Aquarellporträts – dynamische Atmosphäre und skurrile Hauttöne

1. Einführung: Hallo, mein Name ist Alisha Yates und ich bin Aquarell-Illustratorin und YouTube-Künstlerin. Aquarell-Porträts sind meine Leidenschaft, daher freue ich mich sehr, diese Klasse mit Ihnen zu teilen. Aquarell-Porträts, dynamische Atmosphäre und skurrilen Hauttöne. Wir werden kurz über Materialien sprechen, die Sie benötigen, bevor wir direkt in das Mischen von Hauttönen und die Schaffung lebendiger, einzigartiger Farbpaletten springen . Wir werden einige Zeit damit verbringen, über den Aufbau effektiver Werte mit Thumbnail-Skizzen zu sprechen , bevor wir in unser Klassenprojekt eintauchen, wo ich meinen Porträtmalprozess in Schritte untergliedern und Sie durch jeden einzelnen sprechen werde . Also, wenn Sie bereit sind, mit losen, schönen Aquarellporträts zu experimentieren , lasst uns anfangen. 2. Materialien: Beginnen wir damit, über Materialien zu sprechen, was ich empfehle, und ein paar Dinge, die ich wirklich mag. Beginnend mit zwei Wasserbehältern. Der Grund, warum ich zwei anstelle von nur einem empfehle, ist, dass man als unser schmutziges Wasser für die ersten Spülungen fungiert, und der andere wird sauberer bleiben, um uns zu erlauben, neue Farben zu mischen, ohne sie zu kontaminieren; und es gibt Ihnen ein bisschen mehr Zeit, bevor Sie sich frisches Wasser holen müssen. Natürlich wollen wir ein Skizzenbuch und ein paar Bleistifte haben, um Ideen runter zu bringen. Ich habe dieses Set Skizzierbleistifte von Staedtler oder Staedtler mit verschiedenen Geschirren. Diese werden es Ihnen ermöglichen, eine breitere Vielfalt von dunklen bis hellen Tönen zu erhalten. Aber wenn alles, was Sie haben, ist ein Standard Nummer 2 HB Bleistift, das geht, um die Arbeit zu erledigen, wenn es alles, was Sie haben praktisch. Ich habe auch einige preiswerte Aquarellpapier hier, sowie meinen Lieblingspinsel. Jetzt ist es kein Geheimnis, dass Bürsten in einer Tonne von verschiedenen Größen, Formen und Stilen kommen. Während das Sammeln verschiedener Typen Spaß machen kann, brauchen Sie nur eine gute mittelgroße Rundbürste. Wirklich, Sie werden überrascht sein, was eine gute Qualität Rundbürste für Sie tun kann. Ich habe diese winzige kleine Dose hier nur Primärfarben von verschiedenen Marken. Es ist auch wirklich praktisch, um eine kleine kleine Reisebürste zu verstauen und ich kann sie mitnehmen, wohin ich gehe. Wir werden zuerst über das Mischen aus den Primärmärmärkten reden. Ich werde auch mein größeres Studio-Set von Sennelier Aquarellen und ein paar Papierhandtücher verwenden Sennelier Aquarellen und ein paar und wir sind ziemlich bereit für den Einstieg. Wenn Sie mehr über eines dieser Materialien sehen möchten, habe ich Links zu so viel wie möglich im Abschnitt „Über“ für diese Klasse. In Ordnung, lasst uns anfangen. 3. Hauttöne anmischen: Wir werden darüber reden, Hauttöne zu mischen. Wir fangen mit Rot, Gelb und Blau an. Danach werde ich mit Ihnen ein paar meiner bevorzugten vorgemischten oder vorgefertigten Farben für die Haut teilen . Die meisten Hauttöne neigen dazu, sich aus einer orangefarbenen Gegend zu verzweigen, also lasst uns dort anfangen. Ihre Haut wird wahrscheinlich in Richtung einer rosa oder braun variieren. Wie kommen wir dorthin? Fangen wir mit dieser orangefarbenen Basis an. Je nachdem, wie Sie planen, Ihr Porträt zu stilisieren, könnte das funktionieren, aber wenn wir etwas entsättigeres wollen, wie kommen wir dorthin? Wenn Sie sich ein Farbrad ansehen, stellen Sie fest, dass direkt gegenüber Orange blau ist also die Ergänzung oder die