Comics zeichnen: Storytelling mit Worten und Bildern | Christine Nishiyama | Skillshare

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Comics zeichnen: Storytelling mit Worten und Bildern

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Einheiten dieses Kurses

16 Einheiten (41 Min.)
    • 1. Trailer zum Kurs

      2:19
    • 2. Projekt-Aufgabe: Zeichne einen 1-seitigen Comic

      1:06
    • 3. Was ist eine Bildgeschichte?

      2:32
    • 4. Sammeln unserer Materialien

      2:19
    • 5. Schreibtechniken

      3:58
    • 6. Verfassen der Gliederung

      1:06
    • 7. Wörter und Bilder kombinieren

      1:45
    • 8. Thumbnailing mit Wörtern

      2:43
    • 9. Panel-Übergänge

      1:51
    • 10. Thumbnailing mit Skizzen

      2:32
    • 11. Zeitlicher Ablauf

      3:40
    • 12. Die Panels zeichnen

      1:54
    • 13. Einrahmung

      1:16
    • 14. Die Geschichte zeichnen

      2:14
    • 15. Einfärbung und Lettering

      9:02
    • 16. Wir kommen zum Ende

      0:32
  • --
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  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Alle Niveaus

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5.838

Teilnehmer:innen

35

Projekte

Über diesen Kurs

Erfahre, wie die Illustratorin Christine Fleming Worte und Bilder zusammen verwendet, um eine Bildgeschichte zu erzählen. Egal, ob du dich für Comics, Bildromane oder Zeitungscomics interessieren, sie alle beginnen mit einer Bildgeschichte und hängen von der Balance zwischen Worten und Bildern ab.

In diesem 45-minütigen Kurs werden die Grundlagen des sequentiellen Erzählens einschließlich Handlungsstruktur, Panelübergänge, Timing und Framing vorgestellt. Auf dem Weg dorthin wird Christine auf ihre Lieblingstipps und bevorzugten Techniken verweisen, die wichtig sind, um zu verstehen, wie man eine Bildgeschichte zeichnet.

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Die Projektaufgabe in diesem Kurs besteht darin, einen 1-seitigen Comic zu zeichnen, der von einer Kindheitserinnerung inspiriert ist. In den Videos führt Christine dich durch ihren gesamten Prozess, während du deinen eigenen 1-seitigen Comic erstellst.

Sie wird alle Schritte vom Schreiben, Planen, Skizzieren, Zeichnen und Einfärben abdecken.

Am Ende des Kurses hast du deine eigenen one-page und die Grundlegende Fähigkeiten, um deine eigenen Comics und grafischen Romane zu erstellen! Es sind keine Vorkenntnisse in den Bereichen Schreiben, Zeichnen, Comics oder Software erforderlich.

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Christine Nishiyama

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Hallo! I'm Christine Nishiyama, artist + founder of Might Could Studios.

I make books and comics, and I draw a whoooole lot. I teach aspiring and established artists, helping them explore their art, gain more confidence, and discover their unique artistic styles.

My core belief is that art is good and we should all make more of it. 

Instagram: Yeewhoo, I quit all social media! 

