Bilderbücher II: Illustriere deine Geschichte | Christine Nishiyama | Skillshare

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Bilderbücher II: Illustriere deine Geschichte

teacher avatar Christine Nishiyama, Artist at Might Could Studios

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Einheiten dieses Kurses

22 Einheiten (1 Std. 28 Min.)
    • 1. Trailer zum Kurs

      2:19
    • 2. Einführung und Zusammenfasung

      4:03
    • 3. Elemente der Bilderbuchillustration

      8:06
    • 4. Dein Manuskript aufbauen

      3:04
    • 5. Kriterien für die Charakterentwicklung

      10:27
    • 6. So experimentierst du

      3:43
    • 7. Referenzen recherchieren

      1:13
    • 8. Deine Charaktere verfeinern

      3:48
    • 9. Figurenmodellbogen

      1:03
    • 10. Storyboard-Elemente

      4:11
    • 11. Dein Storyboard aufsetzen

      2:46
    • 12. Deine Geschichte aufbauen

      2:10
    • 13. Rhythmus und Tempo schaffen

      6:26
    • 14. Bewegungen schaffen

      3:45
    • 15. Auf Wiederholungen überprüfen

      2:45
    • 16. Ein kleines Mock-up erstellen

      4:18
    • 17. Deine Skizzen anfertigen

      0:46
    • 18. Deine Skizzen verfeinern

      4:40
    • 19. Deine finalen Zeichnungen erstellen

      2:45
    • 20. Bereinigung mit Photoshop

      0:51
    • 21. Schriftsatz mit Photoshop

      1:21
    • 22. Digitale Farbgebung mit Photoshop

      13:04
  • --
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  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
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Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

5.577

Teilnehmer:innen

22

Projekte

Über diesen Kurs

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Dieser praktische Kurs, der von Christine Fleming, Autorin und Illustratorin bei Might Could Studios, geleitet wird, ist der zweite Teil einer zweiteiligen Reihe über die Erstellung eines eigenen Bilderbuchs für Kinder. Bilderbücher I: Schreibe deine Geschichte konzentriert sich auf den Geschichtenschreibprozess. Bei diesem Kurs liegt der Schwerpunkt auf der Illustration.

In diesem 90-minütigen Kurs erkundet Christine die Elemente von Bilderbuchillustrationen, einschließlich Komposition, Farbe, weißen Flächen, Perspektive, Stil und Typografie, und zeigt anhand von Ausschnitten aus einigen ihrer Lieblingsbilderbücher aussagekräftige Beispiele für jedes Konzept.

Wenn du die Grundlagen beherrscht, führt Christine dich durch die Video-Tutorials ihres gesamten Prozesses der Illustration eines Bilderbuchs. In diesen Videos wird auf folgende Aspekte eingegangen: Aufbau des Manuskripts, Charakterentwicklung, Storyboarding, Erstellen eines kleinen Mock-ups, Skizzen, Überarbeitung, finale Zeichnungen und die digitale Einfärbung in Photoshop. Nichts war vor dem Dreh dieser Tutorials geplant oder entschieden. Daher ist alles, was gezeigt wird, ihr authentischer, spontaner Denk- und Schaffensprozess.

Am Ende dieses Kurses hast du alles, was du brauchst, um dein eigenes Bilderbuch zu illustrieren!

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Du kannst auch mehr über mich und meine Arbeit auf meiner Website sehen: might-could.com.

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Vielen Dank <3

 

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Christine Nishiyama

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Hallo! I'm Christine Nishiyama, artist + founder of Might Could Studios.

I make books and comics, and I draw a whoooole lot. I teach aspiring and established artists, helping them explore their art, gain more confidence, and discover their unique artistic styles.

My core belief is that art is good and we should all make more of it. 

Instagram: Yeewhoo, I quit all social media! 

