Die Grundlagen der Musikproduktion | Seth Mosley | Seth Mosley | Skillshare

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Die Grundlagen der Musikproduktion | Seth Mosley

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Einheiten dieses Kurses

8 Einheiten (32 Min.)
    • 1. Einführung in die volle Circle

      0:57
    • 2. Die Grundlagen der Produktion

      1:30
    • 3. Grundlegende 1: Ausrüstung

      6:21
    • 4. Grundlegende 2: Engineering

      5:45
    • 5. Grundlegende 4: Mischen

      4:53
    • 6. Grundlegende 3: Bearbeiten

      5:58
    • 7. Grundlegende 5: Mastering

      3:58
    • 8. Die Grundlagen der Produktion

      2:21
  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Alle Niveaus

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3.576

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Über diesen Kurs

Dieser Kurs bietet eine Sicht auf die Grundlegende Formel, die sich für die Profi verwendet, um pros zu produzieren. Es braucht nicht viel mehr, wie du denkst, um loszulegen. Finde mehr heraus.

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Seth Mosley

Grammy-Winner Teaches Songwriting for Free

Kursleiter:in

GRAMMY award winning producer, Seth Mosley is one of the most awarded and in-demand songwriters and producers in the Christian Music industry today. Along with receiving a GRAMMY Award for Best Contemporary Christian Music Album "RUN WILD. LIVE FREE.LOVE STRONG" (for King & Country) this year, Seth also received the 2014 SESAC award for Christian Songwriter of the Year. In 2013, Billboard Magazine named Mosley the #1 Christian music producer and the #3 Christian songwriter; and Seth was the writer of 28 charting radio singles, resulting in 14 SESAC awards for top radio activity.

Known for hits like, "You Are I Am" (Mercy Me), "Born Again" (Newsboys) & "Words" (Hawk Nelson), this past year has been stellar for Seth with eight #1 songs: "Fix My Eyes" (for KING & COUNTRY), "He Knows... Vollständiges Profil ansehen

