Erzählende Kunst: imaginäre Charaktere zeichnen | Ira Marcks | Skillshare

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Erzählende Kunst: imaginäre Charaktere zeichnen

teacher avatar Ira Marcks, Graphic Novelist

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Einheiten dieses Kurses

24 Einheiten (1 Std. 51 Min.)
    • 1. Einführung

      1:30
    • 2. Kursübersicht

      2:32
    • 3. Geschichte der erzählenden Kunst Teil 1

      1:58
    • 4. Geschichte der erzählenden Kunst Teil 2

      4:01
    • 5. Geschichte der erzählenden Kunst Teil 3

      3:47
    • 6. Disneys Illusion des Lebens

      6:23
    • 7. Stauchen und Strecken Teil 1

      3:45
    • 8. Stauchen und Strecken Teil 2

      5:04
    • 9. Der „Anreiz“ eines Charakters

      3:44
    • 10. Erweiterter Anreiz

      4:54
    • 11. Glaubwürdigkeit

      8:02
    • 12. Charaktere inszenieren

      6:29
    • 13. Szenen inszenieren

      5:58
    • 14. Umgebungen inszenieren

      4:23
    • 15. Andere Arten von Helen

      4:01
    • 16. Ein paar Gedanken

      1:38
    • 17. Kursprojekt: Konzept

      9:02
    • 18. Kursprojekt: Skizze Teil 1

      6:41
    • 19. Kursprojekt: Skizze Teil 2

      4:56
    • 20. Kursprojekt: Tinte Teil 1

      6:49
    • 21. Kursprojekt: Tinte Teil 2

      2:25
    • 22. Kursprojekt: Farbe Teil 1

      2:29
    • 23. Kursprojekt: Farbe Teil 2

      8:37
    • 24. Fertigstellung

      1:45
  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Alle Niveaus

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Teilnehmer:innen

64

Projekte

Über diesen Kurs

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Hinter jeder guten Zeichentrickfigur steht ein Geschichtenerzähler.

Ein Erzählkünstler ist eine Person, die sich solche Figuren vorstellen und entwerfen kann, die uns in ihren Bann ziehen und uns zu verrückten Abenteuern führen. Charaktere aller Art, von epischen und kosmischen bis hin zu einfachen und vertrauten. In diesem Kurs lernst du den Prozess und die Prinzipien kennen, die Erzählkünstler:innen anwenden, um eine Figur zum Leben zu erwecken.

Diese Themen werde ich behandeln:

  • Wie die erzählende Kunst funktioniert
  • Disneys Buch „Die Illusion des Lebens“
  • Das Prinzip „Stauchen und Strecken“
  • Der „Anreiz“ eines Charakters
  • Charaktere und Szenen inszenieren
  • Eine Szene konzeptualisieren
  • Skizzieren und Kompositionsplanung
  • Eine Illustration einfärben
  • Eine Illustration kolorieren

Für diesen Kurs benötigst du lediglich einen Stift und Papier, der Übersichtlichkeit halber arbeite ich jedoch in Clip Studio Paint.

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Teacher Profile Image

Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

 

Ira Marcks is an author and illustrator based in Upstate NY. His graphic novels have been recommended by The New York Times, BuzzFeed, and the American Library Association.

Ira's Books | Cartoon Feelings Podcast | Behind-the-Scenes Patreon

 