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Transkripte

1. Trailer zum Kurs: Hallo, ich bin Christine Fleming, Illustratorin und Autorin bei Might Cent Studios. Ich habe mein Studium an der North Carolina State University mit einem BFA in Grafikdesign absolviert. Ich arbeite jetzt als Author Illustrator erstelle Bilderbücher, grafische Romane und redaktionelle Arbeiten. Ich bin derzeit vertreten durch Red Fox Literary, und ich bin dabei, meinen ersten Graphic Roman zu kreieren. Diese Klasse wird als Zeichnen von Comics, Storytelling mit Worten und Bildern bezeichnet. Wir gehen durch, wie man Wörter und Bilder zusammen verwendet , um eine sequentielle Geschichte zu erzählen. Ob Sie sich für Comics, Graphic Romans oder Zeitungscomic-Strips interessieren , sie beginnen alle als sequentielle Geschichte und hängen an der Balance von Wörtern und Bildern ab. In dieser 45-minütigen Klasse werden wir die Grundlagen des sequentiellen Storytelling vorstellen, einschließlich Plot-Struktur, Panel-Übergänge, Timing und Framing. Auf dem Weg werde ich einige meiner Lieblingstipps und Techniken hervorheben , die wichtig sind, um zu verstehen, wie man eine sequentielle Geschichte zeichnet. Die Projektaufgabe für diese Klasse besteht darin, einen einseitigen Comic zu zeichnen , der von einer Kindheitserinnerung inspiriert ist. Ich erledige auch die Projektaufgabe mit Ihnen während des Kurses und ich werde Sie durch meine Schritt-für-Schritt-Prozess von Schreiben, Planung, Thumbnailing, Skizzieren, Zeichnen und Freihandarbeiten. Am Ende dieser Klassehaben Sie Ihren eigenen einseitigen Comic und alles, haben Sie Ihren eigenen einseitigen Comic und was Sie brauchen, um Ihre eigenen Comics und Graphic Romane zu machen. keine Vorkenntnisse über Schreiben, Zeichnen diese Klasse sindkeine Vorkenntnisse über Schreiben, Zeichnen, Comics oder Software erforderlich. Also lasst uns reinspringen. 2. Projekt-Aufgabe: Zeichne einen 1-seitigen Comic: Die Projektaufgabe für diese Klasse besteht darin, einen einseitigen Comic zu erstellen , der von Ihrer Kindheitserinnerung inspiriert ist. Verwenden Sie die Panel-Vorlagen oder zeichnen Sie Ihre eigenen Panels, zeichnen Sie Ihre eigene sequentielle Geschichte. Du hast zwei Möglichkeiten, deinen Comic zu vervollständigen. Wenn Sie gerade anfangen, können Sie meine Panel-Vorlagen verwenden, um Ihnen einen Sprung zu geben, um Ihren Comic zu organisieren. Oder wenn Sie sich dafür ausfüllen, können Sie Ihre eigenen Panels zeichnen und es selbst zum gesamten Comic machen. Diese Aufgabe hilft Ihnen, herauszufinden, wie Sie eine Geschichte mit Wörtern und Bildern erzählen und wie Sie eine Geschichte sequenziell auf einer Seite organisieren. ob Sie sich entscheiden, meine Vorlagen zu verwenden oder eigene Panels zu erstellen, Sie können Ihren einseitigen Comic in die Projektgalerie hochladen, indem Sie auf der Klassenprojektseite auf die Schaltfläche „Projekt starten“ klicken. Sie können auch den Comic, den ich während der Klasse gemacht habe, bewundern Sie die Arbeit Ihrer Mitschüler und überprüfen, wie sie ihre Comics gemacht haben. Ich schaue mir jedes Projekt an, das in all meinen Klassen gepostet wurde, und ich bin immer begeistert, deine Arbeit zu sehen. Der beste Weg, um zu lernen, ist das Tun. Also lasst es uns mal ausprobieren. 3. Was ist eine Bildgeschichte?: Einführung in Sequenzielle Geschichten. Also, was ist eine sequentielle Geschichte? Will Eisner, der ein großer Teil der Popularisierung von Comics war, hat einige grundlegende Definitionen dieser Begriffe in seinem Buch Graphic Storytelling und Visual Narratives. Hier sind einige seiner Definitionen. Er sagt, eine grafische Erzählung ist: „Jede Geschichte, die Mitarbeiter Bild, um eine Idee zu übertragen.“ Dazu gehören Comics und Film. Er definiert Comics als „Eine Form sequentieller Kunst, oft in Form eines Streifens oder Buches, in der Bilder und Text angeordnet sind, um eine Geschichte zu erzählen.