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Transkripte

1. Einführung in die volle Circle: Hi, mein Name ist Seth. Meistens heißt meine Firma Full Circle Music. Du könntest eine Songlinie bei Full Circle Music Dot finden Sie unsere Arbeit weltweit auf unzähligen Grammy-Gewinneralben, Dove Award ausgezeichneten Alben und an der Spitze der Billboard-Charts und alle Arten von TV-Weg haben wahrscheinlich 20 Nummer eins Radio Singles. Full Circle Music ist ein Kollektiv von Produzenten, Songwritern und Schöpfern, die Musik auf höchstem Niveau machen. Wir sind immer bestrebt, an der Spitze zu sein, aber wir umarmen die Vertrautheit, die einen Hit macht. Ich war glücklich und gesegnet, wenn diese 2013 Plakat Richard the Year War Säcke auf aus dem Jahr Award Grammy Award für doppelte Auszeichnungen. Wir sind immer auf der Suche, unser Team zu erweitern und mit bester Künstlerin selbst zu arbeiten. Wer weiß, dass Sie einer unserer nächsten Produzenten sein könnten. 2. Die Grundlagen der Produktion: Danke, dass Sie sich uns angeschlossen haben. Wir hoffen, dass dies der Funke ist, den Sie brauchen, um Ihren Traum zu verfolgen, ein professioneller Musikschmierstoff zu sein . Wir werden Grundlagen der modernen Pop-Musik-Produktion, Dinge wie Zahntechnik, Schnitt, Mixing und Mastering abdecken Dinge wie Zahntechnik, Schnitt, Schnitt, . Wir hoffen, dass Sie sich von diesem Kurs mit einer Vogelperspektive und einem besseren Verständnis dafür warum bestimmte Tricks immer wieder in unzähligen Pop verwendet werden. Es gibt ein Element der Produktion, das man nur ein natürliches sein muss. Aber es gibt auch ein großes Element, das im Laufe der Zeit gelernt werden kann, und ich finde, dass das wahrscheinlich noch wichtiger ist. Übe 10.000 Stunden und all das Zeug, das du hier bist. Es ist wirklich wichtig, lange daran konsequent zu arbeiten. Als ich mich setzte, um diesen Kurs zu erstellen, hatte ich keine Ahnung, wie schwer es sein würde, 10.000 Stunden oder mehr zu dauern. An diesem Punkt der Erfahrung und immer noch es in einem Einführungskurs, Ich könnte Stunden auf einem einzigen Thema verbringen, wie Bearbeiten oder Drum-Programmierung, oder sogar brechen Sie es spezifischer als die auf einem guten Kick Drum Sounds für verschiedene Arten der Bearbeitung, so dass ich nicht möchte, dass Sie denken, dass dies auf jeden Fall eine tiefe, umfassende Kräfte seit der Einführung sein wird . Aber meine Hoffnung ist, dass man wieder mit einer Vogelperspektive davongeht, wie moderne Popmusikproduktion aussieht und das Wichtigste aus Mühlen macht . 3. Grundlegende 1: Ausrüstung: Also möchte ich diesen Abschnitt beginnen, indem ich über ein paar der Grundlagen spreche, die Sie für eine grundlegende Aufnahme benötigen . Ich will dich nicht betonen und dich denken lassen, dass du deine Kreditkarte hochfahren und im Wert von 25.000 Dollar kaufen musst, um eine professionelle Tonaufnahme zu machen. Das ist nicht der Punkt überhaupt, auch, auch, einige sehr grundlegende Werkzeuge, die auf der Baseline-Ebene, werden Sie wahrscheinlich irgendwann Teoh Audio aufnehmen und Programmierung in grundlegenden Mixing-und Editing-Funktionen zu tun . Das erste, was Sie brauchen, ist ein anständiger Computer, Art anständiger Computer. Es gibt wirklich keinen Weg, das zu umgehen. Ich persönlich benutze einen Mac, und ich bevorzuge wirklich einen Laptop, weil es Ihnen ermöglicht, alles zu tun, was Sie tun, um Ihr Rig auf die Straße zu nehmen . Wir machen eine Menge davon, jetzt ist es iss, aber wenn Sie Windows haben, ist es vollkommen OK, es gibt wirklich kein richtig oder falsch. Was ich an Mac mag, ist, dass es mit einem wirklich großen leistungsstarken Produktionswerkzeug namens Garage Band kommt , ermöglicht es Ihnen, Multi-Tracks aufzunehmen. Es ermöglicht Ihnen, zu programmieren, zu mischen und irgendwie sogar Ihre Track-Fenster zu meistern. Es gibt ein paar ähnliche Werkzeuge da draußen. Dinge wie Kühnheit, einen rauszuwerfen. Es gibt einen wirklich guten Ort, um zu beginnen, wenn Sie nicht das Budget haben, um zu gehen. Verbringen Sie für ein Programm wie Logic Pro, das $200 ist, kommt mit wirklich alles, was Sie jemals tun müssten. Moderne Produktion Nummer zwei Die Sache, die Sie brauchen, ist wieder eine anständige Schnittstelle. Sie können von super billig bis super teuer auf diesem Teil gehen. Ich sage nicht, dass Sie an der Spitze beginnen müssen, aber Sie brauchen eine Art Schnittstelle. Und einfach gesagt, alle UN-Schnittstelle tut, ist es verbindet die Klangquelle wie das Mikrofon oder die Gitarre oder was auch immer Sie daran stecken, mit dem Computer, und es bekommt den Ton von hier in die Box. Sie müssen nicht eine Tonne ausgeben, um eine großartige Schnittstelle zu erhalten. Heute ist das die Schönheit der modernen Aufnahmetechnik. Nummer drei. Ein anständiges Mikrofon Sie können den ganzen Weg von einem $20 Mikrofon zu einem $20.000 Mikrofon gehen, Aber wissen Sie nur, dass Michael Jackson aufgezeichnet Thriller auf einem Shure sm sieben, das ist ein $349 Mikrofon, das teuer für einige von euch Jungs da draußen sein könnte. Es mag gar nicht so viel sein, ich weiß es nicht, aber du brauchst ein Mikrofon, um deine Stimme in den Computer zu bekommen. Nummer vier Kabel wird ein PDF zu machen, das genau aufbricht, welche Kabel Sie verbinden müssen, welche Zehe was. Und ich werde nicht einmal darauf eintauchen, weil Kabel der langweilige Teil ist. Es ist der Teil, für den niemand gerne Geld ausgibt, aber man muss sie nur haben und sie verheddern, so dass Kabel der lästige Teil sind. Aber sie verbinden Ihr Mikrofon mit Ihrer Schnittstelle, von Ihrer Schnittstelle zu Ihrem Computer, von Ihrer Schnittstelle zu Ihren Lautsprechern und dem ganzen Rest. Nummer fünf Kopfhörer und Studiomonitore. Kopfhörer sind großartig, weil Sie überall wieder arbeiten können. Stecken Sie einfach in Ihren Laptop. Ich kenne viele tolle Aufzeichnungen, die im Programm gemacht wurden, nur mit buchstäblich einem Laptop und Kopfhörern. Du hörst dir irgendeines der neuen E G. M. Sachen an. Viele Jungs Luft, buchstäblich nur programmieren ohne einen Midi-Controller gibt es nur einen Laptop in ihren Kopfhörern. Also mit etwas von einem anständigen Satz von Kopfhörern, diese Art wichtig, die Sie wissen wollen, Sie wissen, was Sie hören ist etwas genau. Ich würde sagen, du weißt schon, etwas, das vielleicht etwas Schöneres ist als, wie der Apfel, äh, deine Knospen, für den Anfang. Aber wieder, Sie können einige große Kopfhörer für finden 40 $50, dass Sie nicht haben Zehe brechen Sie Ihre Brieftasche über eine sfar ein Studio-Monitore, geht Studio-Monitore Luft Groß, wenn Sie mit anderen Menschen zusammenarbeiten, denn dann hört jeder im Raum die gleiche Sache bis zum letzten Sie, um es zu kurbeln und zeigen Sie es den Menschen ziemlich selbsterklärende Studio-Monitore Luft nur High-End-Lautsprecher, so dass sie genau darstellen die Audio, die Sie in Ihrem Computer haben. Nummer sechs, ein Midi-Controller. Einfach gesagt, ein MIDI-Controller ist nur eine Tastatur, wie ein Klavier, das einen USB- oder FireWire- oder Thunderball-Ausgang hat, der direkt in Ihren Laptop geht , und Sie verwenden es, um Software-Instrumente auszulösen, um Drums zu programmieren alle Arten von Funktionen. Es ist wirklich schwer, ein moderner Produzent zu sein, keinen kleinen MIDI-Controller wieder zu haben. Du musst nicht unbedingt eine Tonne Geld für einen ausgeben. Und viele Leute sind wirklich gut geworden. Es ist buchstäblich nur mit der Laptop-Tastatur für die Programmierung, so dass Sie völlig davonkommen können, dass auch. Es ist nur eine persönliche Vorliebe. Nummer sieben a D a W D. W steht für digitale Audio-Workstation, und das ist im Grunde die Software, die Sie verwenden werden, um Programmmix aufzunehmen, arrangieren und Ihre Produktionen zusammenzustellen. Dinge wie Logik. Pro Pro Tools que Basis digitale Performer Das sind alle verschiedene D. A W einige der freien oder GarageBand und Kühnheit. Wie gesagt, diese waren großartig zu beginnen, bis sie das Aufzeichnen von Grundlagen und Grundlagen lernen. Also brauchst du es. Sie brauchen eine anständige D eine WRC, zumindest eine Art von DW, um loszulegen. Und Nummer acht ist ein Mikrofonständer. Ich werde nicht einmal die Zeit damit verbringen, zu sagen, was es ist, weil Sie wissen, was ISS hält ein Mikrofon wieder. Ich will mich nicht in der Getriebegrube verlieren, weil es viele Websites gibt, über die Sie lesen können . Wird das Gänge besser und Sie brauchen diese Ausrüstung und Sie brauchen dieses Jahr, und ich habe diese High-End x r 27.000 Sache, die besser klingt als die 24.000 und Sie können sich in, dass verloren gehen. Es ist wirklich nicht über das Jahr des Jahres bis zu einem gewissen Punkt ist wichtig, aber es ist wichtiger zu wissen, was Sie in Meister haben, was Sie haben und wirklich gut darin. Wir haben tatsächlich ein Paket erstellt, mit dem Sie einige unserer Empfehlungen für Getriebestücke in Gang bringen können. Sie können etwas davon kaufen, alles, nichts davon. Aber klicken Sie auf den Link dafür. Wir haben ein PDF, das einige hat, dass in einem Listenformat, das Ihnen nur einen guten Platz geben könnte , um zu gehen und loszulegen. 