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Transkripte

1. Einführung: Was ist das für eine magische Formel, die einen guten Cartoon-Charakter macht? Sie wissen es, wenn Sie es sehen, eine Zeichnung, die nur Ihre Phantasie weckt und mit Leben ausstrahlt. Aber woher kommt diese Magie? Dieser Teil ist immer ein Rätsel. Hinter jeder guten Zeichentrickfigur steht ein narrativer Künstler, jemand mit der Phantasie und Fähigkeiten, Charaktere zu kreieren , die dich wirklich anziehen und dich auf erstaunliche Abenteuer mitnehmen. Charaktere aller Art von der epischen und kosmischen bis zum einfachen und vertrauten. Hey, ich bin Aaron Marks, ein Karikaturist, und das ist Gil, ich weiß nicht, was er ist. Aber gemeinsam werden wir die Welt der narrativen Künste erforschen. Wir beginnen mit einer kleinen Tour durch Kunst und Geschichte, um den Prozess und die Prinzipien zu verstehen , die einen Charakter zum Leben erwecken. Dann bringen wir unsere neue Tüte mit Tricks zurück zu unserem Zeichentisch und beschäftigen uns mit der Planung, Skizzieren, Schmerzen und Färben aller neuen Charaktere mit der Kraft, Geschichten zu erzählen, die wir schon immer in unseren Köpfen stecken. In Ordnung, Gil, ich denke, wir haben unsere Punkte gemacht, und wir hoffen, dass Sie mit uns in unserer aufregenden neuen Klasse, narrativen Kunst, Zeichnen imaginärer Charaktere. 2. Kursübersicht: Bevor wir darauf eingehen, möchte ich Ihnen einen kurzen Überblick über die Klasse geben. Ich stelle mir gerne vor, dass meine Kurse bereichernd sind, also werde ich eine Lebensmittelpyramide verwenden, um die Kapitel aufzuschlüsseln und warum ich mich dafür entschieden habe, die Klasse so zu strukturieren. Ich möchte Ihnen die optimale kreative Ernährung geben. Die Basis dieses Kurses ist das Konzept der narrativen Kunst, wie es funktioniert und wie Menschen es verwendet haben, nicht nur in der modernen Cartooning, sondern in der Geschichte der Menschheit. Das ist ein grundlegender Teil des Kurses. Dann springen wir direkt in Disneys Illusion des Lebens, ein Buch, das die Prinzipien und den Prozess der Studio-Karikaturisten sammelt und wie sie ihren Zeichentrickfiguren Leben gaben. Von dort befassen wir uns mit den verschiedenen Prinzipien des Buches, der Körperlichkeit von Squash und Stretch, dem ästhetischen Reiz eines Charakters und der Glaubwürdigkeit des Charakters in ihrer Welt. Genau das gibt es einen Kurs über Charakterdesign, aber auch hier schauen wir uns narrative Kunst an. Wir müssen diese Charaktere in einen Kontext stellen. Ich breche den nächsten Abschnitt der Klasse in die Inszenierung eines Charakters auf. Wir betrachten die verschiedenen Möglichkeiten, wie eine Figur ihre Körpersprache verwenden kann. Die verschiedenen Möglichkeiten, sie in einer Szene zu positionieren, und die verschiedenen Möglichkeiten, sie mit der Umwelt zu interagieren. Wir machen ein wenig Vergleich und Kontrast zwischen verschiedenen Zeichentrickfigurentypen. Dann gehen wir weiter in das Klassenprojekt. Die Basis des Klassenprojekts ist das Konzept und der Prozess, den ich durchführe, um ein reichhaltiges und interessantes Konzept zu entwickeln , das mich dazu inspirieren wird, etwas Cooles zu entwerfen. Zusätzlich zu dem Konzept machen wir einige Skizzen und einige weitere Skizzen darüber, die Entwicklung der Erzählgeschichte des Charakters. Dann fangen wir an zu tuschen. Das ist der Zuckerguss auf dem Kuchen, und die Kirsche oben ist eine schnelle kleine Lektion in Farbe. Das ist meine persönliche Herangehensweise an erzählerische Kunst und Charakterdesign. Diese Klasse kommt um fast zwei Stunden rein und ich weiß, dass nicht jeder die Zeit dafür hat. Wenn Sie direkt zum Klassenprojektabschnitt springen möchten, könnten Sie das tun. Aber ich denke, es ist wichtig, diese Grundlage zu bauen, um wirklich ein Gefühl für das Potenzial dieser Kunstform zu bekommen. Natürlich wird Gayle uns auf dem Weg begleiten, um einige Notizen zu machen und einen Auftritt im Klassenprojekt zu machen. Alles klar, lass uns etwas Spaß haben. 3. Geschichte der erzählenden Kunst Teil 1: Erzählende Kunst ist ein einfaches Konzept. Es ist im Grunde visuelle Kunst, die eine menschliche Geschichte erzählt. Der Erzählkünstler nutzt Charaktere, um uns auf diese Reise zu nehmen. Auf einer Kernebene sind Charaktere Ideen in Bewegung. Die Handlungen eines Charakters sind symbolischer Ausdruck der menschlichen Erfahrung. Erzählende Künstler tun dies schon seit langem. Zum Beispiel hielten Künstler und Handwerker im antiken Griechenland ihre Kultur und Geschichten für die beste der Welt. So würden Sie oft Darstellungen ihrer Erfahrungen auf gemeinsamen Objekten wie diesen Vasen von etwa 500 v. Chr. sehen. Die Griechen verstanden wirklich den Wert des Storytelling Mythos und die Macht der Metapher. Sie zeigten oft Fabelwesen, die an gemeinsamen griechischen Aktivitäten teilnahmen. Hier sind einige Satyrs in einem Weinberg, Trauben pflücken und Musik spielen. Indem sie ihre Kultur mit diesen Figuren aus der Mythologie verbindeten, versuchten die Griechen, einen Platz in der menschlichen Erzählung zu sichern. Manchmal zeigten diese Vasen berühmte griechische Figuren in Momenten des Sieges. Hier ist der alte König, Croesus, der zu seiner Zeit so reich und berühmt war, dass er eine Figur des Mythos wurde. Er wird von einem seiner Feinde lebendig auf einem Scheiterhaufen verbrannt. Wenn Sie die Geschichte kennen, wissen Sie, dass die nächste Szene zeigt, dass er den Gott Apollo auffordert , die Flammen mit seinem göttlichen Ring zu übergießen. Die Verwendung von Charakter im Mythos hebt gemeinsame Figuren in legendären und schließlich mythischen Status. Diese frühen Ursprünge der narrativen Kunst setzen wirklich den Ton dafür wie diese Kunstform Geschichten erschaffen kann, die wirklich den Test der Zeit standhalten. 4. Geschichte der erzählenden Kunst Teil 2: Als kreative Werkzeuge für die Menschen zugänglicher wurden, entwickelte sich die Erzählkunst zu einem intimeren Handwerk der Geschichte und des Charakters. Künstler wie der amerikanische Maler Thomas Cole nutzen ihre Arbeiten, um sehr einzigartige und detaillierte Gleichnisse zu kreieren. Mr. Cole war berühmt für seine visuellen Geschichten amerikanischer Landschaften geworden. Aber in den frühen 1840er Jahren fand er heraus, dass er eine andere Art von Geschichte hatte, über die er malen wollte. Das Ergebnis war ein Projekt namens Die Reise des Lebens, eine Reihe von narrativen Gemälden. Die massiven Ölgemälde folgten dem Voyager durch die vier Phasen menschlicher Erfahrung. Kindheit, Jugend, Männlichkeit und Alter. Werfen wir einen Blick auf die Geschichte der Voyager. Malen eins, Kindheit. Der Voyager, ein fröhliches Kind, entspringt aus einer dunklen Höhle auf einem goldenen Boot, das in Zahlen der Stunden geformt ist. Das Boot wird von einem Engelswesen, der den Voyager in ein üppiges Tal von exotischen Blumen und einer unsichtbaren aufgehenden Sonne führt, einen schmalen Bach hinunter gelenkt . Der Weg des Kindes Voyager ist schmal in seinem Umfang, aber immer noch platzt vor Leben. Malerei zwei, Jugend. Der Voyager verlässt seinen Schutzengel, der das Ruder seines Bootes nimmt und sich auf seine eigene Reise begibt. Er ist bestrebt, die Welt vor ihm zu erforschen. Seine Reise führt ihn an der vielfältigen Baumlinie vorbei, jeder wirft seinen eigenen Schatten auf sein Wasser. Seine Sehenswürdigkeiten liegen auf der wolkenartigen Burg direkt hinter dem Horizont. Leider ist der Voyager noch zu kurzsichtig, um die wahre Natur seiner Reise zu sehen. Bevor der Fluss die Burg erreicht, nimmt er eine scharfe Kurve und steigt schnell in Richtung einer felsigen Schlucht ab. Malerei drei, Männlichkeit. Als der Voyager die Männlichkeit erreicht, ist seine Welt in der Dunkelheit geworfen. Die wolkenartige Burg ist längst vorbei, als der Voyager durch das wirbelnde und schäumende Wasser des tobenden Flusses gezogen wird. Die Welt, die einst so ruhig schien, erscheint jetzt in einem schrecklichen Konflikt mit sich selbst. Die üppigen Felder sind zu fleckigem Moos reduziert. Ein Baum wird durch Aufhellung gespalten und ein fernes Flugzeug ertränkt im Regen. Die Engelsfigur beobachtet weiterhin seine Reise, aber der Voyager sieht nur die Dämonen in den Wolken. Malerei vier, Alter. Der Voyager entsteht aus den Turbulenzen der Männlichkeit. Sein leeres und zerschlagenes Boot ist der letzte Beweis für seine Lebenserfahrung. Sein Schutzengel ist zurückgekehrt, um ihm in einem willkommenen Strahl himmlischen Licht zu begegnen, aber sie schließt sich ihm nicht wieder an. Sie ist einfach Gesten jenseits der letzten Ufer seines Lebens und weiter in einen stillen, einen unendlichen Ozean. Thomas Coles Werk fühlt sich so lebendig an. Aber natürlich passiert diese ganze Geschichte nur in unseren Vorstellungen. Aber etwas muss nicht lebendig sein, um sich lebendig zu fühlen. Ein guter Charakter verdient unser Empathie durch die Art und Weise, wie sie handeln und reflektieren über die imaginäre Welt um sie herum. Die große Frage ist also, wie schaffen wir diese Illusion des Lebens? 5. Geschichte der erzählenden Kunst Teil 3: Hören Sie, ich weiß, in dieser Klasse geht es um Cartooning, aber jede Art von Kunst existiert nicht in einer Blase. Wir werden uns also ein wenig mehr auf die Geschichte der narrativen Kunst und die Art und Weise, wie sie eine Idee personifizieren kann. Hier sind einige Beispiele. Schönheit wird in Sandro Botticellis Gemälde, Die Geburt der Venus aus dem Jahr 1480, personifiziert . Diego Velazquez Gemälde, Die Maids of Honor, gibt uns einen Einblick in das Leben eines königlichen Erben. Der Maler Tōshūsai Sharaku war großartig darin, Charakter zu repräsentieren. Hier ist seine bösen Handlanger aus dem Gemälde, die Rolle des Dieners aus dem Jahr 1794. Francesco de Goya im Jahr 1920 malte Saturn verschlingt seinen Sohn. Eine Geschichte von einem rachsüchtigen Vater. Erzählkunst ist für mich am besten, wenn sie zum Kampf der Menschen spricht. Ich liebe die Art und Weise, wie Winslow Homers Werk den Kampf des Menschen gegen die Natur zeigt. Dies sind die unglücklichen Fischer aus dem Jahr 1899, und das ist die Rettungsleine aus dem Jahr 1884. Der Kampf eines Charakters ist die Suche nach Identität und ein Künstler kann Charakter verwenden, um ein komplexes Gefühl der Identität zu klären. Etwas, das sonst schwer zu definieren ist. Emanuel Leutze malte 1851 die Kreuzung der Delaware, die den Kampf um die amerikanische Unabhängigkeit zeigt. Goyas Gemälde von 1814 mit dem Titel „ The Third of Mai zeigt den spanischen Widerstand gegen Napoleons Armeen. Das ist Hale Woodruffs Wandbild aus dem Jahr 1942, das uns daran erinnert, die Geschichte der Underground Railroad nicht zu vergessen. Frida Kahlos Werk zeigt den Kampf der Selbstdarstellung für die Künstler, vor allem in diesem Gemälde namens The Little Deer. Das ist Georges de La Tour Gemälde, die Magdalena mit der rauchenden Flamme, eine Geschichte einer Frau, die mit Selbstaufopferung kämpft. Eine kleine Geschichte über erzählerische Kunst hilft uns eine tiefere Verbindung mit modernen Cartooning herzustellen. Es ist alles Teil der gleichen Abstammung. Schon immer in dieser Szene von The Little Mermaid bemerkt , wenn sie einen Teil eurer Welt singt, verweist sie buchstäblich auf dieses ikonische französische Meisterwerk. Es ist ein Gemälde über eine Frau, die ein Wunder erlebt hat und sich isoliert findet, wenn sie es als Geheimnis betrachtet. Ist das nicht die Geschichte von Ariel? Karikaturisten lieben es, zu kämpfen zu sprechen. Politisches Cartooning ist ein ganzes Handwerk, das auf klarer Metapher aufgebaut ist , um sofort ein Anliegen des Volkes zu vermitteln. Sie können es auch in der Animation finden. Isao Takahatas Animationsfilm, Grab der Glühwürmchen, sehen Sie es nur, wenn Sie wirklich traurig sein wollen, zeigt die Geschichte von zwei japanischen Kindern, die versuchen die letzten Tage des Zweiten Weltkriegs zu überleben. Als Kind in den 90er Jahren mit Zeitungen aufgewachsen, Calvin und Hobbes mich überzeugt, dass Cartooning mein Lieblingsstil der Erzählkunst war. Bill Watterson zeigte mir, dass imaginäre Charaktere in fantastischen Umgebungen sehr real sein könnten Umgang mit der Welt um mich herum. 6. Disneys Illusion des Lebens: In den frühen 1900er Jahren war Animation diese coole neue Art, Geschichten zu erzählen. Künstler aller Art, Karikaturisten, Filmemacher, Schauspieler, Fotografen, sie alle sahen das Potenzial der Animation als eine neue Art, ihre Charaktere zum Leben zu erwecken. Es gab Jahre des Experimentierens, inspirierende und kreative Arbeiten, aber nicht viel davon hat wirklich mit den Menschen verbunden. Cartoonist und rundum Entertainer Winsor McCay hatte den ersten echten Durchbruch. Er hatte diesen einzigartigen Vaudeville-Akt, den er dort machen würde, wo er mit diesem animierten Dinosaurier namens Gertie interagierte. Er hat mit ihr geredet und sie dazu gebracht, Tricks zu machen. McCay wurde der erste berühmte Film Cartoonist mit seinem animierten Kurzfilm Gertie, dem Dinosaurier aus dem Jahr 1914. Die Leute liebten es, Gertie zu beobachten. Aber was war so einzigartig an ihr? Ich kann zwei Hauptfaktoren sehen. Zum einen ist Winsor McCay ein Meister-Karikaturist. Er ist auch ein Innovator, und er schenkte sorgfältige Aufmerksamkeit auf Details über das Timing und Gewicht von Gerties Bewegungen. Seine Bemühungen waren jenseits von allem, was jemand anderes in der Animationsbranche zu dieser Zeit tat, und er machte eine fantastische Illusion. Aber die Illusion allein war nicht genug. Der größere Grund, warum Gertie so erfolgreich war, war ihre ansprechende Persönlichkeit. Es war eine brillante Wahl von Winsor McCay, Gertie die vertrauten und liebenswürdigen Eigenschaften eines domestizierten Haustieres zu geben . Uns wird gesagt, dass Gertie ein Dinosaurier ist, aber ihre Attraktivität ist viel mehr die des Familienhundes. Andere Animationsstudios begannen, den Erfolg von McCay zu verfolgen, aber sie nahmen die falschen Lehren von seiner Arbeit weg. Diese anderen Studios konzentrierten sich auf, dass in Ihrem Gesicht vaudevillian Stimmung, dass Winsor McCay war so gut in, der Flash und Bang Look seiner Produktionen. diesem Grund sehen so viele frühe animierte Shorts wie eine Zirkus-Show aus. Du hast Song- und Tanznummern, ausgebildete Tiere, Zaubertricks, Zirkus-Stunts und satirische Charaktere und jede Menge Gags. Ja, natürlich gibt es ein paar denkwürdige Charaktere, die aus