, es ist wirklich wichtig, dass du die Verantwortung hast und nicht das Gegenteil. Bevor ich Illustrator oder Photoshop hatte, war es mir sehr kompliziert zu arbeiten und mich mit meiner Arbeit zufrieden zu stellen, denn meine Inspiration kam aus vielen verschiedenen Quellen. Aber das Ergebnis, das ich wirklich mochte, waren die Werke von Grafikdesignern und Illustratoren aus den 60er oder 70er Jahren und die meisten verwendeten Siebdruck. Aber Siebdruck ist sehr teuer, vor allem, wenn Sie anfangen und es erlaubt Ihnen nicht, viele Farben zu verwenden. Aber ich verstand, dass das die beste Art war, ein Bild zu drucken oder zu repräsentieren, wie es meinem Geschmack entspricht. Es war wirklich frustrierend, weil keine andere Technik es mir erlauben konnte, so flach zu sein und meine Arbeit einfach, aber immer noch bunt und lebendig aussehen zu lassen. Also, ich habe schon mal ein paar Siebdrucke gemacht, aber wieder, es ist wirklich teuer und man muss ein Studio haben, um das zu tun. Also, ich denke, dass digitale Werkzeuge mir helfen, den Effekt zu finden, den ich wollte , der gute, flache, lebendige Farben haben sollte. Wenn Sie drucken, können Sie es auch als Siebdruck drucken oder Sie können es auch als sehr guter Digitaldruck drucken und das Ergebnis ist trotzdem schön. Also, ich denke, dass ich sehr glücklich darüber bin, nicht nur weil es einfach und schnell ist, sondern auch, weil es ein wenig meine ideale Art von Zeichnungen widerspiegelt. Außerdem arbeite ich sehr gerne ziemlich schnell und nicht, weil ich andere Dinge zu tun habe, sondern weil ich wirklich gerne sehr instinktiv bin, während ich arbeite. Also, als ich zum Beispiel an Büchern arbeitete, war es für mich ein Albtraum, denn für ein Buch muss man so viele Stunden, so viele Tage mit dem Projekt verbunden sein. Es gibt so viele Dinge, die Sie ändern müssen und am Ende sind Sie offensichtlich sehr zufrieden, hoffentlich. Aber zur gleichen Zeit denke ich, dass es wirklich schwer ist, so lange am Projekt zu sein. Ich denke, ich würde das Ergebnis wirklich gerne sofort sehen, und ich denke, in einer Weise funktioniert es wirklich gut mit meinem Stil und mit meiner Persönlichkeit. Also nehme ich es einfach so an, wie es ist, schätze ich. Eine Sache, die auch sehr hilfreich ist, ist auszudrucken, was Sie tun. Das ist ein bisschen alte Schule, aber es ist wirklich wahr, dass Sie nicht in der Lage sein werden, genau zu verstehen, wie ein Stück herauskommt, bis Sie es drucken. Ich muss ehrlich sein, ich tue es kaum. Aber wenn ich die Chance habe, es zu tun oder wenn ich es tun muss, entdecke ich so viele neue Dinge über das Stück. Normalerweise gibt es Fehler. Es gibt kleine Dinge, die ich nicht auf dem Bildschirm gesehen habe, deshalb versuche ich, so viel wie möglich zu zoomen, um zu sehen, ob alles richtig ist. Aber auch das Drucken der Arbeit, auch wenn es mit einem schlechten Drucker ist, gibt Ihnen das Gefühl für die Schwere des Stückes so, das Gewicht des Stückes. Ich denke, es ist wirklich wichtig zu verstehen, ob die Komposition richtig oder falsch ist. Ich finde es auch sehr nützlich, ein Werk auszudrucken. Wenn Sie verloren sind und Sie nicht wissen, ob Sie die Arbeit mögen oder nicht, drucken Sie sie aus und verwenden Sie dann den Druck, wie Sie wollen. Schneiden Sie es einfach, kleben Sie es, legen Sie etwas anderes