Der Farbpapiercollagen-Look in Adobe After Effects | Jake Bartlett | Skillshare

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Der Farbpapiercollagen-Look in Adobe After Effects

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Einheiten dieses Kurses

13 Einheiten (56 Min.)
    • 1. Kurs-Trailer

      0:23
    • 2. Erste Schritte

      6:44
    • 3. Strukturen anwenden

      5:19
    • 4. Farben anpassen

      5:32
    • 5. Ebenen zusammenfügen

      1:52
    • 6. Im 3D-Raum arbeiten

      7:08
    • 7. Details hinzufügen

      7:33
    • 8. Mit 3D-Lichtern und Schatten arbeiten

      6:22
    • 9. Ein wenig Bewegung

      4:00
    • 10. Den Look polieren

      3:33
    • 11. Kleine Details

      4:13
    • 12. Ein Flimmern hinzufügen

      2:29
    • 13. Danke!

      0:37
  • --
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  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Alle Niveaus

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164

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Über diesen Kurs

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In diesem Kurs zeige ich dir, wie du eine Farbpapiercollage im Schattenbox-Stil in After Effects erstellst. In jedem kurzen Video behandeln wir Dinge wie: 

  • Hinzufügen von Strukturen mit Spurmasken
  • Farben anpassen
  • Arbeiten mit 3D-Kameras, Ebenen, Lichtern und Schatten
  • Ebenen zusammenfügen
  • Übergeordnete Ebenen
  • Expressions mit Schiebereglern steuern
  • Mischen von Modi

Und vieles mehr. Wie immer zeige ich dir, wie ich durchweg Tastenkombinationen einsetze, um den Arbeitsablauf effizienter zu gestalten.