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Transkripte

1. Trailer zum Kurs: Hi, ich bin Christine Fleming und ich bin Illustratorin und Schriftstellerin. Ich habe mein Studium an der North Carolina State University mit einem BFA in Grafikdesign abgeschlossen. Ich illustriere jetzt sowohl im wissenschaftlichen als auch im Kinderredaktionsmärkt, verfasse und illustriere meine eigenen Fiktion- und Sachbücher. Kürzlich habe ich mit einem Lead Scientist bei Buzz Hoot Roar zusammengearbeitet , um ein kommendes wissenschaftlich fundiertes Bilderbuch zu schreiben und zu illustrieren. Ich bin auch aktives Mitglied in der Society of Children's Book Writers and Illustrators namens SCBWI und erhielt die Auszeichnung von SCBWI Illustrator of the Month und SCBWI Featured Blog. Diese Skillshare Klasse heißt Picture Books II: Illustrate Your Story, und ist die zweite in einer zweiteiligen Serie, wie Sie Ihr eigenes Kinderbildbuch erstellen. In dieser Klasse untersuchen wir die Elemente von Bilderbuch-Illustrationen, einschließlich Komposition, Farbe, Leerraum, Perspektive, Stil und Typografie. Mit den Grundlagen nach unten, werde ich Sie durch Video-Tutorials meinem gesamten Prozess der Illustration eines Bilderbuchs führen. Diese Videos decken jeden meiner Schritte ab, einschließlich der Aufschlüsselung des Manuskripts, der Charakterentwicklung, Storyboarding, dem Erstellen eines kleinen Dummy, Skizzen, endgültige Zeichnungen und der digitalen Färbung in Photoshop. Nichts wurde geplant oder entschieden, bevor diese Tutorial-Prozess Videos zu filmen , so dass alles, was Sie sehen, ist meine authentische, on-the-fly Prozess des Denkens und Schaffens. Außerdem gibt es wie bei der letzten Klasse eine neue Bonusebene, die den Schritt für Schritt erklärt um einen illustrierten Dummy für Ihr Bilderbuch zu erstellen und wie man diesen Dummy an Verlage einreicht. Diese Klasse ist perfekt für Illustratoren, Schriftsteller, Designer und alle, die jemals ein eigenes Bilderbuch erstellen wollten. Am Ende dieses Kurses haben Sie alles, was Sie brauchen, um Ihr eigenes Bilderbuch zu illustrieren. 2. Einführung und Zusammenfasung: Hallo, Jungs. Ich bin so froh, dass Sie sich entschieden haben, meine Klasse zur Illustration von Bilderbüchern zu nehmen, und ich hoffe, dass Sie während des Kurses viel lernen. Wenn Sie sich die Videos ansehen, folgen Sie bitte dem Projektleitfaden und posten Sie Ihre Prozessarbeit in der Projektgalerie. Jetzt fangen wir an. Bevor wir beginnen, möchte ich sicherstellen, dass Sie wissen, dass diese Klasse die zweite in einer Serie über Bilderbuchherstellung ist. Die erstklassigen Picture Books I, Write Your Story , haben einige wichtige Informationen über Zweck, Geschichte und Struktur eines Bilderbuchs, das Sie wirklich wissen müssen, um ein Bilderbuch zu illustrieren. Ich möchte mich nicht zu sehr wiederholen für diejenigen, die bereits beide Klassen besucht haben. Daher empfehle ich Ihnen, diese Klasse jetzt zu stoppen und zurückzugehen und es zu beobachten. Zumindest die ersten drei Videos in Picture Books I, Write Your Story, bevor Sie mit diesem Kurs fortfahren. Ich werde diese Themen nicht noch einmal in dieser Klasse behandeln. Eine Einführung in Bilderbücher, eine kurze Geschichte von Bilderbüchern und eine Struktur und Teile eines Bilderbuchs. Okay, wenn das aus dem Weg ist, lasst uns anfangen. Dieses erste Video heißt „ Eine Einführung und Zusammenfassung“. Das einzige Konzept, das ich aus der vorherigen Klasse zusammenfassen werde , ist, was genau ein Bilderbuch ist. Ein Bilderbuch kombiniert Wörter und Bilder in einem Buchformat, das sich an kleine Kinder richtet. Die Zielgruppe ist Kinder im Alter von zwei bis acht Jahren. Ein Bilderbuch unterscheidet sich von einem illustrierten Buch, z. B. einem Kapitelbuch der mittleren Klasse. Denn die Bilder in einem Bilderbuch sind lebenswichtig für die Geschichte. In einem illustrierten Buch. Die Illustrationen sind Ergänzungen zu einem Text, der eigenständig stehen kann. Wild Wood von Colin Meloy und Carson Ellis ist ein Beispiel für ein illustriertes Buch. Es ist eher wie ein Kapitelbuch strukturiert und Illustrationen sind nicht unbedingt auf jeder Seite und manchmal nur eine kleine Punkt-Illustration. Where The Wild Things Are by Maurice Sendak ist ein Beispiel für ein Bilderbuch. Es gibt weniger Text und Illustrationen helfen die ganze Geschichte zu erzählen, anstatt die Geschichte zu wiederholen. Okay, also das ist alles für die Zusammenfassung. Wirklich, geh zurück und sieh dir die anderen Videos an. Es dauert nur 12 und eine halbe Minuten. Bevor wir uns wirklich darauf einlassen, möchte ich dir nur ein kleines Pep-Reden geben. Manche Leute denken, dass Schriftsteller, Illustratoren und alle Künstler ein angeborenes Talent haben und dass sie mit der Fähigkeit geboren werden, zu zeichnen. Dazu sage ich Glaube. Es ist meine Überzeugung, dass ein Illustrator nicht mehr mit dem Talent geboren wird, als der Chirurg mit dem Talent geboren wurde, Körper zu zerschneiden. Es gibt diese Art von Mystik beim Schreiben und Illustrieren, und sicher, dass es Spaß macht, über solche Dinge nachzudenken. Aber lass mich es dir sofort sagen. Illustrieren ist ein Handwerk. Schreiben ist ein Handwerk. Kunst zu machen ist ein Handwerk. Das bedeutet, dass der einzige Weg, gut darin zu sein, ist es zu tun und es immer wieder zu tun. Es mag scheinen, als hätte ein Illustrator das angeborene Talent zu zeichnen. Aber es ist nicht, weil sie gerade mit dem Zeichen-Gen geboren wurden. Weil sie seit Jahren zeichnen und ihr Handwerk im Laufe der Zeit verfeinern. Wenn dies Ihre Sicht auf das Leben ist, wie es mir ist, dann sollten Sie es als großartige Nachricht sehen, denn das ist es, was es bedeutet. Jeder kann alles tun. Du kannst Schriftsteller sein. Sie können ein Illustrator sein. Du könntest Feuerwehrmann sein. Was auch immer du sein willst, du musst dich einfach hineinwerfen und komplett ins Handwerk kommen. Woin alles gibt es darüber zu wissen und zu machen, machen. Ich denke, das klingt nach harter Arbeit und es ist, aber es ist besser, als zu wünschen, dass du mit einer anderen Gruppe von Genen geboren wirst, oder? 3. Elemente der Bilderbuchillustration: Bild-Buch-Illustrationen untersuchen. Ein Bilderbuch Illustrator muss viele Fähigkeiten verfeinern zusätzlich dazu in der Lage, einfach zu zeichnen oder gut zu malen. Sie müssen auch über diese Fähigkeiten verfügen: geeignete Farbe verwenden, die gleichen Zeichen konsistent zeichnen, Zeichen in einer Vielzahl von Posen, Mimik und Einstellungen, in der Lage, Illustrationen zu erstellen, die passen gut mit dem Manuskript zusammen und fügen zusätzliche Bedeutung hinzu und nicht nur wiederholende Wörter, und Kenntnisse über Buchgröße, Formate, Anzahl der Seiten, Buchstruktur und Textplatzierung. Das Wichtigste in Bilderbüchern ist wie die geschriebene Geschichte und die illustrierte Geschichte zusammenwirken. Ein Autor des Master-Bilderbuchs lässt dem Illustrator Raum , um Leerzeichen auszufüllen und die Geschichte mit den Bildern zu erweitern. Oft werden einige der erfolgreichsten Bilderbücher von derselben Person erstellt , die als Schriftsteller und Illustrator fungiert. Auf diese Weise sind sie in der Lage, die beiden vollständig zu mischen und sie zusammen zu arbeiten, um eine Geschichte zu erzählen. Ein aktuelles Lieblingsbeispiel dafür ist das Buch Beekle von Dan Santat. Sieh dir diese Ausbreitung von Beekle an. Die einzigen Worte auf dieser Seite sind : 'Er hat das Unvorstellbare getan.“ Der Rest der Geschichte und die Verbreitung wird vollständig durch das Bild erzählt. Ohne die Illustration hätten wir keine Ahnung, was Beekle getan hat. Die beiden Geschichten hier arbeiten wirklich zusammen, um die komplette Geschichte zu erzählen. Decalage ist eine Technik, die die Disparität zwischen Wort und Bild ist. Das Wort gibt eine Sache an, aber die Bilder geben eine andere an. Ein Beispiel dafür ist Kakadu von Quentin Blake. In diesem Buch sucht ein Mann nach seinen Vögeln in der ganzen Geschichte. Die Worte auf dieser Ausbreitung sagen: „Er kletterte auf eine Leiter und blitzte seine Fackel um den Dachboden. Sie waren nicht da.