darauf, zerkleinern Sie es in Stücke. Ich denke, es ist wirklich gut, weil es irgendwie der umgekehrte Weg ist, man geht von digital zu manuell, im Grunde. Aber das hilft dir wirklich, die Dinge in der Perspektive zu sehen. Also, viele Male, als ich verloren war und ich ein Stück nicht mochte, würde ich es einfach ausdrucken und dann einfach auf den Tisch legen, schneiden und ändern, drehen Sie es auf den Kopf. Es gibt dir auch eine wirklichere Beziehung zu deinem Stück, was ich denke, es ist manchmal sehr nützlich. Es hat mich so oft gerettet, also würde ich das auf jeden Fall empfehlen. Lassen Sie uns versuchen, dies auf der anderen Seite zu replizieren und sehen, wie es funktioniert. Ich denke, ich möchte, dass sie sich hier nur sehr kurz anfassen . Also, das bedeutet, dass diese Haare nicht wirklich gut zusammen funktionieren. Außerdem werden Sie sehen, ob Sie ein Bild spiegeln, es ist nicht unbedingt gut auf der anderen Seite. Also, zum Beispiel mag ich dieses Gesicht, aber ich mag dieses Gesicht nicht. Wieder, vielleicht mussten Sie nicht alle Ihre Bilder spiegeln, aber wenn Sie es manchmal tun, werden Sie sehen, ob es einige Dinge gibt, über die Sie nicht glücklich sind. Also, wieder, verwenden Sie Ihr Bild, bewegen Sie es, drehen Sie es um und Sie werden neue Dinge in der Perspektive sehen. Also, was wir hier tun können, ist, definitiv die Haare zu ändern denn jetzt ist die Form seltsam und ich mag sie nicht. Wie Sie sehen können, ich immer vergrößern und verkleinern, weil es mir ein wenig Abstand zum Stück gibt und so ist es einfacher zu verstehen, ob etwas funktioniert oder nicht. Eine andere gute Sache, die Sie tun können, ist, einfach die Illustration dort zu lassen und einfach aufstehen und vielleicht ein wenig weiter gehen und sehen, ob es Ihnen gefällt oder nicht aus der Ferne. Also, die auf der rechten Seite ist mit einer Tasse amerikanischen Kaffee. Also, lass es uns groß machen. Für Dinge wie Hände und Handpositionen ist es immer toll, ein Foto zu machen und zu sehen, wie es sich anfühlt und wie es aussieht, eine schwere Tasse Kaffee in der Hand zu haben. Eine andere Sache ist, dass natürlich Formen wie Quadrate, Rechtecke, was auch immer wirklich hilfreich sind. Aber sieh dir all die anderen Formen an, sie sind weicher und runder. Wenn du das hier rechteckig hältst, denke ich, es wird sich ein bisschen zu computery anfühlen, ich weiß nicht, wie man einen anderen Begriff benutzt, um das zu beschreiben. Also, es ist immer besser, die Form nicht zu verwenden oder zumindest ich es nie tue, und einfach neu zu zeichnen. Ein bisschen unvollkommen, aber es wird definitiv organischer mit dem Rest der Zeichnung sein. Zumindest mit meinen Zeichnungen, denn keiner von ihnen ist perfekt, perfekt. Also, um hier und da ein wenig Unregelmäßigkeit zu haben, denke ich, es ist wirklich gut. 8. Optimierung deiner Illustration: Wenn ich nicht weiß, wie ich etwas zeichnen soll, sind Hände und Füße für mich wirklich kompliziert. Also, wenn ich nicht weiß, wie ich es zeichnen soll, mache ich normalerweise ein Bild von mir, indem mein iPhone das tut, was ich auf dem Bild anzeigen möchte. Ich habe eine Sammlung von sehr dummen Bildern von mir in sehr unterschiedlichen Positionen im Studio. Aber ich denke, es ist wirklich gut und es ist auch viel besser, als Inspiration von einem Google Image zu nehmen , das jeder