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Jake Bartlett

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Transkripte

1. Kurs-Trailer: Hi. Ich bin Jake Bartlett und in diesem Kurs werde ich Ihnen zeigen, wie Sie den Papierausschnitt Look und After Effects bauen. Wir werden viele Themen wie Texturierung, 3D-Arbeiten, 3D-Lichter und -Schatten und vieles mehr behandeln. Dieser Kurs ist ideal für alle, die ein grundlegendes Verständnis von After Effects haben, aber ich zeige Ihnen Schritt für Schritt, wie Sie diesen Effekt erzielen können. Wir sehen uns im Unterricht. 2. Erste Schritte: Das Format dieser Klasse wird ein wenig anders sein als einige meiner anderen Klassen. Sie könnten Ihr Projekt während des Ansehens der Videos erstellen, aber ich denke, es könnte vorteilhafter für Sie sein, wenn Sie sich den gesamten Kurs ansehen und ihn dann auf Ihr eigenes Projekt anwenden. Weise können Sie das große Bild davon sehen, wie dieser Effekt erstellt wird, und es könnte Ihnen helfen, über Ihr Projekt in einer Weise nachzudenken , die die Dinge einfacher macht, sobald Sie es erstellen. einige Dinge, über die Sie im Voraus denken können ist das, was Ihr Traumwochenende Projekt sein wird. Versuchen Sie, sich darüber nachzudenken, wie Sie Ihr Projekt mit mehreren Ebenen gestalten möchten , um ein Gefühl der Tiefe zu geben, sobald wir den Effekt anwenden Es ist eine gute Idee, mindestens drei Tiefenschichten, einen Vordergrund, Ihr Hauptfach und einen Hintergrund zu haben . Alles darüber hinaus ist Bonus und wird nur helfen, den Effekt noch mehr zu verkaufen. Sie können auch darüber nachdenken, wie Sie Ihr Projekt gestalten möchten. Werfen Sie einen Blick auf das Pinterest-Board, das ich für echte Papierausschnitt-Dioramen erstellt habe. Denken Sie darüber nach, ob Sie Farbe verwenden möchten, aus welchem Papier Sie es ausschneiden möchten, wie professionell oder handgefertigt Sie es aussehen wollen, wie viel Detail Sie in Ihre Grafik einfügen werden, und ob Sie möchten es animieren, also fangen Sie an, über all diese Dinge nachzudenken, während Sie sich die Videos ansehen und Ihren Fortschritt auf der Projektseite posten. Ich höre immer, wenn Sie Fragen haben oder wenn Sie Feedback wünschen. Bevor wir den Effekt anwenden, müssen wir unsere Szene aufbauen. Sie können Ihr Kunstwerk so gestalten, wie Sie es sich am wohlsten fühlen Sie können es direkt in After Effects, in Illustrator oder in Photoshop gestalten , was auch immer Sie sich am wohlsten fühlen. Wenn Sie Photoshop verwenden, stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Bildmaterial mit einer Einstellungsauflösung entwerfen , als Sie in After Effects arbeiten. Auf diese Weise verlieren Sie, wenn Sie etwas vergrößern , keine Auflösung und die Dinge werden nicht unscharf. Für dieses Projekt fühlte ich mich sehr wohl, mein Kunstwerk in Illustrator zu entwerfen und es dann in After Effects zu importieren. Wenn wir zu Illustrator springen, ist dies das Kunstwerk, das ich für den Titel dieser Klasse erstellt habe. Für mich wäre das perfekte Wochenende mit meiner Frau ein Tandemrad im Park zu fahren. Ich fing an, diese Szene in meinem Kopf zusammenzustellen und entwarf einige sehr grundlegende Elemente, um diese Szene auszufüllen. Wenn Sie Ihr Kunstwerk entwerfen, ist es wichtig, darüber nachzudenken, wie Ihr Endprodukt aussehen soll. Wird Ihr Endergebnis so aussehen, als ob es von einem Kind aus Baupapier geschnitten wurde? Oder wird es ein professionelleres Aussehen haben? Mit jemandem, der Erfahrung hat, ein exaktes Messer zu verwenden , um sehr schöne Formen aus Papier zu schneiden. Für die meisten meiner Entwürfe war ich in Ordnung, Sachen ziemlich grob zu machen als ob jemand das aus Baupapier ziemlich schnell schneiden würde. Andere Elemente wie das Bike und die Leute, ich wollte ein bisschen mehr Details haben, also habe ich ein bisschen mehr Zeit damit verbracht, das zusammen zu stellen. All diese Farben sind nicht wirklich wichtig, weil sie sich ändern werden, sobald wir mit der Anwendung der Texturen beginnen. Das ist wirklich nur für mich, um eine grobe Vorstellung davon zu bekommen, wie die Szene aussehen wird, und ich habe die Blätter von diesen Bäumen verlassen, weil ich die Leads auf innerhalb von After Effects setzen wollte, damit ich dir einen kleinen Trick mit Form zeigen kann -Layer. Für dieses Projekt müssen Sie wirklich in Bezug auf Ebenen denken , denn innerhalb von After Effects werden wir alle diese Ebenen im 3D-Raum trennen, um Tiefe zu geben. Wenn Sie sich die Textebene ansehen, wird der gesamte Text auf derselben Ebene existieren und sie haben alle dieselbe Farbe, also habe ich das alles in derselben Ebene behalten. Diese nächste Schicht ist Gras Vordergrund. Dies sind die zwei kleinen Hügel, die ganz vorne in der Szene sein werden, aber sie werden in der gleichen Entfernung von der Kamera existieren, also ist es okay, dass sie sich auf der gleichen Ebene befinden. Nun, mein gesehen ist ziemlich symmetrisch, also wenn es einen Baum auf der linken Seite gibt, gibt es wahrscheinlich zwei weitere Bäume auf der rechten Seite in der gleichen Entfernung von der Kamera, und das ist konsistent durch mein gesamtes Dokument. Stellen Sie sicher, dass Sie jede Ebene der Tiefe Ihres Bildmaterials in eine eigene Ebene innerhalb der Ebenenpalette einfügen, und stellen Sie sicher, dass Sie jede Ebene benennen. Dies wird die Dinge so viel organisierter machen, wenn Sie innerhalb von After Effects sind. Wenn Sie Ihr Bildmaterial innerhalb von After Effects erstellen, stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Ebenen während Ihres Aufenthalts benennen. Eine letzte Sache, über die Sie nachdenken sollten, bevor Sie Ihr Kunstwerk in After Effects bringen , ist, dass Sie möchten, dass Ihr Kunstboard größer ist als das Kunstwerk. Hätte ich mein Kunstboard so eingestellt, dass es die Größe meines Ausgleichs für After Effects hat, dann wird ein Großteil des Kunstwerks außerhalb des Kunsttafels landen und das wird Probleme verursachen, wenn wir das Kunstwerk in die After Effects importieren. Stellen Sie also sicher, dass Ihr Kunstwerk vollständig in Ihrer Kunst enthalten ist. Jetzt importiere ich mein Bildmaterial in After Effects, und da ich das Bildmaterial in Ebenen innerhalb von Illustrator getrennt habe, möchte ich After Effects sagen, das Bildmaterial als Komposition zu importieren. Auf diese Weise wird meine Kunst als Ebenen anstatt als flaches Dokument arbeiten. Ich möchte auch die Footagemaße von der Dokumentgröße auf die Ebenengröße ändern, dann drücke ich „OK“, und After Effects bringt mein Bildmaterial ein. Ich gehe weiter und beginne mit der Organisation meines Projekts, indem einen neuen Bin mache und diese Bilder aufrufe, und ich lege das Kunstwerk in diesen Ordner, öffne das, gehe in eine neue Spalte, die aus meinem Kunstwerk erstellt wurde, und dann werde ich 'll skalieren Sie dies auf bis zu 100 Prozent, damit ich das Bohrungsdokument sehen kann. Sie können sehen, dass dies genau so ausgelegt ist, wie es innerhalb von Illustrator war, wobei meine Größe auf die Art Board Abmessungen innerhalb von Illustrator eingestellt ist. Ich möchte diesen Comp beibehalten, also wenn ich später Änderungen vornehme, kann ich ihn immer als Referenz verwenden. Das allererste, was ich tun werde, ist, diesen Comp zu duplizieren, indem ich darauf und „Command“ oder „Control“ auf einem PC plus „D“ drücke. Dann benenne ich diesen Komp um, Kunstwerk strukturiert und öffne diesen Komp, und jetzt können wir diese Elemente strukturieren. Nun, wenn Sie Ihr Kunstwerk innerhalb von After Effects entworfen haben, würde ich Sie ermutigen, Ihren ursprünglichen Comp mit dem Kunstwerk zu duplizieren, das so ausgelegt ist, wie Sie es wollen, bevor Sie anfangen Textur zu spielen, wieder, nur für den Fall, dass Sie gehen müssen zurück auf die Art und Weise, wie die Dinge ursprünglich waren. Als nächstes müssen wir unsere Texturen importieren. Ich werde das tun, indem ich auf Bilder klicke und „Befehl I“ oder „Control I“ auf einem PC für den Import drücke , und dann gehe ich zu meiner Konstruktion Papierpackung. Für dieses Projekt weiß ich, dass ich keine Bilder mit voller Auflösung benötigen werde, deshalb hat er den Halbruheordner erstellt, es liegt ganz an Ihnen, was Sie verwenden möchten, aber ich weiß, dass es schneller rendert, wenn ich den kleineren Bilder, und diese werden für dieses Projekt gut funktionieren. Ich wähle diesen Ordner aus und drücke „Öffnen“ , um den gesamten Texturordner in mein AAfter Effects Projekt zu importieren . Als nächstes möchte ich jede dieser Texturen vorkompilieren. Der Grund, warum ich das tun möchte, ist, weil ich sagen möchte, dass ich eine Änderung an dem grünen Konstruktionspapier vornehmen wollte , das von mehreren Schichten gleichzeitig verwendet wird. Nun, wenn ich die Änderung innerhalb der Precomp vornehme, werden alle Ebenen aktualisiert, die diese Textur verwenden, so dass es nur eine einfache Möglichkeit ist, Änderungen im gesamten Dokument vorzunehmen. Glücklicherweise müssen wir nicht jedes einzelne dieser Bilder einzeln vorkompilieren. Stattdessen wähle ich alle meine Ebenen aus und ziehe sie nach unten auf die neue Kompositionsschaltfläche. Das wird dieses kleine Fenster auftauchen, das es uns ermöglicht, alle Bilder auf einmal vorkompilieren zu können. Ich möchte sicherstellen, dass mehrere Kompositionen ausgewählt sind, damit nicht alle unsere Bilder zu einem Precomp zusammengeführt werden, und dann können Sie eine Dauer für die Bilder auswählen. Nur um sicher zu sein, werde ich das etwas Verrücktes wie fünf Minuten ändern, so werde ich wissen, dass meine Texturen nie abgeschnitten werden, weil meine Animation nirgendwo fast fünf Minuten lang sein wird . Dann drücke ich „Okay“, und du wirst sehen, dass After Effects automatisch alle diese neuen Vorkomps für jedes Texturbild erstellt. Ich werde diese außerhalb des Bilderordners ziehen, diesen Ordner schließen, den Bilderordner schließen, und ich werde einen neuen Bin erstellen und es Vorkomps nennen. Dann möchte ich einen anderen Bin namens Texturen machen. Ich werde alle diese Precomps in diesen Textures-Ordner bringen. An diesem Punkt, wenn Sie es noch nicht getan haben, wäre es eine gute Idee zu speichern, also werde ich mein Projekt speichern, indem Sie auf einem PC „Befehl S“ oder „Control S“ drücken. 