entgegengesetzte Farbe zu einer beliebigen Farbe hinzufügen, entsättigen Sie diese Farbe. Jetzt, wo wir das etwas abgeschwächt haben, sieht das viel mehr wie Haut aus. Zeit zum Experimentieren. Vielleicht willst du eine Grundfarbe, die etwas wärmer, etwas brauner ist . Das sieht schön aus. Indem wir dieser spezifischen Farbe einen Hauch von Rot hinzufügen, hätten wir eine Röte, die wir innerhalb dieser speziellen Palette für Bereiche mit höherem Blutfluss wie die Wangen oder die Nase oder die Ohren und Dinge wie diese verwenden könnten Bereiche mit höherem Blutfluss wie . Seien Sie vorsichtig, indem Sie Rot hinzufügen, da es leicht Ihre anderen Farben überwältigen kann. Ein kleines bisschen Blau zu dieser Mischung geben uns eine schöne lila Farbe, die wir für Schatten und dunklere Bereiche innerhalb derselben Palette verwenden können . Spielen Sie weiter herum, füllen Sie eine Seite mit verschiedenen Kombinationen dieser Farben und sehen Sie, was Sie tun können. Werden Sie dunkler, heller, wärmer, kühler. Die Möglichkeiten sind nahezu endlos. Beginnen Sie mit dem Grundton, den Sie mögen, und fügen Sie ein wenig Rot und ein wenig Blau zu dieser Farbe hinzu, um Variationen innerhalb dieser Palette zu erhalten. Dieses Experiment wird Ihr Verständnis der Farbmischung erheblich vertiefen. Danach können wir einen Blick auf einige vorgemischte Töne werfen. Aber wie Sie sehen können, können nur die Vorwahlen selbst uns eine sehr breite Palette von verschiedenen Hauttönen geben und es muss nicht unbedingt innerhalb einer bestimmten Art von ethnischer Zugehörigkeit oder so etwas sein. Mit nur Rot, Gelb und Blau, bestreitbar unsere Primärfarben, können wir so ziemlich alles tun. Soweit Premix-Töne gehen, habe ich einige Favoriten. Beginnend mit diesem hier, ist dies Neapel gelb tief. Es ist eine schöne warme Farbe. Das ist eine wirklich schöne gelbliche Basis für die Haut. Ich genieße auch wirklich rohe Sienna. Es ist ein wirklich schönes transparentes Braun, das wirklich gut zum Mischen mit anderen Farben funktioniert. Das ist transparent braun: ein schöner dunklerer brauner Wert für dunklere Hauttöne. Dieses schöne Lila wird Caput Mortum genannt. Auch wenn es nach etwas klingt, das gestorben ist, ist es ein schönes Lila für Schatten. Als Rot mag ich Alizarin karminrot. Es ist eine schöne helle, schnelle, transparente Farbe, die bereits ein bisschen Entsättigung hat und wirklich gut funktioniert, um andere Paletten hinzuzufügen. Sie können hier sehen, dass wir durch Hinzufügen einer zweiten Schicht der gleichen Farbe in dieser bestimmten Marke einer zweiten Schicht der gleichen Farbe in dieser bestimmten Markewirklich die Lebendigkeit erhöhen können, aber jedes gute transparente Aquarell wird sich auf die gleiche Weise verhalten. Dies sind einige Töne, die ich aus meinen Premix-Tönen wie Neapelgelb, rohe Sienna, Caput Mortum gemischt . Alle diese verschiedenen Farben wurden wie diese aus Farben gemischt. Als nächstes werden wir darüber sprechen, diese Farben zu nehmen und harmonische Farbpaletten zu schaffen , die auf Atmosphäre und Thema basieren. 