auf seinen Bildschirmen hatte. So kann es Ihnen auch ein wenig Abwechslung geben und Sie müssen nicht für die gleiche Hand immer und immer wieder gehen und haben die gleiche Hand, die alle Ihre Kollegen haben, wenn sie Google Images verwenden offensichtlich. Ok. Also haben wir zufällig eine Espresso-Tasse hier. Also werde ich ein Foto von meiner Hand machen, die sie hält. Ok. Also werde ich das Bild auswählen, das ich am meisten mag, das, von dem ich weiß, dass grafisch besser funktionieren würde. Ich werde es an meine E-Mail senden. Muss kein schönes Bild sein, wie Sie sehen können. Ich werde es mit dem Bleistift durchgehen und sehen, ob es funktioniert. Wie Sie sehen können , dass Dinge , die im Bild schön aussehen könnten, nicht wirklich schön aussehen in der Illustration. Also, wir werden ein wenig daran arbeiten müssen. Also, lassen Sie es einfach für eine Sekunde da. Ich werde an der Tasse arbeiten. Also, ich mochte das Bild nicht wirklich, die Silhouette der Bilder, die ich aufgenommen habe. Also, ich werde von dort arbeiten und sehen, ob ich eine Form neu erstellen kann , die ich mag. Wenn jemand in meinem Studio angeheuert werden will, nur um Hände zu machen, ist er willkommen. Ich verbringe wahrscheinlich mehr Zeit mit den Händen als mit allem anderen. Mal sehen, wie es in diesem Raum aussieht, sonst macht es nicht viel Sinn. Denken Sie daran, dass die Illustration natürlich nicht zu nah an der Realität sein muss, was offensichtlich ein Potential der Illustration ist. Also, wenn Sie sich eine andere Position vorstellen können, eine andere Perspektive, ich denke, es ist toll, einfach darauf zu gehen und keine Angst davor zu haben, oh mein Gott, es wird nicht aussehen wie im wirklichen Leben. Das ist ein schöner Teil der Illustration und es ist nicht nur eine Entschuldigung dafür, keine Hand zeichnen zu können. Ich sage nur, dass es manchmal auch Spaß macht, die Realität ein wenig zu biegen. Ich möchte, dass die beiden Tassen mehr oder weniger auf der gleichen Ebene sind. Also, ich werde einfach, ich brauche keinen Führer, ich werde nur das Gefühl haben, dass sie auf der gleichen Ebene sind. Also werde ich versuchen, diese Hand ein wenig zu drehen. Also, jetzt haben wir die Hauptfiguren. Wir haben das Gleichgewicht. Lassen Sie uns einen Hintergrund setzen. Manchmal habe ich ganz am Anfang des Projekts einen Hintergrund gesetzt , so dass ich ein besseres Gefühl dafür habe, wie es funktioniert. Diesmal habe ich es einfach am Ende gesetzt. Es gibt also nie eine Regel in meinem Leben. Es passiert einfach. Also, mal sehen, ob uns die Wolke gefällt, die aus ihr kommt. Ich habe in die Skizze gesteckt, um nur ein Gefühl zu bekommen. Ich werde nur eine schnell setzen es dort, um zu sehen, ob wir das Ding mögen, erweitern Sie den Hintergrund ein wenig und vielleicht auch erweitern Sie dies ein wenig. Wenn Sie also eine Zuweisung erhalten, erhalten Sie normalerweise die Größe der Illustration. Also, du wirst mit dem arbeiten, was du hast. Aber in diesem Fall können wir gehen, damit wir das Bild so weit erweitern können, wie wir wollen. Also, ich denke, ich mag es vorerst. Also, ich werde es nur ein bisschen polieren. Wie Sie sehen können, macht das Programm selbst einige seltsame Formen. Also müssen Sie immer sicherstellen, dass all diese kleinen Dinge so gemacht werden , wie Sie wollen, dass sie oder