“ Er definierte sequentielle Kunst als „Bilder, die in einer bestimmten Reihenfolge eingesetzt werden“. Schauen wir uns nun ein paar meiner Lieblingsbeispiele für Graphic Romane und Comic Bücher an. Ich empfehle das Lesen und Einweichen einige dieser, und wenn Sie daran interessiert sind, Ihre eigenen Comic-Bücher zu machen. Zuerst haben wir Scott Pilgrim von Bryan Lee O'Malley. Dieser One Summer von Mariko und Jillian Tamaki. Nimona von Noelle Stevenson. Persepolis von Marjane Satrapi. Relish von Lucy Knisley. In Real Life von Cory Doctorow und Jen Wang. Jane, der Fuchs, und ich von Fanny Britt und Isabelle Arsenault. Hildafolk von Luke Pearson und Primaten von Jim Ottaviani und Maris Wicks. Sehen wir uns nun den gesamten Prozess der Herstellung von Comics an. Es gibt ein paar verschiedene Möglichkeiten, es zu tun. Jeder Comic-Künstler hat eine eigene Version des Prozesses. Aber für dieses Video und diese Klasse werde ich über meinen Prozess gehen, weil das ist, was ich weiß und das ist, was für mich funktioniert. Der erste Schritt bei der Erstellung eines Comics ist, Ihre Story-Gliederung zu schreiben. Dann Thumbnail Sie einen Comic mit Wörtern. Thumbnail der Comic mit Bildern. Zeichnen Sie die Paneele aus. Zeichnen Sie leichte Bleistift Skizzen. Gezeichnet enge Bleistiftzeichnungen. Zeichnen Sie Ihren Schriftzug. Tink deinen Comic. Dann gibt es den optionalen Schritt, um Ihren Comic zu färben , wenn Sie nicht wollen, dass er in Schwarz und Weiß ist. Jetzt springen wir in die Klasse und wir werden diesen ganzen Prozess Schritt für Schritt durchlaufen. 4. Sammeln unserer Materialien: Bevor wir direkt in den Prozess springen, lassen Sie uns einige der Werkzeuge für die Herstellung von Comics gehen. Hier sind die Werkzeuge, die ich gerne benutze. Zum Ideieren verwende ich gerne ein dünnes, billiges Skizzenbuch. Dies hält den Druck niedrig und ermöglicht es Ihnen, ohne die Angst zu haben , ein teures Skizzenbuch zu vermasseln. Sie können auch einfach billige Druckerpapierblätter zum Skizzieren verwenden. Sobald Sie auf die endgültige Comic-Seite gehen, werden Sie wahrscheinlich auf etwas dickeres zeichnen wollen, vor allem, wenn Sie Tinte gehen. Ich benutze gerne Bristol Board und eine Lichtbox oder Fenster, um meine Zeichnung auf das Bristol Board zu übertragen. Das ist mein Licht Box Caudal iPad. Es ist klein und relativ billig, aber es macht das Übertragen Ihrer Joins viel einfacher. Zum Zeichnen von Skizzen verwende ich gerne billige mechanische Bleistifte. Wenn ich meinen Comic ohne Tinte beenden werde, dann verwende ich gerne einen 6B-Bleistift, um die Linien dicker und dunkler zu machen. Wenn ich meinen Comic wie in dieser Klasse tinte, verwende ich gerne Faber-Castells Pitt Artist Pens in den Größen mittel, fein, klein und extra klein. Das sind die Werkzeuge, die ich gerne benutze, aber sie sind keineswegs die einzigen, oder vielleicht sogar die richtigen für Sie. Ich habe mit vielen verschiedenen Arten experimentiert und Sie sollten definitiv auch experimentieren. Einige illustrierte verwenden Pinselstifte, um ihre Arbeit zu drucken, einige verwenden Stift und Tinte mit Federn, einige werden mit dem Pinsel Tinte, einige nur Tinte mit einem normalen Stift, und einige machen den gesamten Comic auf dem Computer. Möglicherweise möchten Sie auch einen gekneteten Radiergummi und ein Abdeckband für dieses Projekt haben. 5. Schreibtechniken: Schreibtechniken. Einen Comic zu machen bedeutet, viele Entscheidungen zu treffen. Sie müssen entscheiden, welchen Moment Sie zeigen und nicht zeigen, wie Sie diesen Moment einrahmen, wie Sie diesen Moment zeichnen, wie Sie Wörter mit diesem Moment integrieren und schließlich, wie Sie den Leser zum nächsten Moment führen. Aber bevor irgendwas davon, müssen wir eine Geschichte haben. Ich bin eine Art von Inhalt ist König Art von Schöpfer, so dass die Geschichte ist der wichtigste Teil des Prozesses für mich. Wenn Sie eine schlechte Geschichte haben, wird das schönste Kunstwerk der Welt nie in der Lage sein, es zu retten. Eine starke Geschichte macht einen starken Comic. Die gute Nachricht ist, dass Comics genau wie jede andere Form des Storytelling ist, und die grundlegenden Storytelling Regeln gelten hier genau wie überall