4. Grundlegende 2: Engineering: Engineering-Aufzeichnung, verfolgen, wie immer Sie es nennen wollen. Es geht darum, den idealen Sound zu erhalten und die perfekte Performance des Performers einzufangen . nicht nur darum, perfekt zu sein, sondern um Emotionen einzufangen und großartige Auftritte zu inspirieren. Die Auftritte müssen glaubwürdig sein. Sie müssen professionell klingend sein, und sie müssen überzeugend sein. Und das ist, was Ihre Aufgabe ist und Ingenieure zu tun. Viele von euch, ihr werdet einfach selbst konstruieren. Das ist also ein bisschen anders. Und das ist eigentlich, wie ich in die Aufnahme kam First war nur, indem ich meine eigenen Songs in meinem Eltern-Keller aufnahm , also bekommst du eine Menge Ingenieurpraktik und eine Art Selbstbearbeitungspraxis, während du weitermachst dass es darum geht, Audio aufzunehmen, Ihre Stimme, Ihre Gitarre oder Tastatur oder was auch immer die Audioquellen. Aber es geht auch darum, die richtigen Sounds zu kennen, die man verwenden kann, wenn man zum Beispiel einen Klavierpart oder einen Drum Sound programmiert zum Beispiel . Es geht darum, die richtige Probe zu kennen, die für eine Kick-Trommel verwendet werden soll oder was auch immer Sie wollen. Ein wichtiges Fundament ist die gewonnene Struktur. Wenn Sie Ihren Gewinn zu niedrig einstellen, werden Sie mit Tonnen von Lärm und ist, dass Verbindungen über viele Spuren oder einfach nur eine wirklich laute Spur haben. Sie sagten, die Gain-Struktur zu hoch und Sie bekommen Verzerrung, die nicht sehr gut klingt. Sie möchten also sicherstellen, dass Ihre Gain-Struktur von Anfang an auf Schnittstellen ist . Das ist ziemlich einfach zu tun, buchstäblich nur ein Trimmknopf in der Regel oder so etwas. Also verbringe einfach die Zeit, um das richtig zu machen. Offensichtlich, wenn Sie einen ruhigen Teil auf Ihrer Gitarre aufnehmen, der wirklich intim Finger gepflückt ist, möchten Sie wahrscheinlich drehen, um ein wenig zu gewinnen. Wenn du in die Stadt Strawman auf Mumford Song gehst, willst du es wahrscheinlich ein wenig zurückskalieren, damit es nicht so klingt, als würden deine Lautsprecher dort explodieren, es sei denn, das ist, was du machst . Natürlich ist es auch wichtig, die richtige Art von Aufnahmeraum-Umgebung zu haben, vor allem für Gesang, die wichtig sein könnten. Wenn Sie einen Poptrack machen, wollen Sie, dass der Raum ziemlich tot klingt, aber das ist einfach erreichbar, indem Sie eine kleine Kabine aus Decken erstellen und sie um Sie herum legen . Einige unserer ersten Gesangsstände, das waren alles, was sie waren. Schränke, die nur mit Decken und Kleidung ausgekleidet waren und was auch immer wir finden konnten, das im Klang tot wäre. Wenn Sie für einen geräumigeren Sound gehen und ein wenig natürlicheren Hall wollen, ist es OK, wenn Sie in einem Raum aufnehmen, der ein wenig mehr live ist. Aber was passiert, wie wir ein wenig später im Produktionsprozess herausfinden werden, ist, wenn Sie in das Mischen kommen , beginnen Sie mit einem Werkzeug namens Kompression. Und was Kompression macht, ist, dass es klingt, wenn Sie klingen, als wären Sie in einer kleinen Höhle zu Ihren eigenen Jahren. Wenn du komprimiert wirst, hört es sich an, als wärst du im unterirdischen Tunnel. Also wollen Sie wirklich die Zeit nehmen, um die, Sie wissen, einige grundlegende Raumeinstellung und auch für Ihre Hörumgebung zu Wenn Sie auf Kopfhörer sind , ist es nicht wirklich so wichtig, aber stellen Sie sicher, dass Ihr Studio in dem Raum, in dem Sie sind, so viel wie Sie es kontrollieren können, überwacht, dass es keine Tonnen von Echos und Reflexionen gibt. Offensichtlich haben Sie nicht immer die Kontrolle über die Situation. Viele unserer modernen Produktionen werden in Bussen, Grünräumen und Umkleidekabinen und überall dort durchgeführt , wo die Künstler auf Tour fliegen. Sie können es offensichtlich nicht die ganze Zeit kontrollieren. Aber so viel du kannst, es ist eine gute Sache zu einem Tipp, dass ich nicht genug überfordern kann, ist keine Angst, ein Perfektionist zu sein . Ich denke, je länger ich es mache, desto langsamer werde ich, denn manchmal muss man die Zeile singen oder 25 Mal die Sänger-Single haben und keine Angst davor . Ich denke immer, dass es besser ist, es direkt auf der Vorderseite zu bekommen und musste es nicht bearbeiten oder abstimmen oder später Zeit. Es klingt immer besser, wenn Sie die Performance direkt im Vordergrund bekommen und sich nicht peinlich fühlen . Wenn Sie die Zeile 25 mal singen müssen, um es richtig zu machen. Niemand ist perfekt, wirklich. Ich kann mir keinen Sänger vorstellen, mit dem wir je gearbeitet haben, mit dem wir gerade die Platte gedrückt haben und die erste Aufnahme war es. Es kann heutzutage keinen Sänger geben, der das auch tun kann, also fühlen Sie sich nicht peinlich oder unsicher. Wenn das der Fall ist, sind wir alle auf der gleichen Seite. Ein weiterer Tipp ist das. Sie keine Angst, Ihren Song aufzunehmen, um ihn in Sektionen zu entwickeln. Konzentrieren Sie sich auf die Kurse und konzentrieren Sie sich auf die Kurse. Bringen Sie die richtig, dann gehen Sie zur Brücke. Sie müssen nicht das Gefühl haben, dass Sie die Aufnahme von oben nach unten drücken müssen, und das war's. Du weißt, dass du dich daran gewöhnen wirst, einzuschlagen, und das Ausstanzen ist die technischen Begriffe, die wir benutzt haben, wenn du auf Play drückst, erreichst du den Rekord. Das ist ein