“ Aber schau hinter die kleinen Koffer. Auf dem Dachboden verstecken sich sechs Kakadus. Die Taktik, eine Sache zu sagen, aber eine andere zu zeigen , kann eine Menge Aufregung Absicht in das Buch bringen. Kinder lieben es, in der Lage zu sein, die Unterschiede für sich selbst auszusuchen und die wahre Geschichte durch die Bilder zu lesen. Lassen Sie uns einige der visuellen Elemente von Bilderbüchern erkunden. Zunächst einmal, seine Zusammensetzung. Richtung der Komposition ist ein wichtiger Aspekt von Bilderbüchern, die bei anderen Illustrationsarten nicht die gleiche Bedeutung haben . Die Illustrationen in einem Bilderbuch sollten Sie von links nach rechts auf jeder Seite und von Seite zu Seite durch das Buch führen . Dies kann subtil geschehen, indem Sie Ihre Komposition auf diese Weise organisieren, oder es kann klarer gemacht werden, indem Sie Ihre Charaktere zum Beispiel von links nach rechts über die Seite laufen. Hier ist ein Beispiel für eine starke Komposition von Illustratorin Marla Frazee in dem Buch „Seven Dumme Sisters“. Sehen Sie alle, jedes Element in dieser Komposition führt Sie von links nach rechts und sogar ein wenig nach unten in Richtung, wo an der Ecke der Seite wäre. Farbe und Weißraum können schnell die Emotionen und Stimmung der Geschichte kommunizieren. Weißer Raum ist auch ein guter Indikator für die Stimmung. Ein Beispiel für eine starke Verwendung von Farbe ist, The Tiny King von Taro Miura. Die lustige skurrile Stimmung der Geschichte wird dem Leser sofort durch die Verwendung von hellen kräftigen Farben vermittelt. Ein Beispiel für starken weißen Raum sind The Red Shoes von Gloria Fowler und illustriert von Sun Young Woo. An diesem Punkt in der Geschichte ist die Hauptfigur hier, den Tiefpunkt zu erleben. Dies wird durch die Illustration gezeigt, indem sie sie in der unteren Ecke der Seite platziert und sie mit leeren, einsamen weißen Raum umgibt. Da die Kombination von Wörtern und Bildern die Essenz von Bilderbüchern ist, ist Topographie ein wesentliches Element ihres Designs. Der Text kann traditionell in Strophen wie Poesie gesetzt werden, oder er kann abstrakter und integriert sein die Illustrationen Teil des Bildes selbst werden. Wie der Text Schriftsatz kann viel über die Geschichte kommunizieren. Ein Beispiel für eine starke Topographie ist Henri's Walk to Paris von Saul Bass. Genau wie eine Randnote hier, Saul Bass ist ein super berühmter Grafikdesigner, es ist keine Überraschung, dass sein Buch eine spektakuläre Topographie hat. Schau dir die Verbreitung von Henri's Walk nach Paris an und wie der Text für mich aussieht wie ein kleiner Rauch, der aus dem Schornstein kommt, aber er ist auf subtile Weise und nicht auf eine kitschige Art und Weise gemacht. Es lässt Sie sich nur gemütlich und warm fühlen, wenn Sie es betrachten. Die gewählte Perspektive einer Illustration vermittelt auch Emotion und Geschichte. Wenn wir auf einen Charakter hinabschauen, erscheinen sie oft als schüchtern, zweifelhaft oder verängstigt. Wenn wir auf einen Charakter schauen, scheinen sie mutig, aufgeregt und entschlossen zu sein. Das Zuschneiden der Illustration auf eine enge Aufnahme oder das Anzeigen einer Schwenklandschaft trägt ebenfalls zur Stimmung der Geschichte bei. Das Buch, Sophie's Fish hier von A.E Cannon gesehen und illustriert von Lee White ist ein großartiges Beispiel für die starke Verwendung der Perspektive. Schauen Sie sich die Verbreitung mit einem Overheadshot der Hauptfigur direkt im Moment der Geschichte an, wo er bereit ist, die Verantwortung zu übernehmen, den Fisch seines Freundes zu beobachten. Es gibt einen Hauch von Bedeutung in vielleicht einem ominösen Gefühl, nicht wahr? Bilderbücher existieren in jedem erdenklichen Stil. Die Kunst kann realistischer und weicher, oder abstrakt und lustig sein. Die Charaktere können ziemlich repräsentativ und unkompliziert sein, oder sogar cartoonish und seltsam. Ein Beispiel für eine starke Verwendung von Stil ist The Baby Tree von Sophie Blackall. In dieser Geschichte geht es darum, woher Babys kommen und die Bücher Antworten vereinen Realismus mit Fantasie. Jeder Spread hat eine realistische Erklärung auf der linken Seite, wo Sie sehen können, die Zeichnungen und Proportionen sind ziemlich realistisch mit dem Stil, der nicht zu verrückt ist. Nun, auf der rechten Seite, die ein wenig kindlicher von einer phantasievollen Erklärung ist, verwenden sie verrückten Stil und Proportionen. Dies ist ein großartiges Beispiel dafür, wie Stil die Geschichte betonen und spiegeln und helfen kann , die Geschichte klarer zu erzählen. Es gibt wirklich kein bevorzugtes Medium in Bilderbüchern. Du kannst benutzen, was immer du willst. Bilderbücher haben immer Bleistift, Stift, Tinte, Aquarell, Öl, Acryl, Collage, digitale Medien, alles verwendet. Manchmal verwenden die spannendsten Bilderbücher eine Kombination verschiedener Medien. Sieh dir dieses Buch an, Fox's Garden. Es ist alles aus Papier gemacht und dann als flache Illustrationen fotografiert, also ist wirklich alles bereit. 4. Dein Manuskript aufbauen: Auf meinem Manuskript habe ich hier die drei kleinen Schweine gedruckt , die Sie im Projektauftrag finden können. Sobald Sie es ausgedruckt haben, lesen Sie die Geschichte durch. Lesen Sie einfach durch, denken Sie nicht darüber nach, was Sie illustrieren werden, oder Charaktere oder so etwas. Lesen Sie einfach die Geschichte einmal durch und versuchen Sie, sie wirklich zu beobachten. Lesen Sie dann noch einmal durch und heben Sie hervor, was Ihrer Meinung die wichtigsten Teile der Geschichte sind. Das werde ich jetzt tun. Nun, ich habe meine lebenswichtigen Elemente hervorgehoben. Als nächstes werde ich alle Beschreibungen von Zeichen unterstreichen. Wenn Sie die Geschichte zum ersten Mal lesen, zeichnen oder unterstreichen Sie nichts. Aber das zweite Mal, wenn Sie die Charakterbeschreibungen und die vitalen Elemente unterstreichen , wenn Ihnen ein Bild in den Sinn kommt, gehen Sie weiter und notieren Sie es. Wenn ich ein Bild von diesem Koffer habe und ich mich daran erinnern möchte, was in meinem Kopf ist, geh einfach vor und zeichne es schnell. Verbringen Sie nicht viel Zeit damit, aber Sie können es genauso gut aus dem Kopf holen. Wenn Sie irgendwelche Gedanken über Illustrationen haben, können Sie diese auch notieren. Ich habe hier bemerkt, dass sie sehr viel kleines Schwein sagen. Vielleicht möchte ich, dass das Baby Schwein ist, und ich habe eine kleine Beschreibung, an die ich mich später erinnern kann. Sehen wir uns an, ob wir entscheiden können, was Akt 1 ist, Akt 2 und Akt 3. Das wird uns helfen, die Geschichte zu brechen. Akt man könnte entweder hinter der Linie sein, wenn ein Schwein trifft , das ein Narr ist, oder ich könnte es hinter die Linie setzen, ein Schwein, das sein Haus aus Stroh gebaut hat. Entweder kann man arbeiten. Moment werde ich es sagen, nachdem man ein Schwein trifft, das ein Narr ist. In dieser Geschichte ist Akt 1 sehr kurz. Dann all die Aktion, die wir so ziemlich wie Akt 2, das ist, wie Geschichte im Allgemeinen, wie Sie haben einen kurzen Akt 1, einen großen Akt 2, und einen kurzen Akt 3. Ich denke, Akt 3 beginnt danach und tötet ihn mit einem einzigen Schuss. Das ist so ziemlich der Höhepunkt unserer Geschichte. Jetzt, dass wir das erledigt haben. Wir können Linien zeichnen, wo wir denken, dass unsere Seitenumbrüche kommen könnten. Dies ist nur eine Übung, um den Text aufzuteilen. Du wirst in einem Storyboard mehr dazu bringen. Aber es ist gut, eine App zu tun, aus diesem mit dem roten Stift. Sie erhalten vielleicht nicht genau 32 Seiten oder schweben Spreads, die Sie später planen, aber es ist nur eine gute Übung, um die Texte selbst zu übertragen. Das gibt mir 21 Seiten. Wenn ich wirklich wollte, könnte ich zurückgehen und auf 32 abgerundet, aber ich werde das für jetzt verlassen, und ich werde mehr in die Geschichte mit dem Storyboard bringen. Es ist einfach gut, es jetzt in Stücke zu zerlegen, bevor Sie mit dem Zeichnen beginnen. Das war's für das Manuskript. 5. Kriterien für die Charakterentwicklung: Elemente der Charakterentwicklung. Es gibt ein paar wichtige Merkmale, die ein Illustrator haben oder verfeinern muss , um überzeugende Charaktere erstellen zu können. Sie müssen ein Interesse an menschlichen Persönlichkeiten haben und eine Fähigkeit, Persönlichkeit visuell darzustellen. Sie können helfen, diese Eigenschaften zu schärfen, indem Sie andere Menschen, aka Menschen beobachten so viel wie Sie können und üben, verschiedene Emotionen zu zeichnen. Auf einer Konferenz, an der ich kürzlich teilnahm, hörte ich einen der besten Ratschläge, die ich je erhalten habe. Bei dieser Konferenz reichte jeder Teilnehmer eine Illustration ein, und unsere Arbeit wurde für einige Augenblicke auf eine Leinwand projiziert. Einer nach dem anderen erzählte uns ein Panel unserer Regisseure sehr schnell ihren ersten Eindruck vom Stück. Eines der Dinge, die sie immer wieder wiederholt haben, war, dass zum Beispiel das Mädchen wie ein Mädchen aussieht anstatt DIESES Mädchens. Ihr Punkt war, was macht deinen Charakter anders als der nächste? Wie ist das ein einzigartiger Charakter, der uns wichtig ist und nicht nur ein anderes Mädchen? Wenn Sie eine Figur zeichnen, können Sie nicht einfach einen Körper zeichnen und damit fertig sein. Du entwickelst eine ganze kleine Kreatur oder eine Person mit Macken, Fehlern und Persönlichkeit, genau wie du und ich. Sie müssen ihre Persönlichkeit auf der Außenseite zeigen und versuchen, ihren wahren Charakter daran zu zeigen, wie sie gezeichnet werden und was ihre Proportionen sind, was sie tragen, wie sie lächeln, wie sie gehen, alles. Es ist ein großer Auftrag und harte Füße, aber es macht so viel Spaß. Ich habe drei Kriterien, nach denen ich in einem erfolgreichen Charakter suche. Die erste nenne ich Besonderheiten. Dies sind, was Ihren Charakter einzigartig machen, so dass von anderen Charakteren sofort identifiziert werden kann . Dies kann alles von einer Frisur wie einem Zopf oder einem bestimmten Accessoire wie einem rot gestreiften Hemd sein. Diese kleinen Besonderheiten und die Eigenheiten. Besonderheiten machen deinen Charakter auch einzigartig so dass er sofort von anderen Charakteren identifiziert werden kann. Dies könnte alles von einer Frisur wie einem Zopf oder einem bestimmten Accessoire, wie ein rot gestreiftes Hemd sein. Diese kleinen Besonderheiten können in Ihrem Gesicht und offensichtlich sein, wie geben Sie Ihrem Charakter unordentliche Haare zu zeigen, dass sie gruselig in der Natur und wilde Charaktereigenschaften sind . Aber es kann auch viel subtiler sein. Es sind oft diese subtilen Berührungen, die wirklich Persönlichkeit und Realismus in Ihre Charaktere einflößen. All diese Aspekte der Charakterentwicklung, von denen ich spreche, treten auch in anderen Kunstformen auf. Einer meiner Lieblings-Charakter-Meister ist der legendäre Miyazaki. Nehmen Sie zum Helden aus dem Film Spirited Away. Sie ist eines meiner