4. Farbpaletten erstellen: Nun, da wir wissen, wie man Hauttöne macht, nehmen wir dieses Wissen und wenden es an, um einzigartige Farbpaletten für unsere Porträts zu erstellen . Ich persönlich arbeite hier gerne mit diesen Kreisformen beim Testen von Farben. Gerne können Sie Ihre eigenen Kreise auf etwas Aquarellpapier zeichnen und folgen. Diese vielen Paletten werden in drei verschiedene Farben unterteilt. Ein Basiston, ein Rouge und ein Schattenton. In diesem spezifischen, beginne ich mit dem Rougeton. Das allgemeine Konzept hier ist, Ihre drei Farben nebeneinander angelegt zu haben , um zu sehen, wie die Farben tatsächlich zusammen aussehen. Denken Sie daran, alle Dinge, die wir im letzten Segment gelernt haben, anzuwenden. Basieren Sie Ihre Farben aufeinander. Um meinen Basiston zu erstellen, habe ich einen Teil meines Rouge-Tons gemischt, und um meinen Schattenton zu erzeugen, habe ich dasselbe getan. Dies hilft, unsere Farben zusammenhängender zu halten, wenn sie Teile voneinander in ihnen haben. Ich habe auch gerne kleine Musterfelder neben meinem Kreis. Wenn die Farben alles innerhalb des Kreises mischen, habe ich die einzelnen zusammen, getrennt, also weiß ich, was ich dort hineinlegte. Diese zweite ist eine kühlere Palette. Ich mochte diesen violetten Ton wirklich und entschied mich, anstatt ihn als Schatten zu verwenden, ich wollte ihn als mein Rougeton verwenden. Hier ist eine andere Technik, wenn Sie den ganzen Kreis benetzen, werden Ihre Farben ein wenig besser miteinander verschmelzen, und Sie haben ein wenig mehr von einer Vorstellung davon die Farben aussehen werden, wenn sie sich berühren, wenn sie sich vermischen und wenn sie anfangen, auf dem Papier zu mischen. Ich würde sehr empfehlen, mit vielen verschiedenen Farbkombinationen zu experimentieren. Manchmal wie diese, können Ihre Farben auf der Temperatur basieren. Vielleicht will ich etwas wirklich cooles mit vielen Blues und Purples. Mach dir hier keine Sorgen um den Realismus. Hier geht es um das Experimentieren. Oder wenn ich etwas viel wärmeres möchte, könnte ich eine Grundfarbe wie Quinacridone, Gold oder rohe Sienna wählen . Haben Sie nicht das Gefühl, dass Sie einem bestimmten Layout folgen müssen, wenn Sie Ihre Farben zusammensetzen. Wichtig ist, einen kleinen Raum zu haben, in dem Farben miteinander interagieren können, und Sie können einen Blick im Voraus werfen, wie diese aussehen werden. Auch nicht das Gefühl, dass Sie Schatten immer die gleiche Temperatur sein müssen. In früheren waren meine Schatten kühlere Purpurtöne. Hier wärmte ich diesen Schatten mit etwas verbranntem Umbra auf und ich mag die Art und Weise, wie es aussieht, wenn er mit dieser rötlichen Farbe interagiert. Füllen Sie so viele dieser Kreise, wie Sie möchten. Jetzt ist es an der Zeit zu sehen, wie Ihre Farben wirklich aussehen. Sie können Farben basierend auf Stimmung, Temperatur wählen , oder einfach mit einer Farbe beginnen, die Sie wirklich mögen und von dort aus bauen. Ihre Grundfarbe wird oft etwas wärmer oder lebendiger, etwas, das die natürliche Farbe der Haut darstellt. Während Ihre Schatten wärmer sein können wie ein Rot oder Rosa, oder kühler wie ein Blau oder Lila. Es gibt keine Regeln, wenn es um diese Experimente geht. Setzen Sie einfach Farben zusammen und sehen Sie, wie Sie die Art und Weise, wie sie miteinander interagieren, mögen. Ich mache hier nur sechs verschiedene Beispiele, aber je mehr du tust, desto besser. Wenn Sie Ihre Kreise etwas kleiner machen, können Sie mehr als sechs auf einer einzigen Seite passen. Genießen Sie den Prozess. Erfahren Sie mehr über Ihre Aquarellfarben und erfahren Sie mehr darüber, wie die Farben miteinander interagieren. Fühlen Sie sich frei, Ihre Zeit mit diesem Schritt zu nehmen, da dies wirklich ein guter Brainstorming-Prozess für die Herstellung einer Farbpalette, die kohäsiv, harmonisch und wirklich schön Kieselsäure ist . 