Schlag, wenn du wieder auf Rekord schlägst. Das ist ein Schlag aus, und im Laufe der Zeit wirst du es schnell bekommen. Aber haben Sie keine Angst, den Song in Sektionen aufzunehmen. Die meisten Profis tun es. Wir machen es jeden Tag. Heutzutage gibt es so viele Chef- und Gratis-Samples online, und die richtigen Sample-Sounds können Ihnen eine Menge Zeit sparen, besonders wenn Sie wie ich sind. Und du magst es nicht, wochenlang mit einer Kickdrum zu sitzen, um es genau richtig zu bekommen . Es gibt eine, die wir vor allem einen Schrei geben wollten und da eine Firma namens Sound dort tatsächlich basiert, wo wir aus Nashville, Tennessee, und machen einige der hochwertigsten Samples, die Sie sind Hören erscheinen heutzutage auf jeder Pro-Platte. Sieh es dir an. Ich will diesen Sound-Dot-Com. Sie können ihre Banken für Sotschi bekommen, und es ist unwirklich, wie schnell Sie mit Drum-Sounds für Ihre Tracks loswerden können. Letzter Tipp Zur Erinnerung, es ist immer am besten, es direkt auf der Vorderseite zu bekommen und anstatt zu versuchen, es auf dem hinteren Ende zu reparieren . 5. Grundlegende 4: Mischen: Mischen. Dies könnte einer der subjektivsten Teile des gesamten Produktionsprozesses sein. Das kann ich nicht genug betonen. Jede Person wird einen anderen Geschmack haben, wenn es darum geht, wie sie einen Ton hören möchten . Ich höre eine Kicktrommel vielleicht anders, als du sie hören würdest. Aber einfach gesagt, Mischen nimmt alle Ihre Sounds. Es gleicht sie aus. Es ist Malerei sie, Anpassung Ihrer Ebenen, mit e que Kompressionsautomatisierung und anderen Effekten, um den Zuhörer auf eine Reise vom Anfang des Zeichens des Endes des Songs zu nehmen . Es hebt auch die wichtigen Teile des Tracks hervor, um die richtige Menge an Platz für diejenigen zu schaffen , die die besten Mixer, die ich kenne, wirklich Zeit nehmen und sich den Song anhören, den sie mit Song im Kopf mischen. Und wenn es ein Country-Song ist und es um eine Geschichte geht, werden sie sicherstellen, dass der Text genau das ist, worauf du dich konzentriert hast. Du wirst dich nicht auf das Tamburin auf der linken Seite konzentrieren, es sei denn, das Tam Gehirn erzählt die Geschichte. Natürlich ist Mischen ein harter Job, denn wenn man es gut macht, verschwindet man irgendwie einfach in die Musik und niemand weiß wirklich, dass man da ist, und niemand weiß wirklich, was man getan hat. Aber es ist ein harter Job, denn wenn Sie einen schlechten Job machen, wissen die Leute definitiv, wo sie mit dem Finger zeigen sollen. Und sie wissen, dass etwas einfach nicht richtig klingt. Ich sage das nicht, um zu entmutigen. Ich sage das nur, um zu sagen, dass gemischt mit Song im Sinn. Und haben Sie keine Angst davor, sich ständig weiterzuentwickeln und sich ständig weiterzuentwickeln, um die beste Mischung zu mischen. Ingenieure, die ich kenne, lernen ständig mit neuen Werkzeugen. Ich war heute nur mit einem zusammen , und als ich vor einem Monat dort war, war sein Werkzeugset komplett Er hat es überarbeitet, also fürchte dich nicht, dein Handwerk ständig zu verändern und weiterzuentwickeln. Wie ich bereits sagte, Mischen ist sehr subjektiv, weil die Art und Weise, wie man Gesang hört, völlig anders sein könnte als die Art, wie ich es wirklich höre, eine Kunst ist. Und es ist der Ort, an dem Sie Ihre Unterschrift auf einer Produktion hinterlassen können. Eine schlechte Mischung kann den Hörer von dem ablenken, was tatsächlich im Song vor sich geht. Eine gute Mischung ist genau wie ein Bild zu machen und es in den perfekten Rahmen und bleiben aus dem Weg, einige Mischen Grundlagen, um Sie mit Nummer eins e que kurz für Equalizer oder Equalizer zu verlassen. Und das ist im Wesentlichen balanciert die Tiefs, die Mitten und Höhen, um es ganz einfach zu erklären, wenn eine Kickdrum zu studieren klingt, werden Sie wahrscheinlich die Höhen ein wenig hochdrehen. Wenn der Gesang zu hart klingen, könnte man während der Höhen ein wenig runter. Es ist viel komplizierter als das, aber das ist der grundlegende Überblick darüber, was e. Que ist und tut. Nummer zwei ist Komprimierung und Begrenzung, und das fällt unter eine große Unterüberschrift dessen, was Sie Dynamik nennen würden. Kompression bringt im Wesentlichen die leisesten Teile Ihres Signals auf und zerquetscht die lautesten Teile. Also ist es statt so, es ist ein wenig mehr ein wenig mehr Ebene. Die Profis wissen, dass es in Ordnung ist, Dinge zu zerquetschen, aber auch wissen, dass die Verwendung zu viel Kompression und Begrenzung die Menschheit aus einer Leistung nehmen kann , und es kann sie tot und leblos klingen lassen. Limiting ist auch, wie die Aufzeichnungen heute so laut klingen können. Leute haben keine Angst, den Limiter nach unten zu klemmen und ihn einfach zu schlagen und wie eine Ziegelmauer zu schlagen. Das ist eine Art Touchstone moderner Popmusik, wie laut es ist, und die