zumindest so näher wie möglich sind. Ich denke, das ist immer noch, obwohl die Werkzeuge erstaunlich und super weiterentwickelt sind, ich denke, es ist wirklich wichtig, in der Lage zu sein, verantwortlich für das, was Sie tun. Also, es wird nie etwas geben, das eigentlich genau so ist, wie auf einem Stück Papier zu zeichnen oder vielleicht es geben würde, aber im Moment denke ich, dass alle digitalen Werkzeuge, die wir haben, fantastisch und super auf dem neuesten Stand sind und sie einfach großartig sind. Aber immer noch gibt es einen Unterschied zwischen einem Bleistift auf einem Blatt Papier und Bleistift auf einem Tablet. Also, Sie müssen das Beste daraus machen, egal was Ihre Werkzeuge sind. Aber es ist immer wichtig, Ihre Identität sehr klar zu halten und wenn Sie mit Bleistiften oder einem Marker auf einem Stück Papier arbeiten , das ist deutlicher als das, was Sie mit Ihrem Tablet manchmal tun. Daher ist es wichtig, dass Sie Ihre Stimme behalten, auch wenn Sie die Werkzeuge anderer Leute verwenden. Also, jetzt haben wir die Komposition. Es ist fast endgültig, aber wir müssen natürlich an der Wahl der Farben arbeiten. Also, ich werde die Wolke weiß halten, weil ich denke, es ist eine gute Wirkung und es schafft ein Loch in der Seite. Also, ich werde das behalten. Mal sehen, ob es zu viel Weiß gibt oder nicht. Ich werde nur die Gläser von dem Mund unterscheiden. Also, lassen Sie uns das tun und dann werden diese beiden Dinge wahrscheinlich die gleiche Farbe haben. Wie Sie sehen können, ist es ähnlich wie die Skizze, aber in der ersten Skizze habe ich zwei verschiedene Hintergründe ausgewählt. Also, ich werde gehen, um sicherzustellen, dass es an der gleichen Stelle füllt. Ich werde den Hintergrund replizieren. Also, diese Seite wird eine andere Farbe haben. Ich lasse es nur für eine Sekunde so. Mal sehen, ob sie schwarze Hosen hat, die andere wird ein grünes Hemd haben und das ist das Gegenteil. Sie hat also den roten Becher. Sie hat den grünen Becher. Dies könnte also eine gute Übung sein, wenn Sie versuchen möchten, eine Illustration mit weißem Schwarz und nur vier anderen Farben zu machen . Natürlich könntest du arbeiten, als ob sie nur einen roten Anzug trug und nur einen grünen Anzug trug. Du könntest arbeiten und den Hintergrund dieses Bereichs grün und den anderen rot machen. Dies könnte also ein großartiges Beispiel dafür sein, wie man eine Illustration mit nur vier Farben im Allgemeinen macht. Also, weiß, schwarz, rot und grün. Natürlich müssen Sie die Tassen und Sachen reparieren, aber Sie können total machen und es ist eine großartige Übung. Also, machen wir einen Schritt zurück für eine Sekunde, weil wir vielleicht in diese Richtung gehen, aber wir wissen es noch nicht. Jetzt, da die Struktur der Illustration fertig ist, werden wir an der Farbe arbeiten, an der Wahl der Farben, ob Sie das Muster verwenden möchten oder nicht. Wir werden mehr darüber erforschen und sehen , was sind die Möglichkeiten, die wir mit Farben haben. 