Lieblingsbeispiele für subtile Eigenheiten in einem Charakter. Es gibt eine Szene in Spirited Away, wo Chihiro im Heizraum eines Badehauses ist. Sie zieht ihre Schuhe an und geht weg. Es ist einfach. Aber sie rutscht nicht einfach in die Schuhe, sie gleitet sie weiter, macht einen Schritt und klopft dann den Zeh auf den Boden. In diesem Moment mit dieser kleinen Bewegung, lässt sie wie eine echte Person erscheinen. Oder sehen Sie sich diese Zeichnungen von Chihiros Eltern an, die essen. Sie können nur ihren Rücken sehen und alles, was sie tun, ist sich hinzusetzen, aber Sie können sofort sehen, wie ihre Persönlichkeiten und Eigenarten durchkommen. Hinzufügen in diesen Besonderheiten, geben Realismus, um Ihre Charaktere, was wichtig ist und Ihre Leser in der Lage, mit den Charakteren zu identifizieren. Es ist auch wichtig, wenn deine Geschichte eine Fantasie oder magische Geschichte ist, wie Spirited Away, denn die Berührung der Realität macht sie viel glaubwürdiger. Denken Sie daran, sagen Sie nicht, dass Ihr Charakter schüchtern oder chaotisch oder willensstark ist , SHOW IT. Mein zweites Kriterium für einen erfolgreichen Charakter sind Möglichkeiten. Dein Charakter sollte viele Möglichkeiten haben. Dies bedeutet, dass sie in der Lage sein sollten, eine Vielzahl von Emotionen, Posen darzustellen und in jeder Situation durchzuführen. Eine Sache, die Sie in Betracht ziehen möchten, ist, dass Sie vielleicht nicht wollen, um Ihren Charakter Hut, der seine Augen bedeckt, zu geben, da dies würde seine Palette von Ausdrücken und Möglichkeiten viel begrenzter machen. Sie müssen auch erkennen, dass Sie diesen Charakter ein Bajillion Mal zeichnen werden . In dieser Charakterentwicklungsphase wirst du sie immer wieder zeichnen, aber du musst auch das ganze Buch machen. Das bedeutet, dass Sie sie wahrscheinlich auf jeder Seite beitreten werden , also ist das 32 Mal für das letzte Buch. Dann müssen Sie die zahlreichen Versionen von Storyboards, Skizzen und Dummys zählen. Ich sage nicht, zeichnen Sie einen einfachen Charakter, nur um Ihnen das Leben leicht zu machen, aber es ist etwas zu berücksichtigen. Vielleicht, wenn Ihre Hauptfigur ein Drache ist, können Sie überlegen, wie Sie seine Schuppen zeichnen. Wenn es möglich ist, jede Skala auf seinem Körper zu zeichnen, jedes Mal, wenn Sie ihn zeichnen. Es gibt wahrscheinlich einen besseren Weg, um die Waagen visuell darzustellen. Schließlich sollte dein Charakter ansprechend sein. Ursprünglich möchte ich sympathisch sagen, aber ich glaube nicht, dass das eine automatische gegeben ist. Dein Charakter könnte als Tyrann oder Görn beginnen, aber durch eine Transformation gehen, um auf der anderen Seite sympathisch zu kommen. Außerdem denke ich nicht, dass ein Charakter sympathisch sein muss, um ein großartiger Charakter zu sein. Ihre Hauptfigur, nehme ich an, sollte sympathisch sein, also kümmern sich die Leser darum, was mit ihm in der Geschichte passiert. Aber was ist mit Cruella Deville? Du solltest sie nicht mögen, aber sie ist eine erstaunliche Figur. Wie auch immer, ich denke, ansprechend ist ein besseres Wort. Dies bedeutet, dass Ihr Charakter realistisch, originell und fehlerhaft sein sollte. Wir haben vorhin über Realismus mit Besonderheiten gesprochen. Original sollte ziemlich offensichtlich sein, aber fehlerhaft? Ihre Charaktere müssen unbedingt fehlerhaft sein. Niemand ist perfekt, und niemand will über einen perfekten Charakter zu lesen, das wäre langweilig. Ich weiß nicht, wie es dir geht, aber ich kann mich nicht mit jemandem verbinden, der perfekt ist. Stellen Sie sicher, dass Ihr Charakter einige Fehler hat, genau wie echte Menschen. Vielleicht ist sie nicht so zuversichtlich, vielleicht ist er ungeschickt und vergisst immer, Schuhe zu binden. Lassen Sie uns durch einige Komponenten eines Charakters gehen. Zuerst haben wir die Körperproportionen. Die Proportionen eines Charakters können viel direkt von hinten darüber kommunizieren, wer sie sind. Bestimmte Geschichten erfordern bestimmte Proportionen. Eine ernstere Geschichte könnte für realistischere Proportionen erfordern, während eine eher eine schrullige Geschichte, kann mehr Offbeat Proportionen wie große Köpfe und große Augen verwenden. Jüngere Charaktere haben in der Regel größere Köpfe und größere Augen, die tiefer im Gesicht liegen. Ältere Charaktere haben in der Regel kleinere Köpfe und kleinere Augen, die höher im Gesicht sind. Wie bei echten Menschen, erzählt uns unsere Charaktere sofort viel darüber, wer die Person ist. Wahl der Kleidung als Ausdruck für uns alle. Was du trägst, sagt etwas darüber aus, wer du bist und wie du dich an diesem Tag fühlst. deinen Charakteren ist es nicht anders. Was dein Charakter trägt, kann dem Leser leicht sagen , ob dein Charakter ein Gänsekind oder mädchenhaftes Mädchen, unordentliches Kind oder prim und richtig, exzentrisch oder durchschnittlich ist. Das Gesicht eines Charakters ist oft das beste Kommunikationstool, um Emotionen darzustellen. Keine Person oder Charakter drückt die gleiche Emotion auf die gleiche Weise aus. Wenn Sie sich einen Charakter ansehen, denken Sie über einige dieser Aspekte nach. Wie sind die Gesichtszüge angeordnet, wie groß ist ihr Mund, wo sind die Augen und wie groß sind sie, was machen ihre Augenbrauen? Manchmal können sogar Haare als Gesichtsmerkmal wie Chihiro hier in Spirited Away verwendet werden. In einem Bilderbuch ist es normalerweise nicht unbedingt notwendig, deine Charaktere vollständig anatomisch korrekt zu zeichnen, aber du willst, dass sie erkennbar und glaubwürdig sind. Versuchen Sie, Ihre Posen etwas in der Realität basiert zu machen, auch wenn Ihre Charakterproportionen nicht sind. Konzentrieren Sie sich auf die Geste der Pose, anstatt alle Körperteile richtig zu machen. Die Pose ein wenig zu übertreiben, wird auch dazu beitragen , mehr Emotionen und Aufregung in die Zeichnung zu bringen. Sub-Charaktere können auch viel visuelles Interesse zu Ihrer Geschichte hinzufügen, sowie sekundäre Mini-Erzählung hinzufügen , die nur in den Bildern und nicht in den Wörtern ist. Sie geben dem Kind auch eine besondere Erzählung, die es selbst mitverfolgen kann , ohne lesen zu müssen. Zum Beispiel könnten Sie eine kleine Katze Begleiter zu Ihrer Hauptfigur haben , die nie in den Worten der Geschichte erwähnt wird, aber ist immer da in den Bildern, vielleicht erkennen eigene Gewohnheit oder einfach nur durch die Hauptfigur Seite. 6. So experimentierst du: Lassen Sie uns in den Charakterentwicklungsprozess eintauchen. Wenn ich mit meiner eigenen Originalgeschichte arbeite, schreibe ich lieber zuerst meine Geschichte und bekomme sie so perfekt wie möglich. Obwohl meine Geschichte oft von einer Illustration inspiriert ist, die ich zuvor gezeichnet habe. Für meinen Prozess ist es wichtig für mich, zuerst eine gute Geschichte zu haben , und dann kommen die Charaktere und Visuals nach. Aber oft, wenn ich die Geschichte fertig und beginne zu illustrieren, ändert sich auch die Story-Linie, also ist es ein bisschen von hin und her. Es gibt keinen richtigen oder falschen Prozess, jeder hat seinen eigenen und Sie sollten mit verschiedenen experimentieren , bis Sie diejenige finden, die am besten für Sie funktioniert. Einige andere Illustratoren ziehen es vor, zuerst zu zeichnen und einige bevorzugen es, zuerst zu schreiben. Für diesen Kurs stütze ich mich auf meinen eigenen Prozess, denn das weiß ich und wir arbeiten mit diesem Manuskript, das bereits von Roald Dahl geschrieben wurde. Wir werden uns darauf konzentrieren, nur einen Charakter zu zeichnen. Sie können einen beliebigen Charakter aus dieser Geschichte wählen, Sie können Rotkäppchen oder den Wolf oder eines der Schweine wählen. Ich werde das dritte Schwein wählen, das, das am Ende einen Kampf ausführt und das, das Red Riding Hood anruft. Mein erster Tipp ist, billiges Papier oder ein billiges Skizzenbuch für Ihre Charakterzeichnungen zu verwenden. Sie wollen keinen Druck haben, eine gute Zeichnung zu machen. Im Moment konzentrieren Sie sich nur darauf, alles aus dem Kopf zu bekommen und nur mit verschiedenen Dingen zu experimentieren, genau das, was Sie in Ihrem Kopf haben, wie ein Schwein aussieht. Ich fand, dass, wenn Sie in einem teuren Skizzenbuch wie eine Moleskine zeichnen, ich neige dazu, sich zu verspannen und ich mache mir Sorgen alles gut aussieht, weil ich ein teures Papier verschwende. Hier habe ich nur einen Stapel Computerpapier, von dem ich nicht weiß, dass es ein paar Dollar kostet , und so gibt es keinen Druck für mich, ein gutes Bild zu machen, ich zeichne gerade gerade jetzt. Die ersten Dinge, die Sie zeichnen, werden wahrscheinlich ziemlich langweilig sein. Das ist jedermanns Vorstellung von einem Schwein, das ist nicht so gut, aber ich muss es nur aus meinem Kopf holen , denn das sehe ich gerade. Sobald Sie die langweiligen Dinge zeichnen, dann, wenn Sie weiter experimentieren, werden Sie in interessantere und originelle Dinge bekommen, aber jeder hat langweilige Ideen zu beginnen. Sehen Sie jetzt, ich weiß, dass ich nicht weiß, wie ein Schweine Hinterfüße aussehen, also weiß ich, dass das etwas sein muss, das ich später recherchiere. Mach dir keine Sorgen über das Löschen oder irgendetwas, zeichne einfach. Manchmal ist es an dieser Stelle sogar gut, ohne Radiergummi zu zeichnen. Sie können beginnen, über die Emotion oder Stimmung Ihres Charakters nachzudenken, was er in der Geschichte tut. Dieser scheint nicht so viel Angst vor den anderen Schweinen zu haben, er scheint ein bisschen mehr Wille zu haben, in seiner Geschichte zu leben. Sie können