dieser Ära der Animation entstanden sind. Aber die Geschichten, die sie erzählten, gingen nicht sehr tief und oft radelten die Charaktere durch die gleichen alten Gags und Charaktertropes, die wir immer wieder gesehen haben. Publikum langweilte sich und es ist so leicht zu erkennen, warum. In den gleichen Theatern, die diese animierten Shorts spielten, sahen die Menschen auch Spielfilme, die mit Schauspielern, Regisseuren, Redakteuren und Kameramann kreiert wurden, die die visuelle Sprache ihrer Erzählkunst wirklich zu fantastische Höhen. Diese Geschichtenerzähler kreierten neue Wege, mit Charakter durch Kostüme, Spezialeffekte, Setdesign, Inszenierung und diese spezielle Filmzutat Charisma zu interagieren . Cartoons haben kein Charisma. In den 1920er Jahren hatte die Animationsindustrie wirklich zu kämpfen. Noch kein Studio hatte den Code für die Gestaltung einer wirklich ansprechenden Cartoon-Figur geknackt. Während dieser Zeit begann The Walt Disney Studio ihre Spuren zu machen. Sie bauten eine sympathische Besetzung von Charakteren und die Leute kamen immer wieder zurück, um sie zu sehen. Disney hat seine Animatoren wirklich geschoben und sie haben ihre Charaktere oft durch Studien über Bewegung, Form und Persönlichkeit besser gemacht . Bald hatte Disney die beste Bande von Charakteren in der Stadt. Aber das war immer noch nicht genug. Walt Disney wusste, dass sein Team eine noch bessere Besetzung von Charakteren hatte. Wenn er herausfinden könnte, wie er sie rauskriegen kann. Die Überlieferung für sie war ein großes Projekt. Ihr erster Animationsfilm, Schneewittchen und die Sieben Zwerge, erschien 1937. Das brillante Geschichtenerzählen, einzigartige Charaktere und dramatische Action machten es zu einem sofortigen Erfolg und halten es hoch auf der Liste der besten Animationsfilme aller Zeiten und so begannen die Studios über gutes Charakterdesign zu regieren. Sie kreierten unzählige denkwürdige Charaktere, jede mit ihrer eigenen Geschichte Geschichten über Liebe, Wut, Verzweiflung , Humor, Traurigkeit, Kampf und Erfolg. Um großartige Charaktere zu erschaffen, musste das Disney-Studio ein Ort des Experimentierens und der Innovation sein. Walt und sein kreatives Team haben sich nie auf Dialog oder Gimmick verlassen. Sie waren in ständigem Streben nach stärkerer Klarheit in ihrem visuellen Geschichtenerzählen. Da Animation so ein kollaborativer Prozess war, war die Kommunikation zwischen Künstlern aller Fertigkeiten unerlässlich. Die kreativen Teams erfanden ständig Phrasen, um sich gegenseitig zu kritisieren. Sie würden Dinge sagen wie, hey, ich ziele auf diese Pose, oder du musst etwas strecken. Diese Phrasen wurden immer raffinierter und wurden schließlich zu einer offiziellen Liste von Animations- und Charakterdesign-Prinzipien. Dies ist die Disney-Formel, um Charaktere zum Leben zu erwecken. Ollie Johnston und Frank Thomas, zwei von Disneys Top-Charakterdesignern, setzen ihre Prinzipien in einem Buch namens The Illusion of Life. Dieses Buch ist legendär geworden und steht als Fundamenttext in der Animationsindustrie. Es ist auch ein fantastisches Buch für Geschichtenerzähler, vor allem für jeden, der auf einer Diät von Disney-Filmen aufgewachsen ist. Ich bin kein Animator, ich bin nur ein einfacher Karikaturist, aber dieses Buch hat immer noch meine Charakter-Design-Fähigkeiten auf neue Höhen gebracht. Lassen Sie mich die Lektionen teilen, die ich von den cleveren Leuten in Disney gelernt habe. 7. Stauchen und Strecken Teil 1: Starrheit ist der Feind des Charakterdesigns. Ein Charakter in einer steifen Pose kommuniziert nicht das Konzept eines Lebewesen. Es erinnert eher an ein unbelebtes Objekt wie einen Stein oder eine Holzplatte. diesem Grund ist das erste Prinzip gelehrt und die Illusion des Lebens das Squash- und Stretch-Prinzip. Wenn Sie jemals eine grundlegende Animationsklasse genommen haben, haben Sie wahrscheinlich ein Projekt wie die Bouncing Ball Übung gemacht. Es ist eine großartige technische Übung, aber das Konzept ist eine wichtige Sache für einen visuellen Geschichtenerzähler zu verstehen. Für mich geht es beim Squash and Stretch-Prinzip wirklich darum, Physik auf Erzählkunst anzuwenden. Es geht um die Visualisierung von Aktion und Reaktion. Statt eines hüpfenden Balls, stellen Sie sich ein Paar Augen vor, die zerquetschen und dehnen, während sie auf das reagieren, was sie sehen. Wenn ich Charaktere Augen zeichnen, denke ich an sie mehr als einen Wasserballon mit einem schweren Stein darin , wie die Aufmerksamkeit der Pupille auf etwas gezogen wird, zieht es die Form des Auges mit ihm und wenn die Pupille zentriert ist, das Formular wieder in seine ursprüngliche Form zurückkehrt. Das Prinzip von Squash und Stretch ist alles über die Aufrechterhaltung und Verteilung des Volumens. Egal, wie absurd ein Charaktermodell wird, es kann nicht verlieren oder Gewicht gewinnen, es kann nur neu verteilen. Das Squash- und Stretch-Prinzip ermöglicht es einem Künstler, eine Idee zu erweitern, ohne die Physik der Welt zu brechen. Dieses Prinzip durchläuft die DNA jedes Disney-Charakters. Zum Beispiel zeigen diese Skizzen von Dopey von Disney Animator Bill Tytla, wie alle Elemente des Kopfes der Figur in Verbindung mit der Hauptaktion arbeiten. Egal, wie gestreckt und gezogen Dopey Gesicht wird, es kehrt immer in seine ursprüngliche Form zurück. Eine große Regel des visuellen Geschichtenerzählens ist zu zeigen statt erzählen und dieses Prinzip hilft einem Künstler, die Zuschauer ständige Frage zu beantworten, was macht dieser Charakter wirklich, ohne Worte zu verwenden? Unabhängig von der Gestaltung des Charakters, einem Betrachter kann leicht die Regeln seiner Körpersprache durch Squash und Stretch gelehrt werden. Die Disney-Animatoren konnten jedes Objekt mit dem Squash- und Stretch-Prinzip zum Leben erwecken . Das Buch beweist dies, indem es zeigt, wie man das Squash-Stretchprinzip auf einen Sack Mehl anwenden kann , um es zum Leben zu erwecken. Durch einige Überlegungen, wo die Wirbelsäule, Schultern und Hüften dieses Charakters sind, können wir es in einer beliebigen Anzahl von Arten bewegen und evozieren alle Arten von Emotionen. Nicht jede Pose wird funktionieren und bald werden Sie feststellen, dass Gewichtsverlagerung ein großer Teil dessen ist, was einen Charakter fühlt und sich auf eine realistische Art und Weise bewegt. Werfen wir einen Blick auf ein paar alte Disney-Modellblätter. Sie können sehen, wie ein Künstler die mögliche Bewegung jeder Art in Form von Charakter erforscht. Wenn ich diese betrachte, offenbarten sich die stärkeren Modelle, weil man fast spüren kann, wie die Charaktere angespannt und ihre Muskeln loslassen, ein- und ausatmen. Hoffentlich Nan und Emotion, die eine Emotion freisetzen. Aber das Betrachten von Charakteren, die um ein leeres Blatt Papier schweben , hilft uns bei unserem Storytelling nicht wirklich. Schauen wir uns an, wie wir dieses Prinzip auf unsere narrativen Arbeit anwenden können. 8. Stauchen und Strecken Teil 2: Alle Cartooning erforscht Squash und Stretch auf seine eigene Weise. Der Principal hat fast universelle Anziehungskraft und dass sein Kern perfekt für jede gute Gag-Szene ist. Aber Squash und Stretch können auch komplexere Geschichten vermitteln. Lassen Sie uns das Prinzip bei der Arbeit in dem Bösewicht Captain Hook untersuchen. Beobachten Sie, wie sich die Grundform der guten Kapitäne obere Hälfte in Stuart biegen, während er sich durch eine Reihe von Emotionen bewegt. Er ist diese klassische Art von Bösewicht, die Disney kam, um einen Charakter zu definieren, der ihre gewalttätigen Tendenzen überblasen lässt. Dann werden sie plötzlich bewusst, dass sie viel gezeigt haben, lachen es ab und gehen zurück zu einem falschen Blick der Aufrichtigkeit. Nun, das ist eine Menge Charakter, die auf Sie alle auf einmal kommt. Es ist einfach, all das aufzunehmen, weil es so deutlich durch die physische Natur des Charakterdesigns vermittelt wird. Es beginnt mit dem Zuschlagen der starren Kerze, um zu zeigen, dass Hook kompromisslos ist. Dann durch die Verbreiterung seiner Augen sehen wir sein Selbstbewusstsein und dann versucht er schnell, die Stimmung zu erleichtern. Sein ganzer Körper bis hin zu seinem bösen Schnurrbart hebt sich auf, um sein schleimiges Lächeln zu verstärken. Das ist Charakterentwicklung so brillant, dass es fast mühelos scheint. Erzählende Kunst muss ohne Worte funktionieren. Schau dir an, wie diese Disney-Storyboards hart arbeiten , um Charaktere voller Bewegung und Anziehungskraft zu erschaffen, uns durch die Geschichte führen, ohne dass Text und Dialog unterstützt werden. Beobachten Sie die Art und Weise, wie der Charakter des Colonels von Disneys 101 Dalmatiner durch seine Welt navigiert. Du brauchst nicht mal sein Gesicht zu sehen, um ein Gefühl zu bekommen, wer er ist. Hier ist ein Storyboard aus dem Film, Die Aristokraten. Squash und Stretch sind hier in voller Wirkung, schauen Sie sich an, wie es kinetische Energie in die Szene bringt. Beachten Sie, dass der Künstler vorsichtig ist, um zu zeigen, dass die Bewegungen dieses Charakters nicht ohne Anstrengung sind. Sie können es im Gesicht des Kätzchens sehen, dass er hart arbeitet, um Spaß zu haben. Diese kleine zusätzliche Liebe zum Detail liebt uns den Charakter. Viele von uns können sich auf diesen Kampf beziehen, ein Kind zu sein und sich hinzusetzen, um ein Instrument zu lernen. Ich liebe die Konzeptkunst von Bambi, und ich werde diese Ausrede nutzen, um Ihnen etwas davon zu zeigen. Sieh dir an, wie Squash und Stretch in einer Szene funktionieren können, es zeigt die dramatische Spannung zwischen diesen beiden Charakteren. Die Eule macht seinen Punkt mit einer drastischen Stretching-Aktion und Bambi reagiert realistisch auf das Gewicht seiner Behauptung. Alice im Wunderland ist eine Geschichte von zwei Welten kollidieren und Squash und Stretch spielt eine sehr wichtige Rolle in der Erzählung. Der Kontrast zwischen der rationalen Welt, aus der Alice kommt, und der Absurdität des Wunderlandes, wie in den Charakteren Körperlichkeit gezeigt. Alice ist mit den Konventionen der menschlichen Proportion gezeichnet, ihr Squash und Dehnung ist sehr begrenzt, was sie mehr geerdet macht. Im Laufe der Geschichte tut Alice ihr Bestes, um logisch durch eine Welt verrückter Charaktere zu bewegen . Schau dir an, wie du, wenn wir die Charaktermodelle insgesamt aufstellen, wirklich die dynamischen Formen der Wunderland-Charaktere sehen kannst von Alices zentralem und stabilem Charakterdesign ausgestrahlt werden. Schau dir an, wie die Cheshire Cat Squash und Stretch sich so von Alice unterscheidet. Ohne ein Wort des Dialogs wissen wir, dass diese beiden Charaktere sehr unterschiedliche Standpunkte haben werden. Die Raupe hat eine kompliziertere Persönlichkeit. Seine obere Hälfte posiert auf anspruchsvolle Weise, während seine hintere quetschige Hälfte seine wahre Seltsamkeit enthüllt. Squash und Stretch ist ein Prinzipal mit vielen Schichten. Es macht Ihnen klar, warum ein Studio, das obsessiv die menschliche Natur untersucht , sich dazu entscheidet, Fabeln wie Pinocchio anzupassen, eine Geschichte, die so buchstäblich die Frage erforscht: Was muss ein nicht lebendiges Ding tun, um real zu werden? Ich hoffe, all dies hilft Ihnen, nach Beispielen für Squash und Stretch in Ihren Lieblingsfiguren zu suchen . Achten Sie besonders auf das Niveau der Übertreibung. Fragen Sie sich, wie wirkt sich die Körperlichkeit der Welt eines Charakters auf die Art und Weise aus, wie Sie sich mit ihrer Geschichte auseinandersetzen? 9. Der „Anreiz“ eines Charakters: Die Suche nach Charakterappellierung treibt den Erzählkünstler an. Appeal ist nicht alles über niedliche Augen, Appell befindet sich in jedem Charakterattribut, an könnte ein fließender Umhang, eine biegende Antenne, ein wedelnder Schwanz sein, es sind die Dinge, die uns helfen ein Gefühl für die Persönlichkeit des Charakters zu erzeugen. Die Herausforderung, die richtige Kombination von Design-Appeal zu finden, ist für jede Geschichte einzigartig und erfordert viel Studium des menschlichen Ausdrucks und Verhaltens und viel Versuch und Irrtum. In vielerlei Hinsicht kann der Charakter Appeal durch ihre Silhouette identifiziert werden. Die Chancen sind, wenn Sie ein Fan von amerikanischen Cartoons sind, können Sie mindestens die Hälfte dieser Silhouetten erkennen. Wir betrachten Arbeiten von verschiedenen Künstlern, die über 60 Jahre Cartoon-Kunst erstrecken, aber immer noch viele dieser Designs haben ein gemeinsames ansprechendes Designprinzip. Karikaturisten bezeichneten es als den Gummischlauch umkreist Design. Sie können es bei der Arbeit in diesen Charaktersilhouetten aus Disneys 1929 Kurzfilm The Skeleton Dance sehen. Es war eine Ästhetik, die Zeit für Animateure gespart hat, aber auch für immer Story-Punkte über, vor allem für Knebel-basierte kinderfreundliche Attraktivität, konnte man nicht falsch mit dem Gummischlauch und Kreis-Design gehen. Für eine Zeit nutzte Disney den Gummi-Schlauch-Look, aber sie hatten keine Angst, auf das Konzept voranzubringen. Nehmen Sie Goofys Design, es ist in dieser ikonischen Gummischlauch-Form verwurzelt, aber mit seinen menschlichen Proportionen und Sinn für Gewicht, Goofys Persönlichkeit wird deutlicher und er verwandelt sich in einen glaubwürdigeren Charakter. In den 1990er Jahren war Disney in der Lage, das Design von Goofys gummiartigen Appeal zu verfeinern und ihn weiter in einen Sitcom-Vater mit echten Verantwortlichkeiten zu verwandeln. Publikum wurde gelehrt, die Realität einer Karikatur durch die Art und Weise zu messen , wie sich die Charaktere biegen und bewegen. Sie erhalten einen lockeren Stil und komödiantische Form der Erzählung durch Slapstick-Charaktere wie Olivenöl Erzählung durch Slapstick-Charaktere wie Olivenöl und eine zurückhaltendere, geerdete Realität durch Charaktere wie Marge Simpson. Für eine glaubwürdigere Herangehensweise an Geschichte und Charakter Attraktivität müssen Persönlichkeiten abgeschwächt werden und der Appell beginnt durch Kostümierung, Accessoires, Anhängsel und subtilere Charakteraspekte zu übersetzen . Eine der besten Kreativen von Disney, Mark Davis, kreierte das Design für einen Maleficent , der wegen seiner Einfachheit und Schönheit so zeitlos ist. Ihr Charakter ist reich, trotz der Tatsache, dass sie fast eine Silhouette ist. Es ist alles in der Art, wie Mark Davis ihren Mantel benutzt, um ihren emotionalen Zustand zu zeigen. Ohne die Notwendigkeit einer Nahaufnahme im Gesicht, können wir Maleficents Stimmungsschwankungen sehen, nebenbei bemerkt, wie sich ihre Kleidung ändert. Schon in einem frühen Stadium des Designs sehen wir die subtilen Auswirkungen, wohin die Geschichte gehen wird. Da die Figur von ihrer eigenen Eifersucht überholt wird, sie von ihrer dunklen Seite verzehrt. Wenn Sie einen Charakter entwerfen, wollen Sie ansprechende Details nicht mit ansprechenden Informationen verwechseln. Sogar eine lose, einfache, abgestreifte Skizze, solange sie einen klaren Story Point hat, kann ein Publikum ansprechen. 