sonst. Hier ist ein grundlegender Plotumriss. Zuerst haben Sie die Einführung und Einstellung. Dann haben Sie das Problem oder die Aktion. Dann haben Sie den Höhepunkt, wo Sie mit dem Problem umgehen. Dann haben Sie die Lösung oder die Lösung für das Problem. Dann hast du das Ende und das Wrap Up. Der größte Ratschlag, den ich beim Schreiben Ihrer Handlung geben kann, ist, lassen Sie Ihren Charakter nicht einfach weg. Schauen wir uns ein Beispiel an. Sagen Sie, das Problem Ihres Charakters ist, dass sie kalt ist und sie nicht kalt sein will. Dies wäre ein Beispiel dafür, dass sie einfach losgelassen und eine langweilige Geschichte geschrieben wird: „Junge, mir ist kalt. Ich wünschte, ich könnte mich aufwärmen.“ Sie dreht sich den Kopf. „ Sag mal, schaue hier, eine Decke! Jetzt bin ich ganz warm und gemütlich.“ Ende der Geschichte. Sehen Sie? Völlig langweilig. Sehen wir uns nun ein Beispiel an, wie man den Charakter nicht einfach ablässt. „ Heilige Kuh, ich bin so kalt, dass meine Finger abschnappen können!“ Sie dreht den Kopf und sieht aggressiven Hund ihrer Mitbewohnerin auf der einzigen Decke im Haus schlafen. Sie kippt über, versucht, sanft an der Decke zu ziehen, und dann öffnet der Hund ein Auge und beginnt zu knurren. Sehen Sie? Etwas aufregender. Wir machen die Dinge schwer für den Charakter, und das macht deine Geschichte besser und interessanter. Es gibt auch Ihrem Publikum die Möglichkeit, für den Charakter zu verankern und zu hoffen, dass sie bekommen, was sie wollen. Comics hat mehrere unterschiedliche Verwendungszwecke für Wörter und werden anders geschrieben als ein Roman oder ein Text nur Geschichte wäre. Hier sind die verschiedenen Möglichkeiten, wie Sie Wörter schleudern können, um Ihre grafische Geschichte zu erzählen : Zuerst haben Sie Dialog, das ist der Text und Sprechblasen. Dann haben Sie eine Erzählung, die auch wie Untertitel ist und auch eine Form der allwissenden Sicht Dritter ist, wie ein Erzähler, der spricht. Dann haben Sie Soundeffekte wie Bang, Ding und Pam. Hier sind ein paar andere Schreibtipps, die Sie beachten sollten, wenn Sie an Ihrer Geschichte arbeiten : Nummer 1, zeigen, nicht erzählen. Wenn Sie etwas mit Bildern anstelle von Wörtern zeigen können, ist es in der Regel am besten in Comics, Bilder zu verwenden. Anstatt Ihren Charakter sagen „Ich fühle mich traurig“, zeigen Sie dem Leser, dass sie traurig sind. Weint sie? Ist ihr Kopf aufgehängt? Wölbt sie sich auf der Couch? Tipp Nummer 2, je weniger Wörter, desto besser. Wenn ein Wort nicht notwendig ist, nehmen Sie es heraus. Sie brauchen keine Beschreibungswörter, wenn Sie Bilder haben. Tipp Nummer 3, halten Sie Ihre Wortanzahl in Sprechblasen unter 30 Wörtern. Dies ist eine Richtlinie und keine harte Regel, und Sie können es definitiv brechen, wenn es funktioniert, aber es ist eine gute maximale Anzahl, um im Auge zu behalten und Sie zu zwingen, Ihre Worte ein wenig zu bearbeiten. Nach 30 Wörtern beginnt Ihre Sprechblase höchstwahrscheinlich das gesamte Panel zu übernehmen. 6. Verfassen der Gliederung: Also lasst uns jetzt in unseren eigenen Comic eintauchen. Der erste Schritt in diesem Prozess besteht darin, Ihre Story-Gliederung zu schreiben. Das Projekt hier ist es, einen einseitigen Comic zu machen, der von einer Kindheitserinnerung inspiriert ist. Beginnen wir also mit Brainstorming Kindheitserinnerungen. Nun lasst uns die Erinnerung aussuchen, die wir für unseren Comic verwenden wollen. Meine wird eine Kindheitserinnerung sein, die ich habe, einen steilen Hügel hinunter zu fahren , um in die Hütte meiner Oma im Wald zu gelangen. Also lasst uns jetzt eine Liste von dem machen, was in unserem Gedächtnis passiert ist. Dies ist im Wesentlichen unsere Geschichte umrissen. Sie sich keine Sorgen darüber, dass Sie jetzt komplette Sätze schreiben oder sogar versuchen, Ihr Schreiben gut klingen zu lassen, wir konzentrieren uns gerade auf die Story-Idee und die Plotlinie. 