beginnen, einige andere Dinge zu zeichnen, die in der Geschichte passieren. Wir haben uns zu sehr auf andere Objekte konzentriert, ich werde dieses Telefon in Ruhe lassen müssen. Aber Sie können sehen, wie sich diese Szenen mit diesem Charakter abspielen 7. Referenzen recherchieren: Visuelle Referenzen sind wirklich wichtig in der Charakterentwicklung, und sie können Ihre Phantasie realer anfühlen. Sie können Referenzen für Charaktere, Einstellungen, Mimik, Posen, Tiere, alles verwenden. Sie wollen die Bilder nicht kopieren, Sie wollen sie nur verwenden, um Ihnen zu helfen, die Realität zu verstehen. Sie sollten versuchen, nach einer genauen objektiven Fotografie für Ihre Referenzen zu suchen. Subjektive Bilder wie Illustrationen repräsentieren die Interpretation der Realität des Künstlers, und Sie wollen ihre Interpretation nicht zeichnen, Sie wollen Ihre eigene Interpretation zeichnen. Für dieses Manuskript, die drei kleinen Schweine, werde ich Schweine recherchieren. Mein Charakter ist ein Schwein. Ich weiß, wie ein Schwein aussieht, aber ich habe kein gutes Verständnis für die Realität der Schweine. Ich verwende Pinterest gerne, um alle meine Bilder für die Charakterentwicklung zu organisieren. Du kannst Bilder von überall im Internet anheften, du musst nicht auf Pinterest bleiben. Aber deine Charakter- und Entwicklungsbilder auf Pinterest zu halten , ist eine gute Möglichkeit, sie zu organisieren. Sie können die Bilder in Brettern organisieren, und Sie können auch geheime Bretter haben, so dass andere Leute nicht alle Ihre Bilder von Schweinen betrachten müssen. Denken Sie daran, wir erforschen hier die Realität, nicht, wie andere Menschen Schweine gezogen haben. 8. Deine Charaktere verfeinern: Also haben wir jetzt unsere ersten Experimente der Charakterentwicklung gemacht und wir haben unsere visuellen Referenzen. Wir werden diese Informationen jetzt nehmen und kombinieren und verfeinern. Also alle Elemente aus meinen ursprünglichen Skizzen, die ich mochte, werde ich immer wieder auf diese ziehen und mit denen experimentieren und ich werde die Dinge, die ich für seltsam halte, das ist eine Menge Dinge. Ich werde meine Referenzen um mich behalten, damit ich sehen kann, wie ein echtes Schwein aussieht und nicht so wackelige Ohren und seltsame Nasen haben kann. Eine andere Sache, über die wir nachdenken wollen, ist die Haltung unseres Charakters. Das Schwein, das ich zeichne, anstatt nur zu quietschen, versucht er, für sich einzutreten, und er sagt dem Wolf, dass er eine Menge Puff brauchen wird, um sein Haus zu sprengen. Also hat er sich ein bisschen an seinen Charakter geknallt. Ich möchte sicherstellen, dass das in den Bildern passiert, weil es nicht in den Worten erklärt wird. Also könnte ich das Schwein in verschiedenen Posen ausprobieren, wo er ein wenig spunky aussieht. Sie möchten auch das Alter Ihres Charakters berücksichtigen. In dieser Geschichte bezieht es sich auf die Schweine als kleine Schweine, aber wir sind nicht wirklich sicher, welches Alter. Also denke ich, es kann mehrdeutig sein. Diese Schweine könnten wirklich jede Reichweite sein, aber sie sehen jung aus. Sie möchten auch extreme Versionen Ihres Charakters abfangen. Schieben Sie die Elemente des Charakters so weit wie möglich. Zum Beispiel könnte die Nase wirklich riesig sein, oder die Ohren können wirklich klein sein, oder die Nase könnte wirklich klein sein und die Ohren könnten wirklich riesig sein. Zusammen mit schieben Sie Ihren Charakter bis ins Extreme, kommt das Experimentieren mit Körperproportionen. Geben Sie Ihren Charakteren unrealistische Proportionen verleiht Ihrer Geschichte ein Gefühl von Fantasie und Laune. Beginnen Sie mit dem Experimentieren, wie sich Ihr Charakter bewegen wird. Drehen Sie sie in jeder Pose, die Sie sich vorstellen können. Sie möchten auch über Kostümierung nachdenken. Das ist ein Schwein, aber er könnte Kleidung tragen. Wir könnten ihm einen Hut geben. Die Geschichte sagt nicht, ob das Schwein männlich oder weiblich ist, also liegt es an uns, zu entscheiden. Sie können es mehrdeutig machen, wie die, die ich bisher gezeichnet habe, oder Sie können versuchen, es offensichtlicher zu machen , wie immer Sie es wollen. Sie können jetzt sehen, dass ich jetzt mehr von einem Charakter zu bekommen, anstatt nur ein Schwein. Je mehr man also einen Charakter zeichnet, desto mehr lernt man sie kennen und sie werden wirklich lebendig werden. Sobald Sie auf diese Bühne kommenund den Charakter immer wieder zeichnen, und den Charakter immer wieder zeichnen, wird es viel einfacher, weil Sie beginnen, ein Gefühl zu bekommen , wer sie sind und wohin sie wollen, dass Sie gehen. Also von hier aus, einfach weiter zu zeichnen und wir gehen zu unserem Charaktermodell Schafe. 9. Figurenmodellbogen: Sobald Sie genug experimentiert haben und sich für Ihr endgültiges Charakterdesign entschieden haben, nehmen Sie diesen Charakter und erstellen nehmen Sie diesen Charakter und erstellenSie ein Zeichenmodellblatt, das Sie als Referenz für den Rest Ihres Buches verwenden können. Richten Sie Ihr Papier einfach mit Linien für die Körperproportionen auf, für die Sie sich bereits entschieden haben, und zeichnen Sie dann Ihren Charakter aus der Vorder-, Rücken-, Seiten- und Dreiviertelansicht. Hier ist mein Modellblatt, das ich für Schweinchen Nummer drei gemacht habe, basierend auf meinen Charakterzeichnungen. Ich habe es zuerst mit Bleistift gemacht und dann habe ich es mit Stift umrissen. Es ist also etwas sauberer und ich sehe all die kleinen Details. Ich habe von vorne, von der Seite, von der Rückseite und von der Dreiviertelansicht bekommen . Dies hilft Ihnen wirklich, die Teile Ihres Charakters zu analysieren und sicherzustellen, dass Sie wissen, wie Schweinchen von hinten aussehen, wie seine Beine von der Seite aussehen werden. Verschiedene Dinge, über die Sie vielleicht nicht anders denken, aber Sie müssen für Ihr ganzes Buch wissen. Wenn Sie später mit der Arbeit an den endgültigen Illustrationen beginnen, können Sie zu Ihrem Zeichenmodellblatt zurückkehren und Farbe und Textur für ein aktualisiertes Zeichenmodellblatt hinzufügen , wenn Sie möchten. Gehen wir zum Storyboard. 10. Storyboard-Elemente: Ein Storyboard ist ein visuelles Thumbnail-Layout Ihres gesamten Buches. Es ist ein Tool, mit dem Sie das Layout Ihres Buches durchdenken und planen können. Storyboards können Sie sehen, wie Sie beginnen Fortschritte, um Sie, weil eine ganze Hilfe brechen Geschichte, um das Format passen, großen Rhythmus und Bewegung, denn ich bin Komposition und Design, die Details, und sorgen für Balance und Tempo. Bevor wir uns darum kümmern, wie Sie Ihr Storyboard erstellen, schauen wir uns einige Arten von Illustrationen an. Wir haben vier Typen, die wir übergehen werden. Boxed, Vignetten, Flecken und volle Blutungen. Schauen wir uns zuerst die abgebildeten Illustrationen an. Dafür werde ich Ihnen zeigen, wo die andere Sache ist, von Marie Sivek. Er verwendet am Anfang seines Buches Box-Illustrationen, und eine Box-Illustration ist eine Illustration, die einen Rahmen hat und sich nicht bis zu den Seitenrändern erstreckt. So haben Sie immer einen Leerraum um die Illustration herum. Eine boxed Illustration muss nicht unbedingt den ganzen Weg im Rahmen bleiben. Sie können hier sehen, dass einige der Blätter beginnen, nur ein wenig aus dem Rahmen zu springen. Ein weiteres Beispiel für Box-Illustrationen ist der Jolly Christmas Postman von Janet und Alan Ahlberg. Hier können Sie sehen, dass sie Box-Illustrationen mit dem kleinen Rahmen um die Illustration verwenden . Sie können entweder einen Rahmen haben oder nicht. Die nächste Art von Illustrationen sind Vignetten und Beatrix Potter, die Autorin und Illustratorin von The Tale of Peter Rabbit, ist wie der Meister der Vignetten. Sie verwendet Vignetten in fast allen Illustrationen. Eine Vignette ist eine Illustration, deren Kanten in das Weiß verblassen. Hier können Sie sehen, dass es sich nicht um eine boxed Illustration handelt, da es keine definierte Kante um die Illustration herum gibt. Es verblasst hier raus, die Ränder in den weißen Raum. Die nächste Abbildung ist Punkt-Illustrationen. Spot-Illustrationen sind kleine, frei schwebende Illustrationen, die keinen Hintergrund haben. Zum Beispiel werde ich Ihnen die wahre Geschichte der drei kleinen Schweine zeigen , die [unhörbar] von Lane Smith illustriert werden. Hier ist ein Beispiel für eine Spot-Illustration. Es ist frei schweben, es ist an nichts gebunden, es ist klein und es hat keinen Hintergrund. Ein bisschen wie eine Vignette. Der nächste Typ der Illustration als Fließ-Bleep. Dafür werde ich Ihnen mein Lieblingsbuch zeigen, Max Deluxe von Mayor Coleman. Sie verwendet vollwertige Abbildungen auf fast jeder Seite. Hier ist ein Beispiel, wer voll blutet, das ist eigentlich auch voll verbreitet. Das bedeutet, dass sich die Abbildung bis zu den Seitenrändern erstreckt und an ihnen vorbei verläuft und die gesamte Seite oder den gesamten Druckbogen ausfüllt. Es könnte eine vollständige Illustration über die gesamte Verbreitung so sein, oder es könnte zwei separate Illustrationen sein. Dies ist voller Beschnitt auf der Seite und voller Beschnitt auf der Seite. Vollblutbilder werden oft verwendet, um das Drama zu erhöhen und werden oft in den Höhepunkt der Geschichte verwendet. Schließlich müssen Sie nicht nur eine Art von Illustration auswählen. Sie können und sollten es vermischen und kombinieren Sie sie in Ihrem ganzen Buch. Ein gutes Beispiel dafür ist die Lokomotive von Brian Floca, die in diesem Jahr tatsächlich den Couple Award gewonnen hat. Er macht ein großartiges Beispiel für die Verwendung einiger Vignette, die auf der Seite voll bluten würde. Ein bisschen auf der Seite Vignette. Dann verwendet er in Momenten des Dramas oder wie erhöhter Aufregung eher eine volle Blutung. Er macht einen wirklich guten Job, sie in der Seite und dem Design zu kombinieren. Sehen Sie, das hat eine Menge Drama in diesem Bild. Das war's also. Das sind die Arten von Illustrationen und Bilderbüchern. Denken Sie daran, Sie möchten versuchen, sie zu kaufen und sie in Ihrem Storyboard zu kombinieren. Sie müssen nur Rhythmus und Tempo schaffen. 