Du denkst, du kannst also handeln? | Crystal Williams | Skillshare

Playback-Geschwindigkeit


  • 0.5x
  • 1x (normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Du denkst, du kannst also handeln?

teacher avatar Crystal Williams, Acting

Schau dir diesen Kurs und Tausende anderer Kurse an

Erhalte unbegrenzten Zugang zu jedem Kurs
Lerne von Branchenführern, Ikonen und erfahrenen Experten
Eine Vielzahl von Themen, wie Illustration, Design, Fotografie, Animation und mehr

Schau dir diesen Kurs und Tausende anderer Kurse an

Erhalte unbegrenzten Zugang zu jedem Kurs
Lerne von Branchenführern, Ikonen und erfahrenen Experten
Eine Vielzahl von Themen, wie Illustration, Design, Fotografie, Animation und mehr

Einheiten dieses Kurses

26 Einheiten (40 Min.)
    • 1. Einführung

      2:33
    • 2. Objektiv

      2:05
    • 3. HINDERNISSE

      1:12
    • 4. Taktisch

      1:13
    • 5. 4. WAND & BRECHENDER CHARAKTER

      2:14
    • 6. BEAT/MOTIVATION

      1:32
    • 7. PANTOMIME VS. MIME

      2:51
    • 8. EMOTING VS. ANZEIGEN

      1:38
    • 9. GESTEN & KÖRPERSPRACHE

      1:10
    • 10. SUSPENSION VON UNGLAUBEN VS. ILLUSION DES 1. MAL

      1:45
    • 11. MOMENT VOR

      1:13
    • 12. CHARAKTER VS. Charakterisierung

      1:59
    • 13. SUBSTITUTION VS. VERENDUNG

      1:07
    • 14. Spannung

      1:44
    • 15. Subtext

      0:56
    • 16. Lieferung

      0:44
    • 17. Monolog

      1:37
    • 18. Drehbuchanalyse

      2:19
    • 19. AFFECTIVE SPEICHERUNG

      1:25
    • 20. EMOTIONALE RÜCKRUFE & SENSE

      1:40
    • 21. DIALEKT, WÖRTER, & INFLEXION

      1:42
    • 22. DIALOGUE/PACE/BUILD

      1:06
    • 23. DROP & PROJEKTION

      0:54
    • 24. CUE & ABHOLUNG

      0:45
    • 25. DIE 9 STUFEN BEREICHE

      0:57
    • 26. STAGE

      1:37
  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Alle Niveaus

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

357

Teilnehmer:innen

--

Projekte

Über diesen Kurs

Du denkst, kann ein Meisterkurs ist, der dem Schüler eine solide Grundlage dafür gibt, wie du handeln kannst, indem er jeden Schüler in grundlegende Wortschatz einführt. Wissen Sie, was das Ausstatten, das Aussetzen von Unglauben bedeuten, Ziele und script bedeuten? Wenn du es nicht weißt, dann ist dieser Kurs genau das Richtige für dich. Die Schüler lernen über das Handeln von Begriffen, die jeder Schauspieler kennen sollte, bevor sie einen Schauspielkurs absolvieren und eine Karriere im pursuing verfolgen. In meiner Erfahrung als Schauspielerin wurde mir oft gerechnet, dass ich ein Verständnis über bestimmte Begriffe habe, die ich nie auf meinem Weg des aufstrebenden Absturzes zur Schauspielerin unterrichtet worden war. Die meisten Leute wollen Schauspieler werden, aber nicht wirklich wissen, wie du auf der Bühne stehen kannst oder wie sie reagieren sollen, wenn sie Richtung eines Regisseurs gegeben haben. Wenn du nicht als Amateur-Schauspieler angesehen werden möchtest, lerne bitte diese vocabulary und wie du sie erfolgreich anwenden kannst, wenn du auf der Bühne spielst!

In diesem Kurs lernst du, wie du Folgendes ansiehst:

  • Anwendung verschiedener Schauspieltechniken auf der Bühne
  • Verstehe den Unterschied zwischen Charakterisierung und Nachahmung
  • So führen Sie in einer glaubwürdigen Szene mit Objektiven, Beats, Taktiken und anderen notwendigen Tools aus.
  • Verstecken Sie die Instrumente des Schauspielers: Körper, Stimme und Fantasie durch aktive Teilnahme an verschiedenen Übungen.
  • Analysieren von Skripten auf bestimmte Verhältnisse (Umwelt- und Sozialverhältnisse) und in einer monologen Performance

Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Crystal Williams

Acting

Kursleiter:in

Hello, I'm Crystal.

Vollständiges Profil ansehen

Kursbewertungen

Erwartungen erfüllt?
    Voll und ganz!
  • 0%
  • Ja
  • 0%
  • Teils teils
  • 0%
  • Eher nicht
  • 0%
Bewertungsarchiv

Im Oktober 2018 haben wir unser Bewertungssystem aktualisiert, um das Verfahren unserer Feedback-Erhebung zu verbessern. Nachfolgend die Bewertungen, die vor diesem Update verfasst wurden.

Warum lohnt sich eine Mitgliedschaft bei Skillshare?

Nimm an prämierten Skillshare Original-Kursen teil

Jeder Kurs setzt sich aus kurzen Einheiten und praktischen Übungsprojekten zusammen

Mit deiner Mitgliedschaft unterstützt du die Kursleiter:innen bei Skillshare

Lerne von überall aus

Ob auf dem Weg zur Arbeit, zur Uni oder im Flieger - streame oder lade Kurse herunter mit der Skillshare-App und lerne, wo auch immer du möchtest.