5. Thumbnail-Skizzen mit Hell-Dunkel-Kontrasten: Wir sind gerade bereit, in unsere Porträts zu springen. Aber bevor wir es tun, lassen Sie uns unsere Farben beiseite legen und an einigen wertvollen Thumbnail-Skizzen arbeiten. Dies ist, wo diese Skizzierstifte definitiv nützlich sein werden. Ich werde meine Pinterest-Boards für diese kleinen Studien referenzieren. Sie finden einen Link zu diesen im Abschnitt Info. Für die Zwecke dieser Übung werde ich mich auf Schwarz-Weiß-Bilder konzentrieren. Dies wird das Aufbrechen der hellen und dunklen Bereiche unseres Themas viel einfacher machen. Die Verwendung solcher Referenzen ist ideal für Studien. Aber denken Sie daran, dass diese Fotos den Leuten gehören, die sie genommen haben. Es ist also nur zum Üben. Wie Sie sehen können, besteht ein weiterer wichtiger Teil dieser Übung darin, Ihre Skizzen klein zu halten. Dieses Skizzenbuch ist etwa 17,8 x 25,4 cm. Also ist dieser hier wirklich nur ein paar Zentimeter groß. Deshalb nennt man sie Thumbnails. Wir werden ein paar davon machen, und sie werden alle ziemlich klein sein. Worauf ich mich hier wirklich konzentrieren möchte, sind die größeren Blöcke von hellen und dunklen Bereichen. Ich denke nicht wirklich darüber nach, ein Mädchen vor einer Wand zu zeichnen. Ich konzentriere mich auf geometrische Formen aus Schatten und Licht und forme die Mitteltöne und Highlights meines Schattens. Sie können sehen, dass die erste Schicht des Schattens mit dem Haar, dem Hemd und der Seite des Gesichts, die im Schatten ist, verschmilzt . Dies hilft uns, uns an unsere Lichtquelle und unsere Werte zu erinnern. Versuchen Sie also nicht, über das Zeichnen von Augen und Haaren usw. nachzudenken. Betrachten Sie es eher als das Ausschneiden von Licht und Schatten in großen Brocken und dann tiefer für die Bereiche, die noch dunkler sind. Sie sich keine Sorgen um Proportionen und machen Sie alles perfekt aussehen. Hier geht es wirklich nur darum zu verstehen, wie das Gleichgewicht der Werte dazu beitragen kann, den Ton des Gesamtstücks zu beeinflussen. Im zweiten wollte ich ziemlich früh den gesamten Bereich in einem hellen Mittelton abdecken und später mit meinem gekneteten Radiergummi einige hellere Stellen auslöschen. Der Fokus hier ist offensichtlich nicht der Versuch, super genaue Proportionen zu erhalten. Wir wollen nur besser verstehen, wie Wert und Komposition zusammenarbeiten, um Stimmung und Atmosphäre zu schaffen. Wie Sie auf der zweiten sehen können, gibt es einen großen Teil der Oberseite des Kopfes und des Gesichts, das ziemlich alles im Schatten ist, sowie den unteren Teil der Kleidung. Durch den Wechsel zwischen verschiedenen Härte von Skizzierstiften, kann ich eine größere Vielfalt an Tönen für diese kleinen Thumbnails erhalten. Der dritte, auf den ich hier verweise, ist eigentlich ein bisschen mehr Nahaufnahme und es gibt eine Menge Schatten in diesem. Was ihr sofort sehen könnt, ist, wie die Menge der Dunkelheit einen sehr dramatischen Effekt gibt. Dunkelheit bedeckt den gesamten Hintergrund sowie etwa die Hälfte des Gesichts. Die schattige Seite des Gesichts fügt sich wirklich direkt in den Hintergrund ein. Was Sie insgesamt sehen werden ist, diese kleinen Übungen wird Ihnen helfen, besser Stimmung und Atmosphäre zu etablieren und wirklich einen besseren Griff auf Werte zu bekommen , bevor wir in Dinge wie diese mit Farbe springen. Machen Sie so viele dieser kleinen Skizzen, wie Sie möchten. Wie bei allen anderen Übungen, die wir während dieser Klasse praktiziert haben, ist es definitiv eine gute Idee, die Dinge zusammenzufassen und ein Klassenprojekt zu erstellen. Ich bin mir sicher, dass und andere Schüler in der Klasse gerne sehen würden, wie Sie all diese Dinge zusammenbringen. Sie also keine Angst, Ihre Fortschritte zu teilen und lassen Sie uns sehen, woran Sie gearbeitet haben, und teilen Sie alle Fragen, die Sie haben könnten. 