9. Farbe auftragen: Also, jetzt sind wir fast fertig. Das Stück ist fast vorbei. Wir werden jetzt an den Farben arbeiten. Ich denke, das wird ein Moment sein, in dem wir einige der Referenzen sehen werden, die wir vorher in Aktion gesprochen haben, und wir werden sehen, woher ich mich in Bezug auf die Stimmung des Stückes und die Gefühle um ihn herum inspirieren lasse und den endgültigen Blick darüber. Also ja, lasst uns hineingehen. Also, ich mag nicht wirklich, wie es jetzt ist. Die Farben fühlen sich ziemlich traurig an. Also werde ich versuchen, eine andere Kombination zu finden. Natürlich, wie ich bereits sagte, je mehr Farbe Sie verwenden werden, desto mehr wird es erschweren, sie auszubalancieren. Also, was ich in dieser Phase tue, ist viel Zeit damit zu verbringen, eine gute Balance zwischen den Farben zu finden, und es ist ein Prozess, der viel Zeit in Anspruch nehmen könnte. Hoffentlich wird es jetzt ziemlich schnell gehen. Aber manchmal ist es auch gut, es für eine Weile sitzen zu lassen und vielleicht einen Blick darauf zu werfen, wenn Sie am Tag danach Zeit haben und sehen, ob Sie die Farben noch mögen. In Bezug auf die Farben, meine Referenzen sind viele. Ich mag italienisches Design wirklich. So glaube ich zum Beispiel wirklich an das Prinzip italienischer Designer wie Bruno Munari , der auch ein Kinderbuch-Illustrator war, der Designer. Er war in der Lage, einige des Prinzips des Designs zu nehmen und ihnen Phantasie hinzuzufügen. Also mag ich seine Arbeit wirklich. Ich mag auch die Arbeit von Designern aus den 80er Jahren wie Sottsass und Mendini, Alessandro Mendini, weil sie Munaris Unterricht auf ein anderes Niveau gebracht haben. Sie wurden viel verrückter nach den Zielen des Designs. Ihre Entwürfe wurden nicht nur zum Servieren gemacht, sondern sie wurden auch lustig und übertrieben gemacht. Es gibt viele ihrer Farben, die ich zufällig in meiner Arbeit finde, also ist das definitiv eine Quelle der Inspiration für mich. Was ich in diesem Bild vermitteln möchte, ist wie eine fröhliche Stimmung und ein sehr Pop, irgendwie wie lebendige Wirkung. Wie Sie sehen können, gehe ich immer hin und her für die richtige Kombination. Eine weitere Inspiration für mich ist Futurismus, und auch die Avantgarden aus den 20er und 30er Jahren, weil ich denke, dass die Verwendung von Farbe, die sie tun, ziemlich beeindruckend ist. Sie verwenden viele natürliche Töne im Vergleich zu kühneren Farben, und das ist wirklich interessant. Sie verwenden viele Braun- und Grautöne. Künstler wie Sophie Taeuber-Arp oder Sonia Delaunay verwenden atemberaubende Farben, die wiederum eine Mischung aus Tönen sind, die wie Brauntöne aus dem Boden kommen und sie mit sehr hellen Rosa oder Violett kombinieren. Es ist wirklich interessant, wenn Sie eine Farbe finden, wie eine sehr einfache Farbe wie diese könnte, und Sie koppeln sie mit etwas, das lebendiger ist, ich denke, dass die Ergebnisse in der Regel sehr interessant sind. Ich denke, jetzt ist es an der Zeit, es zu versuchen. Offensichtlich ist es noch nicht vorbei. Aber ich denke, es könnte schön sein zu sehen, ob es irgendein Muster gibt , das wir der Kleidung hinzufügen können. Mal sehen, ob sie funktionieren. 10. Mit Farbe experimentieren: Also, ich werde nur ein paar Blumen auf die Oberseite legen. Manchmal denke ich, dass selbst Vintage-Läden eine großartige Quelle der Inspiration sind. Wenn Sie durch die Hemden gehen, die sie haben, werden Sie wahrscheinlich eine Menge von Mustern finden , die manchmal so interessant und so kompliziert sind. Normalerweise gehe ich in den Vintage-Shop in der Nähe meines Studios, nur um mir die Muster anzusehen und Fotos von ihnen zu machen und manchmal ein paar Dinge zu kaufen. Selbst