Menschen erreichen das durch kreative Kompression und kreative Begrenzung. Nummer drei ist Reverb und Delay. Dies ist ein Werkzeug, das im Raum zu einer Spur kann es beraten, und es kann Stil zu ihm haben. Dies könnte der größte Unterschied sein, von Genre zu Genre, wie Menschen Reverb und Delay verwenden. Wenn Sie zurück gehen und hören Sie viele der 80er Jahre Platten, sie hatten keine Angst, den Fluss zu drehen 2 11 Und wenn Sie gehen hören Taylor Swift, 1989 ihre neue Platte auf ihren Gesang, Der Hall ist laut und klar. Die Verzögerung ist laut und klar, und haben Sie keine Angst, das zu tun. Aber dann gehst du vielleicht rüber und hörst auf Riesengeld. Ich weiß nicht, dass seine letzte Platte irgendeinen Fluss benutzt hat, wenn ich mich völlig irren könnte. Aber es gibt verschiedene Arten von Reverb. Es gibt verschiedene Arten von Verzögerungen. Einige Beispiele dafür sind Spring Hall. Es gibt gated Hall Platte, Hall re Verben und Zimmer River Verben auf Verzögerungen. Es gibt Bandverzögerungen, digitale Verzögerungen, Stereo-Pingpong-Verzögerungen und Slap Back-Verzögerungen. Letztendlich erzeugt jedes dieser Dinge eine andere Stimmung, und viele Leute verwenden eine Kombination von allen in ihren Mischungen. 6. Grundlegende 3: Bearbeiten: Editieren. Das ist, wo die Magie passiert. Nennen Sie es böse. Nennen Sie es genial. Es ist Auto-Tune, seine Melodie-Line-Beat, Detective Vocal. Ich bin Flextime, Comping, Quanten, Izen. Was auch immer Sie tun, es ist alles Teil der Bearbeitung. Es passiert bei jeder modernen Pop-Platte, und in der Tat würde ich wetten, zu sagen, dass es wirklich das ist, was Ihre Produktionen hervorheben wird und nicht wie Amateurproduktionen klingen . Offensichtlich am Anfang kein großartiger Redakteur sein, wirst du am Anfang kein großartiger Redakteur sein,der direkt aus dem Tor kommt. Aber im Laufe der Zeit werden Sie besser, und Ihre Produktion wird nur ein wenig mehr Pro klingen. Dies ist, wo Sie die 25 ehrfürchtigen Gesang Tex nehmen, die Sie vor erwischt würden, bevor Sie sie zusammen. Buchstäblich. Haben Sie keine Angst, Wort für Wort zu gehen. Es gibt oft, dass wir das tun, ähm, und Sie stellen sicher, dass, wenn Sie einen Kopten haben, dass es rechtzeitig ist und wenn es rechtzeitig ist, dass es stimmt. Das ist der Prozess, Gesang zu machen, und es ist das gleiche auf Gitarrenspuren oder Audio. Aber offensichtlich verwenden Sie die Tuning-Funktion nicht. Sie stellen nur sicher, dass es alles in der Zeit ist und sich in der Tasche gut anfühlt, offensichtlich, von Genre zu Genre und von Stil der Musik, die Sie tun werden. Einige Aufzeichnungen werden enger als andere sein, und letztendlich ist das nett zu Ihrem persönlichen Geschmack. Wenn Sie eine Menge von den Top 40 Sachen hören, ist es jetzt im Radio. Es ist sehr eng, und es ist sehr wichtig, dass es sozusagen in der Startaufstellung steht, also Timing. Sie können das verwenden und das nach Ihrem Geschmack tun. Viele Instrumente sind viel einfacher zu bearbeiten, da es alles im Computer ist, Sie haben es nicht mit der Manipulation von Audio zu tun. Sie können eine Funktion verwenden, die wir Quanta izing nennen, die im Wesentlichen nimmt. Wenn mein Treffer hier im Raster ist, ist hier. Es kippt es einfach um, so dass es sich richtig aufstellen lässt, so dass Sie das wirklich leicht mit vielen tun können . Also, wenn Sie in erster Linie Programmierer sind, werden Sie wahrscheinlich ein wenig schneller sein als jemand, der vielleicht nur in Audio-Sachen basiert . Aber es gibt keinen richtigen oder falschen Weg. Es ist nur wieder ein gutes Verständnis des gesamten Prozesses zu haben. Ich habe viel Zeit damit verbracht, das richtig zu machen. Viele Amateuraufnahmen. Dies ist, wo die Songs gerade Fall flach im Schnitt Gesicht und viele Leute haben Angst , die Platte zu überproduziert klingen zu lassen. Aber hier ist die Wahrheit. Nicht sehr viele Menschen sind wirklich talentiert genug, um die Aufnahme zu drücken und ein Lied zu singen oder eine Take von oben nach unten zu spielen und das zu nehmen. Nur sei es, es sei denn, das ist genau das, was du willst und du versuchst, einen wirklich rohen, menschlich klingenden Track einzufangen rohen, . Aber die wirkliche Tatsache ist, Adele könnte eine der wenigen Ausnahmen sein, und selbst auf ihrem neuen Album, es klingt, als wäre vielleicht ein bisschen Tuning los. Aber ich sage nur, dass zu sagen, Sie keine Angst, Bearbeitung zu verwenden und verwenden Sie es großzügig. Jedes D A W, über das wir zuvor gesprochen haben, hat eine andere Reihe von Bearbeitungswerkzeugen, aber die grundlegende sexuell verwenden viel ist geschnitten, verblassen, kreuzen, verblassen, strecken und bewegen. Wir werden auf jeden d aaw näher eingehen, weil jeder von ihnen Art von Funktion anders. Und die Art und Weise, wie die Verknüpfungen funktionieren, ist anders. Aber wir werden jetzt