3. Strukturen anwenden: Jetzt können wir mit der Anwendung von Texturen beginnen. Warum fangen wir nicht zuerst mit dem Himmel an? Ich scrolle nach unten zu meinen Ebenen, um zur Himmelsebene zu gelangen, und dann öffne ich meinen Texturen-Ordner, und ich denke, dass das Hellblau wahrscheinlich eine perfekte Farbe für den Himmel sein wird. Ich ziehe die Verbindung direkt unter die Himmelsebene. Wenn Sie jetzt mit Texturen innerhalb von Aftereffekten arbeiten, je nachdem, welche Auflösung Sie sich Ihre Komp ansehen kann es je nachdem, welche Auflösung Sie sich Ihre Komp ansehen, etwas anders angezeigt werden als erwartet. Im Moment habe ich meine Auflösung auf Automatisch eingestellt, so dass meine Grafik mit einer Viertelauflösung angezeigt wird. Wenn ich dies auf die Hälfte ändere, können Sie sehen, dass sich die Textur ein wenig ändert, und wenn ich sie in voll ändere, ändert sie sich noch mehr. Nun, ich betrachte das nur bei 20 Prozent Wenn ich also auf 100 Prozent zoomen und dann die Leertaste gedrückt halte, um zum Handwerkzeug zu gelangen und herumzuschwenken, sieht die eigentliche Textur so aus. Wenn ich es zurück auf die Hälfte ändere, können Sie sehen, dass wir viel Detail verlieren. Aber wenn ich verkleinere, ist es immer noch eine ziemlich gute Darstellung dessen, wie die Textur aussieht. Also für dieses Projekt werde ich die meiste Zeit mit halber Auflösung arbeiten. Da unsere Himmelsebene nur ein einfaches Rechteck ist, brauche ich diese Ebene eigentlich nicht, und ich denke, dies ist die einzige Instanz in diesem Kunstwerk, dass ich die Konstruktionspapier-Textur als Objekt verwenden werde. Also werde ich eigentlich nur diese Himmelsebene löschen. Als nächstes machen wir die Wolken, ich werde meine weiße Textur greifen und diese unter die Wolkenschicht bringen, und da die Wolken nicht nur Rechtecke sind, müssen wir diese Textur tatsächlich auf die Wolken bringen. Um dies zu tun, verwenden wir eine so genannte Spurmatte; eine Spurmatte ermöglicht es Ihnen, die Deckkraft einer Schicht auf eine andere anzuwenden, auf verschiedene Arten. Wir wollen die Wolkenschicht als Spurmatte auf der weißen Texturschicht verwenden. Um dies zu tun, werde ich zu meiner Spurmatte Spalte kommen, und wenn Sie diese Spalte nicht sehen, kommen Sie nach unten links und diese mittlere Schaltfläche hier wird die Transfer-Steuerelemente Fenster sein. Klicken Sie einfach auf diese Schaltfläche, um diese Spalte zu aktivieren. meine weiße Konstruktionspapierschicht ausgewählt, klicke ich auf die Spur Matte nach unten und wähle Alpha Matte „Wolken“. Der Grund, warum Wolken sagt, ist, dass das die Ebene ist, die direkt darüber ist, und so funktionieren Spurmatten mit der Ebene, die direkt darüber ist. Also Alpha Matte „Wolken“ ist das, was wir wählen wollen. Nun, wenn ich hier hineinzoomen, können Sie jetzt sehen, dass die Form des Konstruktionspapiers jetzt die gleiche Form wie die Wolken hat, und nach Effekten sagt uns, dass dies durch diese beiden kleinen Symbole geschieht, die besagen, dass diese Ebene mit einer Spurmatte und diese Ebene ist der Spur-Mate. Sie werden auch feststellen, dass der Cloud-Layer deaktiviert wurde. Wenn wir es wieder einschalten, wird es wieder angezeigt, aber dann können wir die Textur nicht sehen. Also wollen wir das ausgeschaltet lassen, damit unsere Wolken jetzt mit der Textur auftauchen, die wir wollen. Nun, nur um Ihnen ein wenig mehr über Track-Mattes zu erzählen, wenn wir wieder in unser Track-Matt-Dropdown-Menü gehen und es in Alpha Inverted Matte ändern würden, dann bekommt alles außerhalb der Wolkenebene jetzt die Textur. Auf diese Weise stanzt es tatsächlich ein Loch innerhalb unserer Konstruktionspapierschicht. Es ist nicht etwas, was wir für diese Klasse brauchen, aber es ist etwas Gutes zu wissen. Ich werde das wieder auf Alpha Matte umschalten, also haben wir unsere Wolken so aussehen, wie sie es sollen, und ich werde den gleichen Prozess für den Rest meines Artworks fortsetzen. Wenn Sie die Farbtexturen auswählen, die die Farben des Kunstwerks am besten darstellen, müssen sie nicht genau übereinstimmen, da wir die Farben später anpassen werden. Aber für den Himmel werde ich offensichtlich eine blaue Schicht verwenden. Dafür werde ich die grüne Textur verwenden, für den Fluss, wahrscheinlich die blaue Textur, und ich mache das einfach weiter, bis alle meine Ebenen Textur haben. Offensichtlich sehen die Dinge ein wenig seltsam aus, aber das ist okay, wir werden die Farben in nur wenigen Schritten ändern. Aber zuerst möchte ich Ihnen zeigen, wie Sie mit der Ebene umgehen, die mehrere Farben hat. Wenn ich die Bäume Hintergrund Ebene Solo, und sehen, dass diese gesamte Ebene besteht aus zwei verschiedenen Farben. Wenn ich also die braune Textur anwenden und diese auf eine Alpha Matte setzen würde, wird das nicht funktionieren, weil meine Ebenen zwei verschiedene Farben haben. Was ich tun muss, ist das ursprüngliche Kunstwerk auf der Texturebene zu mischen, so dass die Farbe aus dem Kunstwerk stammt. Dies ist ein Fall, in dem wir die Spurmatte Ebene einschalten wollen, so dass sie oben auf der Textur sichtbar ist, und dann werden wir zu der braunen Modi Spalte kommen, klicken Sie auf „Dropdown“ und scrollen Sie nach unten, um zu überlagern. Also offensichtlich sind dies nicht die Farben, die wir wollen, und das liegt daran, dass es die Farben aus dem ursprünglichen Kunstwerk auf dieser braunen Farbe vermischt . Was wir tun müssen, ist, die Farbe aus der Texturebene zu entfernen, so dass die ursprünglichen Kunstwerksfarben nicht von den Texturfarben beeinflusst werden. Ich schalte die Bildungsebene wieder und füge dann dem Texturen-Layer den Tönungseffekt hinzu. Dadurch wird die Texturebene entsättigt, so dass es keine Farbinformationen gibt, und lassen Sie einfach unsere ursprünglichen Farben direkt über diese ursprüngliche Textur mischen. Ich mache dasselbe mit unserer Büschel-Schicht, bringe das braune Konstruktionspapier heraus, setze es als Alpha-Matte ein, aktiviere die Bildungsebene, setze es auf Überlagerung und wende dann den Tönungseffekt auf die Konstruktionspapierschicht. Nun haben wir diese Textur auf unser Originalkunstwerk mit den ursprünglichen Kunstwerksfarben angewendet . Eine Sache, die Sie vielleicht bemerken, ist, dass ein paar meiner Bäume abgeschnitten werden Wenn ich also zu dieser Baumschicht gehe, die diese hier ist, können wir sehen, dass der Begrenzungsrahmen den ganzen Weg hier draußen geht, aber das Kunstwerk hält genau hier an, und das liegt daran, dass die Konstruktionspapierschicht nur so groß ist. Also skaliere ich diese Ebene nach oben, indem ich sie ausgewählt und dann klicke und ziehe, während die Umschalttaste auf der Tastatur gedrückt gehalten wird, bis sie die gesamte Ebene bedeckt. Ich werde dasselbe für diese Grasschicht tun, ich skaliere die Textur, während ich Shift auf der Tastatur halte, bis keines der Grafiken zugeschnitten wird, und ich denke, alles zeigt sich so, wie es jetzt sein sollte. 4. Farben anpassen: Jetzt können wir anfangen, die Farben anzupassen. Zunächst möchte ich den Himmel ein wenig lebendiger machen, also gehe ich zu dieser Ebene, und ich werde diese Ebene umbenennen, indem ich sie ausgewählt habe und die Eingabetaste oder Return drücke und den Himmel eintippe, und drücke Geben Sie erneut ein. Ich möchte die Sättigung steigern, um das zu tun, komme ich einfach zu meinen Effekten und Voreinstellungen und tippe Farbton ein. Dann wenden wir den Farbtonsättigungseffekt oben auf der Himmelsebene an, und dann werde ich die Sättigung nur ein wenig steigern , bis sie ein wenig lebendiger ist. Das nächste, was mir auffällt, ist, dass die Fahrrad-Schicht nicht so dunkel wie sie ist, also werde ich voran gehen und das als nächstes tun. Dieses Mal, anstatt den Farbton und Sättigungseffekt zu verwenden, werde ich eine Kurven eingeben und den Kurveneffekt anwenden. Ich werde hier hineinzoomen, damit wir es ein bisschen besser sehen und zur vollen Auflösung wechseln können. Ich passe diese Kurve an, bis sie etwas dunkler ist. Nun hat das auch meine Schicht gesättigt. Eine andere Möglichkeit, zu entsättigen, besteht darin, den Tönungseffekt anzuwenden , der bei seinen Standardeinstellungen die Ebene entsättigt. Dann wende ich die Menge auf Tönung ab, bis sie da ist, wo ich sie will. Ich bin ziemlich zufrieden mit dieser Farbe. Zoomen Sie dann wieder heraus, stellen Sie es auf die halbe Auflösung zurück, und ändern Sie dann die Flussfarbe. Ich wähle diese Ebene aus und wende den Farbton und den Sättigungseffekt an. Dann möchte ich, dass dies etwas grüner und definitiv heller ist, also werde ich auch den Kurveneffekt auf diese Ebene anwenden. Dann werde ich diese Kurve aufhellen, und das entsättigt mein Bild ein wenig, also werde ich die Sättigung erhöhen und dann vielleicht den Farbton wieder anpassen, also ist es etwas grüner. Spielen Sie mit der Helligkeit, und das ist etwa, wo ich es will. Dann nehmen wir die Pfadebene und machen sie zu einer dunkelgrauen Farbe. Ich denke eigentlich, dass ich dafür eine andere Textur verwenden möchte, weil es eine schwarze Textur gibt , die tatsächlich ziemlich grau erscheint. Um diese braune Textur mit der schwarzen Textur auszutauschen, kann ich diese Ebene auswählen lassen, Wahltaste oder Alt-Taste auf einem PC gedrückt halten und dann die schwarze Texturebene über die ausgewählte Ebene ziehen und das ersetzt automatisch die Textur durch die Ebene, die ich innerhalb meines Projektfensters ausgewählt hatte. Ich denke, ich möchte diesen Pfad ein wenig dunkler machen, also werde ich den Kurveneffekt anwenden und ihn dann ein wenig verdunkeln, und das ist ziemlich gut. Als nächstes lassen Sie uns diese Bäume machen, weil dies offensichtlich nicht die richtige Farbe braun ist. Ich werde diese Bäume finden und dann den Kurveneffekt anwenden. Ich möchte nochmals vergrößern, um Ihnen ein Problem zu zeigen, auf das Sie manchmal stoßen können. Ich werde meine Auflösung wieder vollständig umschalten, und wir werden uns auf diesen Baum konzentrieren. Wenn ich das auf den Punkt verdunkeln würde, den ich es will, können Sie sehen, dass es sehr gesättigt wird und wir verlieren einige Details. Das liegt daran, dass das braune Baupapier eigentlich ziemlich hell war, und das Braun der Bäume, die wir wollen, ist nicht so richtig. Anstatt dies zu tun, werde ich tatsächlich diese braune Textur durch eine der dunkleren Texturen ersetzen, die ehrlich gesagt die schwarze Schicht wahrscheinlich mit den besten arbeiten wird. Wieder werde ich die Texturebene meiner Bäume ausgewählt haben, dann komme ich zum Projektfenster, halte die Wahltaste oder Alt auf einem PC gedrückt und klicke dann auf die Ebene und ziehe die Ebene über meine Texturebene, damit die Textur ausgetauscht wird. Jetzt, da es als dunklere Textur beginnt, kann ich zu meinem Kurveneffekt zurückkehren und es nur ein wenig verdunkeln, und jetzt kommt es zu ungefähr dem gleichen Niveau der Dunkelheit wie das Braun, das ich will. Dann müssen wir nur die Farbe ändern, eine Möglichkeit, dies zu tun, ist mit dem Tönungseffekt. Also werde ich das anwenden, jetzt, um den Tönungseffekt zu verwenden, um die Farbe ändern, ändere ich die Karte Schwarz zu einer braunen Farbe. Wenn ich das tue, siehst du, dass ich tatsächlich einen Kontrast verliere. Um das zu kompensieren, müsste ich mich mit den Kurven anlegen und das könnte funktionieren. Aber ich finde, dass es nur ein bisschen pfiffig ist und es gibt tatsächlich einen einfacheren Weg, dies zu tun. Rückgängig, entfernen Sie den Tönungseffekt und geben Sie dann einen anderen Effekt namens Tritone ein, und wenden Sie diesen auf die Ebene an. Nun verhält sich das fast genau so wie der Tönungseffekt, aber anstatt uns nur das Schwarze und das Weiß zu kartieren, erlaubt es uns auch, die Grautöne zu kartieren. Jetzt haben wir Highlight, Midtone und Shadow Steuerelemente. Dadurch werden die Schwarzen schwarz, die Weißen weiß, und dann können wir mit der Mitteltone-Steuerung den Gesamtton viel leichter beeinflussen. Nun, es ist lustig, dass die Standardfarbe eigentlich fast genau das ist , was ich für die Baumfarbe möchte, aber nur um Ihnen zu zeigen, was das tut, wenn ich den Mitteltonwert in etwas anderes ändern würde. Wir können leicht die Farbe ändern, während die Schwarzen und die Weißen erhalten. Aber ich werde es eigentlich einfach so lassen, wie es war, drücken Sie OK, und jetzt sehen diese zwei Bäume ziemlich gut aus. Ich möchte dasselbe mit diesen beiden Bäumen tun, also werde ich die Effekte dieser Ebene öffnen, indem ich auf der Tastatur E drücke und dann beide Effekte auswählen und sie kopieren, indem ich Befehl Z oder Strg+C auf einem PC und fügen Sie sie auf die andere Baumschicht ein. Jetzt wieder verwendet dies die ursprüngliche braune Textur, also möchte ich das mit der schwarzen Textur austauschen, indem ich die Option oder Alt auf einem PC gedrückt halte, während Ebene auf die Textur klicke und ziehe. Jetzt sehen die Bäume Farben ziemlich gut aus. Nun, lasst uns die Farbe der Brücke ändern. Ich werde den Tritone-Effekt anwenden und dann ziehen, so dass es ein wenig dunkler, ein wenig gesättigter ist, und genau da ist gut. Schließlich denke ich, dass ich den Himmel nur ein wenig erhellen möchte. Ich werde den Kurveneffekt anwenden und ihn nur ein wenig aufhellen, vielleicht fügen Sie ein wenig Kontrast hinzu, und das ist ziemlich gut. Sobald Sie alle Texturen auf Ihre Ebenen angewendet haben und Sie die Farben so erhalten haben, wie Sie sie mögen, können wir mit dem nächsten Schritt fortfahren. Es ist in Ordnung, wenn an dieser Stelle die Farben nicht genau das sind, was Sie wollen. 5. Ebenen zusammenfügen: Der nächste Schritt besteht darin, jede Ebene mit ihrer Textur vorzukompilieren. Wir haben also weniger Ebenen zu bewältigen, wenn wir sie im C-Raum positionieren, aber auch, damit unsere Schatten richtig geworfen werden. Ich gebe mir ein bisschen mehr Platz, ändere das auf die Hälfte, setze es auf, und lass uns ganz oben anfangen. Ich wähle die Textebene und die Textur aus, die dazu gehört, und ich werde die Ebene vorkomponieren, indem ich auf Ebene gehe, Pre-Compose oder durch Drücken von Shift Command C oder Shift Control C auf einem PC. Ich werde das mit dem Hotkey tun, Shift Command C, und dann werde ich es texturiert benennen und „Okay“ drücken. Dann mache ich dies einfach für jede Ebene in meinem Dokument weiter. Jetzt sind alle meine strukturierten Ebenen vorkompiliert , so dass ich für jede Ebene der Tiefe eine Ebene zu bewältigen habe. Jetzt kann ich eine neue Komposition machen, das sind die tatsächlichen Dimensionen, die mein letztes Video sein wird. Ich werde dies tun, indem ich zur Komposition gehe oder Befehl N oder Control N auf dem PC drücke. Ich werde diese Komposition nennen, und ich werde sie 1920 mal 1080 machen, nur damit es Full HD ist. Dann möchte ich, dass meine Bildrate 24 Bilder pro Sekunde beträgt, die Dauer kann etwas kurz wie 10 Sekunden sein, und dann drücke ich „Okay“. Ich komme zurück zu meinem Artwork_Textured Comp, wähle alle meine Ebenen aus, indem ich auf einem PC Befehl A oder Steuerelement A drücke und dann kopiere. Gehen Sie dann zurück zu meiner neuen Komposition und drücken Sie Befehl V oder Control V auf einem PC, um es einzufügen. Jetzt habe ich alle meine Ebenen in meiner neuen Komposition, aber sie sind nicht korrekt positioniert. Also gehe ich zu meiner Ausrichtungspalette, und wenn Sie die Ausrichtungspalette nicht geöffnet haben, gehen Sie zu Fenster, Ausrichten. Ich werde meine Ebenen an der Komposition ausrichten, zentrieren , horizontal, vertikal zentriert und jetzt ist mein Kunstwerk so ausgerichtet, wie es sollte. 6. Im 3D-Raum arbeiten: Jetzt können wir alle diese Ebenen im Z-Raum verteilen , um den Tiefeneffekt zu erzeugen, den wir verfolgen. Also, wenn alle meine Ebenen ausgewählt sind, klicke ich auf den 3D-Ebenenschalter, und wenn Sie diese Schalter nicht sehen, kommen Sie zur unteren linken Schaltfläche rechts hier, um die Layer-Schalter zu aktivieren oder zu deaktivieren. Jetzt, da alle meine Ebenen 3D sind, kann ich sie nicht nur in der X- und Y-Position verschieben, sondern auch in der Z-Position. Wenn ich also meine Textebene greife und den Z-Positionsgriff greife und klicke und ziehe, bewegt sich die Ebene vorwärts und rückwärts im Raum statt nur links und rechts oder oben und unten. Ich werde rückgängig machen. Das nächste, was wir tun müssen, ist eine 3D-Kamera hinzuzufügen. Also komme ich zu Schicht, neu, Kamera. Dies wird ein Fenster öffnen, das uns eine ganze Reihe von Einstellungen gibt, für dieses Projekt werde ich die Voreinstellung von 35 Millimetern verwenden. Ich schalte die Schärfentiefe aus, weil das nicht etwas ist, was wir brauchen, und dann drücke ich „OK“, und nichts hat sich geändert. Das liegt daran, dass nach Effekten standardmäßig die Kamera erstellt wird, um die Ansicht, die Sie bereits eingerichtet haben, neu zu erstellen. Im Moment hat sich nichts geändert, aber wenn ich zum Kamera-Tool durch Klicken auf diese Schaltfläche hier oder durch Drücken von „C“ auf der Tastatur, dann kann ich klicken und ziehen, um diese 3D-Szene zu drehen. Sie können sehen, dass alle meine Ebenen genau an der gleichen Stelle vorhanden sind, so dass alles flach ist. Was wir tun müssen, ist, all diese Schichten auszubreiten , damit wir etwas Tiefe in unsere Szene bekommen können, aber ich möchte diese Kamera so belassen, wie sie war. Also werde ich rückgängig machen, und wir könnten versuchen, alle diese Ebenen von Hand zu entfernen, indem Sie auf die Z-Position klicken und ziehen. Aber es ist ziemlich schwer, aus diesem Blickwinkel zu tun. Glücklicherweise können wir nach Effekten die Ausrichtung unserer Ansicht ändern , ohne unsere Kompositionen Kamera zu beeinflussen. Um dies zu tun, werde ich zu diesem Dropdown-Menü direkt hier kommen, wo es Active Camera heißt und es in Custom View 1 ändern. Dies gibt uns einen anderen Blick auf unsere Szene. Sie können tatsächlich sehen, wo sich unsere Kamera in der Komposition befindet und wie viel von unserem Kunstwerk sehen konnte. Da wir die benutzerdefinierte Ansicht 1 verwenden, kann ich, wenn ich das Kamera-Tool erneut durch Drücken von „C“ auf der Tastatur auswähle, wenn ich das Kamera-Tool erneut durch Drücken von „C“ auf der Tastatur auswähle, um diese Szene drehen, ohne die Position der Kameraebene zu beeinflussen. Ich möchte diese Kamera nur ein bisschen mehr drehen damit ich sehen kann, wie weit jede Ebene auseinander ist, sobald ich beginne, sie auszubreiten. Jetzt, da ich meine Position eingerichtet habe, scrollen wir nach unten und beginnen mit dem Himmel. Also schalte ich zurück zu meinem Auswahlwerkzeug durch Drücken von „V“ auf der Tastatur, dann klicke und ziehe ich auf den Z-Positionsgriff und verschiebe ihn im Z-Raum nach hinten. Weil dies die Hintergrundebene ist, wird