wenn Sie etwas kopieren und einfügen, sollten Sie darauf achten, dass es nicht zu wiederholend aussieht. Also, wenn Sie es drehen und ein wenig bewegen können , damit es sich weniger wiederholend anfühlt und genau wie kopieren und einfügen, würde es schön aussehen. Wie Sie sehen können, ist das Bild immer noch das gleiche, aber die Stimmung ändert sich sehr. Jetzt ist es viel mehr dekorieren und hat, Ich denke, ein interessanteres Leben. Wenn wir es noch mehr machen wollen, können wir der Hose auch ein Muster hinzufügen. Mal sehen, wie es ist. Versuchen wir es mit ein paar Punkten. Lassen Sie uns sie nicht zu ähnlich wie die Blumen machen, damit wir kleinere machen können. Lassen Sie mich versuchen, ein Musterfeld zu machen. Was Sie tun können, ist diese Farbfelder zu verwenden oder neue zu erstellen, was immer die beste Option ist denn alles, was bereits auf dem Computer ist, wird offensichtlich erkennbar sein. Also, was ich mache, ist in der Regel, ich trete rückwärts. Ich behalte die Hose so, wie sie vorher waren, braun. Ich bin mir ziemlich sicher, dass es einen besseren Weg gibt, dies zu tun, aber ich werde nur einen großen Teil davon platzieren . Sagen wir mal, Sie wollen sie größer. Also, ich werde nur diese Datei vorbereiten und dann werde ich sie so weit erweitern, wie ich will. Also, Es ist das gleiche Muster, aber auf diese Weise, es wird weniger erkennbar aussehen als das, was wir zuvor hatten. Also, ich mag die Kleidung so, wie sie sind und ich denke, der Hintergrund muss noch etwas bearbeitet werden. Also, ich werde wahrscheinlich das Rosa auf die braunste Seite legen und so etwas hier. Ich mag es ohne die beiden Hintergründe jetzt, wo ich es so sehe, aber mal sehen. Das könnte nett sein. Es ist ein bisschen zu nah an der Braun und den Schuhen, also werde ich versuchen, es ein wenig anders zu machen. Wenn ich eine Arbeit für mich selbst mache, ist es normalerweise komplizierter als bei einem Kundenjob, weil ich weniger Grenzen habe. Zu Beginn meiner Karriere war ich immer grenzenlos, also war ich wirklich gut darin, damit umzugehen. Jetzt, da ich mehr daran gewöhnt bin, Aufgaben und Arbeiten zu erledigen, wurde es immer komplizierter, mit der persönlichen Arbeit, dem persönlichen Raum Schritt zu halten . Manchmal ist es schwer, mich davon zu überzeugen, dass ich etwas mag, oder ich mag nichts. Da ich die meiste Zeit keine Deadline habe, ist es noch schwieriger zu wissen, wann eine Arbeit erledigt ist. Also, ja, es ist jetzt definitiv komplizierter , an einem persönlichen Stück zu arbeiten, als es früher war. Ich denke, es ist auch schön, weil es bedeutet, dass man sich etwas Zeit nehmen muss und meisten Meisterwerke nicht in zwei Tagen oder nur ein paar Stunden gemacht wurden. So ist es manchmal schön, sich daran zu erinnern, dass Zeit manchmal benötigt wird. Also, mit persönlichen Sachen, können Sie das tun und sich die Zeit nehmen, die Sie wollen. Außerdem bin ich kein Fan von Perfektion selbst. Also, ich suche nicht für Sie wissen, die perfekte Balance, die perfekte Form, das perfekte Thema. Ich versuche nur, mit dem Fluss zu gehen und zu sehen, was in diesem Moment für mich funktioniert. Wenn es zwei Tage danach nicht funktioniert, ist es kein Problem. Ich kann definitiv alles loswerden, was ich bisher getan habe oder von vorne anfangen. Ich bin nicht wie schockiert von der Idee