7. Wörter und Bilder kombinieren: Kombinieren von Wörtern und Bildern. Jetzt haben wir unsere Geschichte umrissen und wir sind bereit zu schreiben. Aber das Schreiben eines Comics geht es darum, mit Worten und Bildern zu laufen. Schauen wir uns also an, wie die beiden zusammenarbeiten können, um eine Nachricht zu kommunizieren. In Scott McClouds Buch Making Comics, das ich sehr empfehlen zu lesen, legt er fünf Möglichkeiten vor, wie Wörter und Bilder kombiniert werden können. Zuerst haben wir wortspezifisch. In dieser Kombination erzählen Ihnen die Worte alles, was Sie wissen müssen, während die Bilder einen Teil dessen hervorheben, was gesagt wird. Die zweite Kombination ist bildspezifisch. In dieser Kombination erzählen Ihnen die Bilder alles, was Sie wissen müssen, während die Worte einen Teil dessen hervorheben, was gesagt wird. Im Duo-spezifischen sagen die Worte und Bilder so ziemlich das Gleiche. Bei der Überschneidung helfen die Worte und Bilder, die gleiche Botschaft zu vermitteln, aber jeder sagt auch etwas, was der andere nicht gesagt hat. Schließlich arbeiten die Worte und Bilder zusammen, um etwas zu sagen, das weder allein sagen konnte. Es gibt nicht unbedingt eine bestimmte Kombination, die besser funktioniert als andere, und sie alle haben ihren Platz für bestimmte Zwecke. Aber im Allgemeinen wird Ihr Comic stärker sein, wenn Sie Combos verwenden , die es Ihren Worten und Bildern ermöglichen, die Geschichte zu erzählen, anstatt die eine Geschichte zu erzählen und die andere nur wiederholen, was gesagt wurde. Es ist auch eine gute Idee, es zu mischen und verschiedene Combos in Ihrer Geschichte zu verwenden. 8. Thumbnailing mit Wörtern: Jetzt können wir beginnen, unsere Geschichte visuell auf der Seite zu thumbnailing heraus. Zuerst nehmen wir unsere Liste auf und teilen sie in Gruppen auf, die die wichtigsten Teile der Geschichte umkreisen. Jetzt werden wir Teile miteinander kombinieren. Denken Sie über diese Dinge, um Teile zu kombinieren: Was kann in einem Panel gezeigt werden? Was muss gezeigt werden? Was kann gezeigt werden, aber nicht gesagt werden? Was kann gelöscht werden? Nun ist die Anzahl der wichtigen Teile, die Sie eingekreist haben die Anzahl der Panels, die Sie in Ihrem einseitigen Comic haben. Für einen einseitigen Comic wie dieses Projekt fünf Panels wahrscheinlich eine gute Anzahl zu schießen. Aber wieder, Ihre Geschichte sollte der Treiber sein und Sie sollten tun, was für Ihre Geschichte richtig ist. In meinem Beispiel hier fing ich an zu denken, ich hätte fünf Panels, aber als ich weiter arbeitete, landete ich tatsächlich mit acht Panels. Bleiben Sie also flexibel, während Sie arbeiten. Nachdem Sie Ihre wichtigen Teile eingekreist haben, zeichnen Sie ein schnelles Rechteck, um Ihr Papier darzustellen. Zeichnen Sie dann einige Paneele in Ihrem Rechteck aus. Wir skizzieren gerade jetzt Layouts und Sie müssen sich keine Sorgen machen, Ihre Linien super gerade oder konsistent zu halten. Das kommen wir später. Sie können meine Panel-Vorlagen auf der Projektzuweisungsseite als Richtlinie hier verwenden, wenn Sie möchten, oder Sie können Ihre eigenen erstellen. Jetzt werde ich anfangen, in meiner Geschichte zu platzieren. Zuerst schreibe ich einfach in meinen Plot Umriss in die Felder, um zu sehen, wie es in die Panels passt. Ich werde diesen Schritt wahrscheinlich mehrmals machen bis ich das Gefühl habe, dass ich die Geschichte auf die beste Art und Weise zerbrochen habe. Deshalb ist das Skizzieren von klein schön, so dass Sie schnell iterieren können. Sobald ich mag, wie die Handlung aufgebrochen ist und ich die Anordnung der Panels mag, kann ich anfangen, tatsächlich ein bisschen mehr zu schreiben. Ich werde die Schrift in jeder Box erweitern, möglicherweise in Dialog, Erzählung oder Soundeffekten schreiben . Diese Phase wird auch viele Male wiederholt, bis es sich richtig anfühlt. Nochmals, bedenken Sie, dass Sie schreiben können und wahrscheinlich ändern, während wir weitermachen. Sobald wir beginnen, Bilder hinzuzufügen, können Sie feststellen, dass einige Wörter und Sätze nicht mehr notwendig sind, oder Sie brauchen vielleicht noch ein paar mehr. Bleiben Sie also flexibel und heiraten Sie nicht mit einer Idee. 9. Panel-Übergänge: Schalttafel-Übergänge. Wenn Sie mit dem Zeichnen Ihrer Panels beginnen, ist es wichtig, den Übergang zwischen den Paneelen zu berücksichtigen, d. h., wie die Panels nacheinander gelesen werden. Scott McCloud hat fünf Panel-Übergänge genannt , die meiner Meinung nach bei der Planung Ihrer Zeichnungen sehr hilfreich sind. Der erste Schalttafelübergang wird von Moment zu Moment genannt. McClouds Definition ist eine einzelne Aktion, die in einer Reihe von Momenten dargestellt wird. Ein Beispiel wäre das Zähneputzen. Sie können in diesen drei Panels sehen, dass Sie beobachten, wie die Aktion passiert, während sie ihre Zahnbürste von rechts nach links bewegt. Dies ist nützlich, um das Tempo Ihrer Comic- oder Gebäudespannung zu verlangsamen. Der zweite Schalttafelübergang ist Aktion zum Handeln. Ein einzelnes Thema in einer Reihe von Aktionen. Dies ist nützlich, um das Tempo zu beschleunigen und viel Action auf einem kleinen Raum zu zeigen. Dann haben wir Subjekt, eine Reihe von wechselnden Themen innerhalb einer einzigen Szene. Dies ermöglicht es Ihnen, die Aufmerksamkeit des Lesers zu lenken, indem Sie ihnen nur zeigen, worauf sie in jedem Panel achten sollten. Es wird oft verwendet, wenn zwei Menschen im Gespräch hin und her sprechen. Dann haben wir Szene zu Szene, Übergänge über große Entfernungen von Zeit oder Raum. diesem Übergang können Sie unwichtige Details überspringen und rechtzeitig voran springen. Der endgültige Übergang ist von Aspekt zu Aspekt. Übergänge von einem Aspekt eines Ortes, einer Idee, einer Stimmung zum anderen. Dieser Übergang hilft, Emotionen und Stimmung zu schaffen und gibt dem Leser Zeit zu absorbieren. 10. Thumbnailing mit Skizzen: Jetzt haben wir unsere Geschichte in Worten und Tafeln dargestellt, also fangen wir an zu zeichnen. Dies ist wieder nur ein Prozess von Versuch und Irrtum, indem Sie die gleichen Panels in Seiten immer wieder zeichnen, bis es sich anfühlt, als ob es funktioniert. Experimentieren Sie und spielen Sie herum. Das sind nur Skizzen, also machen Sie sich keine Gedanken über das perfekte Zeichnen. Konzentrieren Sie sich darauf, das Beste zu finden, was in jedem Panel zu zeichnen ist, nicht den besten Weg, es zu zeichnen. Wir platzieren gerade jetzt nur Themen und Charaktere. Konzentrieren Sie sich darauf, Charaktere, Motive und Szenen in den Panels Ich würde empfehlen, wie zuvor in einem kleinen Maßstab zu bleiben, damit Sie schnell iterieren können und Sie nicht versucht werden, viele Details zu zeichnen. 11. Zeitlicher Ablauf: Das Timing. Comics sind anders als andere Arten von Schreiben und Zeichnen, weil Sie das Gefühl der Zeit in Ihrer Geschichte berücksichtigen müssen. Auf diese Weise ähnelt es dem Schreiben eines Films oder einer Animation fast eher als einem Roman oder Kapitelbuch. Will Eisner spricht in seinem Buch Comics und Sequential Art Comics und Sequential Artüber den Unterschied zwischen Zeit und Timing. In seinen Worten ist die Zeit eine einfache Handlung, deren Ergebnis unmittelbar ist, wie es in der Realität sein würde, und das Timing ist eine einfache Handlung, bei der das Ergebnis nur über seine tatsächliche Dauer hinaus verlängert wird, um Emotionen zu verbessern. Die Zeit ist so, als ob etwas in Echtzeit passiert ist, und das Timing ist wie gesehen, was etwas passiert ist, das beschleunigt wurde oder verlangsamt wurde, um etwas zu kommunizieren, Emotionen zu wecken oder Aufmerksamkeit zu erregen. Schauen wir uns ein Beispiel an. Sagen wir, wir reden von einem Moment, in dem ein Mädchen unerwartet den Jungen sieht, in den sie verknallt ist. der Zeit ging sie entlang, hatte eine gute Zeit, dann sieht sie den Jungen, Wellen, und er winkt zurück. So ziemlich in Echtzeit. Aber schauen wir uns den gleichen Moment an, wenn wir es mit Timing erweitert haben, um Emotionen zu wecken und Ihre Aufmerksamkeit auf diese Aktion zu lenken. Im Timing geht sie entlang, hat sich amüsiert, dann sieht sie den Jungen. Ihr Gesichtsausdruck ändert sich, sie errötet, wir zoomen auf ihr Gesicht. Sie winkt schüchtern, und er winkt zurück. So können Sie sehen, dass der Moment hier erweitert und übertrieben wurde , um über das Gefühl zu kommen, dass sie diesen Jungen wirklich mag, und um den Augenblick zu betonen. Timing sollte nicht immer für jeden Moment in Ihrem Kommentar verwendet werden. Aber es ist ein gutes Werkzeug, um die Aufmerksamkeit des Lesers und ihnen zu sagen: „Hey, das ist wichtig, also achte darauf.