es weiter zurück als alles andere sein, also werde ich es zurückschieben eine ziemlich gute Art und Weise. Über das weit ist gut. Dann klicke ich auf meine Wolkenebene und bewege diese rückwärts. Ich möchte, dass das ziemlich nah am Hintergrund ist, aber immer noch ein bisschen davon entfernt ist. Eine gute Möglichkeit, herauszufinden, wie weit von der Hintergrundebene entfernt Sie sind, besteht darin, sie einfach zu drücken, bis Sie sie nicht mehr sehen können. An diesem Punkt wissen Sie, dass Sie zu weit gegangen sind, aber ich kann zurückkommen, bis es nur ein wenig hinter dieser Hintergrundschicht liegt und es so positionieren, wie ich es möchte. Denken Sie nun daran, dass all dies später geändert werden kann. Verteilen Sie also einfach Ihre Ebenen ungefähr dort aus, wo Sie denken, dass Sie sie wollen, aber denken Sie auch daran, wenn Sie dies physisch machen, wie weit auseinander würden Sie eigentlich wollen, dass diese Ebenen liegen? Dann gehe ich in die Hügelschicht und schiebe das zurück. Dann sollte der Hintergrund der Bäume direkt davor gehen. Ziemlich nah dran. Dann wird die Grasschicht, dies wird unsere Haupt-Grasschicht sein. Der Fluss sollte so ziemlich oben auf das Gras gehen. Der Weg sollte genau dahin gehen, wo das Wasser war. Dann werde ich das Fahrrad und die Brücke zur gleichen Zeit bewegen weil diese ziemlich im gleichen Raum vorhanden sind. Genau da drüben. Dann kompensiere ich das Tandembike ein wenig, nur eine Berührung. Dann kommen wir zu den Bäumen Mittelweg, und das geht genau an der gleichen Stelle. Dann sollten die Bäume im Vordergrund vor all dem gehen. Ich werde meine Kamera ein wenig drehen, indem ich „C“ auf der Tastatur drücke, damit ich eine andere Ansicht bekommen kann. Meine Bäume Vordergrundschicht sollte eigentlich oberhalb der Büschel-Schicht liegen. Also werde ich die neu anordnen und dann schiebe ich meine Büsche zurück, bis sie über der Brücke ist, nur ein bisschen vorne. Ich werde die Vordergrundbäume packen und sicherstellen, dass sie dort rendern, wo sie sollen. Ich möchte, dass es ein wenig weiter im Weltraum als das ist. Dann haben wir endlich diese beiden kleinen Hügel , die genau dort sind, wo sie sein sollten. Dann möchte ich den Text schieben, sollte eigentlich wieder genau dahin gehen, wo die Brücke im Fluss ist. Vielleicht nur ein bisschen raus. Dann werde ich das neu anordnen, so dass es über der Brückenschicht liegt. Nur damit ich meine Komp in Tiefenschichten organisiert halten kann, wird es die Dinge leichter machen, darüber nachzudenken. Das ist so ziemlich, wie ich will, dass alles ausgebreitet wird. Durch Drehen um diese Kamera können Sie sehen, wie viel mehr Tiefe wir in unserer Szene haben. Wenn ich nun zu meiner aktiven Kamera zurückkehre, der Kamera, die wir in unserer Komposition haben, werden wir auf ein kleines Problem stoßen. Jetzt, da alles im Z-Raum herausgebracht wird, hat sich die Skala von allem etwas verändert. Hier wird die Komposition unseres Originalkunstwerks nützlich sein. Wenn ich in mein Projekt gehe, werde ich mein Projektfenster erweitern, indem ich die „Tilde-Taste“ auf der Tastatur drücke, die sich direkt unter der Escape-Taste oben links auf der Tastatur befindet. Mein Hauptkomp wurde in meinen Texturen PreComp Ordner gelegt. Ich ziehe das nach draußen, um die Dinge besser organisiert zu halten, und dann gehe ich zurück in meine Bilder, nehme meine Kunstwerke texturierten PreComp, schiebe das in meinen PreComp Spin, und dann werde ich dieses Panel zusammenbrechen erneut, indem Sie die „Tilde-Taste“ auf der Tastatur drücken. Wenn ich nun diesen PreComp in meinen Hauptkomp ziehe, kann ich ihn als Referenz verwenden, um alles so zu skalieren , wie ich es ursprünglich hatte. Ich schalte das vorerst aus. Das erste, was mir auffällt, ist, dass der Himmel nicht den gesamten Hintergrund füllt. Also scrollen Sie nach unten und skalieren Sie diese Ebene nach oben, indem Sie sie auswählen, klicken und auf diesen Griff ziehen, während Sie die Umschalttaste gedrückt halten, um die Proportionen beizubehalten, bis sie die gesamte Komposition ausfüllt. Ich mache das Gleiche für alle Schichten, die abgeschnitten werden. Für die anderen Ebenen, die nicht abgeschnitten werden, ist es ein bisschen schwieriger zu wissen, wie viel sie skaliert werden sollen. Hier wird sich unser Referenzbild als nützlich erweisen. Wir werden diese Artwork-Ebene aktivieren, und dann werde ich diesen Knopf hier drücken, der uns eine Momentaufnahme unserer Komposition machen lässt, auf die wir sehr leicht verweisen können. Ich drücke diesen Knopf, und jetzt, wenn ich ihn ausschalten, erlaubt uns der Knopf direkt daneben, den Snapshot so lange zu überprüfen , wie du ihn gedrückt hältst. Das ist nur ein schneller Weg, um auf unserem Referenzbild hin und her zu gehen. Also Dinge, die sich ändern müssen, müssen die Wolken skaliert werden. Ich gehe zur Cloud-Ebene, skaliere das ein wenig, vergleiche es mit unserer Referenz, muss immer noch ein bisschen größer sein, und das ist ziemlich gut. Es muss nicht genau sein. Ändern Sie einfach die Größe aller Ebenen und positionieren Sie sie neu, bis Sie mit dem Layout zufrieden sind. Jetzt ist alles ungefähr wieder auf die Größe zurück, die es ursprünglich war. Ich kann mein Artwork texturierte PreComp loswerden, weil ich es nicht mehr brauchen werde. 7. Details hinzufügen: Das letzte, was ich tun muss, bevor ich auf die Schattierung gehe, ist, die Blätter zu diesen Bäumen hinzuzufügen. Ich werde dies tun, indem ich eine neue Komposition mache, indem ich zur Komposition gehe, zu einer neuen Komposition und diese Baumblätter benenne, und ich werde es zu einer quadratischen Komposition machen. 1080 x 1080 und ändern Sie die Dauer auf eine Minute lang, nur um sicher zu sein, und drücken Sie dann „OK“. Dann möchte ich einen perfekten Kreis machen. Ich werde das tun, indem ich das Ellipsenwerkzeug gummiert, darauf doppelklicke, den Strich loswerde und dann auf meine Formebene klicke und auf der Tastatur doppeltes Tippen auf „U“, um alle angepassten Eigenschaften aufzurufen, und skalieren Sie dies dann auf 1.000 Pixel. Drücken Sie nun das „U“ erneut, um alles zu reduzieren, und dann gehen Sie in meinen Inhalt und klicken Sie auf dieses kleine Dropdown-Menü und fügen Sie einen Wackelpfad-Shape-Operator hinzu und bringen Sie es in den Hauptinhalt, reduzieren Sie meine Ellipse, öffnen Sie die Wackelpfade, Ändern Sie die Größe, um ziemlich groß zu sein, und Sie können sehen, dass das meinen Kreis verformt. Wenn ich die Sichtbarkeit des Pfades durch Klicken auf diese Schaltfläche ausschalten, werden Sie in der Lage sein, dies ein wenig besser zu sehen. Zuerst möchte ich die Punkte von Ecke zu glätten ändern, die Wackeln pro Sekunde auf Null drehen, damit sie sich im Laufe der Zeit nicht ändert, und dann die Details nach unten drehen. Dann kann ich die Größe anpassen, vielleicht das Detail ein wenig ändern, vielleicht die Korrelation nach oben drehen. Was das tut, ist nur einen unvollkommenen Kreis zu machen. Es sieht ein bisschen mehr aus wie ein handgemachter Versuch, einen Kreis zu machen, wofür ich mit diesem ganzen Effekt versuche. Jetzt, da ich meine Form so habe, wie ich es will, werde ich diese Ebene zusammenbrechen und dann in meine Texturen gehen, die grüne Textur einbringen und dann die Formschicht als Alpha-Matte dieses Konstruktionspapiers verwenden, und jetzt habe ich Ich habe meine Blätter. Benennen Sie diesen comp in Baumblätter texturiert um und verschieben Sie ihn dann in meinen PreComps-Ordner. Jetzt, da ich mir meinen PreComps-Ordner anschaue und ich merke, dass keine meiner anderen Ebenen texturierte PreComps in diesem Ordner ist, wie sie es sein sollen. Ich werde diesen Projektbereich erneut maximieren, indem ich „Tilde“ auf der Tastatur drücke und dann diese anderen PreComps finde, die sie im Bilderordner leben. Ich wähle sie alle aus und verschiebe sie in den PreComps-Ordner. Es ist immer eine gute Idee, organisiert zu bleiben. Reduzieren Sie diese Option, schließen Sie diese Ebene. Dann wähle ich meine Mittelgrundbäume und dupliziere sie durch Drücken von Befehl D oder Control D auf einem PC, und ich möchte diese PreComp durch meine neuen Blätter PreComp ersetzen. Ich kann das genau auf die gleiche Weise tun, wie ich zuvor Texturen ausgetauscht habe. Ich gehe zu meiner Ebene mit Baumblättern, und wenn diese Ebene Option oder Alt auf einem PC ausgewählt ist, klicken Sie und ziehen Sie diese Ebene heraus in die Komposition, und das ersetzt PreComp durch das ausgewählte PreComp. Jetzt habe ich diese Blätter in meiner Komp und ich kann sie nach unten skalieren, Shift gedrückt halten, um die Proportionen beizubehalten, und sie dort neu positionieren, wo immer ich es möchte. Ich möchte, dass es direkt hinter diesem Baum liegt, und dann möchte ich ein weiteres Duplikat machen, indem ich Befehl D oder Control D auf einem PC drücke, und dann wieder positionieren, vielleicht ändern Sie die Skala ein wenig, duplizieren Sie erneut, neu positionieren, nach unten skalieren. Ich denke, die sind eigentlich alle ein bisschen zu groß. Ich werde diese beiden nach unten skalieren, sie neu positionieren, vielleicht noch ein Duplikat machen, es etwas skalieren, und ich bin ziemlich glücklich damit. Da diese Blätter nun zu diesem Satz von Bäumen gehören, wähle ich alle diese Layer aus und kopple sie mit dem Baum-Layer. Ich werde das tun, indem ich diese Pick Peitsche auf die Ebene ziehe , die ich auch koppeln möchte und loslassen möchte. Dadurch wird jede dieser Ebenen automatisch mit der Baumschicht gekoppelt , so dass jetzt, wenn ich diese Bäume verschiebe, die Blätter mit ihnen bewegen. Dann mache ich noch ein Duplikat und fülle dann diesen anderen Baum aus. Als nächstes bin