nicht viel Zeit damit verbringen. Ich wollte nur die grundlegenden Werkzeuge abdecken, die Sie meist brauchen, um ein paar Tipps zu verstehen . Was auch immer Sie arbeiten in Hit speichern oft, ich wünschte, ich hätte das vor langer Zeit gelernt. Hit, speichern und sogar so oft auf Speichern klicken. Wenn Sie in dieser Bearbeitungsphase sind und Sie besonders für Ihren neuen Editor, könnten Sie etwas tun, das in fünf Minuten denken Sie, dass das nicht so klang. Wenn Sie eine neue Version drücken, speichern unter und speichern, erhalten Sie möglicherweise 21 Versionen des Songs, wenn Sie fertig sind, aber Sie haben die Freiheit, rückwärts zu gehen, wenn Sie rückgängig machen möchten, sozusagen und einen ehemaligen -Version. Viele der D. A. Ws haben eine automatische Speicherfunktion, die wir ziemlich religiös verwenden. Ich denke, unsere dieses Set alle zwei Minuten auf Pro-Tools, so Hit sparen sehr oft. Tipp Nummer zwei. Wenn Sie mit einer Mischung aus Programmmaterial und aufgezeichnetem Audio arbeiten, ist das oft ein Rezept für das, was wir als flam ing bezeichnen, wo es eine Probe gibt, die direkt auf dem Gitter ist, und dann gibt es eine Kick-Trommel, die live aufgenommen wird. Wenn es etwas ausgeschaltet ist, wird es auch. Es wird entweder wie ein Flam klingen, was wie, im Gegensatz zu ist , und es wird kein Titelsound außerhalb der Phase sein. Also in der Regel als Faustregel, werden Sie wollen, um ein wenig enger auf Audio zu arbeiten. Wenn Sie eine Mischung aus aufgezeichneten Audio- und Programmen verwenden. Software-Beispiele Tipp Nummer drei. Wenn du einen anderen Künstler oder Sänger produzierst, kann der Teil, in dem du anfängst, den Gesang zu bearbeiten, zu früh sein. Sängerin in einer Kaffeepause, es könnte ein bisschen nervös sein, in einem Studio zu sitzen. Hören Sie auf Ihre Stimme und all ihre Unvollkommenheiten, die immer und immer wieder gespielt werden , und es kann oft Sänger zum zweiten Guess machen. Ist das ein guter Nehmer? Dieser Liedgetter? Bin ich überhaupt gut? Denn seien wir ehrlich, als Künstler und als Kreative waren alle ziemlich unsicher über uns selbst . Also tun Sie sich und der Künstler zu bevorzugen und schicken Sie ihn zum Mittagessen. Ein Teil von dem, was wir in unserem Unternehmen betonen, ist in der Lage, ein gewisses Maß an Bearbeitung zu haben, während Sie gehen, und dies erfordert offensichtlich viel Geschwindigkeit und Effizienz, wenn Sie sind Sie direkt nach einem Take verfolgen und bearbeiten bearbeiten Sie es. So gibt es dem Sänger gegen das Gefühl, wie der fertige Song sich anfühlen wird. Es ist ein wenig inspirierender, sich im letzten Tipp anzuhören. Haben Sie keine Angst, langsam anzufangen. Sie werden schneller, auch wenn Sie die ganze Nacht brauchen, um aufzustehen. Bearbeiten einer Zeile einer Vokalspur. Sie keine Angst, die Stunden in die Hand zu nehmen und es einfach zu tun. 7. Grundlegende 5: Mastering: Mastering. Dies ist der letzte Teil des Produktionsprozesses, wo Sie die fertige zu verfolgen Stereo-Mix, dass Sie eine Anwendung endgültige e que Kompression und Begrenzung auf diese Spur, um es bis zu etwas zu bringen, das mit anderen Materialien konkurrenzfähig ist . Es ist heute da draußen. Es ist wirklich nur die letzte meiste Zeit. Die letzten 2% der Prozessmischungen sind heutzutage ziemlich heiß und ziemlich vorgemeistert, so dass Mastering Ingenieure viel weniger zu tun haben als je zuvor. Beim Mastering geht es auch darum, sicherzustellen, dass Ihre gesamte Platte und dies spricht darüber, nachdem Sie mehrere Songs produziert haben. Es geht darum, sicherzustellen, dass die gesamte Platte klanglich fließt, so dass ein Song Was , was passieren wird. Ein Großteil der Times ist anders. Produzenten werden verschiedene Songs auf der Platte zu tun, und sie werden verschiedene Mixer und manchmal verschiedene Spieler sein. Es nimmt also wirklich die Gesamtkurve dort, keine Kontrolle darüber zu haben. Bringen Sie die Gitarre nach dem Trommeln nach oben oder so, aber es ist nur ein Gesamtpinsel über den Stereo-Mix und stellen Sie sicher, dass es wie einer fließt . Gleichzeitige Datensätze werden nicht zu aufgehängt, um mit dem Mastering zu beginnen. Es ist oft ein bisschen eine schwarze Kunst, wo, wenn der Mastering Ingenieur seine Arbeit gut gemacht hat, man nicht einmal wirklich weiß, was er getan hat. Und viele der durchschnittlichen ungeübten Zuhörer würden nicht einmal wissen, was passiert ist. Aber es ist etwas, um im Laufe der Zeit zu üben und nicht das Gefühl, dass Sie e que und Kompression und Begrenzung und Mastering überverwenden müssen. Es ist wirklich nur etwas, das die letzte kleine Politur auf Ihrem Mix sein soll. Mastering ist auch der Teil des Prozesses, in dem Sie entscheiden, was Ihre Album-Sequenz sein wird . Das ist die Entscheidung, welche Songs wohin und in welcher Reihenfolge gehen. Es ist eine Art