auch, weil ich ziemlich schnell arbeite. Selbst wenn ich alles loswerden muss, wird es nicht zu kompliziert für mich sein. Meine Farben sind in der Regel ziemlich gesättigt, also gehe ich nie kaum in diesen Bereich des Farbrades. Normalerweise wähle ich helle Farben aus und sie müssen ziemlich gesättigt sein. Ich arbeite kaum mit Transparenz, es sei denn, der Zweck der Arbeit ist es, in einer Collage zu arbeiten und einige Formen aufeinander treffen zu lassen, wie miteinander zu interagieren. Aber ich gehe kaum auf dieser Seite. Wenn ich das tue, ist es, neutrale Farben zu finden, die ich mit helleren Farben paaren kann, besonders mit Hauttönen. Ich würde gerne um diesen Bereich gehen, um zu versuchen, einige Graue, einige braune, einige rosa, die in diesem Bereich des Farbrades sind zu finden . Ich denke, dass die meisten Grenzen, die Sie haben, desto besser ist es. Wenn Sie sich entscheiden, mit drei Farben zu arbeiten, werden Sie eine Lösung finden, die interessanter sein könnte als das, was Sie hätten, wenn Sie alle Farben der Welt hätten. Ich denke, es ist wichtig, sich etwas Zurückhaltung zu geben, damit Sie zwischen den Grenzen operieren können, und ich denke, Grenzen sind eine gute Möglichkeit, sie zu brechen. Also, es ist wichtig, dass ich denke, wenn Sie noch keine Aufgabe haben, sich selbst einige Grenzen zu geben, damit Sie Ihren eigenen Weg finden können, sie zu überwinden. Irgendwann werde ich dich gehen lassen, denn sonst könnte es Stunden dauern, um eine gute Balance zu finden. Weil in der Kleidung so viel los ist, dass ich denke ein doppelter Hintergrund zu viel hinzufügt, ist zu viel los, denke ich. Also, wenn du diese Schicht abziehst, denke ich, es ist viel besser, weil die beiden Charaktere jetzt so viel leichter atmen können und sie Platz haben, um am Leben zu sein. Ich denke, Sie können die Komposition so viel besser lesen. Also, jetzt haben wir drei Farben: das Braun, das Gelb und das Rosa auf der Rückseite. Und dann haben wir natürlich auch das Schwarz-Weiß. Mal sehen, ob wir das Schwarz abnehmen können, nur um es noch konsistenter zu machen , denn Schwarz war das einzige Element, das außerhalb der Palette war. Wenn Sie also eine so kurze Palette haben, manchmal, wenn Sie nur eine Farbe an einer kleinen Stelle in der Illustration haben, könnte sie ablenken, und Schwarz wie Weiß erzeugt ein großes Loch in der Illustration. Also, es ist wirklich wichtig, dass Sie das Gewicht dieser Farbe berücksichtigen. Ich denke, das funktioniert besser mit dem Braun. Aber jetzt lassen Sie mich sehen, ob ich diese Brille rosa und diesen Lippenstift rosa machen kann. Es sollte besser funktionieren. Also, ich denke, das könnte es sein. Es ist sehr nah an dem, was ich im Sinn hatte. Diese Farbwahl erinnert mich ein wenig an die Farben, die Modernisten verwendet haben. Also, ich bin ein großer Fan von Ray und Charles Eames und Alexander Gerard. Sie waren wirklich gut darin, die Landschaft um sie herum in ihre Arbeit zu integrieren. Sobald ich ihre Arbeit sehe, denke ich an Kalifornien und die Grenzen mit Mexiko. Es gibt also eine Mischung aus Sonne und Tradition und Folklore. Ich mag die Art und Weise, wie sie dieses Gefühl, diese Stimmung in ein sehr sauberes und farbenfrohes Design, Illustrationen und Objekte und alles synthetisiert diese Stimmung in ein sehr sauberes und farbenfrohes