“ Es gibt auch andere Möglichkeiten, wie Sie Timing beeinflussen können neben wie Sie Ihre Charaktere in Aktion zeichnen. Die Anzahl der Panels, die Sie auf einer Seite verwenden kann das Timing und das Tempo Ihrer Story ändern. Im Allgemeinen werden mehr Panels komprimiert und die Zeit beschleunigt, während sich weniger Panels erweitern und die Zeit verlangsamen. Die Form und Größe jedes Panels wirkt sich auch auf das Tempo aus. Kleinere Panels können Zeit und Rhythmus beschleunigen, während größere Panels Zeit und Rhythmus verlangsamen können. Sie Ihre Paneelgrößen und -formen ändern, können Sie auch Spannung und Interesse hinzufügen, wenn Sie richtig gemacht werden. Schließlich können Sprechblasen auch helfen, das Tempo Ihrer Geschichte festzulegen. Eine Menge Dialog oder Erzählung in einem Panel wird physisch den Leser verlangsamen, nur indem sie den ganzen Text lesen müssen. Während weniger Dialog ermöglicht es Ihrem Leser schneller zu lesen. Es gibt auch verschiedene Arten von Sprechblasenformen, die Sie verwenden können. Es gibt eine normale Sprechblase, die für typische Dialoge verwendet wird. Die wolkenförmige Blase, die oft zum Nachdenken verwendet wird, und eine gezackte Kantenblase, die oft für Schreien oder Technologie verwendet wird , wie jemand, der über ein Handy spricht. Schließlich kann Schriftzüge helfen, Ihre Geschichte zu beschleunigen. Kleiner Schriftzug wird deine Geschichte verlangsamen, und große ausdrucksstarke Schriftzüge, wie wenn dein Charakter hysterisch schrie, kann es beschleunigen. 12. Die Panels zeichnen: Der nächste Schritt in unserem Comic ist, unsere Skizzen zu verfeinern. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, dies zu tun, und jeder Comic kann etwas anders Prozess erfordern. Aber hier ist, was ich generell gerne mache. Ich nehme meine Lieblingsminiaturskizze und scanne sie in meinen Computer. Dann sprenge ich es auf 8,5 mal 11 oder was auch immer meine endgültige Größe in einem Photoshop oder einem anderen Bearbeitungsprogramm sein wird. Dann zeichne ich die Paneele mit dem Rechteck-Werkzeug neu, um sicherzustellen, dass alles gerade, ausgerichtet und gleichmäßig verteilt ist . Sie müssen diesen Schritt überhaupt nicht tun, wenn Sie lieber wackelige Linien haben möchten, es hängt nur davon ab, für welche Stimmung und Stil Sie gehen. Dann tippe ich manchmal meinen Text ein, damit ich ihn später richtig auseinander bringen kann, und manchmal werde ich ihn einfach komplett freihändig machen. Dann drucke ich die aufgeblasene Skizze und die Paneellinien in voller Größe aus. In diesem Fall empfehle ich, Ihren einseitigen Comic bei 8,5 mal 11 zu dimensionieren. Dann lege ich die aufgeblasene Skizze auf meiner Lightbox, oder du kannst sie an ein Fenster kleben, wenn du keine Lightbox hast. Ich werde ein Blatt Bristol Brett darauf legen und dann die Tafeln mit Bleistift leicht auf das Bristol Brett verfolgen. Sie können ein Lineal verwenden, wenn Sie sie völlig gerade halten wollen, aber ich mag nur ein wenig Unvollkommenheit, also mache ich es an dieser Stelle freihändig. 13. Einrahmung: Einrahmung. Nachdem Sie ausgewählt haben, welchen Moment Sie in Ihrem Panel zeichnen möchten, müssen Sie entscheiden, wie Sie es zeichnen möchten, und hier kommt das Framing ins Spiel. Rahmen wird ausgewählt, welche Elemente angezeigt und in den Rahmen des Bedienfelds eingeschlossen werden sollen. Hier sind einige Dinge zu beachten. Die Form der Bedienfelder, die Ihre Zeichnungen umrahmen, kann sich auch auf die Beteiligung des Lesers auswirken. Hier sind einige Beispiele, wie Sie Panel-Shapes verwenden können, um Ihren Leser zu zeichnen und Emotionen und Stimmung zu kommunizieren. Lange Paneele spielen auf Höhe und Leistung an. Wolkenförmige Panels weisen normalerweise auf eine Rückblende oder Erinnerung aus der Vergangenheit hin. Elemente, die durch das Panel brechen, erzeugen Spannung und spielen auf Kraft oder hohe Emotion an. Keine Paneellinien spielen auf weit offenen Raum, grenzenlose Grenzen an und können dazu beitragen, Atmosphäre zu schaffen. Sie können sogar ein Element aus Ihrer Zeichnung als Paneelrahmen verwenden, einschließlich Türöffnung, Fenster oder Bäume. Dies ist eine großartige Möglichkeit, den Leser in die Geschichte einzubeziehen und sie zu zeichnen. 