ich nicht so glücklich mit der Farbe dieser Blätter. Ich werde tatsächlich innerhalb dieser Textur PreComp gehen und die Farbe im Inneren von hier anpassen. Ich werde den Kurveneffekt auf die Konstruktionspapierschicht anwenden und dann ein wenig verdunkeln, vielleicht etwas Kontrast hinzufügen, und dann werde ich den Farbton und Sättigungseffekt hinzufügen und es ein wenig mehr blau machen, und dann denke ich, ich werde es ein wenig machen etwas dunkler, sogar ein bisschen mehr blau. Ich bin damit zufrieden. Wenn wir nun wieder zu unserem Hauptkomp gehen, können Sie sehen, dass jede Kopie dieses PreComp aktualisiert wird , weil wir die Blätter innerhalb der PreComp angepasst haben. Jede Instanz wird aktualisiert. Jetzt, wo ich das anschaue, denke ich, es ist ein bisschen zu blau, also gehe ich zurück in die PreComp, passe den Farbton ein wenig an, sieh mal an, und das ist ziemlich gut. Wir können jederzeit Feinabstimmungen später vornehmen. Nun, ich möchte dies tatsächlich umbenennen, um Baum-Mittelgrund-Blätter-Textur zu sein , so dass ich ein weiteres Duplikat machen kann , um als Vordergrundblätter zu verwenden und Anpassungen daran vorzunehmen, ohne alle diese PreComps zu beeinflussen. Ich werde dieses PreComp duplizieren, um es als Vordergrund zu benennen. Dann bringe ich das in meine Komposition, aktiviere 3D, und dann muss ich das in der gleichen Position wie die Vordergrundbäume sein. Eine schnelle und einfache Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, die Umschalttaste gedrückt zu halten , während Sie die Pick Peitsche auf die übergeordnete Ebene ziehen. Wenn Sie loslassen, wird die untergeordnete Ebene automatisch an die Position der übergeordneten Ebene verschoben. Wenn ich das neu positioniere, sehen Sie, dass es sich über dem Vordergrund-Struktur-Layer befindet. Wenn ich es nur ein bisschen zurückschiebe, ist es genau dort, wo wir es wollen. Ich positioniere es, skaliere es, mache ein Duplikat, skaliere es vielleicht, mache noch ein Duplikat. Auch hier ist dies nur etwas, das persönlichen Geschmack ist. Sobald Sie mit der Art, wie Sie Szene aussehen, zufrieden sind, können Sie weitermachen. Ich tue das Gleiche für den anderen Baum. Skalieren Sie es nach unten, positionieren, skalieren Sie es. Jetzt werde ich in dieses neue PreComp gehen. Ich werde die Wackelpfade ändern , so dass es sich nur ein wenig von unserem letzten unterscheidet, und ich werde auch die Farbe ändern, um viel heller zu sein. Ich werde meinen Farbton und meine Sättigung zurücksetzen, meine Kurven zurücksetzen. Das ist ein bisschen zu hell, also schaffe ich es dort und wir werden sehen, wie das in unserem Hauptkomp aussieht. Ich glaube, ich will es etwas dunkler, und das ist ziemlich gut. Ich versuche, nur die Tiefe meiner Szene zu erhöhen , indem ich Variation innerhalb eines anderen Grüns hinzufüge. Eine weitere Sache, die ich anpassen möchte, sind diese zwei kleinen Hügel im Voraus. Sie mischen sich zu viel mit dem Rest des Grases, weil sie genau die gleiche Farbe haben. Ich werde den Kurveneffekt auf sie anwenden. Erhöhen Sie den Kontrast, machen Sie sie vielleicht ein bisschen blauer als ein wenig dunkler, und jetzt kommen sie einfach ein wenig aus dem Hintergrund heraus. Eigentlich denke ich, ich werde sie auch nach oben bringen. Nun, ich merke, dass meine gesamte Szene tatsächlich ein bisschen nach oben gehen muss. Ich wähle alles in meiner Komposition über die Kamera aus, klicke und ziehe dann nach oben. Ich werde meine Guides einschalten, indem ich die Apostroph-Taste auf der Tastatur drücke, und das wird mir nur eine Anleitung geben, die es mir erlaubt, Dinge visuell zu zentrieren. Ich glaube, da will ich meine Szene so ziemlich. Ich schalte den Guide aus, deaktiviere die Auswahl. Nun, ich habe so ziemlich meine gesamte Komposition aufgestellt. 8. Mit 3D-Lichtern und Schatten arbeiten: Nun, für den lustigen Teil, werden wir unsere Szene Lichter und Schattierungen hinzufügen. Lassen Sie uns beginnen, indem Sie ein Punktlicht hinzufügen, indem Sie zu Ebene, Neues Licht gehen. Dadurch wird das Fenster für die Lichteinstellungen geöffnet, und wir werden diesen Punkt Licht nennen. Der Lichttyp ist bereits auf Punkt gesetzt. Farbe kann weiß sein. Intensität, 100 Prozent für jetzt ist in Ordnung. Vergewissern Sie sich, dass „Schatten werfen“ aktiviert ist. Shadow Darkness, wir können wahrscheinlich auf etwa 50 setzen und dann „OK“ drücken. Sofort unsere Szenenaktualisierungen haben wir ein neues Objekt in unserer Komposition, das das Licht darstellt, und es verfügt über die X-, Y- und Z-Steuerelemente wie jede andere 3D-Ebene. Sie können klicken und ziehen, um es zu verschieben, und Sie können sehen, dass es Licht auf unsere Szene wirft und alles gleichzeitig schattiert. Jetzt können Sie sich ein Punktlicht vorstellen, wie eine Glühbirne. Es wird Licht in jede Richtung werfen, und je näher es etwas ist, desto heller wird es sein. Wenn ich diese Ebene durch diese Szene schiebe, können Sie sehen, dass, sobald sie bestimmte Objekte im Z-Raum passiert, sie nicht mehr beleuchtet werden. Hier können Sie ziemlich kreativ sein, wie Sie möchten, dass Ihre Szene aussieht. Wenn Sie eine ganze Schattenbox mit Silhouetten erstellen möchten, könnten Sie Ihr Licht ganz in den Hintergrund stellen und dann Ihr Design basierend auf dieser Art von Beleuchtung erstellen. Offensichtlich funktioniert es in dieser Szene nicht so gut, weil ich es nicht so eingerichtet habe, dass es so funktioniert. Jetzt, wo ich dieses Licht positioniere, hängt davon ab, wie ich will, dass die Schatten aussehen. Aber im Moment haben wir keine Schatten, obwohl wir diesem Licht gesagt haben, Schatten zu werfen, 3D-Ebenen standardmäßig so eingestellt, sind 3D-Ebenen standardmäßig so eingestellt,dass keine Schatten geworfen werden. Wir müssen in die Materialoptionen einer Ebene gehen, um sie zu sagen Schatten werfen soll, bevor irgendwelche Schatten tatsächlich erscheinen werden. Sie können die Materialoptionen eines Layers wie jede andere Eigenschaft kopieren und einfügen. Ich wähle meine Materialoptionen aus, kopiere sie, schließe die Ebene, wähle alle meine anderen Objekte aus und füge sie ein. Jetzt sehen wir Schatten. Wenn ich auf das Licht klicke und ziehe, wirst du sehen, dass es viel länger dauert, um zu aktualisieren, da After Effects einen Prozess hat, eine ganze Reihe von verschiedenen Ebenen Schatten, bevor es Ihnen das Endergebnis zeigen kann. Dieser Teil macht eine Menge Spaß, weil Sie so kreativ zu sein, wie Sie möchten, um mit dem Look zu kommen, den Sie suchen. Für mein Beispielprojekt hatte ich das Licht nach links ein wenig vertikal zentriert und dann nur ein bisschen von der Szene entfernt. Aber es gibt eine endlose Anzahl von Möglichkeiten, wie Sie dies einrichten können, um Schatten zu werfen. Ein weiterer interessanter Blick wäre, wenn ich mein Punktlicht dupliziere und dann eine der Kopien auf die gegenüberliegende Seite verschieben würde. Nun, offensichtlich ist das viel zu viel Licht für diese Szene Wenn ich also die Lichtintensität durch Drücken von „T“ auf der Tastatur öffne, kann ich diese Schichten auf etwa 60 Prozent Intensität zurückwählen. Jetzt haben wir zwei Schatten. Wenn ich hier hineinzocke, kann man sehen, dass sowohl in diese Richtung als auch in diese Richtung ein Schatten geworfen wird. Das ist für jeden Layer in Ihrer Szene der Fall. Die Anzahl der Lichter, die Sie haben, und ihre Position haben einen großen Einfluss darauf, wie die Schatten angezeigt werden. Wenn ich diese Ebene ein wenig nach oben verschieben sollte, dann haben wir zwei verschiedene abgewinkelte Schatten. Ich gehe zu einer zurück, also lösche ich diese Ebene und ändere diese Intensität wieder auf 100 Prozent. Dann zocke ich auf eine 100-prozentige Auflösung und ändere meine Auflösung, um voll zu sein. Dies wird ein wenig mehr Zeit in Anspruch nehmen, um zu aktualisieren, weil es alle diese Schatten verarbeiten muss. Im Allgemeinen arbeite ich mit halber Auflösung oder niedriger, während ich die Schatten positioniere, aber es ist immer eine gute Idee, Ihre Schatten so oft mit voller Auflösung zu überprüfen. Denn wie Sie sehen können, macht es einen großen Unterschied, von der Hälfte zu voll zu gehen. Es ist viel mehr gefiedert mit halber Auflösung als voll. Nun, wenn ich diese Ebene öffne und zu meinen Lichtoptionen gehe, haben wir noch ein paar weitere Einstellungen, die ein wenig mehr von unserer Ebene steuern können. Die erste ist unsere Schattendunkelheit. Die meiste Zeit werden 40 Prozent realistischer sein. Aber du hast Freiheit geschaffen, alles zu tun, was du willst, innerhalb von After Effects, damit du sie viel dunkler machen kannst, wenn du willst, oder sie sehr hell machen kannst. Das ist eine Entscheidung, die ganz Ihnen überlassen wird. Ich werde meine bei 50 Prozent verlassen. Die andere Option, die sich auf diese Schatten auswirkt, ist die Schattendiffusion. Wenn ich das auf etwa 50 drehe, wirst du sehen, dass das die Schatten viel weicher gemacht hat. Wenn ein Objekt sehr nahe an einem anderen liegt, wird der Schatten viel schärfer, und wenn es weiter entfernt ist, wird der Schatten viel weicher. Ich denke, wahrscheinlich werden 25 Pixel viel Diffusion für diese Szene sein. Ich bin ziemlich glücklich damit. Wenn wir verkleinern, um unsere gesamte Szene zu betrachten, maximiere ich diesen Rahmen durch Drücken der Tilde-Taste. Wir können eine ziemlich gute Vorstellung davon bekommen, wie unsere letzte Szene aussehen wird. Eine Sache, die mir auffällt, ist, dass unsere Blätter Ebenen keine Schatten aufeinander werfen, und das liegt daran, dass sie alle an genau der gleichen Stelle im Z-Raum vorhanden sind. Um dies zu beheben, werde ich wieder zur halben Auflösung wechseln, das