11. Dein Storyboard aufsetzen: Ich arbeite in der Regel durch sechs Phasen, wenn ich Storyboard. Zuerst habe ich mein Storyboard eingerichtet. Zweitens, ich breche die Geschichte auf. Drittens konzentriere ich mich auf Komposition und Rhythmus. Viertens konzentriere ich mich auf Bewegung und Tempo. Fünftens analysiere ich für Wiederholung, und schließlich erstelle ich einen winzigen Dummy. Zwischen diesen Phasen können mehrere Storyboard-Versionen sein, und nach dem Dummy muss ich möglicherweise zurückgehen und die Storyboards mehr überarbeiten. Lass uns reinspringen und sie in Aktion sehen. Ich habe meine Storyboard-Vorlage angehängt, mit der ich meine Storys im Projektzuweisungsabschnitt planen kann. Sie können diese Vorlage für Ihr Storyboard verwenden oder Ihre eigene erstellen, wenn Sie möchten. Für diese Tabletten gibt es drei Optionen. Querformat, Hochformat oder Quadrat. Sie müssen sich nicht ganz sicher sein, welche Größe Ihr endgültiges Buch haben wird. Sie sollten eine Größe auswählen und damit arbeiten. Der Herausgeber und der Designer arbeiten mit Ihnen zusammen, um die Größe Ihres Buches abzuschließen, wenn es übernommen wird. Was Sie wissen müssen, ist, ob das Buch als Querformat oder Porträt ausgerichtet sein würde. Regel setzen Sie Ihre Bücher mit vielen weiten Aussichten und Einstellungen wäre im Querformat, und Bücher mit größeren Elementen wie Wolkenkratzern oder Bäumen können besser im Portrait funktionieren. Es liegt an Ihnen und lohnt sich, mit zu experimentieren. Maße und Bücher, die Sie mögen und sehen, wie die Illustrationen in ihre Proportionen passen. Ich ziehe es vor, Storyboarding sehr klein zu starten, wie die Thumbnails auf dieser Vorlage, denn wenn ich zu groß mag, verbringe ich am Ende zu viel Zeit mit dem Zeichnen von Details. Zumindest für Ihre ersten Storyboards sollten Sie sich auf das Gesamtlayout und das Design, die Platzierung von Elementen und die Gesamtbreite konzentrieren , nicht auf spezifische Details. Ich finde, dass die Arbeit klein hilft, mich konzentriert zu halten. Also habe ich hier meine Storyboard-Vorlage, und alle Seiten sind bereits nummeriert, von Seite eins hier bis zu Seite 32. Das erste, was wir tun werden, ist, die vordere Angelegenheit aufzustellen. Sie werden sich aus der letzten Klasse daran erinnern, dass die ersten zwei bis vier Seiten in Ihrem Bilderbuch für die vordere Materie reserviert sind. Dazu gehören Titel, Autor und Illustratornamen, vielleicht ein halber Titel, Verlag, Urheberrecht und Widmung. Sie auf Ihrer Vorlage LassenSie auf Ihrer Vorlagezunächst die ersten Seiten leer und beginnen Sie Ihre Geschichte entweder auf Seite 3 oder Seite 5, je nachdem, wie viel Platz Sie denken, Sie benötigen. Du kannst es immer in einem zukünftigen Storyboard ändern, sobald du anfängst, deine Story aufzuteilen. Ich denke, für diese Geschichte werde ich auf Seite 5 beginnen. Also werde ich sagen, das ist mein halber Titel. Dies ist meine Titelseite mit meinen Copyright-Informationen hier, und dann wird meine Widmung wahrscheinlich genau hier gehen. Jetzt kann ich anfangen, an meiner Geschichte auf Seite fünf zu arbeiten. 12. Deine Geschichte aufbauen: Gehen wir also zu Schritt zwei und brechen die Geschichte auf. Sie müssen wahrscheinlich mehrere Storyboards zeichnen, bevor Sie die Geschichte am besten in Ihr Bilderbuchformat passen. Es sei denn, du hast den Schriftsteller-Dummy in der letzten Klasse gemacht und es total genagelt. In dieser ersten Phase, Ihre Ziele zu entscheiden, welcher Teil der Geschichte wird auf jeder Seite zu gehen, was zu illustrieren und was nicht zu illustrieren. Moment möchten Sie sich nicht darauf konzentrieren, schöne Bilder zu zeichnen und sich nicht einmal um die Komposition zu kümmern. Wir brechen nur auf und passen die Geschichte in das Format ein und reorganisieren die Struktur. Niemand würde dasselbe Storyboard für die gleiche Geschichte zeichnen. Jeder wird es anders interpretieren und verschiedene Aspekte auswählen, die hervorgehoben werden sollen. Wenn Sie darüber nachdenken, wie Sie Ihre Geschichte aufbrechen können, wie wir es zuvor im Manuskript getan haben , betrachten Sie Punkte des Dramas, Handlungen, die für die Geschichte wichtig sind , emotionale Momente und Momente, die vollständig im Text beschrieben sind. Also wollen Sie einfach durchgehen und Sie können Ihr Manuskript bei sich haben , an dem wir bereits früher gearbeitet haben. Gehen Sie einfach durch und skizzieren Sie das gesamte Buch mit sehr groben Zeichnungen, versuchen Sie nicht von Details abgelenkt zu werden. In jeder Abbildung ist das, was Sie nicht zeichnen, genauso wichtig wie das, was Sie zeichnen. Manche Dinge werden vom Leser besser unbemerkt gelassen. Zum Beispiel wird Marx's Mutter in dem Buch „Wo die wilden Dinge sind “ nie gezeichnet oder gezeigt, obwohl sie ein sehr wichtiger Teil der Geschichte ist. Die Mutter unsichtbar zu halten, erlaubt es ihr, mehr ein Konzept als ein Charakter zu sein und ermöglicht möglicherweise mehr Kinder, sich zu beziehen. Denken Sie daran, wenn das Bild überhaupt sagen kann, dann werden keine Worte benötigt. Also werde ich mit meinem ersten Storyboard beginnen. 13. Rhythmus und Tempo schaffen: Jetzt, da du deine Geschichte zerbrochen hast, ist der nächste Schritt, deine Kompositionen und deinen Rhythmus zu verfeinern. Betrachten Sie Ihre Verwendung von vollem Beschnitt, wie hier, Vignetten wie hier, und stellen Sie Illustrationen wie hier in Ihrem Buch vor. Intelligente Bilder wie Spots und Vignetten neigen dazu, einige Momente zu vermuten, während große Bilder eher für dramatischere Momente reserviert sind. Während Sie zeichnen, sollten Sie auch beginnen, zu überlegen, wo der Text platziert wird, und genügend Platz für Sie zum Lesen lassen. Sie können an einigen Stellen sehen, an denen mir der Platz ausgeht und in meiner nächsten Version werde ich die Dinge etwas bewegen müssen, um Platz für den Text zu schaffen. An dieser Stelle möchte ich nur eine Zeile für jede Textzeile setzen. Es gibt keine Notwendigkeit, die Briefe auszuschreiben und ich kann sie wahrscheinlich sowieso nicht so klein schreiben. Wenn Sie Ihre Spreads im nächsten Storyboard zeichnen, ist es manchmal hilfreich, jeden Bildausschnitt als Filmrahmen zu betrachten , den Sie über das Kameraobjektiv sehen. Solltest du auf den Charakter hinabschauen? Abeet sie, Nahaufnahme, weit weg. Blickpunkte können Emotion und Drama schnell kommunizieren, und Sie möchten in der Lage sein, eine Vielzahl von Gesichtspunkten und Kompositionen zu verwenden , um Rhythmus durch Ihre Geschichte zu schaffen. Denken Sie auch daran, sich der Rinne auf jedem Spread bewusst zu sein. Sie möchten keine wichtigen Elemente in der Dachrinne jeder Seite platzieren da ein wenig von der Seite in die Dachrinne gesaugt wird, wenn das Buch gebunden ist. Zum Beispiel möchten Sie das Gesicht Ihres Charakters nicht direkt über die Gosse zeichnen. Sagen Sie, das ist eine Nahaufnahme von meinem kleinen Schwein. Wenn ich die Ausbreitung so zeichnen würde, würde seine Nase in die Rinne gesaugt, und ein Teil davon wird wahrscheinlich so viel abgeschnitten. Sogar seine Augen könnten etwas verzerrt sein. Du willst wirklich nichts Superwichtiges direkt auf die Gosse setzen. Aber es ist gut, die Rinne mit Bildern zu überqueren , denn das kann sehr dynamisch sein und Ihr Auge über die Seite führen. Eine gute Möglichkeit, Ihren Rhythmus zu sehen und zu verfeinern, ist, Ihr Storyboard neu zu zeichnen, nur mit den großen Elementen. So können Sie sich auf das Gesamtdesign und die Komposition konzentrieren, anstatt auf die Charaktere und Details. Bevor ich mit dem Rhythmus beginne, werde ich mein gesamtes Storyboard neu zeichnen und mich auf die Komposition konzentrieren. Ich werde mir die Elemente in der Spread ansehen und sie mit nur ein wenig mehr Details neu zeichnen und einige Dinge fein abstimmen, wenn ich mehr Platz für Text schaffen muss, oder etwas nach unten drücken muss, so dass das Gesamtdesign des Spreads mehr ist erfreulich. Ich werde jetzt damit anfangen. Sobald du deine Komposition fertig hast, schauen wir uns wenigstens für diese Runde den Rhythmus unseres Storyboards an. Eine gute Möglichkeit, den Rhythmus Ihres Storyboards zu sehen und zu verfeinern, besteht darin, Ihr Storyboard mit nur den großen Elementen erneut zu zeichnen. So können Sie sich auf das Gesamtdesign und die Komposition konzentrieren und nicht auf die Figuren im Detail. Rhythmus und Tempo werden oft durch die Größe Ihrer Bilder bestimmt. Sehen Sie sich Ihre Verwendung von Vignetten, Flecken oder Vollrassen-Illustrationen an. Es ist, als ob jede Illustration oder jedes Element ein Beat ist, und Sie müssen sie ausräumen, so dass sie in einem Rhythmus zusammenfließen. Ich werde ein weiteres Storyboard bekommen und ich werde das nur mit den großen Elementen neu zeichnen . Ich werde seine Nase und seine Augen nicht zeichnen. Ich werde nur einen Kreis oder eine Form für jedes Element zeichnen. Jetzt können Sie die großen Elemente meiner Komposition für jeden Spread und das ganze Buch sehen. Es ist wirklich interessant, es so zu betrachten, weil man sehen kann , wie die Illustration fließt, wie der Rhythmus fließt. Wenn Sie zu viel von der gleichen Form haben, zu viele volle Rassen. Ich denke, dieser hier hat eine ziemlich gute Balance. Ich könnte versuchen, etwas mit diesen beiden zu tun, um sie nicht so sehr hervorzuheben. Es ist mehr für den Fortschritt von kleineren Bildern zu größeren Bildern. Ich mache das hier mit den Schweinen, die durch das Fenster schauen. Dieses Schwein Fenster ist sehr klein, dieses Schwein Fenster ist größer und das Schwein, das eigentlich versucht, für sich selbst zu stehen, ist das größte Fenster. Sie können diese Rhythmen und Gleichgewichte in Ihrer Komposition haben , um Ihrer Geschichte eine zusätzliche Bedeutung zu verleihen. Betrachten Sie den Rhythmus insgesamt, und entscheiden Sie, ob Sie etwas ändern müssen, und Sie können zurückgehen und Ihre Komposition und Ihr gesamtes Storyboard so viel wie Sie brauchen. 