Transkripte

1. Einführung: Ok. Tschüss. Ich möchte Ihr Ziel klarstellen und die Kristalle des Staates aufheben. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Bedürfnis verstehen, damit Sie Momente im Moment handeln können und Sie Aussetzung des Unglaubens, damit Sie nicht abgelenkt werden. Ich sagte doch, ich will ihn nicht mehr treffen. Du musst wütend sein. Ich sagte doch, ich will nicht mehr mit dir zusammen sein. Du musst wütend sein. Ich sagte doch, ich will nicht mehr mit dir zusammen sein. Weißt du was? Hallo, alle. Glaubst du, du kannst handeln? Mein Name ist Crystal Williams und ich werde dein Kurslehrer sein. Grund, warum ich beschlossen, den Kurs zu betiteln. Du denkst also, du könntest handeln, wenn ich wirklich will, dass du über diese Frage nachdenkst. Kann es wirklich nicht. In meinem Schritt, Schauspieler zu werden, beschloss ich, mein M f A und Schauspiel von der renommierten Schauspieler-Studio-Schule in New York City zu bekommen . Und ich erwarb auch mein Bachelorstudium und auf meiner Reise durch die Schauspielerei. Ich hatte viele Misserfolge, aber ich hatte auch viel Erfolg auf dem Weg. Und ich beschloss, diesen Kurs zu betiteln. Du denkst also, dass du das kannst, denn ich will wirklich, dass du darüber nachdenkst. Gibt es einige Vokabelbegriffe, die Sie noch lernen müssen? Gibt es einige Vokabeln, von denen Sie noch nicht wissen? Am Anfang sahen Sie, wie der Regisseur mich anschrie und mir sagte, mir sagte, ich möchte, dass Sie die Staaten erheben und das waren oft Positionen, in denen ich mich befand, und ich wusste wirklich nicht, was diese Worte bedeuteten. Ich wusste nicht, was die Einsätze waren oder was es bedeutete, einen Moment lang zu spielen, oder was ist die Suspendierung des Unglaubens? Und ich fühlte mich oft als Amateurschauspieler bezeichnet zu werden, und das ist etwas, das man nie kalt sein will. Also, wenn Sie daran interessiert sind, eine Karriere zu verfolgen, großartig zu handeln, bin ich sicher, dass Sie phänomenal sind. Allerdings gibt es einige grundlegende Wortschatz Wörter, die Sie wissen müssen, ist einige Techniken und Werkzeuge , die Sie verstehen müssen. Also habe ich in diesem Kurs beschlossen, eine Reihe von Wortschatz Flüsse zusammenzustellen, die eine solide Grundlage für Sie bilden, damit Sie verstehen, was es bedeutet. Teoh nutzte es für Positionen auf der Bühne und auch nur, um ein allgemeines Verständnis davon zu haben, worum es bei der Schauspielerei geht und was zu tun ist, wenn der Regisseur Ihnen Anweisungen gibt. Also nehmen Sie diesen Kurs, weil er Sie auf Ihre Reise hin zu einem erfolgreichen Schauspieler führen wird. 2. Objektiv: Also heute werden wir jetzt über Ziele sprechen. Was ist ein Ziel? Es ist das Streben eines Charakters nach einem bestimmten Ziel in einer Szene, und es wird auch als treibende Frage oder Absicht bezeichnet. Jetzt ist einer der Schlüssel zum erfolgreichen Schauspiel zu wissen, was Sie, der Charakter einmal so können Sie beginnen, indem Sie sich die Frage stellen. Was will ich jetzt? Denken Sie daran, Ihr Ziel kann je nachdem, wie viele Szenen Sie sind in ändern, wenn Sie in einem Spiel einen Film durchführen, eine TV-Sitcom, die Sie benötigen, um zu wissen, wie Skriptanalyse zu tun. Aber wir werden darüber in der Führerklasse reden. Also lassen Sie uns über einige Beispiele Ofen injiziert sprechen. Jetzt bin ich sicher, dass du es gesehen hast oder du weißt, du hast über einige Charaktere in der Geschichte gelesen, die vielleicht die Lotterie gewinnen wollten oder sie in einer TV-Show sein wollten, oder sie wollten sich rächen. Oder vielleicht wollten sie einfach nur Freiheit finden. Zu wissen, was Sie der Charakter einmal hält Sie auf die Absicht konzentriert. Nun, wenn Sie Regisseur sagt, ich möchte, dass Sie wütend sind oder in dieser Szene, ich möchte, dass Sie sehr glücklich sind, dass dies sofort in Übertreibung, oder Oberfläche handeln, weil Sie versuchen, Zeh wütend zu sein ohne sich wirklich auf die Absicht zu konzentrieren. dass zum Beispiel jemals gesehen, Haben Sie zum Beispiel jemals gesehen,dassein Kind sich im Laden aufgeregt hat, weil es nicht wirklich bekommen konnte, was sie wollen? Vielleicht Süßigkeiten oder ein Spielzeug? Sie mussten sich nicht wirklich darauf konzentrieren, wütend zu sein, weil die ganze Farbe für Emotionen schon da war, weil das Kind sich auf das konzentrierte, was sie wirklich wollten. Und wenn Sie sich auf das konzentrieren, was Sie wollen, waren die ganze Farbe für Emotionen bereits da, und Ihre Schauspielerei wird glaubwürdig sein. Wenn Sie also wissen, was Sie wollen, dann können Sie entdecken, wie Sie gehen, um zu bekommen, was Sie wollen und was im Weg steht , was Sie wollen, was ein Hindernis ist, und wir werden darüber in der nächsten Klasse sprechen. 