wieder herunterfahren, dieses Panel wieder herunterklappen und es an das Fenster anbringen . Dann finde ich diese Ebenen in meiner Komposition und schiebe sie dann einfach ein wenig im Z-Raum zurück. Dann schieben Sie das vielleicht im Z-Raum ein wenig nach vorne. Ich werde es neu positionieren. Auch hier ist das alles nur, um meiner Szene ein wenig mehr Tiefe zu verleihen. Ich werde dies weiterhin für alle meine verschiedenen Blätterebenen tun. Das Ausbreiten dieser Ebenen nur ein winziges Stück verleiht meiner Szene so viel mehr Tiefe. Nun, wenn ich diese Szene mit voller Auflösung betrachte, gibt es einige Dinge, die ich sehe, die ich ändern möchte, wie die Schatten ein wenig weicher zu machen, einige der Elemente neu zu positionieren. Aber so richten Sie das grundlegende Aussehen Ihrer Szene ein, und Sie müssen so kreativ sein, wie Sie wollen, bis Sie damit zufrieden sind. Nun, noch eine Sache, die ich Ihnen zeigen möchte, bevor wir weitermachen , ist, dass das Punktlicht manchmal etwas zu dunkel machen kann. Es passiert nicht wirklich in meiner Szene, aber wenn ich dieses Licht näher schiebe, kann man sehen, dass dieser Teil der Szene viel dunkler wird, als ich es gerne hätte. Um das zu kompensieren, können wir eine andere Art von Licht hinzufügen. Ich gehe zu Ebene, Neues Licht, und benenne dieses Umgebungslicht, und ändere dann den Typ in Ambient und drücke „OK“. Nun, das wird alles viel zu hell machen, weil die Intensität zu hoch eingestellt ist, also werde ich die Intensität erhöhen, indem ich „T“ auf der Tastatur drücke und das auf etwa 20 verdrehe. Nun, was das tun wird, ist, füllen Sie einfach die dunkleren Bereiche. Wenn ich das Punktlicht ausschalte, siehst du, dass es alles gleichmäßig beeinflusst. Wenn es auf Null gesetzt wäre, wäre unsere gesamte Szene schwarz, weil es kein Licht dafür gibt. Wenn es auf 100 eingestellt wäre, würde es genauso aussehen, als gäbe es überhaupt keine Lichter. Wenn wir unser Punktlicht mit einem Umgebungslicht von vielleicht 20 Prozent kombinieren, füllt das unsere Szene ein wenig mehr aus, damit es sich nicht zu dunkel anfühlt. Aber wie gesagt, ich brauche das nicht wirklich für diese Szene, weil ich mein Punktlicht positioniert habe, es verursacht keine wirklich Probleme. Ich werde es so belassen, wie ich es hatte. 9. Ein wenig Bewegung: An dieser Stelle ist der Effekt ziemlich fertig, aber wenn Sie Ihr Design animieren möchten, können Sie noch ein paar Dinge tun , die das Aussehen Ihrer Animation wirklich vorantreiben. Denken Sie daran, dass Animation keine Voraussetzung für dieses Projekt ist, aber wenn Sie es tun möchten, würde ich gerne sehen, was Sie sich einfallen lassen. Jetzt können Sie Ihr Design so animieren, wie Sie möchten, aber ich werde Ihnen einige Techniken zeigen, mit denen ich mein Design animiere. Ich habe einige Anpassungen an meiner Komposition vorgenommen. Ich machte den Schatten ist ein wenig weicher, ich habe die Art, wie die Wolken waren, so dass wir ein wenig mehr Tiefe haben konnten, einige der Bäume neu positioniert, und insgesamt machte die gesamte Szene nur ein wenig heller. Jetzt können wir dieser Szene einen letzten Schliff geben , um den Look nur ein wenig mehr zu verkaufen, und nur noch zum Gesamteffekt hinzuzufügen. Beginnen wir mit dem Hinzufügen eines Kamera-Dolly. Ich weiß, dass meine Animation fünf Sekunden dauern soll, also bin ich auf fünf Sekunden in meiner Zeitleiste gegangen. Ich setze den Outpoint meines Arbeitsbereichs auf fünf Sekunden ein, indem ich auf der Tastatur „N“ drücke, um den Abspielkopf zu fangen. Ich weiß, dass ich so will, dass meine Szene endet. Ich gehe zu meiner Kamera und setze einen Positions-Keyframe ein, indem ich Option P oder Alt P auf einem PC gedrückt halte, und das bringt einen neuen Keyframe auf. Dann werde ich zurück zu Null, und nur so wird alles ein wenig schneller aktualisiert, während ich bewegen werde ich Entwurf 3D aktivieren, und das deaktiviert nur alle Lichteffekte. Meine Szene sieht viel flacher aus, aktualisiert sich aber auch viel schneller. Dann möchte ich die Kamera wieder in Z-Raum ziehen, indem ich die Z-Position anpasse, aber nicht zu weit dahin, wo ich Teile der Szene abschneide. Ich werde es einfach so weit wie möglich zurückschieben, während alles immer noch so anzeigt, wie es sollte. Jetzt bewegt sich meine Kamera langsam durch meine Szene. Jetzt weiß ich auch, dass ich das Fahrrad animieren möchte. Ich gehe weiter und mache das, indem ich auf die Fahrradschicht komme, sie auf die linke Seite der Brücke schiebe, die Drehung durch Drücken von „R“ auf der Tastatur öffne und dann die Z-Rotationsschicht so einstellen, dass sie sich mit dem Winkel des Brücke. Ich setze einen Keyframe für die Drehung ein, und dann werde ich auch ein Keyframe für die Position festlegen, indem ich auf einem PC Option P oder Alt P drücke. Dann drücke ich „U“, um die Ebene zu reduzieren, und U noch einmal, um nur die Keyframe-Eigenschaften aufzurufen. Dann gehe ich zu meinem Outpoint von fünf Sekunden. Bewegen Sie das Fahrrad auf die andere Seite der Brücke, und ändern Sie die Drehung. Dann wähle ich mein Stiftwerkzeug aus, indem ich „G“ auf der Tastatur Wenn ich dann den Mauszeiger über meinen Ankerpunkt meiner Bewegungspfade führe, kann ich klicken und ziehen, um den Pfad des Fahrrades anzupassen. Ich werde das einfach bis zu meinem Brückenbogen passen, und jetzt sollte das Fahrrad entlang der Brücke fahren, genau so, wie es sollte. Sicher genug, dass es genau das tut, was ich will. So will ich, dass das Fahrrad animiert wird. Als nächstes möchte ich die Textebenen nacheinander einbinden. Ich habe sie bereits in einzelne Ebenen pro Zeile getrennt. Nehmen wir an, ich wollte etwa anderthalb nehmen, um zu animieren. Dann, wenn alle meine Ebenen ausgewählt werden, drücke ich „P“, um den Positionswert aufzurufen, und setze für jeden einen Keyframe ein. Dann werde ich auf Null sichern, klicken und ziehen, während Sie die Umschalttaste gedrückt halten, um alle meine Ebenen außerhalb des Bildschirms zu bringen. Dann wähle ich diese drei Keyframes aus und gehe in den Diagramm-Editor. Drücken Sie die Taste „F9" auf der Tastatur, um es zu erleichtern, und passen Sie dann meine Geschwindigkeitskurve an, so dass es eine stärkere Leichtigkeit in diese Position. Jetzt animieren sie alle zur gleichen Zeit, also muss ich sie versetzen, indem ich die erste Ebene aufhebt, die zweite ein paar Frames verschiebe und dann dasselbe für die dritte Ebene mache, und jetzt kommen sie ein wenig Offset zueinander. Das ist im Grunde das, was ich will. Die andere Sache, die ich gerne animieren würde, sind die Wolken. Ich gehe zu den Wolkenebenen und stelle einen Keyframe für die Position fest, indem ich die Option oder Alt auf einem PC gedrückt halte und „P“ drücke. Ich werde tatsächlich die erste Ebene ein wenig nach links verschieben, und die zweite Ebene ein wenig nach rechts, und dann werde ich zu etwa vier Sekunden in der Zeit bewegen, die Ebene jetzt nur ein wenig nach links verschieben, und tun Sie dasselbe in die entgegengesetzte Richtung für die andere Ebene. Jetzt bewegen sich die Wolken subtil hin und her, aber es fügt meiner Gesamtszene etwas Bewegung hinzu. Nur damit die Wolken nicht aufhören sich zu bewegen, gehe ich zu acht Sekunden und kopiere diese ersten beiden Keyframes und füge sie ein, so dass am Ende meiner Animation auch Bewegung vorhanden ist. Dann werde ich einfach alle diese Keyframes erleichtern, indem ich „F9" auf der Tastatur drücke, und jetzt haben meine Wolken nur ein wenig Bewegung zu ihnen. 10. Den Look polieren: In Ordnung. Bisher sieht alles ziemlich gut aus, aber meine Szene sieht etwas flach aus. Was ich tun möchte, ist eine Vignette hinzuzufügen. Dazu füge ich eine neue Einstellungsebene hinzu, indem ich auf Ebene, Neu, Einstellungsebene gehe oder auf einem PC Wahl+Befehl+Y oder Alt+Strg+Y drücke. Wenn Sie noch nie eine Einstellungsebene verwendet haben, können Sie einen Effekt auf alles anwenden, was oben ist. Wenn die Einstellungsebene oben im Ebenenstapel liegt, wirkt sich dies auf alles in der Komposition aus, da alles darunter liegt. Wenn ich einen Tönungseffekt hinzufügen würde, entsättigt er meine gesamte Szene. Aber wenn ich es unter diese strukturierten Baumkreis-Ebenen schiebe, sind sie unberührt. Eine Einstellungsebene wirkt sich nur darauf aus, was darunter liegt. Ich möchte eigentlich keinen Tönungseffekt hinzufügen, also werde ich das loswerden, und ich werde dieser Anpassungsebene einen Kurveneffekt hinzufügen. Dann werde ich nur das Gesamtbild verdunkeln. Das ist ziemlich gut. Nun, ich möchte nicht, dass dies das gesamte Bild beeinflusst. Ich will nur, dass es die äußeren Ecken betrifft. Damit sich die Einstellungsebene so verhält, muss ich eine Maske hinzufügen. Ich komme zu meinem Ellipsenwerkzeug und klicke und ziehe dann von der Mitte meiner Komposition, während ich die Befehlstaste oder die Strg-Taste auf einem PC gedrückt halte, um es von der Mitte zu skalieren, plus die Umschalttaste, um es zu einem perfekten Kreis zu machen. Ich werde es skalieren, bis es ungefähr so groß ist, und lassen Sie meine Maus los, bevor Sie die Tastatur-Tasten loslassen. Nun wirkt sich die Einstellungsebene nur auf das, was sich in dieser Maske befindet. Ich möchte den Maskentyp von Add zu subtrahieren ändern , damit er sich außerhalb dieser Maske auswirkt. Dann drücke ich F, um die Maskenfeder hochzuziehen und diese auf einen ziemlich hohen Wert zu kurbeln. Ein bisschen mehr, und jetzt können Sie sehen, dass gerade einen schönen, weichen Verdunkelungseffekt um die Außenkanten meiner Komp hinzugefügt , und das nennt man eine Vignette. Ich kann die Dunkelheit nach der Tatsache anpassen, um sie mehr oder weniger intensiv zu machen. Dies