Design, . Also, das erinnert mich wirklich daran und es ist definitiv eine große Quelle der Inspiration für mich. 11. Abschluss: Also, ich denke, wir sind fertig. Wir haben bereits an den Skizzen gearbeitet, wir haben ein paar Optionen gemacht, und wir haben es digital genommen und wir haben es geändert. Wie Sie sehen können, ist die anfängliche Zeichnung ein bisschen anders als die letzte, und es passiert immer, und es ist immer wie eine Überraschung. Also, wir legen eine Box für die Illustration. Wir beschlossen, dass wir zwei Charaktere verwenden würden, und nicht nur eine. Wir haben dann an der Art der Architektur des Stückes gearbeitet. Also, es sind nur zwei Figuren, die durch eine Rauchwolke verbunden sind. Dann haben wir viel an der Auswahl der Farben gearbeitet, und wir haben einige Muster zur Illustration hinzugefügt. Also im Grunde hat sich die gesamte Struktur ein wenig verändert , weil die Muster so dekorativ sind. Dann habe ich am Ende diese Farboption ausgewählt, die irgendwie ein federndes Gefühl ist. Also, ja, ich denke, das ist eine gute Balance. Natürlich könnte ich hier sein, um für immer andere Farboptionen auszuwählen. Ich könnte hier sitzen und immer und immer wieder Änderungen vornehmen, aber ich denke, es gibt einen Moment, in dem Sie feststellen, dass die Balance zwischen allen Farben irgendwie richtig ist, und Sie müssen diesem Instinkt vertrauen, und vielleicht, wenn ich sagte, vielleicht können Sie es sitzen lassen, und dann gehen Sie zurück, vielleicht am nächsten Tag, oder zwei Tage später, um zu sehen, ob Sie es noch mögen. Als Studenten denke ich, dass Sie sich immer fragen können, in welche Richtung Sie gehen. Wenn das Konzept, das Sie ausgewählt haben, klar ist oder wenn es nur in Ihrem Kopf ist und nur Sie werden in der Lage sein, es zu verstehen. ich ein Selbstporträt mache, denke ich, es ist eine großartige Übung , weil es dich vor einen Spiegel stellt, und du musst einen Weg finden, dich anderen Menschen zu beschreiben und sich manchmal sogar selbst zu beschreiben. Es muss also kein hübsches Bild davon sein, wie du an diesem Tag aussiehst, der gleiche Pullover, den du trägst, die Haare, die du an diesem Tag hast, aber es könnte eine Projektion darüber sein, wie du dich selbst fühlst, wie du denke, Sie schauen, wie Sie möchten aussehen, was sind die Dinge, die für Sie wichtig sind und Sie wollen, um es zu löschen. Also, ich denke, ein Selbstporträt ist eine sehr gute Übung, um nur einen Punkt zu machen und zu sehen, wo du mit deinem Leben bist und wer bist du? Also, je mehr Sie in Ihr Leben integrieren können, ohne zu wörtlich zu sein, desto besser ist es. in meiner Karriere zurückblickte, denke ich, dass ich wahrscheinlich Tausende von Selbstporträts gemacht habe, und die ersten sahen mir im wirklichen Leben viel mehr ähnlich aus, aber dann begann ich, sie zu synthetisieren und sie immer mehr in der Nähe von dem, was ich drinnen hatte, anstatt was ich draußen hatte. Also, das Selbstporträt, das du nach dieser Klasse machen wirst, wird es nur eines von vielen sein. Also, jedes Jahr, jeden Monat, jede Woche, wann immer Sie wollen, versuchen Sie, ein schnelles Selbstporträt zu machen, um zu wissen, wo Sie sind. Also, viel Spaß mit deinen Porträts, und ich kann es kaum erwarten, sie in der Projekt-Galerie auf Skillshare zu sehen. 12. Was kommt als Nächstes?: [ unhörbar]