3. HINDERNISSE: Also reden wir heute über Hindernisse. Was ist nun ein Hindernis? Ein Hindernis ist etwas, das Ihrem Charakter im Weg steht, um zu bekommen, was er oder sie will. Jetzt hat jeder Charakter etwas im Weg, was sie daran hindert, ihr Ziel eher leicht zu erreichen. Das Hindernis könnte sein, dass du wirklich auf eine Party gehen willst, aber deine Schwester hat das Auto. Oder vielleicht muss der Charakter die Spitze dieses Berges mögen. Aber er oder sie muss einige Feinde unten auf dem Weg besiegen. Deine Aufgabe als Schauspieler ist es herauszufinden, was du Hindernis bist und was im Weg steht . Und das ist es, was das Handeln so schön macht. Du weißt schon , wie ein Charakter alles tut, um sein oder ihr Ziel zu erreichen. Und wenn Sie sich über Ihr Ziel und das Hindernis klar sind, ist die Frage, was Sie tun werden, um zu bekommen, was Sie wollen? Und das wird als Taktik bekannt, worüber wir im nächsten Video sprechen werden 4. Taktisch: Also, was ist eine Taktik? Eine Taktik ist, wie Ihr Charakter geht, um zu bekommen, was er oder sie will. Nun, Bei der Auswahl einer Taktik, stellen Sie sicher, dass Sie ein Aktionsverb wählen. Ein Beispiel für ein Aktionsverb sind Wörter, die physisch ausgeführt werden können. Einige Beispiele sind, dass ich ignorieren möchte, oder ich möchte wirklich gefallen oder ich möchte unterhalten. Ich würde vorschlagen, Abholung und Schauspieler zu SARS, so dass Sie einen Zugang zu einer Vielzahl von Aktionswörtern zu verwenden haben . Wenn Sie also nach einem Actionverb suchen, stellen Sie sich diese Frage. Kann das physisch gemacht werden? Bedeutung? Wenn du eine Partie Scharaden spielst, könntest du dieses Wort mit deinem Körper ausspielen? Jetzt mag es kitschig erscheinen oder wie du übertreibst, aber ich würde vorschlagen, deine Actionverben zu üben, bevor du eine Skriptanalyse in deiner Szene durchführst . Dies wird dazu beitragen, dass Ihre handelnden Entscheidungen weniger robotisch und weniger mechanisch und realistischer und glaubwürdiger werden. 5. 4. WAND & BRECHENDER CHARAKTER: Also, was ist die vierte Mauer? Unsere vierte Wand ist jetzt eine imaginäre Wand. Was den Charakter bricht, der deinen Charakter bricht, tritt außerhalb der imaginären Welt der Performance. , Wenn du nicht wusstest,dass das öffentliche Reden die Nummer eins in Amerika ist. Es ist schon schwierig, vor Menschen zu sprechen, geschweige denn in die Rolle eines anderen zu treten. Handeln kann manchmal sehr langwierig sein, wenn es um Nervenabbau geht. Manchmal passiert auf und außerhalb der Bühne oder am Set eine Menge, und Sie müssen alles in Ihrer Macht Stehende tun, um die Welt Ihres Charakters zu erhalten. Wenn Sie also eine Bühne sind oder vor der Kamera stehen, müssen Sie so tun, als gäbe es eine imaginäre Wand, die Sie und die Zuschauer auf der Bühne blockiert . Oder selbst wenn Sie stattdessen sind, die Menschen stehen hinter der Obhut auf der Kamera, so dass Sie nicht den Charakter zu brechen. Zum Beispiel kann jemand Telefon gehen aus einem Jahr Job ist es, in Charakter zu bleiben. Es ist mir schon mal passiert. nun Wenn mannundie vierte Wand bricht oder den Charakter bricht, wird man vielleicht als Amateurschauspieler betrachtet und das will man nie. Als Schauspieler musst du dich also konzentrieren. Sie müssen sich konzentrieren. Ihre imaginäre Wand könnte sein, dass Sie vertraut und komfortabel sind, um Ihre Nerven zu erleichtern wie vielleicht Ihr Schlafzimmer oder vielleicht ein vertrautes Zimmer in Ihrem Zuhause. Zum Üben möchte ich, dass du in einen öffentlichen Raum gehst und dir vorstellst, du bist an deinem komfortablen Ort wie deinem Schlafzimmer, deinem Wohnzimmer oder einem Ort, den du sehr intim findest, wo du dich entspannen kannst, und ich möchte, dass du sitzen für fünf Minuten und sehen, wie lange Sie alle um Sie herum abstimmen können. Oder sagen wir, wenn du beim Abendessen bist und mit jemandem redest, tu so, als gäbe es eine Mauer, die dich in dieser Person vor allen um dich herum blockiert. Und ich möchte, dass du das Reittier so lange wie möglich abstimmst, je mehr du trainierst, desto besser wirst du. 6. BEAT/MOTIVATION: Also, was ist ein Beat? Ah Beat ist eine Veränderung in der Motivaktion, Stimmung und Motivation innerhalb der Szene. Was ist die Motivation? Motivation ist der Grund, warum ein Charakter ein bestimmtes Ziel verfolgt. Denken Sie also daran, dass das Wort Beat nicht oft in ah, Spiel oder einem Skript geschrieben wird. So müssen Sie der Schauspieler entdecken, wo sich das Be ändert oder im Skript vorkommt. Dein Charakter könnte durch die folgenden Dinge motiviert werden. Nummer eins Bedürfnis nach Nahrung, Wasser und Unterschlupf Nummer für Sicherheit und Sicherheit. Die meisten Menschen schauen auf den Aufbau eines Lebens, in dem sie sich sicher vor emotionalen m Körperverletzung fühlen . Drei. Liebe und Zugehörigkeit Menschen beginnen, starke Beziehungen zu suchen, die ihnen helfen, geistige zu erhalten. Und er wird emotionales Wohlbefinden und Vertrauen in einem starken Gefühl von Selbst Nummer vier Leistungen und Selbstwertgefühl. Die Menschen sollten Dinge erreichen und Nummer fünf Selbstaktualisierung Menschen daran arbeiten, ihre größten Träume zu verwirklichen. So ist eine Veränderung der Subjektaktion, Stimmung oder Motivation innerhalb der Szene und Motivation ist der Grund, warum ein Charakter ein bestimmtes Ziel verfolgt. Jetzt kennen Sie also den Unterschied zwischen einem Beat und einer Motivation 7. PANTOMIME VS. MIME: pantomime ist das älteste Kunstforum, das sich aus dem italienischen Straßentheater der Commedia Dell Arte A im 16. Jahrhundert entwickelt hat, mit komischen Momenten auf Lager Charaktere. Nun, was Pantomime Pantomime