10. Erweiterter Anreiz: Wie fängst du an, einen ansprechenden Charakter aufzubauen? Karikaturisten arbeiten oft aus einer vorgefassten Vorstellung von grundlegenden Gestaltungsformen. Schauen Sie sich die Grundform der lateinischen Charakterbesetzung an. Die menschlichen Charaktere ähneln fast Schachfiguren, was völlig Sinn macht, wenn man bedenkt, dass die Geschichte eines Lateins über die Strategisierung von Spielen für politische Macht ist. Diese Grundformen können uns helfen, die Rolle eines Charakters in einer Erzählung zu unterscheiden. Der Genie in einem Latein, zeichnet sich als ein formbarer Charakter , dessen Persönlichkeit die Wünsche seines menschlichen Meisters zum Ausdruck bringt. Schon einmal bemerkt, wie der Geist aussieht wie eine Cartoon-Sprechblase? Widerspruch muss konsistent sein, aber nicht statisch. Ein Charakter muss in der Lage sein, sich zu verändern, wie die Bestie in der Schönheit und dem Biest. Er muss sich im Laufe seiner Erzählung von einem gruseligen Monster zu einem sympathischen Helden verwandeln . Die Geschichte, wie ein Karikaturist kommt zu guten Charakter Appeal. Es ist erstaunlich zu sehen , wie das Disney-Team mit dem Biest Look experimentierte und versucht, die richtige Mischung aus menschlichem Empathie und tierischem Instinkt zu finden. diesem Sinne empfehle ich, die Konzeptkunst für Ihre Lieblings-Cartoon-Figuren zu erforschen . Wir können viel mehr von einem Karikaturisten Versuch und Irrtum lernen , als wir aus ihrem Endergebnis können. Schauen Sie sich diese Serie von Skizzen Ich fand vier ikonische Disney-Bösewicht Cruella de vil. Beachten Sie, dass die Künstler oft mit vertrauten Tropen menschlicher Stereotypen beginnen. In diesem Fall, Cruella, ist im Grunde ein wohlhabender Stadtbewohner aus den späten 1950er Jahren. Wie die meisten Disney-Schurken verkörpert sie düstere Verfolgung, die eine echte Persönlichkeit überwältigt. Sie ist von ihrer eigenen obsessiven Natur besiegt. Cruella ist Charakterdesign ermöglicht es, dass diese ganze Erzählkunst auf natürliche Weise geschieht. Ihr Charakterappell muss sich sehr sorgfältig entwickeln und ändern Wenn sie also auf ihrem Höhepunkt des Wahnsinns ankommt, bricht es nicht die Realität der Geschichten. Appell sollte immer auf eine vertraute Realität verweisen. Bei der Gestaltung von Bambi brauchten die Karikaturisten zunächst ein festes Verständnis für die Anatomie und Bewegung der Hirsche. Von dieser Basis aus konnten sie beginnen, Designelemente zu erkunden, die zu ihrer Geschichte passen. Als sie am endgültigen Design angekommen sind, können wir die Eigenschaften eines jungen Rehkitzel erkennen, aber ich fühle auch diesen Charakter Gefühl der Wunder, wenn er seine Welt erkundet. Charakterappell kann auch mit den vorgefassten Vorstellungen der Metapher eines Publikums verknüpft werden. Dieser bekannte Satz, clever wie ein Fuchs, war sicherlich hinter dem Charakterdesign von Disneys Robin Hood. Die Mischung von tierischen und menschlichen Eigenschaften wird als Anthropomorphismus bezeichnet und es ist eine bewährte und wahre Vorlage von starken Charakter Appeal. Sobald Robinhood als Lead etabliert ist, beginnt die Besetzung wirklich, sich selbst zu bauen. Auch, Robinhood ist im Mittelalter gesetzt, was hilft die Karikaturisten entwickelt Kostüm, die speziell die Charaktere Rollen in der Geschichte reflektiert. Zwischen unseren Assoziationen mit Tierkörperlichkeit und mittelalterlicher Kostümierung entwarf das Disney-Team eine Besetzung von Charakteren mit deutlich sichtbaren Story-Rollen. Ihre Attraktivität erwacht wirklich zum Leben, wenn die Charaktere in Bewegung gebracht werden. Das Gewicht ihrer Körper, der Fluss ihrer Kleidung. All diese Aspekte helfen, Attraktivität zu erhöhen und Persönlichkeit zu offenbaren. Appell passiert einfach nicht über Nacht. Werfen Sie einen Blick auf die Familie von Simpson aus der ersten Staffel. Ihre Gesichter sehen fast wie Geierschnäbel aus. Würdest du diese Charaktere sehen wollen? Die Simpson's hatten immer eine starke Prämisse, die Absurdität des häuslichen Lebens in Vorstadt-Amerika. Aber es dauerte Jahre, um herauszufinden, welche Attribute ihrer Charaktere wirklich das Publikum ansprechen und was diese Show wirklich angenehm zu sehen gemacht hat. Appell ist eine schwer fassbare Sache, sie übersteigt in einem Aspekt eines Charakters, aber solange Sie die Verfolgung fortsetzen, werden Ihre Charaktere ihr wahres Selbst entdecken. Vielleicht übertreibe ich das Offensichtliche hier, aber leider wollte ich nur einen Grund, diesen Peter Pan Clip zu benutzen. Ist es nicht gut? 11. Glaubwürdigkeit: Heutzutage sind Zeichentrickfiguren in der Lage, sich an jede Story-Rolle anzupassen, die wir brauchen, um sie zu spielen. Mit mehr als einem Jahrhundert Erfahrung in Cartooning waren in der Lage , glaubwürdige Charaktere, die in jeder Art von dramatischen Geschichten funktionieren. Aber das Erstellen einer dramatischen Zeichentrickfigur braucht einige Arbeit. Als das Disney-Studio tief in die Entwicklung ihrer Adaption von Schneewittchen war, stehen sie vor den Herausforderungen des dramatischen Storytelling. Schneewittchen ist eine Geschichte über Angst, Angst vor Verlassenheit und Strafverfolgung, und den Verlust von Jugend und Schönheit, körperliche Transformation ist eine Sache für eine Karikatur zu tun, aber was ist mit dem Ausdruck der inneren Psychologie eines Charakter? Könnte das Disney-Studio ihre Zuschauer dazu bringen, zu glauben, dass eine Zeichentrickfigur Mord auf ihrem Kopf hatte. Ollie Johnston und Frank Thomas teilen ihre frustrierende Erfahrung im Storyroom, während sie mit ihren Kollegen hin und her gehen , um eine dramatische Szene zu entwerfen, in der der Jäger von der bösen Königin angeheuert, um Schneewittchen zu ermorden, kämpft mit der Moral seiner Mission. Frühe Entwürfe des Drehbuchs waren schlampig und nutzten Dialog für den Huntsman, um seinen Sinneswandel zu erklären. Was Disney bestand darauf, dass seine Animatoren einen visuellen Ansatz finden. Lassen Sie uns aufschlüsseln, wie sie die Szene und den Erzählbogen des Huntsman visualisieren. Es beginnt mit einem Jäger, der Schneewittchen zu einem abgelegenen Handschuh am Waldrand bringt . Beim Pflücken von Blumen sieht Schneewittchen einen Waisen Vogel, eine Figur, die parallel zu ihrer eigenen Situation ist. Sie versucht, den Vogel zu trösten, während der Huntsman anschaut, er beobachtet Schneewittchen Unschuld, aber es scheint seine Motivationen nicht zu ändern. Er schaut sich um, um ihn und Schneewittchen die ganze Zeit zu sehen und entscheidet, dies ist der Moment, um zu schlagen. Zurück im Storyroom argumentierten Ollie, Frank und die anderen Disney-Animatoren darüber, ob der Huntsman wirklich glaubt, dass er zu dieser schrecklichen Handlung fähig ist. erkannten sie, dass die Frage selbst genutzt werden könnte , um die Spannung im Kopf des Publikums aufzubauen. Während sich die Szene abspielt, sehen wir das Gesicht des Huntsmans nicht mehr, wenn er sich nähert. Er ist nur ein imposanter Schatten. Wenn wir auf Snow White reagieren, sehen wir, dass ihre Angst mit einer Emotion konditioniert wird. Wir dürfen dann eine Nahaufnahme des mörderischen Mannes und wir fühlen uns von ihm gefangen. Es scheint, es gibt kein Entkommen für Schneewittchen oder den Betrachter. Der Huntsman geht so weit, um sein Messer zu heben, bevor seine Hand stottert und er lässt es fallen. Der Mann bricht in Scham zusammen, schnappte sich an Schneewittchen Rock und bittet um Vergebung. Der Huntsman hat uns die dunkle Seite der Welt von Schneewittchen gezeigt. Als sie in den Wald stürzte, muss das Publikum 1937 ihr Herz und ihre Kehle gehabt haben. Das waren nicht die Zeichentrickfiguren, an die sie sich gewöhnt hatten. Es gab noch nie eine wirklich dramatische Charakterszene in einem Animationsfilm. Das Disney-Studio umfasste filmische Sprache und andere Aspekte der dramatischen narrativen Kunst. Sie arbeiteten mit Licht und Schatten, psychischer Not und der verletzlichen Seite eines Charakters. Disney hatte auf, was das Publikum bereit waren, über eine Zeichentrickfigur zu glauben erweitert. Szenen wie diese, machen eine Studie von Schneewittchen zu einer Meisterklasse in Cartoon-Erzählung. Schauen wir uns einen anderen Aspekt der Cartoon-Glaubwürdigkeit an. Kann eine dramatische Zeichentrickgeschichte effektiv die Geschichte ansprechen. In den frühen 1980er Jahren näherte sich der Filmemacher Steven Spielberg dem Animator Don Bluth mit einer ziemlich einzigartigen Idee, einen animierten Film über die jüdische Einwanderererfahrung des 19. Jahrhunderts zu machen . Don Bluth war in sie und nach ein paar Jahren, wurde sein Film in amerikanischer Geschichte veröffentlicht. Die Geschichte beginnt in der Zeit des Russischen Reiches, 1885 in der Stadt Schostka. Wir sind mit der niedlichen und freundlichen Moscowitz eingeführt ist eine Maus Familie und offensichtlichen jüdischen Gleichnis. Die Geschichten, die den Vorfall anstiften, sind die Verbrennung des Hauses der Familie Moscowitz. Es ist eine dramatische Szene, wunderschön animiert. Aber Filmkritiker Roger Ebert weist in seiner Rezension darauf hin, und ich zitiere „Eine der zentralen Kuriositäten einer amerikanischen Geschichte ist, dass sie uns spezifisch jüdische Erfahrungen erzählt, aber nicht versucht, ihre jungen Zuschauer darüber zu informieren, die Charaktere sind jüdisch oder die Hausverbrennung war antisymmetrisch.“ Ebert macht einen interessanten Punkt über die Filme narrative Entscheidungen. Es scheint, als würde es um die Wahrheit der Ereignisse herum. Selbst die Katzen, die klar entworfen sind, um Bilder russischer Aristokraten hervorzurufen , verhalten sich wie nichts anderes als schlecht motivierte, böse generische Cartoon-Katzen. Wir wissen genug über die Animationsindustrie, um zu wissen, dass viele Faktoren in die Entscheidungen der Geschichte kommen. Am Ende des Tages in American Tail ist ein großer Budget-Studiofilm für Abroad Kid Publikum konzipiert. Themen wie Vorurteile und Auswanderung sind kompliziert und passen nicht leicht in kinderfreundliche Unterhaltung. Betrachtet man eine amerikanische Geschichte kritisch aus Erwachsenensicht, ist es nur ein seltsames Stück Zeichentrickgeschichte. Es ist eine Geschichte, die einen historischen Kontext präsentiert , ohne die Wahrheit seiner Charaktere zu liefern. Für mich arbeiten die erzählerischen Entscheidungen, die die Geschichtenerzähler treffen, gegen den endgültigen Film und seine Wirkung. Wir alle wollen, dass unsere Geschichten mit einem Publikum verbunden sind, aber kreativer Ausdruck birgt ein Risiko. Selbst unser bester Karikaturist wie Don Bluth, kämpfte um eine tiefere Verbindung durch ihre Arbeit. Glücklicherweise erlauben andere Aspekte der Cartoon-Industrie ein reiferes Storytelling, wie Comics im selben Jahrzehnt, das eine amerikanische Geschichte produziert wurde. wurde eine ganz andere jüdische Mao-Geschichte erzählt. Art Spiegelman serialisierte Comic-Maus, zeigt die Erfahrung seines Vaters als polnischer Jude im Holocaust-Überlebenden. Der Comic sagt sehr deutlich, die Mäuse repräsentieren die Juden. Die Katze repräsentieren Nazi-Deutschland. Spiegel Männer-Kunstwerk hat eine rohe Cartoon-Ästhetik, die die Erzählung passt. Seine Linienarbeit ist rau, seine Charaktere sind starr, seine Inszenierung ist dunkel und seine Erzählung ist konfrontativ. 1992 wurde die Art Spiegelman Arbeit zu einer Graphic Roman gesammelt und wurde der erste Comic, der einen Pulitzer-Preis gewann. Abschließend bestimmt die Glaubwürdigkeit, die in eine Geschichte eingebaut ist, das emotionale Gewicht ihrer Charaktere. Egal, ob Sie in einem historischen Kontext oder in einer Fantasy-Welt kreieren, lassen Sie sich nicht von der Einfachheit des Cartoon-Appeals oder von Damen Gitarrensoli Ihre Charaktere verraten. 