14. Bewegungen schaffen: Jetzt, da wir starke Kompositionen und einen Rhythmus haben, schauen wir uns unser Storyboard an und konzentrieren uns auf die Bewegung innerhalb der Seiten und zeichnen sie aus dem gesamten Buch als Ganzes. Hier sind einige Fragen, die Sie sich stellen sollten, während Sie Ihr Storyboard analysieren. Ziehen Ihre Kompositionen Ihr Auge durch die Seite von links nach rechts? Haben Ihre Spreads sieht etwas vereinheitlicht und fließt zusammen als Ganzes? Sind Ihre Kompositionen dynamisch oder statisch? Bewegung und Tempo helfen, die Geschichte und Charaktere lebendig zu fühlen, aber sie bewegen auch die Geschichte entlang und können den Leser von Seite zu Seite schieben. Sie können einzelne Elemente in Ihrer Komposition wie Einstellung, Wetter oder Charaktere verwenden, um Bewegung hinzuzufügen. Zum Beispiel, in dieser Szene, wo der Wolf geht hinunter zum zweiten Haus. Diese Bewegung von ihm zu Fuß und die Zeichnung fließt so erzeugt Bewegung auf der ganzen Seite, und so trägt es Ihr Auge durch diese Seite, aber dann auch in die nächste Ausbreitung. Elemente wie diese verwenden und Ihre Charaktere sich durch die Seite bewegen , erzeugen Sie Bewegung in der Spread und machen sie dynamischer. Das Gesamtdesign Ihres Spreads kann auch Bewegung hinzufügen, indem Sie den Leser von links nach rechts durch den Spread und auf die nächste Seite ziehen. Sie können Spots und Vignetten für kleinere detaillierte Bewegungen wie hier verwenden , um die Geschichte zu beschleunigen, und ganzseitige Illustrationen wie hier. Dies sind zwei vollständige Beschnitt-Seiten für den Aufbau der Geschichte. Dann voll ausgebreitet, voller Blutung Illustrationen wie hier. Für Spitzen und Action. In einem Roman oder Kapitelbuch pausiert die Geschichte mit Absatzumbrüchen, Kommas und Perioden. In einem Bilderbuch pausiert die Geschichte zwischen Seiten und einem Druckbogen und zwischen den Seitenumbrüchen. Jede Ihrer ausgebreiteten Illustrationen muss also stark genug sein , um nicht nur die Geschichte zu kommunizieren, sondern auch den Leser dazu zu verleiten, die Seite zu drehen. Bewegung innerhalb der Spreads von links nach rechts ist eine Möglichkeit, den Leser zu locken. Bewegung innerhalb der Spreads von links nach rechts, wie hier zu sehen, ist eine Möglichkeit, den Leser zu locken, indem er sie direkt von dort, wo sie anfangen zu lesen, in die Seitenecke zu führen . Eine andere Möglichkeit, aufgereihte Seitenumdrehungen zu erzeugen, besteht darin Spreads mit einem Moment der Spannung oder Unsicherheit zu beenden. So ist der Leser versucht, die Seite zu drehen, zum Beispiel hier auf Seite 19, diese Ausbreitung endet die Linie wird gehufft und aufgeblasen und blau und blau. So wird der Leser dazu verleitet, die Seite zu drehen, weil wir wissen wollen, was passiert ist. Hat er über das Haus gejagt? Hat er das Schwein gegessen? - Wir wissen es nicht. Wir wollen die Seite drehen, um es herauszufinden. Nahaufnahmen werden oft in Momenten hoher Emotion oder Aktion, wie Hochgefühl oder Angst, verwendet. Zum Beispiel, wenn das dritte Schwein Rotkäppchen verursacht, vergrößere ich sein Gesicht ein wenig, anstatt ihn so weit weg zu zeigen , um wirklich auf seine Gefühle der Angst hineinzuzoomen. Dann auf der gegenüberliegenden Seite, kontrastierend, dass er sehr klein ist, hält ein Telefon, das offensichtlich viel zu groß für ihn ist. So zeigt er diesen fernen Schuss von ihm und macht sie sehr klein zeigt, dass dies sein Tiefpunkt ist und dass er Selbstzweifel hat. Ich habe dies in diesem Storyboard nicht getan, aber Sie können einen Teilplot in Ihr Buch integrieren, um Bewegung zu erzeugen. Sie können visuelle Hinweise durch die Geschichte fallen lassen, um der Geschichte Bedeutung zu verleihen, und können sogar eine andere visuelle Erzählung anmelden, um parallel zum Text zu laufen. Wir sprachen über Sub-Charaktere und die Charakterentwicklung Vorlesung und hier kommt das ins Spiel. Hinweise wie diese verleiten den Leser dazu, die Seite zu drehen und die Geschichte in Bewegung zu halten und dem Kind eine tiefere Interaktion mit dem Buch zu geben , da sie in der Lage sind, eine Untererzählung auf eigene Faust zu lesen , die nicht in den Worten erwähnt wurde. 15. Auf Wiederholungen überprüfen: Jetzt, da unsere Bewegung gut funktioniert, schauen wir uns die Wiederholung in unserem Storyboard an. Genau wie im Text des Bilderbuchs sollte es auch einen Rhythmus für Ihre Illustrationen geben. Wiederholung bestimmter Bilder oder Designlayouts kann helfen, den Rhythmus zu betonen. Ähnlichkeiten und Wiederholungen geben dem Leser ein Gefühl der Vertrautheit. Dies hilft dem Leser folgen und genießen Sie die Geschichte und macht auch Momente, in denen Sie von der Wiederholung brechen umso mächtiger und spannender. Eine Möglichkeit, die ich Wiederholung in meinem Storyboard verwende, ist, dass die Schweine auf die gleiche Weise aus dem Fenster ihres Hauses schauen. Hier ist also das erste Schwein, das sein Strohhaus ansieht. Es ist eine ganzseitige, vollständige Blutung Illustration, mit dem Schwein aus dem Fenster hier in der Mitte der Seite. Dann haben wir mit dem zweiten Schwein und dem Zweighaus das gleiche Layout, aber natürlich wird dieses Haus aus Zweigen gemacht werden. Immer noch eine ganzseitige, vollständige Beschnittdarstellung. Aber sein Fenster ist etwas größer als das letzte Fenster. Um Wiederholung zu schaffen, aber auch ein wenig Vielfalt. Dann ist das dritte Schwein im Ziegelhaus das gleiche Layout, ganzseitige, volle Blutung, aber das Fenster ist noch größer und Sie können mehr von dem Schwein sehen, so dass die Schweine schrittweise mutiger bis zum dritten Schwein. Ich benutze auch Wiederholung, um den Wolf legen zu lassen. Hier, nachdem der Wolf das erste Schwein gegessen hat, kann man sehen, wie er sich hinlegt und entspannt, nachdem er das erste Schwein gegessen hat. Nachdem er das zweite Schwein gegessen hat, kann man sehen, wie er sich in einer anderen Position niederlegt, auf dem Rücken gestreckt hat, wobei die beiden Schweine seinen Bauch einsehen. Schließlich, nachdem Rotkäppchen den Wolf tötet, streckte er sich aus wie einer dieser Tigerjagdteppiche auf jemandem Boden. So haben Sie die Wiederholung des Wolfes liegend, was letztendlich zur Auflösung führt. Hier sind einige Fragen, die Sie sich über Wiederholungen in Ihrem Storyboard stellen müssen. Gibt es eine gute Menge an Wiederholung in Ihren Kompositionen? Gibt es zu viele der gleichen Arten von Illustrationen, zum Beispiel zu vielen Vignetten oder vollständigen Beschnittbildern. Ist ihre Vielfalt in der Art und Weise, wie Ihre Charaktere gestellt werden. Ist dein Charakter immer nach vorne gerichtet und nie aus Dreiviertelsicht? Gibt es eine Wiederholung und eine Vielzahl von Gesichtspunkten? Schließlich haben Sie eine Balance zwischen Labor-belebten Bildern und leisen kleinen Bildern? Manchmal können Bilder, die einfach sind, mit viel weißem Raum wie diesem, wo das Ziegelhaus noch stand, die mächtigsten sein. Nachdem Sie auf Wiederholung analysiert haben, zeichnen Sie Ihr Storyboard neu, wenn Sie feststellen, dass es nicht genug oder zu viel Wiederholung von Elementen gibt. 16. Ein kleines Mock-up erstellen: Bevor ich zu den endgültigen Skizzen übergehe, möchte ich einen kleinen Dummy mit meinen Storyboard-Miniaturansichten machen , um die Seite zu sehen und deutlicher zu wirken. Manchmal mache ich eine Kopie meines Storyboards, schneide die Spreads ab und klebe sie dann zusammen, um ein kleines Buch zu machen. Ein anderes Mal mache ich nur ein kleines Booklet mit Papier und ich skizziere schnell grobe Skizzen in das Booklet, um eine allgemeine Vorstellung von dem Buch zu geben. Für diesen Dummy habe ich eine Kopie meines Storyboards gemacht und ich werde die Thumbnails einfach schnell ausschneiden. Sobald Sie alle Ihre Spreads ausgeschnitten haben, nehmen Sie die erste mit dem halben Titel und einer leeren Seite und legen Sie sie verdeckt auf den Tisch. Dies wird wie die Abdeckung für Ihren kleinen Schnuller sein. Dann nehmen Sie die zweite Ausbreitung und falten Sie mit dem Inhalt auf der Innenseite in zwei Hälften. Dann nehmen Sie diese dritte Ausbreitung und tun Sie das gleiche, falten Sie es mit dem Inhalt auf der Innenseite. Jetzt haben Sie diese beiden leeren Seiten zusammen. Du wirst diese beiden Seiten zusammen nehmen. Dann fahren Sie mit Ihrem vierten Spread fort, indem Sie die beiden leeren Seiten zusammensetzen, Sie machen im Grunde einen Akkordeon-Bug hier. Ich werde das nur sehr