ist, eine Geschichte mit Ihrem Körper zu erzählen, ohne den Gebrauch von Sprache. Warum ist Pantomime wichtig? Erlass einer Bühne oder auf sagen, es gibt möglicherweise keine tatsächliche Spüle, aber sagen wir, Ihr Charakter muss möglicherweise ihre Hände waschen. Sie müssen so tun, als ob es tatsächlich Wasser gibt, das aus dem Wasserhahn kommt, während Sie Ihre Hände waschen. Oder wenn das Wasser heiß ist, muss man natürlich reagieren, um auf alles zu reagieren, was heiß ist. Oder sagen wir einfach, Sie müssen etwas Schweres auf der Bühne tragen, stellen Sie sicher, dass Sie die Konsistenz des Gewichts und seiner Größe beibehalten. Was ist meins? Meiner ist ein Schauspieler, der die Bewegungen des Körpers und des Gesichts kommuniziert, aber nicht spricht. Ah, Pantomime muss die Objekte erstellen, die Wand erstellen oder aufrichtig die Schüssel erstellen. Jetzt Bühne handeln zum größten Teil erfordert Pantomime so fremde Übung. Ich möchte, dass du ein Solo-Pantomime kreierst, und ich möchte, dass du es für Ah, Familienmitglied oder einfach hinter der Kamera aufführst . Vielleicht haben Sie Zahnschmerzen, oder Ihr Auto könnte zusammenbrechen und Sie wachen auf. Oder vielleicht gehst du für deinen Alltag aus. Das Pantomime sollte eine Minute lang sein, mit einem Anfang, einer Mitte und einem Ende. Und sagen wir einfach, du wachst aus dem Bett auf, du hast deinen Zeh gestoppt. Dann gehst du ins Badezimmer. Dann öffnest du die Schublade. Du putzst deine Zähne und waschst dein Gesicht, und dann ziehst du deine Kleidung für den Tag aus. Also hier sind ein paar Dinge, die ich möchte, dass Sie im Auge behalten, wenn Sie Maler Mine Nummer eins Umweltbewusstsein tun Ist es heiß kalt, regnerisch oder sonnig? Nummer zwei. Raumbewusstsein. Achten Sie darauf, das räumliche Bewusstsein zu wahren. Wo ist die Tür oder die Gegenstände, die sich im Raum befinden? Drei Größen und Weizen? Stellen Sie sicher, dass Sie die Größe und das Gewicht des Objekts beibehalten. Was halten Sie? Wie schwer ist es und was ist die Größe Nummer vier. Stellen Sie sicher, dass Sie körperliches Bewusstsein und Ausdruck haben. Halten Sie Ihr Körperbewusstsein mit Ihrem Gesicht ausgedrückt und drücken Sie mit Ihrem Körper aus. Bist du müde? Sind Sie glücklich Ausdruck ist Schlüsselschlüssel. Also, jetzt wissen Sie, dass Pantomime eine Geschichte erzählt ohne den Gebrauch von Sprache, und der Geist ist ein Schauspieler, der durch Bewegung und durch Körper und Mimik kommuniziert . 8. EMOTING VS. ANZEIGEN: Was ist Emoting versus anzeigt? Emoting bedeutet, Emotionen auszudrücken, während zeigt, was der Charakter fühlt oder tut, was zu einer falschen und flachen Leistung führt . Nun, während du schauspielst, ist es nichts falsch daran, eine bunte Reihe von Emotionen zu zeigen. jedoch Ihre Emotionen müssenjedochnatürlich zum Ausdruck gebracht werden, wenn Sie auf der Bühne sind und feststellen, dass Sie nicht mit dem Charakter in der Szene verbunden sind, dass Sie leicht mit Emotionen beginnen und Emotionen ausstoßen, versuchen, wütend zu sein oder wirklich, wirklich gesagt, oder versuchen, ihr Auge vortäuschen. Und das nennt man anzeigt Also hier ist auch ein wenig. Wenn Sie ein emotionales Schwarz in Ihrer gesehenen Bedeutung haben, können Sie sich nicht mit dem Charakter in der Szene verbinden. Eine Technik, die Sie verwenden können, ist Substitution oder Personalisierung, also was Sie tun möchten, ist in die Augen Ihres Szene-Partners zu schauen und dann, da schmerzlich die Augen von jemandem zu schaffen, den Sie tatsächlich lieben oder tun hey oder wirklich Angst vor einem haben Art und Weise werden Sie wissen, dass Sie Emoting sind, oder zeigen ist, wenn die Antwort fühlt sich nicht natürlich, unauthentisch, bestimmte Dinge werden für eine natürliche Reaktion verursachen, wie wenn Sie Ihren Zeh auf den Boden schlagen, Sie tatsächlich reagieren in Schmerzen, und das ist eine natürliche Reaktion, eine natürliche Reaktion. Dies ist also nur eine kleine Technik, die Sie tun, um sich davon abzuhalten, einen Film anzuzeigen . 9. GESTEN & KÖRPERSPRACHE: Also, was sind Gesten? Gesten sind Bewegung mit Händen und Armen gemacht, verwendet, um Punkte im Dialog gemacht betonen und nach kann versuchen, den Punkt in einem Argument durch werfen ihre Hände in die Luft oder zeigen oder klatschen ihre Hände zu betonen . Nun, was seine Körpersprache Körpersprache Sprache ist nonverbale Kommunikation, in der physische Verhaltensweisen verwendet werden, um Informationen zu vermitteln. Es ist nicht zu verwechseln mit Körperhaltung, die die Art, wie ein Schauspieler steht, sitzt und sich im Allgemeinen hält. Nun hilft Körperhaltung, einen Charakter physisch zu schaffen. Ihre Haltung könnte die Haltung einer Haltung der Enttäuschung oder Haltung der Angst sein,wissen Sie, wissen Sie, Haltung des Schüttelens Ihres Beines oder des Beißens der Fingernägel, was eine Form von Nervosität darstellt, während Gesten Bewegungen mit den Händen in den Armen gemacht. Während Körpersprache nonverbale Kommunikation ist, in der physikalische Verhaltensweisen verwendet werden, um Informationen zu vermitteln 10. SUSPENSION VON UNGLAUBEN VS. ILLUSION DES 1. MAL: was ist Suspendierung des Unglaubens. Es ist die Fähigkeit eines Butte-Betrachters, das