6. BEISPIEL 1: Skizzieren und Stimmung erzeugen: Jetzt sind wir bereit, mit unserem Klassenprojekt zu beginnen und über Skizzieren und Stimmung für unser Aquarellporträt zu sprechen. Das erste, was ich hier tun werde, ist, mich zu beginnen, mit dem Malen zu beginnen. Ich habe hier mein Aquarellpapier und mein Abdeckband, und ich werde das in eine Zwischenablage kleben. Clipboards sind ziemlich praktisch, weil Sie sie immer und immer wieder verwenden und bewegen Sie sie um, während Sie malen. Was ich Ihnen hier zeige, sind ein paar Seiten aus meinem Skizzenbuch, die ich gerade in Vorbereitung auf dieses Bild kritzele. Ich habe viele verschiedene kleine Thumbnail Skizzen, Dinge für Wert und verschiedene Elemente, die ich dachte, ich wollte in das Stück aufnehmen, sowie ein paar verschiedene Farben testen. Für unsere Skizze hier können Sie sehen, dass ich eine andere meiner schwarz-weißen Pinterest-Referenzen verwende . Wieder, mein Fokus, wenn ich hier skizziere, ist nicht unbedingt nur das Zeichnen, was ich sehe, ein Mädchen, das zur Seite gekippt ist, mit einem Schatten über ihrem Gesicht. Natürlich, ja, das ist mein Ziel. Das sind die Dinge, die ich im Hinterkopf habe. Aber während ich skizziere, denke ich an die Formen. Ich denke über die Form ihres Auges, die Form der Schatten, die Form des Lichts, und stellen Sie sicher, dass diese Dinge genau dargestellt werden, sowie versuchen, die Proportionen des Gesichts als genau wie möglich. Ich versuche nicht unbedingt, ein endgültiges Stück in meiner Skizze zu erstellen. Das wäre überflüssig, weil ich viele meiner Werte und die Formen und die kompositorische Stimmung und Dinge wie diese verfeinern möchte, während ich male. Zeichnen und Malen können sehr unterschiedliche Dinge sein. Wenn Sie erstellen und zeichnen, werden Sie wahrscheinlich mehr Zeit darauf konzentrieren, mit Ihrem Bleistift zu rendern, alles richtig zu machen, und wenn ich male, ist der Zweck des Stiftes, einen Rahmen für mich zu schaffen. Sein Zweck ist es, Richtlinien festzulegen , weil die Arbeit passieren wird, wenn wir anfangen zu malen. Um mit unserem Malen zu beginnen, werde ich voran gehen und mit unserem Hintergrund beginnen. Dies wird tatsächlich dazu beitragen, die Stimmung ein wenig mehr zu etablieren und mir einen besseren Richter für unsere Werte zu geben, die voranschreiten. Indem ich etwas anderes als nur das Weiß der Seite habe, wenn ich anfange zu arbeiten, besonders auf der Haut, wird es wirklich hilfreich sein, damit meine Hauttöne nicht zu hell enden, weil das einzige, was ich habe, um sie zu vergleichen, ist das Weiß auf der Seite. Ich benutze hier einen größeren Kalligraphiepinsel, weil er mehr Wasser hält und es wirklich hilfreich ist, mir dabei zu helfen, größere Bereiche zu bedecken. Was ich tun werde, ist, dass ich in diesem Hintergrund grüne Farbe lege und dann diese Kanten mit Wasser verschwommen, um einen weichen Lichteffekt zu erzeugen. Ich benutze auch ein paar verschiedene Grüntöne. Was mir das erlauben wird, ist dunklere Farbpools in den dunkleren Bereichen der Schatten zu schaffen , so dass sie nicht alle den gleichen Wert haben. Es fügt ein bisschen mehr Kontrast und nur ein bisschen mehr Interesse für das Stück insgesamt. Mit Aquarellen im Allgemeinen, vor allem in diesen frühen Schichten, können Sie in ein wenig schwerer gehen, vor allem, wenn Sie mit einer nassen Farbe arbeiten weil die Farbe zerstreut und auch trocknet, nur ein wenig Feuerzeug. Während wir uns in unsere Haut bewegen, habe