Arrangement, aber nur für dein ganzes Album. Es entscheidet also auch Fades und Lücken zwischen den Songs, wie viel Platz es gibt, wenn überhaupt, zwischen Songs, es ist auch, wo der Mastering Ingenieur I R S C Codes erstellen muss , was im Wesentlichen nur Ein Haufen Mumbo-Jumbo, auf den wir jetzt nicht hineinkommen. Aber es ist Teil der klerikalen Seite des Mastering, und Sie werden sich nicht wirklich darum kümmern müssen, aber es ist wirklich nur vergessen Ihr Lied. Auf einer gedrückten CD oder auf iTunes oder in einem bestimmten Format, das Distributoren benötigen. Das große Ganze, das ich machen möchte, ist dies ein B A B A B. Sie keine Angst, andere Songs zu referenzieren, die da draußen sind. Alle Profis tun es. In der Tat habe ich eine Menge Prozessionen gesehen, bei denen sie am Ende der Session noch einen Song drin haben werden. Zum Beispiel habe ich die Pro Tools Sessions für den Fondssong We Are Young gesehen , der vor ein paar Jahren ein großer Hit war. Jeff Bhasker hat es produziert. Amazing Producer, und auf dieser ganzen Fondsrekord, die sie hatten, denke ich, es waren drei Referenzen. Sie hatten einen Kanye West Track. Sie hatten einen Queen-Track, und dann hatten sie einen anderen Hip-Hop-Track darunter, und sie gingen ständig hin und her und hörten ihre Sachen an. Zeug zu hören ist niedrig und getroffen, wie es tut Bizarre Foot. Sind Vocals so groß die Queen Vocals, also haben Sie keine Angst, das beim Mastering zu tun Besonders, es könnte wichtig sein, denn was passiert, ist, wenn Ihr Song in den Playlisten eines Zuhörers ist. Viele der Male hören die Leute es heutzutage nur in einer Single-Umgebung an, also könnten sie Taylor Swift hören. Und dann könnten sie sich dein Lied anhören. Du willst sicherstellen, dass dein Song nicht das Zifferblatt hochdrehen muss, nur um das Ding zu hören. Und Sie möchten auch sicherstellen, dass es wettbewerbsfähig klingt. Sie wollen auch sicherstellen, dass es nicht zu laut klingt, wo es einfach zerschlagen ist und kein Leben hat . Beim Mastering geht es also wirklich um ein Wesen, Ihre Sachen wettbewerbsfähig zu machen, es entsprechend laut zu machen und die finale Politur darauf zu legen. 8. Die Grundlagen der Produktion: Hier ist der letzte Punkt, den ich das beste Stück Getriebe in der besten Produktion Werkzeug machen möchte, ist ein großartiger Song. Es spielt keine Rolle, wie teuer deine Ausrüstung ist. Es spielt keine Rolle, wie schön das Studio ist. Es spielt keine Rolle, wie cool der Track klingt. Wenn dein Song mittelmäßig ist, dann wird es immer noch ein mittelmäßiger Song sein. Und eine Menge Zeit. Wenn ein Song großartig ist, gibt es wirklich nicht viel, was du tun kannst, um es undankbar zu machen. Du musst es nur nicht vermasselt haben. Also viel Zeit, das ist unser Job. Da Musikproduzenten damit beauftragt wurden, diese Songs zu bekommen, die bereits Sound Grade haben, haben sie tolle Demos. Die Texte sind großartig. Die Melodien von großartigen Unser Job ist irgendwie nur, um aus dem Weg zu bleiben und das Bild sozusagen in den besten Rahmenzu stellen den besten Rahmen . Lassen Sie sich nicht allzu in das Unkraut von all dem kleinen Zeug davon aufhängen, wie die Bearbeitung und die Technik und das Mischen in der Spielstruktur in der Ausrüstung, Sie werden das Zeug im Laufe der Zeit zu bekommen. Was ich für Produzenten betonen, ist nur sicherzustellen, dass der Song direkt am Frontend ist, und eine Menge Zeit, die bedeutet, wieder in und manchmal helfen, neu zu schreiben. Natürlich, wenn die Künstler dafür offen sind, immer sensibel auf diese Tatsache. Aber stellen Sie sicher, dass der Song ist, bevor Sie überhaupt in das eintauchen. Und in einer perfekten Welt ist Songschreiben eine Sache. Produktionen. Eine Sache. Du beendest das und dann gehst du zu dem, eine Menge davon, wie wir es in unserer Firma machen und eine Menge davon, wie ich denke, dass viele andere Leute es tun. Die beiden verschmelzen sich ständig voneinander, und man kann nicht wirklich sagen, OK, OK, jetzt sind wir fertig mit dem Song-Schreibprozess, weil man vielleicht in Gesang geraten könnte. Und dann könnten Sie einen Text ändern, sobald die Sänger in der Kabine oder Sie könnten die Melodie ändern oder Sie nehmen einen Abschnitt aus einem Lied. Aber ich sage all das, um zu sagen, dass der Song immer König ist und alle Ihre Produktionsentscheidungen treffen basierend auf dem, was das Beste für den Song ist, das wir wollen, dass ihr euch den Song nimmt, den sie in Class War geschrieben hat. Für diejenigen von euch, die nicht die Klasse eins gesehen haben, war es ein Lied über die eine Person oder Sache, die ihr am meisten liebt. Nehmen Sie den Song, stellen Sie eine Demo vor, was immer Sie w, was auch immer. Hier, was auch immer, und laden Sie es auf die MP drei hoch. Diese Texte, wenn du kannst. Ich bin wirklich aufgeregt zu sehen, was euch am Ende einfällt.