12. Charaktere inszenieren: Inszenierung handelt es sich um die sorgfältige Platzierung von Charakteren in ihrer Umgebung für maximale Story-Wirkung. Es ist, als würde man einen Schauspieler auf die Bühne stellen. Zum Beispiel ist dieser kleine wütende Cowboy im Dienst des kommenden Knebels positioniert. Das Inszenierungsprinzip besteht darin, ein Zitat aus der Illusion des Lebensbuches zu ziehen, die Präsentation einer Idee, so dass es völlig und unverkennbar klar ist. Das ist im Grunde ein Gestaltungsprinzip, das alle Künstler in ihrer Arbeit einsetzen. Schauen wir uns also die verschiedenen Möglichkeiten an, wie Cartoonisten ihre Charaktere inszenieren. Alle Inszenierungen sind eine Lösung für eine Story-Herausforderung. Manchmal bezieht sich die Herausforderung direkt auf die Körperlichkeit eines Charakters. Was ist der beste Weg, Donald Duck zu zeigen, wie er eine Fledermaus schwingt? Gute Inszenierung erfordert Planung und Wissen, wie der Körper Ihres Charakters wirkt und reagiert. Disney-Künstler haben eine Menge Spaß inszenieren goofy. Er ist ein sehr party-ähnlicher Charakter. So inszenieren sie ihn so, dass er gezwungen ist, sich zu beugen und sich durch verbundene Geschichtenmomente zu quetschen. guter Charakterinszenierung geht es um die Offenbarung von Informationen. Looney Toons Regisseur Chuck Jones war ein Meister der zeitgesteuerten Inszenierung. Werfen Sie einen Blick auf jeden Roadrunner Coyote Cartoon. Hier habe ich diese spezifische gezogen, für uns.Lassen Sie uns den Knebel folgen, wie es spielt. Wir sind sehr klar in ein Betonfass mit den Körper des Coyote nach oben und außerhalb des Rahmens, wir sehen, dass die Falle gesetzt ist. Der Coyote entkommt wie immer, die Falle scheitert und der Beton strömt auf ihn. Dann, als der Coyote versucht, an der gescheiterten Falle vorbei zu gehen, ist er im Beton eingefroren das Opfer seines eigenen dummen Schemas. Karikaturisten verwenden Inszenierung, um Charakterpersönlichkeiten und Beziehungen aufzudecken. Während der Herstellung von Schneewittchen wusste Disney, wie wichtig es ist, die Zwerge zu glaubwürdigen und ansprechenden Charakteren zu entwickeln , und das Team nahm den Prozess der Inszenierung dieser Momente mit den Zwergen sehr ernst. Jedes Mal, wenn wir die Zwerge sehen, sind sie klar im Rahmen positioniert, so dass ihre einzigartige Persönlichkeit zu sehen ist. Einige meiner Lieblingsteile des Illusion of Life Buches erhalten einen Einblick in die Art und Weise, wie das Disney-Team durch diese langen Meetings schwitzen würde und unzählige Storyboards kreieren würde, die nach neuen und aufregenden Wellen suchen, um die Zwerge zu zeigen auf natürliche, realistische Art und Weise interagieren. Es ist erstaunlich, wie nie zwei Zwerge das Gleiche tun. Ein großer Karikaturist kann emotionale Resonanz und Handlung kombinieren und sie inszenieren. Es ist ein kniffliger Balanceakt. Aber in Künstlern wie Carl Barks machte es einfach aussehen. Er arbeitete an einer Reihe von Donald Duck Comic-Büchern für eine lange Sicht, und er wusste, dass, um seine Leser Interessen zu halten, er musste Bühne hat Charaktere in Bewegung ständig, auch wenn sie nur mit, was sonst könnte eine einfache, stagnierende Konversation. Wenn wir ein Bild betrachten, wollen wir sagen, wo wir suchen sollen. Lassen Sie uns also untersuchen, wie die Inszenierung dieser Disney-Charaktere einen Blickweg schafft, dem wir folgen können. Am wichtigsten ist, dass die Inszenierung uns einen Standpunkt zu einer Geschichte geben kann, und je nach Inszenierung werden verschiedene Teile der Information enthüllt. Ich werde eine Seite aus einem anderen großen Buch über Erzählkunst teilen, Zeichnen mit Worten und Schreiben mit Bildern von Jessica Abel und Matt Madden. Wir wissen, dass die Inszenierung uns einen Standpunkt zu einer Geschichte gibt. In diesem Beispiel zeigen sie 60 verschiedene Möglichkeiten, einen einzelnen Moment zwischen zwei Zeichen zu inszenieren. Schauen wir uns an, wie Informationen enthüllt werden und die Erzählung abhängig von der Platzierung und Körpersprache der Charaktere beeinflusst wird . Wir beginnen mit den Charakteren, die im Profil gerahmt sind. Wir sehen, dass wir einen männlichen Charakter haben, der einen Gegenstand an einen weiblichen Charakter übergibt. Er sagt: „Nimm es.“ Sie sagt: „Bist du sicher?“ Hier sehen wir einen Unterschied zwischen Höhe, Augenkontakt zwischen den Charakteren. Der Austausch hat wirklich keine Spannung. Aber wenn wir ein wenig hineinzoomen und ihre Augen ein wenig näher sehen und die Horizontlinie ein wenig verschieben können , erhalten wir mehr Informationen und wir können beginnen, die Beziehung zwischen diesen beiden Charakteren aufzudecken . Das scheint etwas persönlicher zu sein. Wenn wir die Kamera zurückziehen und kippen, bekommen wir jetzt ein bisschen eine Vogelperspektive, die uns mehr über die Szene und wo sich die Charaktere befinden, aber es hilft uns nicht, so intim mit ihrer persönlichen Verbindung zu werden. Wenn wir anfangen, die Horizontlinie zu neigen, fügen wir einige Spannung auf die gleiche, das bedeutet, dass die Welt an diesem Punkt nicht ausgeglichen ist, diese Charaktere sind in Bewegung, um eine Art von Ziel zu arbeiten. Wir wissen nicht, ob sie es erreichen wollen oder nicht. Wir können die Charaktere auch auf verschiedene Arten blockieren. Indem wir einen Charakter in den Vordergrund stellen, sehen wir mehr aus seiner Sicht, wenn er auf diese Person schaut, mit der er ein Objekt austauschen will. Wenn wir einen Charakter von der Kamera abwenden, verbergen wir jetzt ihre Emotionen vor dem anderen Charakter. Es scheint zu implizieren, dass sie ihm ein wenig zurückhält. Indem wir die Charaktere so blockieren, dass einer von ihnen das Objekt betrachtet, können wir festlegen, dass wir sagen werden, was dieses Objekt in der nächsten Szene ist. So können verschiedene Arten der Blockierung implizieren, was als nächstes kommen wird. Ich empfehle dieses Buch wirklich, es wird Ihnen völlig die Möglichkeiten für Ihre erzählerische Herangehensweise an eine Geschichte, die Art, wie Ihre Charaktere handeln, die Art und Weise, wie Sie sie positionieren. Also sieh mal nach. Jetzt, da Sie die Idee bekommen, wie Sie einen Charakter inszenieren, denken Sie an einen Ihrer Lieblingscharaktere aus der Fiktion. Gibt es eine bestimmte Art und Weise, wie man sie inszeniert vorstellen kann? Denken Sie darüber nach, welche Auswirkungen die Inszenierung darauf hat, wie Sie auf einen Charakter reagieren. 13. Szenen inszenieren: Es ist schwer, eine Charaktergeschichte zu verstehen, bis man sie in Aktion sieht. Das ist der Unterschied zwischen einer Illustration, die so inszeniert wird, und einer so inszenierten Abbildung. Damit Inszenierung ein wahrhaft narratives Prinzip ist, erfordert eine Szene Setting und Umweltelemente. Die Entwicklung dieser Beziehung beginnt mit der Geschichte. Vergleichen Sie die Inszenierung dieser beiden Szenen aus Dornröschen. David Irving entwickelte das Aussehen der Hintergründe in Dornröschen, und sie brachten seine geometrischen Umgebungen in die Szene. Schau dir an, wie Dornröschen und ihr Prinz in diesem glücklichen Moment inszeniert werden. Der Raum ist offen, nichts im Vordergrund verdeckt die Zeichen, die direkt in der Mitte der Komposition gesetzt sind. Alle visuellen Elemente sind natürlich, aber sie sind sehr ausgewogen und gleichmäßig und horizontal, was der Szene ein Gefühl der Ruhe verleiht. Ich liebe die kleine Berührung der Reflexion der Charaktere, die im Wasser tanzen. Es schiebt nur die Symmetrie und das Gleichgewicht der Szene noch weiter. Jetzt sprangen wir zu einem späteren Punkt in der Geschichte und wir sehen den Prinzen, als er versucht , seinen Weg zum Schloss zu machen, um seine Freundin zu retten. Der Hintergrund ist ein Grauton, wodurch die Mittelbodendornen in gegensätzlichen Silhouetten wirklich scharf werden. Sie umgeben den Prinzen und schieben sich ihren Weg in den Vordergrund, direkt in unser Gesicht. Es scheint, als wäre Flucht für den armen Prinzen unmöglich. Die Inszenierung dieser beiden Bilder vermittelt wirklich die extremen Emotionen der Story-Punkte. Als nächstes werde ich mir die vier wichtigsten Möglichkeiten ansehen Karikaturisten ihre eigene Inszenierung voranbringen können. Die Verwendung von evokativen Requisiten ist Geschichte. Umgeben eines Charakters mit Requisiten kann uns helfen, sie zu verstehen. Indem wir Dumbo in diese kleine Lasche gesteckt haben, haben wir die Idee eines Babys in der Badewanne hervorgerufen und vermittelt diese frühen Momente der Kindheit. Wir können es umdrehen und lassen die Charaktere dem Betrachter beibringen, auf ein Objekt zu reagieren. Aerial in Flunder wird so inszeniert, dass uns gesagt wird : „Hey, wir schauen uns dieses Buch an und es ist wirklich interessant.“ Ohne zu hinterfragen, was der Inhalt des Buches ist, drängt uns der Karikaturist direkt auf die Antwort, die sie uns wünschen. Das Buch ist interessant. Das ist alles, was du wissen musst. Aber manchmal brauchen wir Charaktere, um eine Frage im Betrachter hervorzurufen. Während das junge Waisenkind Arthur nach dem legendären Excalibur Schwert greift, viele Fragen. Worin steckt der Junge? Sein Gesicht zeigt uns, dass er keine Ahnung hat. Wenn du den Ausdruck beim ersten Mal nicht erwischt hast, hat der Künstler ihn in perfektes Profil gesteckt und hat auch seinen Ärmel hoch, so dass wir sehen, wie ein zerknitterter kleiner Arm diese massive Waffe packt. Das goldene Licht, das auf ihn hinabstrahlt. Lasst uns wissen, dass er wahrscheinlich auf dem richtigen Weg ist, aber wir wissen nicht, wie sicher diese Reise sein wird. Mit unterstützenden Charakteren der Geschichte. Gehen wir zurück zu dieser Illustration der Eule in Bambi, die Körpersprache in der Inszenierung jeder der beiden Hauptfiguren lehrt uns, das gleiche zu lesen. Für mich folgt mein Augenweg den Ast hinunter durch den Körper der Eule und stoppt direkt an der Spitze seiner Feder. Unten rechts, ein Charakter, der uns versichert, dass wir uns auf das konzentrieren sollten, was die Eule sagt. Eine ganze Sammlung von Waldfiguren folgt Schneewittchen auf ihrer Reise, und sie verhalten sich ein bisschen wie ein griechischer Chor. Sie unterstützen ihre Rolle in der Geschichte, indem sie eine Szene verstärken, sie zum Handeln ermutigen und einen Verdacht erzwingen oder einen emotionalen Moment verstärken. Ein wenig Spaß, Betty Boop spielte fünf Jahre zuvor im Jahr 1932 Schneewittchen. Aber ich schätze, ihre Version hat einfach nicht genug niedliche Tiere, und es hat einen zu viele gruselige Clowns. Mit Einstellung als Geschichte sind überall um die Hexe Artefakte, die ihre Geschichte unterstützen. Die vertrauten Tropen eines Hexenheims. Werkzeuge der Alchemie, Dinge, die verwendet wurden, um etwas Übernatürliches zu erschaffen. Ein Krähenbegleiter, der so aussieht wie das Publikum, neugierig zu wissen, was in diesem Coltrane vor sich geht. Sogar der Rauch hat Charakter, die seltsame Schlangenähnliche Formen kreieren , die sich in die Spinnweben in der Ecke des Raumes mischen. in einem anderen Teil der Stadt irgendetwas, was Familie sagt, wie in einem Salon um einen großen quadratischen Fernseher zu sitzen? Das Haus und 101 Dalmatiner sagt, immer bei mir stecken. Mir ist klar, dass es jetzt liegt, weil die Geschichte aus der Sicht des Tieres erzählt wird. Die Tiergeschichten sind wirklich ansprechend, wenn man ein Kind ist, denn genau wie ein Tier ist die Welt eines Kindes so klein. Es beginnt mit nur wenigen Räumen und Objekten. Du verstehst nicht ganz. Dinge, für die du nichts brauchst. Schwere Kommode Schubladen, Haufen von Büchern, Instrumenten, Papierkram, seltsame Tapeten. Adult Zeug umgibt dich in jedem Winkel. Die Einstellungen sind ausgelastet. Diese werden in Räumen gelebt. Sie sind überfüllt und überladen. Der Boden ist manchmal kaum sichtbar, aber sie fühlen sich auch sicher und komfortabel und gemütlich. Bis dieser Tag kommt, wenn die Außenwelt auf dich einplatzt und alles für immer verändert. 14. Umgebungen inszenieren: Ich kann wirklich nicht genug betonen, wie wichtig Disneys Ehrgeiz und Experimentieren ist. Die 1937 animierte Kurzfilm, die Alte Mühle, war ein wichtiger Testplatz für ihre kommenden Spielfilme. Die Old Mill erzählt den Tag im Leben der Tiere, die in und um in der verlassenen Windmühle im Land leben , mit einem offensichtlichen Fokus auf das Experimentieren mit Umwelteffekten. Sie erforschen fortschrittliche Kameratechniken, komplexe Licht- und Farbeffekte , realistische Bewegung von Tieren, Wellen, Reflexionen. Im Laufe dieses achtminütigen Films werden die arme alte Mühle und ihre Tierfreunde wirklich durch den Klingeln gesteckt. Aufhellung stürzt überall um sie herum. Regen schleicht sich hinein und Wind, wenn die Welt um sie herum in einen gefährlichen und medizinischen Ort zieht. Am Morgen sehen wir, dass die alte Mühle noch einen anderen Tag gegenübersteht. Disney wusste, wie wichtig eine Rolle Umwelt in ihren kommenden Filmen spielen würde. Die Umgebung eines Charakters ist ein wichtiger Faktor dafür, wie wir darüber lernen, wer sie sind. Die Welt des Dschungelbuches ist nicht nur ein Dschungel, sondern ein absichtlich gestalteter und inszenierter Ort, an dem unsere Charaktere interagieren können. Umwelt bleibt oft unbemerkt, denn wenn es richtig gemacht wird, fügt sie sich nahtlos in eine Geschichte ein. Deshalb ist es noch wichtiger, es zu studieren. Aber ob dieser Aspekt des visuellen Geschichtenerzählens die Aufmerksamkeit bekommt, die er verdient, Umweltdesign ist eine entscheidende Entwicklungsphase in der narrativen Kunst. Eine, die Forschung und Planung erfordert, wenn Sie eine Welt schaffen wollen , die lebendig sagt, wie die Charaktere, die Sie in sie setzen. Wie Sie wahrscheinlich sehen können, die Erweiterung der Umgebung um einen Charakter schafftdie Erweiterung der Umgebung um einen Charakterviele neue Herausforderungen für den narrativen Künstler. Umfangreiche Kompositionsplanung, Auswahl von Farbpaletten, all diese kreativen Entscheidungen können anstrengend werden und es ist leicht, sich an vertrauten Orten bequem zu machen.Während Disney das nicht haben würde. Er wusste, dass sein Studio, wenn sie an der Spitze ihres Spiels bleiben würden, immer neue Einstellungen erforschen musste, um Geschichten zu erzählen. Das Fantasia-Projekt war wahrscheinlich der Höhepunkt von Disneys Umweltexperimenten. In Fantasia wird das Publikum durch acht verschiedene Welten auf Welt-Glücks-Geschichten getragen , die zu klassischen Musikstücken gesetzt sind. In Fantasia gibt es keine Helden und Schurken, nur Szenen der Natur personifiziert und dramatisch visuell. Während diese Art des Storytelling ein Publikum nicht wie eine charaktergesteuerte Erzählung anzieht, ist es einfacher zu sehen, wie diese Techniken eine Rolle in konventionelleren Geschichten spielen könnten. Fantasia ist voller eindrucksvoller Visualisierungen, angefangen von den dunklen, wirbelnden Phantomwinden des finsteren Kahlen Berges bis hin zu den impressionistischen Landschaften der mythischen Pastoralsymphonie und dem fallenden Himmel der Frühlingsrechte. Ihr werdet feststellen, dass die Charaktere, die wir sehen, fest in den Umgebungen leben und euch zeigen, wie es ist, in diesen seltsamen Welten zu existieren. Versuchen Sie, die Art und Weise zu betrachten, wie die Umwelt eine Rolle in den Geschichten spielt, die Sie am meisten genießen. Ist das ein passiver oder aktiver Teil der Reise eines Charakters? 