hilft nur, den Fokus in die Mitte der Komposition zu bringen und macht die gesamte Szene nur ein wenig weniger flach. Ich werde diese Anpassungsebene Vignette umbenennen, und dann bin ich mit dieser Einstellungsebene fertig, also werde ich sie sperren. Als nächstes werde ich eine weitere Einstellungsebene hinzufügen, indem Sie auf einem PC Wahltaste+Befehl+Y oder Alt+Strg+Y und erneut einen Kurveneffekt hinzufügen. Diesmal möchte ich nur den Kontrast ein wenig erhöhen. Ich bringe die Dunkelheit ein bisschen runter, bringe die Bright ein bisschen hoch. Vielleicht nicht ganz so sehr. Sie können sehen, dass es nur ein wenig mehr Kontrast gibt , um nur die Lebendigkeit der gesamten Szene zu erhöhen. Ich benenne diese Ebene Kontrast um, und dann sperre ich sie, weil ich sie nicht mehr anpassen muss. Dann werde ich eine weitere Anpassungsebene machen, und dieses Mal werde ich einen Effekt hinzufügen, der posterize time genannt wird. Nun, was dieser Effekt ist, ändert die Bildrate von allem, was er angewendet wird, unabhängig davon, auf welche Framerate Ihre Kompositionen eingestellt ist. Da ich es auf eine Anpassungsebene angewendet habe und diese Anpassungsebene auf der Oberseite des Ebenenstacks befindet, wird sich dies auf alles in unserer Komposition auswirken. Im Moment ist es auf 24 Frames pro Sekunde eingestellt, worauf unsere Komposition eingestellt ist. Nichts wird sich ändern. Wenn ich dies auf acht Bilder pro Sekunde setze, schalte ich jetzt 3D-Entwurf ein, um diesen Renderer ein wenig schneller zu machen , und dann eine Vorschau meiner Animation. Jetzt, wo wir das abspielen, können Sie eine Vorstellung davon bekommen, was dieser Effekt tut. Ohne tatsächlich die Bildrate unserer Komposition zu ändern, sieht alles so aus, als würde es tatsächlich mit acht Bildern pro Sekunde animiert. Es ist ein viel hacken Gefühl und gibt eine mehr Hand getan, Stop-Motion-Art Look. 11. Kleine Details: Jetzt können wir diesen Effekt noch weiter vorantreiben. Das erste, was ich tun werde, ist etwas Wackeln zu unseren Textebenen hinzuzufügen. Ich komme auf die Textebene und öffne die Position, dann klicke ich mit der rechten Maustaste auf die Position und gehe zu separaten Dimensionen. Was dies tut, ist es uns individuelle Kontrollen für jede der Positionseigenschaften. Da wir dies nur auf der Y-Position animiert haben, können wir die X- und Z-Positions-Keyframes loswerden. Leider haben wir unsere Lockerung verloren, also gehe ich zurück in den Diagramm-Editor, erleichtern dies einfach, indem Sie F9 auf der Tastatur drücken und dann den leichteren Einfluss nur ein wenig mehr kurbeln. Dann möchte ich einen Wackelausdruck auf der X-Position hinzufügen. Um dies zu tun, halte ich Option oder Alt auf einem PC und klicke auf die X Position Stoppuhr. Dies wird ein Dialogfeld hier unten aufrufen, das ich eingeben kann. Der Ausdruck, den wir verwenden werden, ist sehr einfach. Alles, was wir tippen müssen, ist wackeln (5, 20). Nun, was dieser Ausdruck sagt, ist, den Wert dieser Eigenschaft fünfmal pro Sekunde um 20 Pixel zu wackeln . Wenn ich diese Schicht solo und einfach durchschrubbe, können Sie sehen, was passiert. Der Wert verschiebt sich nur nach dem Zufallsprinzip um 20 Pixel, fünf Mal pro Sekunde, und er wird für immer weitergehen. Ich möchte, dass das passiert, aber nur, bis die Schicht zur Ruhe kommt. Um das Wackeln zu kontrollieren, müssen wir noch ein paar Schritte machen. Ich gehe zu Effekt, Ausdruckskontrollen, Schieberegler-Steuerung. An sich tut dies nichts anderes, als es uns erlaubt, Ausdrücke mit ihm zu verknüpfen , so dass wir die Ausdrücke steuern können. Wenn ich wieder zu meinem Wackelausdruck komme und darauf klicke, damit ich ihn bearbeiten kann, markiere ich den zweiten Wert, d. h. die Anzahl der Pixel, die er fünf Mal pro Sekunde wackelt. Dann werde ich zu diesem kleinen Symbol kommen, das ist der Ausdruck Pick Peitsche, klicken, und ziehen Sie bis zum Effekt, Schieberegler, und lassen Sie los. Dadurch wird automatisch eingegeben, was After Effects wissen muss, um den zweiten Wert, d. h. die Anzahl der Pixel, die er wackelt, von diesem Schieberegler abzuleiten. Wenn ich davon abklicke, um diese Eingabe zu akzeptieren, haben wir dieses Wackeln nicht mehr. Das liegt daran, dass es sagt, wackeln fünf Mal pro Sekunde basierend auf diesem Schieberegler Wert , der auf Null gesetzt ist. Es wackelt alle fünf Sekunden Null Pixel. Wenn ich das auf 20 drehe, ist unser Wackeln wieder da. Das Tolle daran, es auf diese Weise zu tun, ist, dass wir jetzt die Möglichkeit haben, diesen Wert mit Keyframes zu versehen. Wenn ich zu diesem Zeitpunkt gehe und einen Keyframe für meinen Schieberegler feststelle und dann U drücke, um die Keyframes aufzurufen, gibt es meine Schieberegler und den Keyframe, und ich gehe zum letzten Schlüsselbild der Y-Positionsanimation. Ich kann meinen Schieberegler auf Null setzen und er bewegt sich nicht mehr. Sie können über diesen Punkt sehen, der Wert ändert sich von 20 auf Null und er wackelt nicht mehr. Das ist genau das, was ich will. Wenn ich den Beitrag aktivieren, um auch die Zeitschicht steigen, können Sie sehen, wie das aussieht. Es ist nur ein wenig Variation auf dieser Position hinzuzufügen, um die gesamte Stop-Bewegung ein wenig mehr zu verkaufen. Ich mache das Gleiche mit den anderen Textebenen. Ich kann das Schieberegler-Steuerelement der anderen beiden Ebenen kopieren und einfügen, und dann drücke ich U, um alle Schlüsselbilder aufzurufen und dann die Dimensionen dieser ersten Ebene zu trennen. Entfernen Sie die X- und Z-Keyframes. Passen Sie den Erleichterungsgriff erneut an, und positionieren Sie diese Keyframes dann so, dass sie am Ende der Y-Positionsanimation ausgerichtet sind. Wenn ich dann auf meine ursprüngliche Textebene zurückkomme und auf E doppeltippe , werden alle Ausdrücke für diese Ebene angezeigt. Dann kann ich in diesen Ausdruck gehen und ihn kopieren, und dann einen neuen Ausdruck auf der zweiten Textebene machen, indem ich die Option oder Alt auf einem PC gedrückt halte und auf die Stoppuhr für die X-Position klicke und dann einfügen. Dadurch wird automatisch nach dem Schieberegler auf dieser Ebene gesucht und die Wackelposition auf dem Wert des Schiebereglers basiert. Wenn ich diese Ebene auch solo, sehen wir jetzt, dass wir die gleiche Art von Wackeln auf dieser Ebene bekommen. Dann müssen wir es nur noch einmal für die letzte Textebene tun. Nun, all unser Text animiert in nur ein wenig wackelig Weise. 12. Ein Flimmern hinzufügen: Ein weiterer Schritt, den wir unternehmen können, um diesen Stop-Motion-Look nur ein bisschen mehr zu verkaufen, ist das Hinzufügen von Wackeln auf die Kamera selbst. Ich öffne die Drehung der Kamera durch Drücken von R auf der Tastatur und gehe dann in die Z-Drehung, gedrückte Option oder Alt auf PC und klicke auf die Stoppuhr und gib dann wackeln Klammern, drei, Komma, Punkt, zwei, Klammern. So wird die Z-Drehung der Kamera dreimal pro Sekunde an Punkt zwei Grad wackeln . Es sollte sehr subtil sein, aber helfen, den Effekt zu verkaufen. Vorschau dieser Animation sehen, können Sie sehen, dass sich unsere ganze Szene nur leicht dreht und es fügt nur ein wenig Unvollkommenheit zu der Kamerabewegung hinzu, um diese Einstellungsebene „Posterize Time“ umzubenennen und sie zu sperren. Dann werde ich eine weitere Einstellungsebene hinzufügen und dieses Mal werde ich den Belichtungseffekt hinzufügen und dieser Effekt ermöglicht es Ihnen, die Belichtung von dem, was Sie anwenden, anzupassen und was ich tun möchte, ist nur ein wenig flackern auf die gesamte Szene, was den Effekt, dass vielleicht die Kamera, auf die dies geschossen wurde und auf automatische Belichtung eingestellt wurde. Es änderte sich also zwischen jedem Foto, das aufgenommen wurde. Ich werde Option oder Alt auf einem PC, klicken Sie auf Offset und geben Sie wackeln, fünf Komma, Punkt, zwei, Klammern. Wir werden den Offset fünfmal pro Sekunde bei einem Wert von Punkt zwei wackeln. Wir werden sehen, wie das aussieht und ich kann schon aus einer Vorschau so viel sagen, dass mein Wert weit auf hoch gesetzt ist. Obendrein wird es nicht von der Schicht „Zeit posterize“ beeinflusst , weil sie nicht darunter liegt. Zuerst muss ich diese Einstellungsebene unter Posterize Time ziehen , dann werde ich den Ausdruck aufrufen, indem E auf der Tastatur doppelt tippe und ich muss diesen Wert von Punkt zwei zu etwas viel niedrigerem ändern, ich werde einfach Setzen Sie eine Null vor, dass zwei drücken Sie die Eingabetaste und sehen Sie diese erneut in der Ich denke, der Grund, warum ich zu viel von einer Belichtungsänderung bekomme, ist, weil ich den Ausdruck auf die Offset-Eigenschaft setze und ich es auf die Belichtungseigenschaft hätte tun sollen. Also werde ich diesen Ausdruck aus dem Offset ausschneiden, meine Belichtung, Option öffnen oder Alt-Taste auf den Belichtungsschlüsselrahmen klicken, um mir einen Ausdrucksdialog zu geben und dann diesen Ausdruck in dieses Feld einfügen und jetzt sehen, was das tut. Jetzt, wo ich das wiederspiele, ist dieser kleine Wert nicht annähernd genug auf der Belichtungseigenschaft, ich setze das auf Punkt zwei zurück. Das ist viel mehr, als ich es erhofft hatte. Ich könnte es ein bisschen mehr anpassen, aber Sie bekommen die Idee, was ich zu tun versuche , und das ist wirklich das Letzte, was ich tun würde, um diese Szene zu vervollständigen. 13. Danke!: Das ist alles, was es dazu gibt. Ich möchte Sie bitten, meinen Kurs zu überprüfen, wenn es Ihnen gefallen hat. Lassen Sie mich wissen, was Sie über das Format dieser Klasse gedacht haben und ob Sie möchten, dass andere es mögen. Ich schätze immer Feedback, dass ich über meine Kurse bekomme. 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