schnell mit all den Spreads durchmachen. Das ist unser kleiner Dummy. Wir haben den halben Titel, das Copyright und den Titel, die Widmung, und dann hier ist unsere erste Seite unserer Geschichte. Der Dummy ist wirklich ein Denkwerkzeug und es macht vielleicht nicht so viel Sinn für andere Leute, aber wenn du derjenige gewesen bist, der diese Storyboards und Skizzen macht, macht es viel Sinn für dich. Wenn du es im Buchformat siehst, weist du wirklich auf einige der Fehler hin, die du gemacht hast. Es ist besser, alle Ihre Fehler jetzt zu erkennen, anstatt wenn Sie beginnen, Ihre endgültigen Illustrationen und Ihre endgültigen Skizzen zu zeichnen. Denn dann ist es viel schwieriger, zurück zu gehen und das Design und die Komposition zu ändern. Das ist mein ganzes kleines Buch. Wenn es Ihnen schwer fällt, mit Storyboards zu arbeiten, ist es eine sehr gute Übung, ein bestehendes Bilderbuch zu Storyboard zu erstellen. Hier ist ein Storyboard, das ich aus dem Buch, A Very Fuddles Weihnachten, geschrieben und illustriert von Frans Vischer. Ich ging gerade durch die Geschichte, Seite für Seite, und zeichnete die Hauptelemente des Buches. Hier können Sie den halben Titel sehen, und ich mache den halben Titel, dann die Copywriting-Widmung und die vollständige Titelseite. Dann ist hier der erste Spread mit einem vollständigen Beschnitt, einer ganzseitigen Illustration und dann zwei Spot-Illustrationen. Sie können sehen, dass ich nur sehr einfach eine vollständige Beschnittungs ganzseitige Illustration gezeichnet habe. Ich schrieb sogar an der Spitze voll und zwei Spots. Auf einen kurzen Blick kann ich sehen, welche Illustration sie in der Geschichte verwendet hat. Dies ist eine wirklich gute Übung, die Ihnen hilft, klar sehen, wie ein erfahrener Illustrator eine Vielzahl von Kompositionen und Wiederholungen verwendet eine Vielzahl von Kompositionen und , um Rhythmus und Tempo in seinem Buch zu schaffen. Es ist eine wirklich großartige Lernerfahrung und hat mir viel darüber beigebracht, wie man Storyboard macht. Ich empfehle wirklich, dass Sie es ausprobieren. Das ist alles für Storyboards und Dummies. 17. Deine Skizzen anfertigen: Sobald ich den Aufstrich ausgedruckt habe, klebe ich ihn in meine Live-Box. Dann klebe ich eine weitere leere Seite oben auf. Dann trage ich die Zeichnung leicht auf das neue Blatt Papier zurück, und hier konzentriere ich mich nicht darauf, die kleinen Details zu zeichnen. Ich möchte nur die Komposition an den richtigen Stellen und in der richtigen Größe auf die Seite bringen. Lasst uns das schnell machen. 18. Deine Skizzen verfeinern: Jetzt, da ich meine grundlegende Kompositionsskizze habe, gehe ich einfach durch und verfeinere die Zeichnung. Dies kann manchmal ein langer Prozess sein und kann mehrere Runden des Zeichnens beinhalten. Lassen Sie uns also beginnen. Wenn Sie Ihre Skizzen verfeinern, möchten Sie auch die Textplatzierung in Betracht ziehen. Ich schreibe gerne die tatsächlichen Wörter aus, anstatt nur Zeilen wie in den Thumbnails, um zu sehen, wie sie in den Raum passen, den ich ihnen zugeteilt habe. Die Textur hat eine gute Menge an Raum, um sie herum zu atmen, so dass sie leicht zu finden und zu lesen ist. Traditionell werden Text- und Bilderbücher wie ein Gedicht in Strophen wie diesen und in einer serifenen Schrift angelegt . Aber tonnenweise Bücher brechen diesen Standard. Einige verwenden San-Serif, einige entwerfen den Text so, dass er besser mit der Illustration vereinheitlicht wird, ein Teil des Textes wird um die Illustrationen gewickelt, und einige verwenden sogar handgezeichneten Typ. Es kann Spaß machen, den Text mit der Illustration zu integrieren und kann definitiv ein mächtiges Buch machen, aber seien Sie vorsichtig, nicht über Bord zu gehen. Das Bild sollte auffallen und der Star der Ausbreitung sein. Also denke ich, das ist ein ziemlich gutes Typ-Layout für jetzt. Sobald ich in Photoshop angekommen bin, kann ich den Text eingeben und nach Bedarf neu anpassen. 19. Deine finalen Zeichnungen erstellen: Für meine endgültigen Zeichnungen habe ich gerade meine raffinierte Skizze auf eine Lichtbox gelegt, genau wie wir es vorher getan haben, und ich werde die Zeichnung auf einem neuen Blatt Papier nachvollziehen. Normalerweise ist meine endgültige Zeichnung mit Bleistift abgeschlossen, aber manchmal benutze ich Stift. Sie können wählen, mit welchem Material Sie arbeiten möchten. Ich hatte auch ein paar Dinge, mit denen ich in meiner letzten Skizze nicht so zufrieden war. Ich dachte, seine Arme wären vielleicht nicht die besten hier. Seine Arme waren definitiv nicht die besten hier, sie waren etwas peinlich. Dieser Wolf im Allgemeinen war ich nicht wirklich ein Fan von. Ich dachte nicht, dass er dem Stil der Schweine entspricht. Ich ging weiter auf ein anderes Blatt Papier und ich zog einige andere Optionen. Ich werde diesen Wolf nicht verfolgen und stattdessen diesen Wolf verfolgen, den ich zuvor gezeichnet habe. Lassen Sie uns mit unserer endgültigen Zeichnung beginnen. Wenn Sie Ihre Texturen zeichnen, wenn Sie es auf einem separaten Blatt Papier tun, ist es auch eine gute Idee, den Umriss der Seite wieder zu verfolgen, wie Sie es bei Ihrer Linienzeichnung getan haben , denn dann können Sie sie einfach ausrichten in Photoshop, wenn Sie sie einscannen. Das sind meine Strichzeichnungen und Texturen. 20. Bereinigung mit Photoshop: Sobald ich mit meinen endgültigen Zeichnungen zufrieden bin, scanne ich die Linienarbeit und Bleistifttexturen und öffne sie in Photoshop. Ich platzierte die Texturdatei auf einer eigenen Ebene über der Linienarbeitsdatei und beschriftete sie jeweils. Dann werde ich beide Ebenen einschalten und die Bleistifttexturen multiplizieren, so dass sie transparent wird und ich beide Ebenen zusammen sehen kann. Dann werde ich das Malpinselwerkzeug nehmen und jedes Weiß über irgendwelche seltsamen Markierungen auf der Seite färben, die ich auf jeder einzelnen Ebene sehe. Jetzt haben wir alle unsere Leitungsarbeiten aufgeräumt. 21. Schriftsatz mit Photoshop: Ein Designer wählt die Schriftart und das gesamte typografische Layout aus Ihrem Buch aus, wenn es veröffentlicht wird. Aber Sie als Illustrator müssen noch den Text planen und einen Platz für ihn haben. Der Text sollte etwas in das Design integriert sein, so scheint er nicht einfach nur zuvorgekommen zu sein. Es ist eine gute Idee, keine verrückte Schrift für Ihr Buch zu wählen. Du entwerfst den Text als Platzhalter für den Moment. Sie wollen, dass es lesbar und sauber und nicht von Ihren Bildern ablenkt. Ich tippe einfach meinen Text ein und platziere ihn dort, wo ich vorher auf meinen Skizzen geplant hatte. Ich werde die Schriftart Baskerville benutzen. Es ist eine meiner Lieblingsschriftarten und es ist eine saubere Schrift. Eine gute Schriftgröße, wenn Sie an einem 8,5 mal 11 Blatt Papier arbeiten, wie ich gerade bin, ist wahrscheinlich etwa 18. Es gibt keinen Standard, aber das sieht für mich richtig aus. Jetzt können Sie anfangen, mit dem Layout des Typs herumzuspielen und es auf der Seite mit dem Rest Ihrer Komposition anzupassen. Ich denke, das geht vorerst gut. Wir können immer wieder zurückkommen und es später ändern. 22. Digitale Farbgebung mit Photoshop: Farbe ist eines der auffälligsten und einflussreichsten Elemente einer Illustration. Es kann die Stimmung und den Gesamtton dieser Ausbreitung stark beeinflussen und sofort die Emotionen der Geschichte vermitteln. Bevor Sie mit dem Experimentieren beginnen, sollten Sie überlegen, ob Ihr Gesamtbuch hell und bunt oder gedämpft und leise sein soll . Welcher würde am besten zur Geschichte passen? Sie können sie auch mischen und Hits von Farbe und Spreads verwenden, die die meisten Aktionen packen , um im Gegensatz zu den anderen Spreads noch mehr Wirkung zu haben. Farbe würde dann jede Ausbreitung hilft auch, das Auge des Lesers zu führen. Sie können Ihre Hauptfigur hervorheben, indem Sie sie mit ergänzenden Farben vom Hintergrund abheben oder den Hintergrund nur ein wenig stummschalten lassen. Ich arbeite lieber mit begrenzten Farbpaletten, wähle nur zwei oder drei Farben, um mit denen zu arbeiten, und die Schattierungen dieser Farben. Ich finde, diese Einschränkung lässt mich mehr darauf achten wie ich die Farben verwende und ermöglicht es mir, das Auge des Lesers wirklich zu fokussieren. Es ist wichtig, dass Sie Ihre Farbe für das Buch als Ganzes planen und nicht nur für einen Spread. Sie brauchen eine Palette, die auf jeder Verbreitung im ganzen Buch stark sein kann, nicht nur eine Spread. Ich werde Ihnen zeigen, wie ich meine Farbe mit meiner gewählten Palette stabil mache. Ich nehme die Storyboard-Schicht und lege sie oben und setze sie so, dass sie multipliziert werden, so dass die Linien auf den Farben transparent sind und ich werde nur den Pinsel nehmen und anfangen, die Farben zu malen. Das ist meine Storyboard-Farbstudie und es hilft Ihnen, die Farben in Ihrem Buch im Storyboard-Format zu planen . Sie können sie alle zusammen als ein einheitliches Buch sehen. Jetzt werde ich durch einen sehr kurzen Überblick über meinen digitalen Farbprozess gehen. Wenn Sie möchten, ein ausführlicheres Tutorial meine Färbung Prozess, können Sie überprüfen Sie meine andere Skillshare Klasse, wissenschaftliche Illustration Vermittlung von Informationen mit Charme. Die letzte Einheit in dieser Klasse führt Sie Schritt für Schritt durch meinen digitalen Farbprozess durch einen Screencast und zeigt, wie ich Farbe, Linienarbeit behandle, Texturen hinzufüge und handzeichnende Typografie erstelle. Lasst uns mit dieser Ausbreitung fortfahren.