15. Andere Arten von Helen: Lassen Sie uns von Amerikas Walt Disney Studio weg und schauen Sie sich Japans Studio Ghibli an. Die Geschichte von Studio Ghibli ist voller Charaktere, die so erstaunlich und unvergesslich sind, wie alles, was Disney jemals getan hat. Ghibli fühlte sich wie der nächste logische Schritt in meiner Zeichentrickausbildung. Hayao Miyazaki und seine Künstler erzählen Geschichten, die komplizierter und ansprechender waren und sich grundlegend von allem unterscheiden, was ich in amerikanischen Cartoons gesehen hatte. Schauen wir uns ein paar der ikonischen Charaktere von Ghibli an. In Nausicaa des Tals des Windes betreten wir eine postapokalyptische Welt, in der die letzten verbliebenen Menschen um das Überleben kämpfen. Nausicaa ist ein junges Mädchen, das versucht, Frieden in eine postapokalyptische Welt zu bringen , die von riesigen Insekten überrannt ist. Viele Ghibli-Protagonisten sind junge, spontane Mädchen mit einem besonderen Händchen, um sich mit der natürlichen Welt zu verbinden. Prinzessin Mononoke ist ein weiterer Lieblingsfilm. Wie Schneewittchen, Prinzessin San hat ihre eigenen Waldbegleiter, Riesen, uralte Geisterwölfe. Die Welt von Prinzessin Mononoke ist voll von einzigartigen und manchmal grotesken Bildern, aber sie ist ausgewogen mit der großen Unschuld der Hauptfiguren der Geschichte. Es ist ein anderer Ansatz, um Charakter-Appeal, aber genauso effektiv. Wie Disney versteht Ghibli, wie wichtig die Inszenierung ist, wenn man versucht, eine gute Geschichte zu erzählen. Wir können viel von dem Charakter von San verstehen, übrigens diese Szene inszeniert wird. Sie ist jung und muss von ihrer Adoptivmutter unterstützt werden, einer Wolfsgöttin. Sie führt einen schmalen Weg, umgeben von Dämonen, die Umgebung gibt den Ton und ohne ein Wort der Handlung, wir etablieren die Pfähle von San Reise. Die Umgebung von Prinzessin Mononoke ist realistischer und oft gewalttätiger, aber nicht in einer bösen Weise, aber in der Art, wie die Natur manchmal den Menschen erscheinen kann. Während die Geschichte von Prinzessin Mononoke fortschreitet, erfahren wir mehr und mehr über die monströsen Kreaturen, die ihre Welt bewohnen. Wir sehen ihre Traurigkeit und ihre Wut. Wir sehen ihre Angst vor dem Tod und die Akzeptanz des Lebens. Die Reise des Helden in diesen Geschichten besteht nicht darin, das zu erobern, was böse erscheint, sondern zu lernen, sich mit ihm einzufühlen. Viele der Filme von Studio Ghibli beschäftigen sich mit dem zeitlosen Kampf zwischen dem Geist der Natur und den Forderungen der Zivilisation. Aber My Neighbor Totoro erforscht eine eher geerdete Seite von Studio Ghiblis Geschichtenerzählen. Die Geschichte spielt in einer isolierten Landschaft um ein einzelnes Haus zentriert. Die Lage ist mit erstaunlichen Details gefüllt und fühlt sich sehr real und vertraut an. Wir treffen Satsuki und Mei, zwei Schwestern, die bei ihrem Vater leben. Sie versuchen, beschäftigt zu bleiben, während sie auf Nachrichten von ihrer hospitalisierten Mutter warten. Die Mädchen erforschen ihre kleine Welt mit der vertrauten Begeisterung der Kindheit. So wie die Sorge um ihre kranke Mutter sie zu wiegen beginnt, treffen sie auf die fantastischen Totoros. Aber diese magischen Kreaturen fegen die Mädchen nicht in ein episches Abenteuer. Mein Nachbar Totoro, geht es darum, Dinge zu begegnen, die außerhalb unserer Kontrolle liegen und wie Phantasie uns hilft, mit Realitäten umzugehen, geheimnisvolle Großheit. Die Charaktere in My Neighbor Totoro zeigen uns, dass unsere Vorstellungen uns durch sehr reale Erfahrungen führen können. 16. Ein paar Gedanken: Es gibt so viel mehr über Erzählkunst zu sagen Die Art und Weise, wie wir sie benutzen, um die menschliche Erfahrung, die alltäglichen Charaktere, die legendären Charaktere, die Art und Weise, wie wir unserinnern wollen, zu untersuchen die alltäglichen Charaktere, die legendären Charaktere, die Art und Weise, wie wir uns , zum Besseren oder zum Schlechteren. Diese Charaktere können aus unserer Fantasie hervorgehen, aber sie sind am Ende Teil der sehr realen Geschichte menschlicher Erfahrung. Die Arbeitsgrundsätze, die wir uns angesehen haben, sind nur die Spitze des Eisbergs. Aber jetzt werde ich diesen Teil der Klasse mit einem Zitat des Kunsthistorikers Dr. Charles Aldridge einschließen . „ Einige der Geschichten, die in Farbe erzählt werden, sind ziemlich unkompliziert, von den meisten Zuschauern leicht zu lesen; einfache Bilder. Andere vermitteln Inhalte durch dunklere Symbole mit Details, die von persönlicher, oft kryptischer Bedeutung berühmt sind. Komplexe Bilder, die vielleicht die komplexen Umstände ihrer Entstehung widerspiegeln. Aber alle deuten auf eine grundlegende und dauerhafte Faszination die Geschichte gut erzählt und einen Schwanz gut gemalt.“ 17. Kursprojekt: Konzept: Beginnen wir den Klassenabschnitt dieses Kurses mit einem Blick auf das letzte Stück, das ich erstellt habe. Ich nenne das Gill und den Dreizack. Ich kam nicht zu diesem Teil des Kurses mit einer vorgefassten Vorstellung von dem, was ich schaffen wollte. Alles, was ich wusste, war, dass ich Gill oder Maskottchen für den Kurs in irgendeinem Fantasy-Kontext benutzen würde . Ich wusste, dass es wirklich Cartoony sein würde und versuchen, alle Ideen und Prinzipien, die wir im Laufe der Vorlesung behandelt haben, zu umarmen . Ich werde zum Beginn meines kreativen Prozesses zurückspulen und mir die vier Hauptabschnitte, Komposition und Planung, Skizzieren, Freihandarbeiten und Farbe, ansehen . Ich werde ein wenig über die technische Seite der Software sprechen, die ich verwende. Aber für mich und meinen Kurs ist der wichtigste Takeaway, egal welche Werkzeuge Sie verwenden, nehmen Sie Ihre Arbeit ernst und seien Sie bereit, die Zeit mit dem Projekt zu verbringen, und lassen Sie es sich Ihnen offenbaren. Das braucht wirklich nur Zeit, kreative Prozesse sind keine unkomplizierte Reise. Manchmal schleift es sich um sich selbst herum, oder Sie treffen eine Sackgasse. Du musst darauf vorbereitet sein, wenn du etwas mit echten narrativen Tiefen erschaffen willst, wirst du beim ersten Versuch nicht dorthin kommen. Ich verlasse in all meinen kleinen Absperrungen und die kleinen Wurzeln, die ich nehme, führten mich schließlich dazu, was etwas kühler ist, als ich dachte, es würde sein. Gehen wir zurück zum Anfang des Projekts und beginnen mit meiner Kompositionsplanung. Das sind die Dinge, an die ich denke, wenn ich in der Reihenfolge der Wichtigkeit zeichne. Ich schreibe sie nicht auf. Wenn ich das mache, schreibe ich sie jetzt für dich auf. Für mich ist der wichtigste Teil einer Zeichnung das Konzept dahinter, der Story-Point. In diesem Fall sind die Konflikte der Hauptfigur, Gill. Wir wollen einen Moment intensiver Aktion schaffen, auch wenn es kein actionreicher Moment ist, wir wollen einen Moment mit hohem Drama. In diesem Fall ist das Konzept, mit dem ich mich befassen werde, die Verantwortung der Macht. Als ich mich hinsetzte, um zu entscheiden, in welchen Kontext ich Gill setzen wollte, fiel mir das Bild des jungen Königs Arthur, der das Schwert aus dem Stein zog, in den Kopf, also wird das mein Sprung vom Punkt sein. Für mich ist das Thema dieses Bildes die Verantwortung der Macht. Der zweitwichtigste Teil meiner Komposition ist die emotionale Energie. Was fühlt Gill? Wie fühlt sich das Bild an? Angst wird ein Aspekt davon sein. Dann auch ein bisschen kindähnliche Neugier. Für mich ist das immer ein Element, das in allem steckt, was ich tue. Ich will nichts zu ernst nehmen, was ich tue. Ich habe das Gefühl, dass es ein Gleichgewicht von Leichtigkeit geben muss, und Neugier ruft oft ein bisschen davon hervor. Es ist ein ängstliches Bild, aber ängstlich und ein kinderfreundlicher Weg. Dann werde ich anfangen, wirklich die allgemeine Attraktivität der Komposition zu betrachten, nicht unbedingt die Attraktivität der Hauptfigur, sondern die Form der gesamten Zeichnung. Was zieht Sie an das Bild? Was sind die dramatischen Winkel oder faszinierenden Formen der Komposition? Dann überlege ich den Weg des Charakters. Wie passt und existiert der Charakter in diesem Raum? Das dauert in der Regel am längsten, weil ich meinen Charakter positionieren muss, bevor ich wirklich einen Eindruck davon bekommen kann , wie die Physik sie beeinflusst. Dann werde ich den Standpunkt des Publikums betrachten. Was ist der beste Weg, um diesen Story Point zu zeigen? Manchmal bedeutet das, dass ich zu diesen vier Schritten zurückgehe und alle überdenke und mit der Zeichnung beginne, oder es könnte nur eine schnelle Optimierung oder ein wenig Dehnung einer Skizze sein. Schritt fünf kann viele verschiedene Richtungen gehen. Danach, sobald das ganze Bild an Ort und Stelle ist, betrachte ich die Regeln der Umwelt. Dies bedeutet Aspekte von Wind, Licht, oder Wetterbedingungen, die Temperatur der Szene, die Arten von Landschaft, die Charaktere sind in. Dies wären eher die Spezialeffekte der Zeichnung. Aber für mich muss es als Schwarz-Weiß-Bild oder einfach nur in seinem Zustand der letzten Zeile funktionieren, bevor ich wirklich in die Effekte komme. Vor allem, wenn Sie digital arbeiten, gibt es so viele Möglichkeiten, mit diesem Zeug zu spielen. Aber Sie müssen wirklich sicherstellen, dass Sie eine starke Komposition und Geschichte Bit haben , bevor Sie zu diesen auffälligen Umweltaspekten kommen. Dies ist eine kurze kleine Erzählung, die ich erstellt habe, um mein Image zu inspirieren. Ich folge ihm vielleicht nicht etwas für wenig, aber es wird mir ein wenig über das Bild erzählen, das ich erstellen werde. Ich arbeite oft mit einem Skript, auch wenn es sich um einen echten losen Umriss einer Geschichte handelt, brauche ich Text, um ein Bild zu inspirieren. Es hilft mir, in die richtige Denkweise für die Komposition zu kommen, besonders so etwas, wo ich die Figur nur einmal zeichne. Ich habe nicht viel Zeit, sie visuell zu erforschen. Ich werde eine kurze kleine Erzählung über Gill schreiben, inspiriert von der Arthurischen Legende und dem Ziehen von Excalibur aus dem Stein. Meine kleine Erzählung lautet wie folgt „Als der junge Gill den legendären Dreizack aus dem verfluchten Riff zog, spürte er die Stärke aller Seelords, die ihn durchlaufen, wusste er, dass sie ihn auf seiner Reise beobachten würden.“ Ich habe eine Menge großartiger Elemente, mit denen ich hier arbeiten kann. Ich tausche Excalibur für einen Dreizack, weil Gill eher ein Merman-Typ ein Charakter ist. Ich habe das verfluchte Riff anstelle des Steins, weil wir wieder unter Wasser sind. Anstelle des Vermächtnisses dieses mythischen Schwertes gebe ich ihm mehr von einem Herrn der Ringe Mittelerde Geschichte, als ob es eine Geschichte von Sea Kings gegeben hätte, die diesen Dreizack besessen haben und jetzt ist es Zeit für Gill, den Mantel aufzunehmen. Ich werde eigentlich anfangen zu zeichnen, also ist es Thumbnail-Zeit. Nur ein paar kurze Skizzen , um mir ein Gefühl zu geben, wohin die Komposition gehen wird. Das Beste an einem Thumbnail ist, dass Sie eine Million davon zeichnen können, ohne zu viel kreative Energie zu verbrennen. Beginnen wir mit dem ikonischen Bild, nur um es aus meinem Gehirn zu bekommen, von Arthur zieht das Schwert aus dem Stein, das Bild direkt aus der Disney-Adaption der Geschichte. Für mich ist dieses Bild sehr klar, liest sich sehr gut, aber als stagnierende Illustration aus dem Kontext der Animation ist es sehr fad und unkompliziert, aber es ist ein großartiger Sprung vom Punkt. Was ist, wenn wir unsere Kamera nur ein wenig kippen und Gill dynamischer machen. Jetzt arbeitet er wirklich in diesem Dreizack, er ist in einem anderen Geschichtenmoment, er ist jetzt Mittlerweile. Ich mag das etwas besser, aber es sagt mir nicht wirklich viel über die Welt. Wir bekommen ein Gefühl für das Riff und den Dreizack und Gill, aber das ganze Erbe der Sea Lords kommt nicht wirklich rein. Dieser Winkel der Geschichte funktioniert für mich noch nicht wirklich. Jetzt, da wir unsere grundlegende Inszenierung kennen, versuchen wir, näher daran zu kommen. Ich werde die gleiche Neigung der Kamera behalten, aber jetzt arbeite ich in dieser Ein-Punkt-Perspektive bis zur äußersten linken oberen Ecke des Bildschirms. Wir folgen dem Stiel oder dem Griff des Dreizacks. Das ist dynamischer, aber ich mag den Winkel von Gills Körper nicht, er ist wie in der Mitte gespalten, er sieht ein wenig schräg aus. Das hat etwas Energie, aber der Charakter sieht nicht cool aus, das funktioniert nicht. Mal sehen, ob wir diese Sea Lords herausfinden können. Wenn du durch eine Menge meiner Arbeit zurückgehst, liebe ich diesen Winkel, der Rücken über der Schulter Look. Ich weiß nicht warum, das ist nur etwas, das in meiner Erzählung viel auftaucht. Ich stelle mir ein bisschen weiter in der Geschichte vor. Jetzt, wo Gill den Dreizack aus dem Stein gezogen hat, erinnert er an das Vermächtnis des Dreizacks, und die Seelords wirbeln um ihn herum. Ich mag diese Idee, sie gibt mir viel mehr Raum, mit dem ich arbeiten kann, und macht mich aufgeregt über dieses Umweltelement der Geschichte. Ich kann einige lustige Dinge mit der fantastischen gespenstischen Spur des Seelords machen , das gefällt mir. Lassen Sie uns eine weitere Runde von Thumbnails machen, inspiriert von dieser vierten. 18. Kursprojekt: Skizze Teil 1: Ok. Halten Sie die über der Schulter, schauen Sie, lassen Sie uns einige weitere Inszenierungsdetails einbauen. Wir brauchen dieses Riff, um sich ein wenig auszufüllen. Also steht Gil oben auf einem Felsvorsprung und Sie können sehen, wo genau er den Dreizack aus dem Riff gezogen hat. Bevor ich weiter gehe, lassen Sie mich meine Objekthierarchie aufschlüsseln. Dies ist etwas, das auch durch meinen Kopf läuft, wenn ich arbeite und besonders wenn Sie versuchen, eine Geschichte mit Ihrem Bild zu erzählen, denken Sie daran, was wichtig ist und wann und wo Sie die Informationen in der Geschichte enthüllen. Was soll ich damit meine? Okay, hier ist die neue Erzählung dieses Bildes. Ich möchte, dass der Betrachter dem Seelord vorgestellt wird. Diese Art von setzt das Rätsel. Wir haben diesen seltsamen, fantastischen Charakter, der um den oberen Rand des Bildschirms wirbelt. Dann verbindet sich unsere Hierarchie mit Gill. So sehen wir die Verbindung zwischen den beiden Zeichen. Dann schauen wir tiefer in das Bild, in Gills Hände. Wir sehen den Dreizack, dann sehen wir das Riff, wo er steht, die Kulisse und dann hinter diesem tiefen und riesigen unerkennbaren Ozean. Das ist die Geschichte dieses Bildes, wie es von der Hierarchie der Objekte erzählt wird. Jetzt werde ich ein weiteres Thumbnail machen, dieses Mal ein wenig sauberer und versuche herauszufinden Gill Körpersprache und wie ich diese genaue Geschichte erzähle. Etwas, was ich wirklich in Betracht ziehen muss, ist der Winkel von Gills Armen, der er nicht sicher ist, oder? Ich sagte, er ist neugierig, was bedeutet, dass es ein jüngerer Charakter ist. Er ist neu in dieser Welt, er erwirbt nur dieses Objekt und vielleicht hängt er es für ein liebes Leben an, als wäre es sie, Rettungsinsel. Ich werde ein paar kleine Skizzen hier machen, um zu versuchen, den Winkel der Schulter so zu bekommen, wie ich es will, aber auch den engen Griff auf den Dreizack. Ich könnte versuchen, den Kopf in die andere Richtung von der Kamera wegzudrehen. Aber als Faustregel, ich mag es nicht tun, dass es den Betrachter von der Szene trennt , weil der Charakter jetzt weniger engagiert ist. Es ist wie wenn sich ein Schauspieler in einem Stück vom Publikum abwendet, verlieren Sie ein wenig von Ihrer Verbindung. Ich werde davon wegziehen. Gehen wir zurück zu Gill und schauen uns an und legen den