zu akzeptieren, was er sieht und hört, als Regel. Nun, was ist die Illusion des ersten Mals? Es ist die Fähigkeit des Schauspielers, immer und immer wieder in einer Show aufzutreten und dabei den Eindruck zu erwecken , dass der Dialog und der Verdacht zum ersten Mal stattfinden. Obwohl das Publikum zusieht und Sie, der Schauspieler auftreten, der Schauspieler auftreten, müssen Sie die Suspendierung des Unglaubens verwenden, was bedeutet, dass, obwohl Sie auf der Bühne sind oder Sie in einem Traumzimmer sind, Ihre Aufgabe ist es, das Publikum zu machen glauben, dass Sie tatsächlich dort sind, wo Sie sind oder wo die Szene stattfindet, sei es ein Berg, in einer Höhle oder draußen, im Schnee oder windigen Sturm oder wo auch immer. Ob Sie also einmal oder jeweils 100 Mal aufführen, Leistung muss mit Exzellenz ausgeführt werden, als ob sie im Moment die meiste Zeit dort durchgeführt würde. Äh, das Spiel kann gut 2 bis 3 Monate laufen, oder manchmal sogar länger, je nachdem, ob Sie auf dem Broadway sind oder ob Sie bei der reisenden Firma sind. Allerdings muss jede Aufführung mit der exakten Energie, Leidenschaft und Exzellenz durchgeführt werden, die sie am ersten Eröffnungsabend durchgeführt wurde, sagte Meisner. Handeln verhält sich wahrheitsgemäß unter imaginären Umständen. Deshalb müssen wir in unserem Handeln jederzeit wahrhaftig bleiben. 11. MOMENT VOR: Also, was ist der Moment davor? Der Moment davor ist die Zeit und die Ereignisse vor dem Beginn eines Spiels oder einer Szene. Nun, obwohl Sie spielen eine Figur, die Charakter wie herrschen Menschen im Leben, sie haben eine Geschichte. Der Charakter hat einen Geburtstag. Sie hatten Ereignisse, die bis zum gegenwärtigen Moment führten, die in ihrem Gesehenen erscheinen. Du musst dich also fragen, was mein Charakter gemacht hat, bevor sie die Szene betreten? Erkennt das Skript, ob die Figur gerade von der Arbeit ist, oder sind sie wirklich, wirklich müde, oder sind sie gerade von einer Party gekommen? Der Moment davor ist der Schlüssel, und es ist wichtig, was dein Charakter in der Szene tun wird, weil er dir Hinweise gibt, wie du auf der Bühne oder in die Szene eintreten sollst und wie du mit deiner Szene interagieren wirst Partner und wie sich Ihr Charakter während ihrer Szene verhalten sollte. Also machen Sie immer eine Notiz aus, was Ihr Charakter im Moment vor Ihrem Charakter in die Szenegemacht in die Szene 12. CHARAKTER VS. Charakterisierung: Was ist ein Charakter? Es ist die Person Kreatur, Entität in einem Roman oder ein Spiel mit spezifischen und unterscheidenden Attributen. Nun, was ist Charakterisierung? Es ist der Schauspieler, der sein Handwerk benutzt, um die spezifischen Eigenschaften eines Charakters zu erforschen. Jetzt entwickelt und porträtiert der Schauspieler eine Persönlichkeit durch ihre Gedanken, ihre Handlungen, ihren Dialog, ihr Kostüm in ihrem Make-up. Charakterisierung beinhaltet mehr als nur vorgeben, ein Charakter in der Szene oder ein Spiel zu sein , und beinhaltet, dass andere glauben, dass Sie jemand anderes sind. Die Aufgabe eines Schauspielers ist es, nicht nur all diese Dinge zu nutzen, sondern seinen Geist, sein Gesicht, seine Körperstimme zu nutzen, um zu denken, reden und zu handeln und wie jemand anderes zu reagieren. Also in dem Film mussten wir alle Charaktere zwei separate Charaktere erstellen. Die Pizza und Younger konzentrierte sich auf die Verwendung ihrer Stimme, um den Charakter rot zu entwickeln oder in meinem Lieblingsfilm für seine Waffe, gespielt von Tom Hanks. Er schuf eine einzigartige Stimme sowie Aziz einzigartige Manierismen, um den denkwürdigsten, liebenswürdigsten Charakter zu schaffen , den die Welt nie vergessen würde. Und nicht zuletzt können wir Heat Ledger nicht vergessen, der von Tom Waits inspiriert wurde, den Joker im Film The Dark Knight zu kreieren. Sie sehen also, Sie müssen sich darauf konzentrieren, verschiedene Dinge zu verwenden, um Ihren Charakter zu entwickeln. Meine Frage an dich ist, was dich inspiriert, wenn du einen Charakter erschaffst. Ich möchte, dass Sie Tiere beobachten, Verhaltensweisen anderer Leute und sehen, was Sie integrieren können. Wenn Sie einen Charakter erstellen, oder Sie können Facetten von sich selbst verwenden. Man weiß es nie. Es könnte Sie zu einem fragen ihre Siegerleistung führen. 13. SUBSTITUTION VS. VERENDUNG: Was ist also der Unterschied zwischen Substitution und Endowment? Substitution ist, wenn der Schauspieler Objekte oder Charakter mit Objekten oder Personen in ihrem Leben platziert , um Szenenziele besser zu identifizieren und zu vervollständigen. zum Beispiel Wenn ichzum Beispielin einer Liebesszene wäre, würde ich das Gesicht meines Mannes vor dem Gesicht des anderen Schauspielers visualisieren. Was ist Endowment Endowment ist, physische oder emotionale Attribute zu Ihrem Charakter zu geben , um mehr Realität und Bedeutung zu schaffen, um die Bedürfnisse der Geschichte zu fördern. Jetzt können Objekte auch mit körperlich entstandenen, emotionalen oder historischen Attributen ausgestattet werden , wie Rasieren ohne Blutung oder Entfernen nasser Kleidung wenn es nicht wirklich nass ist oder Trinkwasser, als ob es Alkohol wäre. Jetzt kennen Sie also den Unterschied zwischen Substitution und Endowment. 