14. Die Geschichte zeichnen: Nachdem meine Panels verfolgt wurden, gehe ich mit der Verfolgung der Skizze fort. Ich mache das sehr leicht, weil ich wirklich nur versuche, die Gesamtkomposition zu bekommen , die ich bereits in der Skizze ausgearbeitet habe. Sobald ich das unten habe, schalte ich die Lichtbox aus, ziehe das Bristol-Board aus und beginne mit der Verfeinerung und Fertigstellung der Zeichnung, füge Details und Linienarbeit hinzu. 15. Einfärbung und Lettering: Sobald Sie Ihre endgültige Zeichnung abgeschlossen haben, würde ich empfehlen, sie mit 600 DPI in Ihren Computer zu scannen, nur für den Fall, dass Sie die Freihandphase durcheinander bringen. Auf diese Weise können Sie es immer ausdrucken und es erneut versuchen, oder zumindest haben Sie die Originalzeichnung zu betrachten. Jetzt können wir die Stifte ausbrechen, die ich im Materialvideo erwähnt habe. Ich möchte damit beginnen, die Panels zu färben, damit ich genau weiß, wo ich meine anderen gefärbten Linien anfangen soll. Sie können mit dem Einfärben der Paneele und dicken oder dünnen Linien experimentieren, und beide können wirklich gut funktionieren. Dann fange ich mit meinem mittelgroßen Stift an und fange an, die wichtigsten Umrisse zu färben. Das ist alles nur ein Teil meines Stils und der Art der Tinte, die ich mag. Sie sind keineswegs dazu verpflichtet, auf diese Weise zu Tinten. Experimentieren Sie mit verschiedenen Arten der Tinte und sehen Sie, was am besten für Sie funktioniert. Nachdem ich die mittleren Linien beendet habe, gehe ich normalerweise zu den kleinen Linien und beende dann mit den extra kleinen Linien. Dann werde ich meinen Schriftzug eintuschen. Ein Tipp hier ist, dass Sie einige Ihrer Wörter fett machen können , um Geräusche im Innenohr Ihres Lesers zu erzeugen. Wenn jemand einen Comic liest, hört er ihn tatsächlich in seinem Kopf. So geben Sie ihnen Hinweise wie kühne Worte, einige Wörter in Großbuchstaben zu haben, oder mit zackigen Linien kann helfen, dem Leser Hinweise zu geben, wie man die Worte hört. Dies wird in den meisten Schriften generell verpönt, wie in Romanen, aber in Comics geht alles und es funktioniert völlig. Nachdem mein Schriftzug eingefärbt ist, lösche ich den ganzen Bleistift aus. Sie können entweder hier anhalten und Ihr Comic ist mit den Umrissen fertig, oder Sie können weiter gehen und füllen Sie einige Formen schwarz, um Ihrem Comic ein bisschen mehr Tiefe und Kontrast zu geben. Viele Comics sind schwarz und weiß, aber Sie können auch wählen, um Ihren Comic zu färben, wenn Sie möchten. Einige Künstler tun dies traditionell von Hand, aber viele Comic-Künstler scannen ihre Arbeit an dieser Stelle und färben sie digital. Schauen Sie sich einige meiner anderen Klassen an, wenn Sie an mehr Informationen über digitale Färbung interessiert sind . 16. Wir kommen zum Ende: Vielen Dank für die Teilnahme an dieser Klasse und ich hoffe, Sie werden einige Tipps zum Zeichnen von Comics lernen. Ich hoffe, Sie entscheiden sich, Ihre eigene Webseite Comic zu machen und ich kann es kaum erwarten zu sehen, was Sie sich einfallen. Sie können Ihr Projekt in die Projektgalerie hochladen, indem Sie auf der Klassenprojektseite auf die Schaltfläche Projekt starten klicken. Sie können auch überprüfen, wie Ihre Kommilitonen arbeiten und überprüfen, wie sie sequenzielles Storytelling angegangen haben. Ich schaue mir jedes Projekt an, das in der Projektgalerie gepostet wurde und bin immer begeistert, Ihre Arbeit zu sehen. Viel Spaß beim Schreiben und Zeichnen, und ich kann es kaum erwarten zu sehen, was du dir einfällt.