Dreizack vielleicht etwas mehr hinter seinen Kopf. Denn sonst verliere ich den kleinen Platz über seinem Bein wo ich einen Teil des Riffs wo er den Dreizack zieht, mich ist das ein wichtiger Teil dieser Geschichte. Jetzt ist hier eine Version von Gill, die ein wenig eingeschüchtert ist. Ich will einen hohen Winkel, als würden wir mehr aus der Sicht des Seelord und meiner Objekthierarchie sehen , das ist der Charakter, den wir zuerst treffen wollen. Wenn wir nach unten auf diesen Charakter schauen, denke ich, es wird den Seelord in einen prominenteren Teil des, das Bild. Hier ist ein kleiner Trick, den ich mit meiner digitalen Illustration mache. Ich benutze das Transformationswerkzeug, um das Bild in der Regel auf einen einzigen Fluchtpunkt zu verzerren , also habe ich an dieser Stelle die Oberseite gestreckt und den Boden gezogen und das ist ein schneller Cheat , die ich benutze, um etwas dynamischere Energie im Bild zu bekommen. Es zieht uns wirklich subtil den Abfluss der Zeichnung runter. Dies ist ein schwieriger Winkel, aus dem ich ziehen kann, aber ich werde versuchen, es zu durcharbeiten. Ich habe eine Menge Probleme, die Beine richtig zu machen. Ich meine nicht richtig wie im richtigen Winkel für die Kamera, aber nur ansprechend, ich möchte, dass sie gestreckt werden, ich setze meine Charaktere normalerweise nicht mit ihren Beinen zusammen. Normalerweise werden sie Bewegung gemacht, sie verlagern ihr Gewicht. Wenn ich ein besseres Verständnis für die gesamte gerade Geometrie dieses dreidimensionalen Raumes bekomme, könnte es mir helfen. Ich werde diesen offenen Würfel über die Komposition zeichnen und sehen, ob es mir einen besseren Blickwinkel auf Gill gibt. Jetzt habe ich wirklich den Dreizack gestreckt, was am Ende nicht so drastisch von einem Winkel sein wird, aber es hilft mir, dorthin zu kommen, wo ich hinwill. Lasst uns versuchen, Gill niederkniet. Das sieht zu formell aus. Ich glaube nicht, dass das funktionieren wird, aber lass mich einen Moment hier nehmen und den Dreizack und das Riff ausarbeiten , auf dem er steht. Ich mag diesen Winkel sehr, ich überlege, einen Haufen Korallen aufzubauen, der fast fast fast Feuer umgibt, als würde er auf einem Scheiterhaufen ich überlege, einen Haufen Korallen aufzubauen, der sitzen. Ich bin mir noch nicht sicher, was ich mit dem Meereskönig machen werde. Lass uns einfach einen generischen Geist mit der Krone machen. Ich mag diese Komposition, aber ich muss Gill wieder auf die Füße legen. Ich werde über diese Thumbnails skizzieren. Sie sehen an dieser Stelle, ich verwende meine älteren Thumbnails als Referenz, behalte, was ich mag und zeichne dann eine neue Version der Teile, die ich ändern möchte. Ich muss seine Beine so positionieren, dass es sich wirklich anfühlt, als würde Gill auf etwas stehen. Alles klar, es ist wirklich Zeit, aufzuhören, mit all diesen kleinen Details herumzuspielen. Ich denke, ich bin glücklich damit, dass ich Gill einfach auf dieser Plattform positioniert. Ich denke, das Riff sollte ein bisschen dramatisches Feld haben, als würde es sich verdrehen. Vielleicht ist er eine Treppe hoch gegangen oder so, er ist an der wahren Spitze dieses Berges. Ich will nicht, dass es sich so anfühlt, als würde er auf dem flachen Boden stehen und das wird eine gute Gelegenheit sein, später einen echten dunklen Raum unter seine Plattform zu ziehen und ihn zu umgeben. Beachten Sie, wie alles ausplatzt, diese Linien. Ich weiß noch nicht, was sie genau sein werden, aber an diesem Punkt implizieren sie nur die Energie der Zeichnung. Es wird cool sein, dass sich der Seegeistesgeist hier durch diese Spiralen bewegt. Ich weiß noch nicht, wie ich das genau machen soll. Aber jede Skizze, die ich mache, macht die Geschichte etwas tiefer und gibt den Zuschauern etwas mehr zum Betrachten. Sie können der Haupterzählung folgen, aber Sie können auch mit anderen Aspekten des Setting interagieren. 19. Kursprojekt: Skizze Teil 2: Das wird jetzt meine letzte Skizze sein. Ich werde es verlangsamen und ich werde wirklich versuchen, das Aussehen dieser Felsformation auszuarbeiten . Ich weiß, dass ich dem Betrachter zeigen möchte, woher der Dreizack gezogen wurde, weil wir an diesem Moment in der Geschichte vorbei sind. Es ist wichtig, aber es ist eine Sache, die wir genug gesehen haben. Das Schwert von diesem Steinmast, das ist der Moment danach. Kreativ scheint es einfach ein herausfordernderer, interessanter Raum zum Arbeiten zu sein. Da ist die kleine Spitze des Hügels, ich habe drei kleine Löcher, aus denen der Dreizack gezogen wurde. Ich werde ein bisschen Texturarbeit machen. Wenn Sie zeichnen sich ein wenig flach anfühlt, können Sie immer mehr Linienarbeit verwenden, um den Winkel von etwas zu erzwingen. Diese kleinen Streifen, die um den Block gelegt werden, helfen dem Betrachter, den Winkel, die Form und die Form der Zeichnung zu verstehen . Ohne zu viel Schattenarbeit zu machen, erzwingen diese zusätzlichen Zeilen nur das Formular. Das ist ein kniffliger Winkel, aber ich denke, ich kann ein wenig von der Wendeltreppe zeigen , die Gil aufging, um diese Plattform zu erreichen. Jetzt fangen wir an, Gil zu zeichnen. Ich werde ihn nicht in die kleinen 70er Jahre Track Shorts stecken, die er trägt, in den Klassenvorlesungskapiteln werde ich sie in ein mönchlicheres Gewand stecken, etwas, das sich im Wirbel des Seelords verfangen kann. Wenn ich ihn in eine Robe stecke, dann kann ich zeigen, dass der Boden der Robe durch den Wasserstrom gezogen wird und es macht Spaß, Hauben zu zeichnen. Jetzt hat er eine kleine Kapuze. Der Grund, warum ich Hauben zeichnen mag, ist, weil ich schlecht darin bin , herauszufinden, den Rückenwinkel des Halses, das ist ein guter Weg, um das zu verbergen. Ich ziehe seine Schulter ein wenig hoch, ich glaube nicht, dass wir seinen Mund wirklich sehen müssen, genug von seiner Emotion ist in seinen Augen gefangen. Seine Schulter blockiert den Mund, was in Ordnung ist, und ich habe die Hände inszeniert, damit du sehen kannst, wie er den Dreizack hält. Er hält es sehr nahe, er umarmt es. Er ist kein ausgebildeter Krieger und ich muss sicherstellen, dass ich die Länge des Dreizacks richtig bekomme, wie er vor seinem Körper abschneidet, und dann sehen wir, dass er in den Stein unter ihm gestempelt ist. Dies ist wahrscheinlich die entscheidende Linie im gesamten Bild. Es ist die Gleichgewichtslinie der ganzen Komposition, die sich alles andere bewegt , der zentrale Speerpunkt des Dreizacks. Ich muss sicherstellen, dass das richtig ist. Ich werde die Seitenpunkte aufbauen, nicht sicher, ob der technische Name für diese Dinge ist. Das ist nur eine Gabel, schätze ich, eine schicke Gabel. Ich werde etwas von dieser Linienarbeit verfeinern. Ich will es nicht übertreiben. Manchmal werden Sie in diesen lustigen frühen Stadien gefangen , wenn Sie sich nicht wirklich zu irgendeiner abschließenden Arbeit verpflichten müssen. Lassen Sie mich einfach die umgebenden Elemente erkunden, bevor ich in den Meereskönig gehe. Ich weiß nicht, was sie sind, sie sind keine Korallen, sie sind ein Unterwasserorganismus. Wieder, was wichtig ist, ist ihre Rolle in der Komposition. Wenn sie keinen Zweck erfüllen, werde ich sie einfach ausschalten. Wenn sie nicht da sind, werden Sie sie nicht vermissen. Aber wieder möchte ich etwas schaffen, mit dem der Seelord interagieren kann, während er sich um die Felsformation dreht. Lassen Sie uns nur einige dieser Dinge skizzieren. Ich möchte etwas im Vordergrund, es fügt der Szene nur mehr Tiefe und Geschmack hinzu. Gil ist überwältigt von dieser Situation, er hüpft mitten in einer Geschichte ein. Er ist nicht der erste Seelord, er wird wahrscheinlich nicht der Letzte sein, also werde ich ihn nur ein bisschen in der Szene begraben. Ich füge einige kleine Drehungen in die Form der Meereskönige hinzu, um zu zeigen, dass er eher eine Röhre ist wie ein lebender Wasserstrom. Drehen wir seinen Kopf in die andere Richtung. Ich habe das Gefühl, er sollte mehr Aal oder Schlangenartig sein. Vielleicht ist er eigentlich ein König, wir versuchen diesen Schnurrbart und Bart-Look, der funktionieren könnte. Lass uns ihm einen Arm geben, warum nicht und vielleicht werde ich lange kratzige Haare haben , die aus dem Rücken von ihm fließen. Jetzt ist es Zeit, mit dem Zeichnen zu beginnen, ich glaube, ich habe genug Skizze hier. Ich möchte nicht, dass sich meine Linienarbeit durch die Skizze zu eingeschränkt fühlt, ich möchte in der Lage sein, sich mit dem Fluss ein wenig zu bewegen. 20. Kursprojekt: Tinte Teil 1: Ich beginne mit dem Gesicht von Gill, einem der wichtigsten Aspekte der Erzählung. Normalerweise mache ich zuerst die Augen, denn wenn du dich in deinem Bild verirrst, vergisst du manchmal genau, was die Augen machen und die Augen den wichtigsten Teil der Geschichte erzählen, erzählen sie uns, was der Charakter anspricht. Also schaut Gill direkt auf den Seelord. Sobald ich die Augen aufrichte, die mir helfen können, die Positionierung des Seerords weiter zu verfeinern. Ich brauche seinen Mantel, um mit diesem Squash und Stretch zu fließen, ich kann auf Goofy verweisen. Wie die aufgerollten Ärmel haben Goofy, sie sind immer schlaff, sie sind immer zurückgeblieben und zeigen seine Bewegung in einem Goofy-Cartoon. Ich werde diese Formen benutzen. Sie zeigen dir, wo die Arme waren. Das sieht so aus, als hätte Gill die versuchte und zog es nahe und seine lehnte sich ein wenig zurück und die Hülse versucht, die Position seines Körpers einzuholen. Ich füge nicht zu viel Detail hinzu, das kommt, wenn ich meine Umweltelemente mache, ich muss nur die entscheidenden Linien bekommen, die die Objekte definieren. Also mache ich nicht zu viel mit den Falten in der Robe, nur ein paar Schlüssellinien, um zu zeigen, wo die Robe verbindet und auf den Körper trifft und wo sie fließt. Ich mag diese Idee, dass die Robe zwischen seinen Beinen schiebt, es gibt ihm ein bisschen mehr von einer dynamischen Energie. So sind seine Beine wirklich weit gesetzt und die Robe wird ein wenig zwischen ihnen gezogen und fließt auch um die Außenseite. Ich werde in die Felsformation einziehen, die ihre eigene Persönlichkeit haben muss. Es ist wirklich zerklüftend. Ich will nicht, dass es sich wie Gill anfühlt, es wird ein bisschen mehr eine grobe Kante haben, während Gill sehr weich und kurvig ist, es ist wie ein weiches Serviereis und das ist der Kegel des Eiss. Ich zeige die drei Löcher, aus denen der Dreizack gezogen wurde, und dann möchte ich erzwingen, dass wir an einem gefährlichen Ort sind, wir sind hoch oben auf dieser felsigen Säule, es gibt eine Korallenform, die entlang der Seite wächst und in Der Vordergrund hier ist eine seltsame organische hartnäckige Sache, nicht sicher, was ich damit noch tun werde. Es ist nur eine Möglichkeit, dem Bild mehr Tiefen für jetzt zu geben. Wenn du dich an meine endgültige Komposition erinnerst, sieht das Objekt, das ich hier benutze, nicht ganz so aus und es geht um den Moment, als ich erkannte, dass ich diese Form nicht mag, es hat zu viel von der Kurve von Gill Kopf, es ist die Aufmerksamkeit weg von Gill, das ist nicht gut für die Geschichte. Die Geschichte geht nicht um eine seltsame, geheimnisvolle Haltung, es geht um Gill und seinen Dreizack und seine Beziehung zum Seelord. Drücken Sie einfach durch die Zeichnung dieser Form, zu wissen, dass wir sie später löschen werden. Ich liebe Wendeltreppen, aber sie sind so knifflig zu zeichnen. Jetzt werde ich in den Hintergrund Korallen bekommen Ich habe nur dieses kleine bisschen Form tief im Hintergrund, alles, was ich weiß, ist, dass ich nicht will, dass dieser Raum komplett leer. Ich möchte ein bisschen mehr Umweltinformationen. Dies wird also mit der Form und Form der Treppe verfolgen, es wird nach oben gehen und seinen eigenen Charakter haben, aber es ist nur eine Möglichkeit, die Treppe vom Hintergrund abheben zu lassen. Das ist die vollendete für jetzt Tinte von Gill auf seiner Felsformation. Lassen Sie uns versuchen, das Suchen herauszufinden. Er ist ein Gespenst. Also werde ich ziemlich locker sein, mit der Zeichnung direkt von der Fledermaus . Ich weiß, dass ich nicht in diesem Königsgesicht stehe. Ich werde es ein bisschen mehr als ein Monster machen, etwas ein bisschen gruseliger. Ich komme aus einem Hintergrund der Tinte mit einem Kalligraphie-Stift und eine der Regeln eines Kalligraphie-Stifts ist, Ihre Linie in einer einzigen Bewegung zu erstellen, wenn möglich. Du siehst, wie ich diese Kurve immer und immer wieder überarbeitete, ich kann sie nicht staffeln, sie wird den Fluss verlieren. Dies ist eine wichtige Kurve des Bildes, diese Form des wirbelnden suchenden Körpers muss sich richtig fühlen. Die Linie, die ich mache, ist sehr wichtig und wenn ich es nicht richtig verstehe, werde ich einfach das Ganze neu zeichnen, aber ich werde nicht einen Teil davon skizzieren und dann wieder darauf zurückkommen, wird es sich abgehackt fühlen. Ich bin ziemlich zufrieden mit diesem Winkel. Ich habe diese hartnäckige Kreatur im Vordergrund gelöscht und ich werde versuchen, etwas starrer und korallenförmiger zu erschaffen , wie etwas, das sich von Gill abhebt, aber es gibt uns auch ein interessantes Vordergrundelement wenn etwas für den Seelord, mit dem er interagieren kann. Sie können ein wenig von meinem Einfluss von Looney Tunes sehen. Diese Form erinnert mich an die Kakteen und Formationen , die Southwest Vibe von Roadrunner und Coyote Cartoon. Ich muss dies auf eine bestimmte Weise inszenieren, wo das Suchen direkt durch diese kleine Schleife fließt, die wie ein lustiges kleines visuelles Element zu sein scheint, das hinzuzufügen. Da dies im Vordergrund steht, werde ich ein wenig mehr Details hinzufügen, ich werde ein paar Ringe um sie herum legen, um die Rundheit zu erzwingen, ich kann dieses Element nicht überzeichnen, weil es von Gill wegnehmen wird. Einer der Hauptleute, die Disney-Animatoren und Künstler würden etwas verwenden , das in der Illusion des Lebens erwähnt wird, von dem ich glaube nicht, dass ich in der Vorlesung gesprochen habe, war die Trockenheit normalerweise am dichtesten interessanter Punkt, wie wenn zwei Zeichen von Angesicht zu Angesicht sind, sind die Details der Gesichter sowohl skrunched und nahe beieinander. Wenn Sie sich von diesem zentralen Punkt entfernen, sollte die Zeichnung ausdünnen, es sollte weniger Details in der Kleidung oder der Umgebung der Haare geben, so dass wir uns auf das Gesicht konzentrieren. Ich gehe fast den gegenteiligen Ansatz, manchmal haben meine Einstellungen viel mehr Details und die Gesichter sind abgeschnitten. Viele Karikaturisten machen das, wenn du Tim jemals gesehen hast. Tintin hat ein sehr leeres, einfaches Gesicht, das ihn relatable und eine bestimmte Art von Art und Weise macht , weil er nur ein leerer Avatar ist und dann seine Einstellungen in der Welt Gebäude seiner Geschichten ist sehr reich, was für diese Erzählungen funktioniert, weil Es geht um Weltreisen. Also wollen wir die Orte verstehen, die dieser Charakter geht, aber der Charakter selbst ist flach. Als ob ich nicht viel über Gill weiß, habe ich mehr Zeit damit verbracht, über die Welt nachzudenken, in der er ist. Ich weiß nicht, du hast so viele Protagonisten in Geschichten gemacht. Der Held ist nicht immer der interessanteste Charakter deiner Geschichte. 