14. Spannung: Also, was ist Spannung? Spannung ist der Zustand der Angst im Publikum durch die Gefahr der Gefahr für den Charakter im Spiel oder in einem Film induziert . Was sind nun die Einsätze? Steaks sind die emotionale Bedeutung des Ergebnisses für Ihren Charakter. Jetzt sind Einsätze wirklich, wirklich wichtig. Denken Sie daran, dass die Zeit abläuft und mit dem Charakter braucht eine Frage des Lebens oder eine Frage des Todes. Es muss dringend sein. Ich erinnere mich daran, eine Figur zu spielen, wo ich für meinen Sohn in der Schule eintreten musste, weil er wegen der Entfernung von etwas aus dem Autor suspendiert wurde. Und mein amtierender Lehrer sprach: Was sind die Pfähle für euch, auch wenn es nicht im Text erwähnt wird? Also musste ich wirklich darüber nachdenken. Also haben wir uns entschieden, es persönlich für mich zu machen. Der Schauspieler. Ich hatte nur ein wenig Zeit, die Nonne davon zu überzeugen, meinem Sohn zu erlauben, wieder zur Schule zu kommen , und wir beschlossen, dass der Staat vielleicht Geld wegnehmen würde, wenn mein Kind die Schule verlässt , das ich für meine Familie und für meine Familie brauchte zahlen die Rechnungen, und das würde mich emotional in einer wirklich großartigen Art und Weise beeinflussen und Spannung erzeugen, während die Einsätze wirklich, wirklich hoch halten die Einsätze wirklich, . Denken Sie also daran, dass alles, was Sie wollen, um die Einsätze hoch zu halten, sehr dringend sein muss. Es muss eine Frage des Lebens sein, wo es eine Frage des Todes sein muss. 15. Subtext: Also, was für ein Subtext. Subtext sind die Charaktere, komplexe Gedanken, ihre Gefühle, ihre Emotionen geschaffen und geschichtet unter den tatsächlichen Worten und Handlungen des Charakters. Nun ist Subtext Information, die nach Charakter impliziert wird, aber nicht durch einen Charakter im Dialog angegeben wird , einschließlich Handlungen und Gedanken. Dein Charakter könnte Kleidung falten, vorgeben, glücklich zu sein, aber ihre Handlungen sagen etwas anderes. Weißt du, der Ehemann konnte nicht sagen, Schatz, wie geht's dir heute? Und dann sagt die Frau, mir geht's gut. Aber wenn sie das Geschlossene zuschlägt und du weißt, , wir andere Dinge tun, wissen wir, dass sie zwei verschiedene Dinge erlebt und sagt. Dies ist also ein Beispiel für Subtext. 16. Lieferung: Was ist Lieferung Lieferung ist die Art und Weise, in der Sie eine Rede oder eine Zeile in einem Spiel präsentieren. Als Martin Luther King seine Rede „Ich habe einen Traum“ hielt, überlieferte er sie mit Zuversicht und in sehr prediger Weise, während Lin, Manuel, Miranda und Hamilton einige seiner Zeilen über Alexander Hamilton lieferten durch Rap und manchmal Song. Die Lieferung ist also wichtig. Wenn Sie in der Theaterstück tun einen Monolog oder einfach nur handeln, Zeitraum, Zeitraum, es wird das Publikum engagiert halten, Also denken Sie daran, Ihre Lieferung einzigartig zu halten. 17. Monolog: Was ist ein Monolog? Ah, Monolog ist eine Szene oder ein Teil eines Drehbuchs, in dem ein Schauspieler eine langwierige, ungebrochene Rede ohne Unterbrechung durch einen anderen Charakter gibt . Nun, Monologe sind sehr wichtig für die Schauspielerei, weil sie die meiste Zeit für Vorsprechen verwendet werden , oder du sprichst so lange, dass das Publikum deine schauspielerischen Koteletts sehen kann. Nun, hier sind einige Dinge, die ich denke, Sie sollten sich erinnern, wenn Sie wählen und Monolog für Ihr Vorsprechen oder wenn Sie einfach nur die Nummer eins Verbindung durchführen. Verbinde dich mit dem Charakter und mit der Monolog-Nummer, um dich zu kümmern. Du musst auf deiner Charakterseite sein, und du kannst sie nie beurteilen. Du kannst im wirklichen Leben nicht die Dinge tun, die dein Charakter tut, aber um sie zu sein, musst du sie werden und ihre Reise mehr verstehen als jeder andere, weil du den Charakter spielst . Und Nummer drei, glaube ich, ist einer der wichtigsten Handwerks-Show-Bereich und stellen Sie sicher, dass Sie einzigartig sind. Verwenden Sie Beugung Ihrer Stimme, verwenden Sie Akzente, wenn es notwendig ist und körperliche Bewegungen. Wir wollen sehen, wie du eine Geschichte erzählst. Wir möchten, dass Sie uns mit auf eine Reise mitnehmen. Egal, ob Sie sich für einen Komödien-Monolog oder einen germanischen Monolog entscheiden, zeigen Sie dem Regisseur, dass Sie Koteletts handeln, weil es Hunderte von Leuten gibt, die für die gleiche Rolle vorsprechen , und wenn Sie in den Raum gehen, die Die Regisseure hoffen, dass Sie es sind. 18. Drehbuchanalyse: was für eine Skriptanalyse. Wenn wir also unsere Skripte studieren, möchte ich, dass du darüber nachdenkst, wer , was , wann, wo und warum. Skriptanalyse ist das genaue Studium eines Theaterstücks oder eines Drehbuchs oder einer Geschichte, einschließlich Dialog und Bühnenanweisungen, um die Antwort zu finden, die notwendig ist, um einen vollen und reichen Charakter zu schaffen und eine Performance zu erstellen, die dem Drehbuch dient. Jetzt gibt es verschiedene Methoden, um in einem Skript wie der Meisner-Technik, der Methode, zu studieren . Tekken E Juilliard, Crawford Analyse Ziege Slash Rapper Cohen und Buddha Haagen Für Skript-Analyse. Ich habe in Who'd Oaxacan Arbeitsblatt zur Verfügung gestellt. Ich