21. Kursprojekt: Tinte Teil 2: Mein Sea King sieht noch nicht sehr königlich aus. Wir kommen später zur Krone, aber ich muss die Kurven seines Körpers herausfinden. Ich muss den Fluss des Bildes am Laufen halten. Wenn ich also diese Finger zeichne, können sie nicht zu starr sein. Sie können nicht das Gefühl haben, dass sie Knochen in ihnen haben. Sie müssen sich röhrenähnlicher fühlen. Jetzt ist es an der Zeit, diese Krone auszuarbeiten. Ich beginne mit einer kurzen Skizze und nur ein paar wirklich grundlegenden Geometrien, stacheligen Turmspitzen. Wenn Sie eine Krone zeichnen, müssen Sie herausfinden, in welchem Winkel Sie sie zeichnen. Sie möchten nicht zu viele Punkte zeichnen, da die Zeichnung dadurch zu visuell kompliziert wird. Zeichnen Sie einfach ein paar. In diesem Fall benutze ich fünf und lege sie an die richtigen Stellen. Ich möchte, dass die Krone sich anfühlt, als wäre sie am Kopf des Charakters festgeklebt, als wäre sie etwas mehr eine Last. Das ist also ein bisschen erzählerischer für den Seelord. Ich möchte ein wenig Rundheit ins Gesicht und ein wenig mehr animalistischer Natur hinzufügen. Ich werde ihnen hier eine Zunge und eine kleine Bartform geben. Ich bin mir noch nicht sicher, was ich mit diesen Augenbrauen mache. Darauf kommen wir später. Ein bisschen wie eine Form des Dreizacks in der Krone, nur um ihn visuell mit dem zu verbinden, was Gill im Vordergrund und im Mittelgrund tut. Wenn ich das Tinte mache, muss ich darüber nachdenken, welchen Zweck meine Linien dienen. Ich möchte diesem Charakter eine Hässlichkeit hinzufügen. Er hat Falten um seine versunkenen Augen. Er hat diese verrückte kleine Bart-Sache. Seine Zunge ist wurmähnlich. Er ist alt, also ist das die Rolle der Augenbrauen hier. Sie fühlen sich wie große, alte Augenbrauen. Ich werde ein paar Falten zeichnen, um zu zeigen, wo die Krone in den Kopf sinkt. Die Krone besteht fast aus der gleichen Art von Material wie die Felsvorsprung, um ihr ein schwereres Gefühl zu geben, das zerklüftend und gebrochen und alt ist. Ich habe meine Arbeit abgeschlossen. Schauen wir uns das hier für eine Sekunde an. Jetzt werde ich zum Färben übergehen. 22. Kursprojekt: Farbe Teil 1: Ich werde meine Farbpalette aus realen Referenzen erstellen. Lassen Sie mich auf meine Pinterest-Seite von Korallen schauen, um eine schnelle Farbpalette zu erstellen. Ich werde einige helle lebendige Farben auswählen, die von der Koralle kommen und dann einige Farben der Felsformationen. Ich werde das nicht alles benutzen, aber es wird mir nur einen Sprung aus dem Punkt geben. Ich denke, viele von uns haben dunklere, realistischere Farben vorgegeben , um nur wörtlich zu sein, damit die Leute nicht mit dem verwechselt werden, was wir drucken. Aber wenn Sie einen restriktiven Gaumen bauen, der nur ansprechend ist, und dann herausfinden, wie es in Ihre Zeichnung passen kann, werden Sie in der Regel besser dran sein, Ihr Bild wird nur ansprechender als Kunstwerk. Ich werde auch skizzieren, was man eine tonale Ebene nennt. Es ist nur eine Aufschlüsselung der Ebenen des Bildes in Bezug auf hell bis dunkel. Meine Notizen hier sind Gil muss Pop, die Koralle muss knallen. Der Spirity Sea Lord wird ein Mittelschatten sein. Er ist wie ein Highlight im Bild. Das sind die Hauptformen und der Hintergrund ist nur ein leerer Raum, der hell oder dunkel sein könnte. Ich könnte diesen Entwurf umkehren. Dies erinnert mich ein wenig an meine Objekthierarchie. Ich beginne mit nur einem Basissatz von Farben. Ich benutze nur im Grunde das Tool „Malen Bucket“ und fülle die Formulare aus. Eine Menge meiner Färbung ist reaktiv auf das, was ich vorher getan habe. Ich weiß, Gil ist grün und weil er mit den Seerords verbunden ist, wird der Seelord auch einen grünen Farbton haben, und das bedeutet auch, dass die Krone eher eine ergänzende Farbe haben muss. Auf der anderen Seite des Farbrades von Grün ist eher eine rötliche Orange. Das macht die Krone ein bisschen Pop. Ich möchte nicht, dass meine Palette zu vielfältig ist. Ich mache ein bisschen eine Einschränkung. Ich könnte einige Purples für Highlights oder solche Dinge verwenden , aber ich halte es auf wärmeren Tönen auf den lebenden Objekten und verwende dann nur ein tiefes kühles Grau in der Felsformation. 23. Kursprojekt: Farbe Teil 2: Lassen Sie mich Ihnen meinen Arbeitsbereich ein wenig zeigen. Auf der linken Seite werden Ihnen die Pinseltypen angezeigt, die ich verwende. Sie sind nicht wirklich etwas Besonderes. Es gibt nur Arten von Bleistiften und später ein wenig Luftbürste. Nichts zu schickes, es gibt Dinge, die Sie haben würden, wenn Sie ein Zeichenprogramm haben. Auf der rechten Seite können Sie meine Ebenen und mein Farbrad bei der Arbeit sehen, und ich werde versuchen, zu bemerken, wie ich meine Ebenen verwende. Es ist ein großer Teil davon, wie ich Farbe, Textur und Umwelt Sachen. Ich beginne mit einem Bleistift und habe meine Ebene auf Farbverbrennung eingestellt, und Sie können den kleinen rosa Balken sehen, der auf der linken Seite der Ebene auf der Ebenen-Tab angezeigt wird. Das bedeutet nur, dass die Ebene auf die Hauptschicht direkt darunter reagiert. Layer 18 ist die Ebene, auf der sich die Farbe befindet, und die Layer 28, 26 und 27 greifen nur auf diese Ebene ein. Wenn ich diese Texturen hinzufüge, färbt sie sich nicht außerhalb des Farbraums von Ebene 18. Ich wechsle zwischen den verschiedenen Ebenenstilen; multiplizieren, Farbverbrennung sind diejenigen, die ich für Schatten verwende. Meine Schatten basieren oft in Lila, oder sie basieren auf einem etwas dunkleren Wert der Grundfarbe. Im Moment füge ich der Koralle Schatten im Hintergrund hinzu. Ich will nicht, dass diese Form zu dynamisch ist, also funktioniert nur ein bräunlicher Schatten. Ich möchte die Aufmerksamkeit nicht innerhalb einer analogen Farbe lenken, sie sind zu viel visuelle Komplexität. Ich will auch nicht viele harte Kanten in meinem Schatten. Kontrast zieht das Auge und ich möchte den Kontrast mehr in den Vordergrundelementen halten. So muss die Koralle auf dem Hintergrund ein wenig unscharf sein. Ich werde Kontrast für Kiemen und das Suchen sparen, und dann etwas Textur zum Felsen hinzufügen, möchte ich, dass die Spitze des Felsens auffallen, also werde ich diesen Raum ein wenig aufhellen, und ich möchte auch nur aufwärmen Ein bisschen. Es fühlt sich nicht organisch genug an, wenn es nur ein schlichtes Grautönen ist, das ist zu langweilig. Die meisten Felsen sind nicht wirklich ein flaches Grau. Dieser Fels braucht ein bisschen Charakter. Ich füge etwas Schatten zu Kiemen hinzu. Der Schatten für jetzt wird ein wenig dynamischer sein. Ich möchte sicherstellen, dass sein Gesicht auffällt, und später werde ich in dieser Zeichnung genauer herausfinden, woher das Licht ausstrahlt . Aber im Moment, ich einfach alternative Leerzeichen. Der Raum zwischen Kiemen, Beinen ist dunkel, so dass dieser andere Abschnitt rechts davon hell ist, und dann wieder dunkel. Ich möchte die Formen seines Körpers betonen. Indem man also einen Schatten auf den unteren Rand von etwas legt, macht es die Form einfach ein bisschen mehr Pop. Alles, was sich überlappt, wird ein bisschen wie ein Schatten davonlaufen. Die Oberseite seines Kopfes wird der leichteste Teil seines Körpers sein, aber alles darunter ist wirklich in ein wenig Schatten geworfen. Die Chancen sind, dass das Licht von oben in diesem Bild ausstrahlt. Jetzt werde ich eine Schicht Airbrush-Highlight hinzufügen. Ich habe einige Texturen, ich habe einige schwer zu kantige Schatten, und ich benutze nur die Luftbürste, um diese Übergänge zu mildern. Also ist alles unter Kiemen Gesicht in ein wenig Schatten geworfen. Lassen Sie mich den Dreizack ein wenig aufhellen, damit er sich als prominentes Objekt abhebt. Jetzt kommen wir zum lustigen Teil, indem wir die Texturen und den Ton des Körpers des Meerkönigs herausfinden. Ich werde meinen schnellen Skizzenstift verwenden , den ich früher für Schatten benutzte, aber ich werde ihn wirklich groß machen. Also wird es fast zu einem Airbrush-Werkzeug, und ich wende das auf die Grundfarbe des Meereskönigs an und versuche, ihm ein bisschen Rundheit zu geben. Ich will nicht mehr an ihm arbeiten, weil ich will, dass er sich ein wenig übernatürlich fühlt. Ich brauche auch die Beleuchtung, um die Geschichte seiner Bewegung zu erzählen. Er ist aus dem Hintergrund, so dass muss dunkler sein, und dann ist sein Gesicht der hellste Punkt. Also werde ich das am leichtesten halten. So hat er einen Farbverlauf, der vom Hintergrund in den Vordergrund geht. Ich möchte, dass er ein wenig beleuchtet ist, also werde ich eine Ebene hinter der Farbe hinzufügen. Es ist keine Luftbürste, weil eine Luftbürste einfach zu weich, ich benutze diesen Bleistift, Staub-Shader. Ich denke, es wäre das Äquivalent, einen Bleistift, einen Dope-Bleistift und eine Zeichnung auf der Seite davon zu nehmen , und das gibt eine Art unscharfe Kante. Dann gehe ich wieder rein und skizziere mit einem wirklich winzigen, scharfen Bleistift. Ein wenig Lärm wie fast statische Elektrizität, die vom Seelord emittiert wird. Jetzt gehen wir ins Gesicht und lassen ihn ein wenig bedrohlicher aussehen. Ich werde den Augen und dem Mund eine Art dreckige Textur hinzufügen. Es kommt ein Glühen aus der Mitte des Mundes und aus den Augen. Vielleicht hat er dort nur einen zentralen Energiepunkt, irgendwo im Hinterteil seiner Kehle, der durch seine Gesichtslöcher platzt. Der Punkt, an dem sich der Dreizack mit dem Kopf des Seelerrn überschneidet , ist ein wichtiger Teil des Bildes, mit dem ich nicht sicher bin, ob ich es am besten zu tun habe, aber ich denke, es ist ein guter Weg. Ich hätte den Dreizack vielleicht vollständig sichtbar machen sollen, aber eigentlich, weil er sich überlappt, kann ich die Deckkraft des Seerords zeigen. Man kann ihn irgendwie ein bisschen durchschauen, weil es keine anderen Gegenstände im Wasser gibt. Du bekommst diesen Sinn nirgendwo anders. So können wir diese kleine Gelegenheit nutzen, um ein übernatürliches Gefühl zu schaffen. Jetzt werde ich den Kontrast ein wenig erhöhen, die Tiefen des Ozeans etwas dunkler machen. So verlieren wir die Ursprünge des Meerherrn Schwanz und die Treppen verschwinden in nichts. Die Unterseite des Bildes ist super dunkel. Es hilft auch, dass die Farbe im Vordergrund ein wenig herausspringt. Nun, genau wie im Schwert im Steinbild, möchte ich ein magisches Licht machen, das aus dem Dreizack ausstrahlt. Das ist nur eine dieser Tropen des visuellen Geschichtenerzählens. Das Licht, das von diesem heiligen Objekt ausgestrahlt wird. Ich könnte Gelb verwenden, aber ich werde einen Grünton verwenden, und es wird auch die Dynamik dieses Bildes vorantreiben. Es platzt aus dem Dreizack durch den Kopf des Seelenherrn, was hilft, das Bild nur ein wenig zu lenken. Zum letzten Teil werde ich wieder in Kiemen kommen, und er braucht nur ein bisschen Textur, er ist eine kleine Marke. Ich werde ich den staubigen Bleistift verwenden, um etwas Text stilvollen Stoff hinzuzufügen, und ich werde nur auf die Höhe in diesen Highlights ein wenig, machen ihn scheinen ein wenig magischer, sogar aus dem Meer Herrscher glühen nur ein bisschen, dunkel im Vordergrund, also haben wir nicht die harte Kante der Koralle. Da gehen wir. Das ist Kiemen und der Dreizack. Ich hoffe, ich habe etwas von der Magie, die es braucht, um auf diese Bühne zu kommen, dekonstruiert. Denken Sie daran, dass die Kompositionsstufe entscheidend ist. Etwa ein Viertel meiner Zeit, die ich daran arbeitete, saß nur dort, dachte darüber nach, was dieses Bild sein würde, und ließ all diese kleinen Details nachgeben, in der Hoffnung, dass sie eine Rolle in der Geschichte spielen könnten. Lasst es uns einpacken. 24. Fertigstellung: Es fühlt sich gut an, etwas zu beenden, oder? Aber geh noch nicht weg. Lassen Sie mich Ihnen von ein paar Dingen erzählen. Wenn Sie gerne imaginäre Charaktere zeichnen, könnten Sie meine anderen Klassen genießen. Ich habe eine über Konzeptkunst, das Zeichnen von imaginären Welten, eine kreative Illustrationsklasse, die sich auf das Design von Meeresmonstern konzentriert und reiche Kreaturen kreiert. Illustration nach Design ist eine ziemlich einzigartige Klasse. Ich schaue mir die Jugendstil-Bewegung an und wie bildende Künstler Grafik-Design-Fähigkeiten einnahmen. Ich habe diese Klasse als eine Möglichkeit gemacht, Illustratoren zu helfen, mehr über ihre Komposition und Designfähigkeiten nachzudenken . Ich habe ein paar grundlegende Cartooning-Klassen. Eine, die sich auf Gesichter und Ausdrücke konzentriert, eine andere, die sich mit Körpern und Posen befasst, und eine Klasse, die ich Ink and Illustration nenne, einen Überblick über einige meiner Lieblings-Kinderbuch-Illustratoren und wie sie meinen Stil beeinflussen. Ich liebe es, wenn Leute nette Dinge über meine Klasse zu sagen haben, aber das größte Kompliment, das Sie mir geben können, ist etwas Arbeit zu erstellen und sie im Klassenprojektbereich zu teilen. Ich liebe es zu sehen, wie das, was ich gemacht habe, inspiriert, was du gemacht hast. Vergewissern Sie sich, dass Sie meinem Skillshare Kanal folgen. Ich mache diese Sache namens Class Pairings, wo ich im Grunde einen Newsletter verschicke, in dem ich über eigene Arbeiten spreche, und Künstler und Illustratoren in kreativen Projekten, die mich inspirieren. guter Letzt habe ich eine Website, auf der Sie einen Haufen meiner Bücher kostenlos lesen können. Ich habe einen Science-Fiction-Thriller namens The Exploit, eine Piraten-Meermonster-Abenteuergeschichte namens Aquarium Drift, einen gruseligen übernatürlichen Schwanz namens Hexe Knots, und alle anderen Dinge, die ich hoffe, dass Sie genießen könnten. Danke fürs Herumbleiben und wir sehen uns nächstes Mal.