möchte, dass Sie dieses Arbeitsblatt verwenden, wenn Sie im Spiel auftreten, um Zentimeter über Ihren Charakter zu entdecken . Sobald Sie die Welt des Charakters erstellen, wird es so viel einfacher sein, im Schlepptau durchzuführen. Was wird glaubwürdiger, als ein Schauspieler würde eine Umarmung und diese Fragen stellen? Wer bin ich? Wie spät ist es? Wo bin ich? Was umgibt mich? Was ist meine Beziehung zu den anderen Charakteren in der Geschichte? Was will ich? Warum willst du, was du willst? Was steht Ihnen im Weg? Was ich erwarte, wird als nächstes passieren. Nun, da wir darüber gesprochen haben, möchte ich, dass Sie darüber nachdenken, was die gegebenen Umstände sind? Der Begriff gegebene Umstände wird auf die Gesamtheit der Umwelt- und Situationsbedingungen angewendet , die die Handlungen beeinflusst, die ein Charakter in einem Drama durchführt. Obwohl ein Charakter solche Entscheidungen unbewusst treffen kann, ist der Schauspieler, der den Charakter spielt, sich solcher Bedingungen auf einer bewussten Ebene bewusst, um ihm zu helfen , sein Verständnis für die Motivation hinter den Charakteren zu vertiefen. Aktionen so gegeben Umstände werden Bedingungen der Charaktere Welt umfassen. Also, wenn Sie in der Theateraufführung, achten Sie darauf, Asher. Also all diese Fragen. 19. AFFECTIVE SPEICHERUNG: Also, was ist ein effektives Gedächtnis oder erinnerte Emotion? Es ist die Erinnerung, die den Schauspieler persönlich einbezieht, so dass tief verwurzelte emotionale Erfahrungen beginnen zu reagieren, während Sie durchführen. Wenn du also ein effektives Gedächtnis verwendest, wird es deinem Instrument helfen, aufzuwachen und lebendiger zu werden, wenn du auf der Bühne auftrittst . Wie verwenden Sie also ein effektives Gedächtnis? Ich möchte, dass Sie einen ruhigen Ort finden, sich hinlegen und durch Ihr effektives Gedächtnis gehen. Von dem Moment an begann es bis zu dem Moment, in dem es endet, endet es. Dein effektives Gedächtnis könnte etwas sein, das du einen Wert verloren hast oder etwas , das dir passiert ist , aber es muss dich in einer Weise beeinflussen, die das wahre Leben des Charakters in den emotionalen Bedürfnissen des Charakters und der Welt von Ihre Geschichte. Und während Sie das Skript ausführen oder bevor Sie das Skript ausführen, denken Sie über Ihr effektives Gedächtnis nach. Wenn Sie nun ein effektives Gedächtnis verwenden, stellen Sie sicher, dass es eine ist, die Sie nicht in eine Depression oder so etwas zu gehen, sondern eine, die nach emotionaler Abstimmung, Verletzlichkeit, Tränen oder was auch immer benötigt wird für die Szene. 20. EMOTIONALE RÜCKRUFE & SENSE: Also, was ist emotionale Erinnerung oder emotionales Gedächtnis? Es sind die Emotionen aus dem Gedächtnis eines Schauspielers, ob langfristig oder kurzfristig, aus persönlichen Erfahrungen, die verwendet werden, um den Schauspieler mit dem Charakter zu verbinden und die emotionalen Bedürfnisse der Situation im Spiel oder Film zu erfüllen . Jetzt ist das Ziel, dass Ihre Emotionen stimuliert werden. Wenn Sie also Probleme haben, sich mit einer Szene zu verbinden, möchte ich, dass Sie sich an eine Zeit erinnern, als jemand Sie wirklich wütend, traurig oder einfach nur glücklich gemacht hat . Verwenden Sie die gleiche Energie und Emotion in Ihrer Szene, natürlich, mit klaren Zielen, Taktiken und Absichten. Das ist ein emotionaler Rückruf. Was für ein Sinnesgedächtnis, da das Gedächtnis die Grundlage für Lee Strasbourg Methode des Handelns seit dem Gedächtnis ist, werden Sie verwendet, um auf die Erinnerung an körperliche Empfindungen wie Anblick, Berührung, Geschmack, Geruch und Klang. Sie wissen es? Was siehst du? Was fühlst du dich? Was schmeckst du? Was riechst du zu dieser bestimmten Zeit? Das ist seit dem Gedächtnis bekannt. Also für diese beiden Übungen, ich möchte, dass Sie eine ruhige finden Bitte legen Sie sich hin. Und Sie, ich werde Sie durch Ihre emotionale Erinnerung gehen lassen oder seit der Erinnerung von Anfang bis Ende, schreiben Sie auf, was für Sie kommt. Am wichtigsten ist, wird es Ihnen helfen, sich mit Ihrer Szene zu verbinden und wird Ihnen helfen, sich mit dem Charakter zu verbinden? 21. DIALEKT, WÖRTER, & INFLEXION: Also, was ist Dialekt? Dialekt ist ein ausgeprägtes regionales oder sprachliches Sprachmuster. Ein Nordamerikaner könnte hallo sagen. Aber einige Südländer, wenn sie immer noch sagen, sagen, howdy Was seine Diktionsabhängigkeit ist der Vokalstil, Rhythmus und Worte der Charaktere, der Akzent, die Äußerung und die Beugung. Jemand aus der Haube kann andere Wortwahl verwenden als jemand, der ein Profi ist. Jemand aus der Haube kann sagen, war oben Bedeutung, Wie sind Sie gegen jemanden, der ein Profi ist? Vielleicht sagen sie so etwas wie, Hi, wie geht es dir heute? Daher ist es wichtig, den Unterschied zwischen Dialekt und Diktion zu kennen, da Ihr Charakter einen Akzent hat und Sie wissen müssen, was ihre Sprachmuster sind, einschließlich ihrer Stimmstile als auch. Beugungen spielen auch eine Schlüsselrolle in der Art und Weise, wie dein Charakter spricht. Beugungen ist eine Änderung in der Tonhöhe oder drehen Sie eine Stimme. Zum Beispiel, wo gehst du hin, versus wohin gehst du? Das ist ein Beispiel für eine Beugung, die Sie vielleicht fragen. Wie kann ich mit meinen Sprachmustern oder meinen Akzenten besser werden? Eins Nummer Eins. Sie können einen Akzent-Coach mieten. Sie können einen neutralen amerikanischen Sprachkurs nehmen und das internationale phonetische Alphabet lernen . Dies wird Ihnen beibringen, wie Sie Akzente transkribieren. Und Sie können einfach anfangen, von dort alleine oder mit den Sprechmänteln zu üben. Jetzt kennen Sie also den Unterschied zwischen Dialekt, Diktion und Beugung. 22. DIALOGUE/PACE/BUILD: Also, was ist der Dialog? Dialog sind aussagekräftige Wörter, die von Künstlern ausgetauscht werden. Dialog ist das, was niedergeschrieben wird, und es ist die Konversation Charaktere miteinander oder ein Gespräch, das Sie mit jemand anderem haben . Nun, wenn Sie handeln, achten Sie auf das, was in der Konversation geschieht, in Bezug auf Tempo und in Bezug auf das Bauen. Also, was ist Tempo in? Was ist Tempel? Tempo und Tempo ist die Rate, mit der eine Szene gespielt wird. Bewegt sich die Szene also langsam und intensiviert sich dann? Oder ist es wie ein Pingpong-Match, wo es hin und her zwischen den beiden Akteuren in einem wirklich intensiven Argument geht? Also zu wissen, wie und wann Sie bauen Sie sehen hilft beim Tempo? Was bedeutet es nun, Build zu bauen, ist die Stimmintensität zu erhöhen. Jetzt kennen Sie also den Unterschied zwischen Dialog und Tempo und Bauen 23. DROP & PROJEKTION: Was bedeutet es, Linien zu fallen? Linien, auf die ein Schauspieler seine Stimme nicht hinreichend projiziert, um verletzt zu werden, sollen fallen gelassen werden. Dein Charakter könnte sagen, Hey, Peter, Peter, ich wünschte, du würdest aufhören. Jetzt siehst du, wie du am Ende kaum hörst, was ich gesagt habe. Dies ist ein Beispiel dafür, was es bedeutet, Ihre Zeilen fallen zu lassen. Denken Sie also daran, wenn Sie sprechen, stellen Sie sicher, dass Sie immer Ihre Stimme projizieren, damit Sie Ihre Zeilen nicht fallen lassen. Was bedeutet es also, deine Stimme zu projizieren? Projektion ist die Kontrolle der Valium Klarheit und Unterscheidbarkeit Ihrer Stimme zu groß, um größere Fähigkeiten zu gewinnen. Stellen Sie also sicher, dass Sie Ihre Zeilen nicht fallen lassen und immer Ihre Stimme projizieren. 24. CUE & ABHOLUNG: was ist ein que a que sind die letzten Worte einer Rede oder das Ende der Untätigkeit, was die Zeit für einen anderen Schauspieler zu sprechen oder ein anderer Schauspieler jetzt handeln muss ein Schauspieler seine Hinweise so sorgfältig auswendig lernen, wie er seine Linien auswendig lernt. Und was jetzt? Unsere Pick Up Cues Pick Up Cues ist eine Richtung für den Schauspieler, sofort auf Cue zu sprechen, ohne dass es eine Zeitspanne gibt, die normalerweise durch einen Bindestrich am Ende eines Satzes angezeigt wird. So, jetzt wissen Sie den Unterschied zwischen einem Q und A Pickup Sie. 25. DIE 9 STUFEN BEREICHE: heute werden wir über die neun Bühnenbereiche sprechen. Jetzt. Was sind die neun Bühnenbereiche und Ordnung, die ein Regisseur Designee und Schauspieler richtig auf der Bühne positioniert ? Die Bühne ist in neun Bühnenbereiche unterteilt. Das ist oben Bühne rechts oben Bühne Mitte Bühne nach oben links Mittelstufe, rechts Mittelstufe Mittelstufe links und dann haben Sie unten rechts unten Mitte und unten links. Nun tun Sie so, als seien Sie ein Zuschauermitglied, der den Schauspieler beobachtet, wie er auf seiner linken Seite zeigt, dass seine Bühne links, das ist das Publikum ist richtig. Und da gibt er Punkte, oder? Das sind die Schauspieler richtig, das ist das Publikum übrig. Also, jetzt weißt du, die neun Bühnenbereiche auf der Bühne links von der Bühne, richtig? 26. STAGE: In unserer vorherigen Klasse haben wir also über die neun verschiedenen Bühnenbereiche gesprochen. Heute reden wir über Bühnenkreuze. Was ist die Bühne Cross? Ein Bühnenkreuz ist im Grunde nichts anderes als eine Bewegung von einem Bereich der Bühne in einen anderen Bereich der Bühne. Es wird oft durch eine Ex dargestellt. Wenn Sie Script Partitur, über die wir in einer anderen Klasse sprechen. Also, Sie sind Regisseur würden sagen, Hey, ich brauche Sie, um die linke Zehe nach oben zu überqueren, oder? Und manchmal haben Sie vielleicht keine Vertrautheit mit dieser Terminologie. In dieser Klasse werden wir ein kleines Spiel spielen, um zu sehen, ob du dich daran erinnern kannst, wie du dich von der Mittelstufe bewegen oder überqueren kannst. Richtig? Nach unten links. Jemand gegen Sie Diese Herausforderungen. Bist du bereit? Überqueren Sie die Bühne nach oben. Bühne links. Kein Drache, überqueren Sie die Bühne nach oben. Bühne links. - Gut. Du hast es verstanden. Jetzt überqueren Sie die Bühne von links nach unten, rechts. Sehen Sie ein Stück Kuchen. Du bringst es schon zusammen. Also, während Sie zu Hause sind, möchte ich, dass Sie diese neun verschiedenen Bühnenbereiche üben und versuchen, ein paar Quiz für sich selbst zu formulieren , wo Sie sagen: Hey, Hey, lass mich die linke Zehe nach unten überqueren. Richtig. Und das wird Ihnen helfen, sich an Ihre Bühnenbereiche als Schauspieler zu erinnern. Wenn dein Regisseur nur sagt: Hey, Hey, du musst von unten links hinauf die Bühne gehen, richtig? Es wird die Dinge einfacher für Sie und weniger mühsam, wenn Sie auf der Bühne auftreten.