ich den größten Teil des Bereichs mit Wasser befeuchtet, bevor ich anfange, meine Farbe aufzutragen. Auch, wieder, die gleiche Sache, einige dieser Farben, wenn sie zum ersten Mal gelegt werden, könnte viel zu hell und viel zu fehl am Platz aussehen, aber sobald wir sie herumschleudern und die Farbe trocknen lassen, gehen Sie , um zu bemerken, dass sie sich wirklich gut ausbreiten, und plötzlich sehen sie super leicht aus und Sie können sagen, dass wir mehr Schichten brauchen, um unseren Kontrast aufzubauen. Diese Farbe, die ich benutze, ist ein schönes, warmes Orange. Ich glaube, die spezifische Farbe wird Chinese Orange genannt, und es ist wirklich schön, in einigen schönen warmen Rouge Farben zu legen. Ich ging mit einem etwas kühleren, fast violetten Ton rein, um an meinen Schatten zu arbeiten. Das Gleiche, wie wir es mit unserem Skizzierstift tun würden. Sie könnten einen helleren Bleistift verwenden und einen ganzen Bereich schattieren, der im Schatten war, Ich benutze diesen leichteren Wert und lege ihn über die gesamten Bereiche, die ich mehr im Schatten sein möchte. Wir gehen hinein und definieren spezifischere Töne und leichte Werteverschiebungen ein wenig später, aber jetzt möchte ich mich wirklich darauf konzentrieren, nur die Stimmung unseres Stückes zu etablieren. Mit diesem großen Wurfschatten und diesem Schattenbereich unter ihren Haaren wollte ich diese Dinge wirklich erst aufbauen und in Zukunft mit ihnen vorankommen. Ich habe ein wenig Varianz in meinen warmen und kühlen Farben an dieser Stelle, aber nicht wirklich eine Tonne. 7. BEISPIEL 1: Kontrast aufbauen: In Ordnung, wir haben unsere ersten Schichten drin. Lasst uns weitermachen und am Aufbau von Kontrasten arbeiten. Dies ist der Teil des Gemäldes, in dem Sie wirklich anfangen wollen, wie ein Bildhauer zu denken. Was ich damit meine, ist, dass du anfangen willst, die Ebenen des Gesichts auszuschneiden. Also jetzt möchte ich anfangen, genauer über Orte nachzudenken , die in tieferen Schatten sein werden, wie die Nasenlöcher, unter den Augen, die Spitze des Halses, wo das Kinn noch mehr Schatten wirft, und ich möchte anfangen, wirklich anfangen, über die Unterschiede in meinem gesamten Schatten und Licht Bereiche nachzudenken, weil sie nicht alle genau gleich sein werden. Eine Sache, die ich versuchen möchte, im Hinterkopf zu behalten, während ich an diesem Schattenbereich arbeite, und du wirst sehen, dass Bereiche, die im Schatten sind, im Allgemeinen nur weniger fokussiert sind. Während ich in vielen Schattenwerten lege, möchte ich nicht, dass es eine Menge harter Linien in meinem Gesamtschatten gibt. Zum Beispiel, gerade jetzt, und du wirst sehen, wie ich daran ein paar Mal im ganzen Stück arbeite, gibt es einen harten Schatten, wo ihr Gesicht endet und ihre Haare beginnen. Ich will nicht wirklich, dass dieser harte Schatten da ist, letztendlich. Das Flugzeug, das im Schatten ist, verschwommen alles zusammen. Es ist die ganze Idee, wenn es dunkel ist, kann man auch nicht sehen. Ich will nicht, dass diese Bereiche so definiert sind, obwohl sie alle da sind. Natürlich tut ihr Gesicht, und ihre Haare beginnen, und das ist ein sehr definierter Unterschied. Aber ich will es weich halten, subtil halten, weil wir malen. Wir schaffen nicht nur etwas, was realistisch ist, versuchen, der Atmosphäre von Licht und Schatten zu geben. Ich möchte auch meine Ziele für die allgemeine Stimmung dieses Stückes im Auge behalten. Ich habe bis zu diesem Punkt viele warme Farben eingelegt und möchte es wirklich so behalten. Ich würde das gerne als etwas warm und sommerlich halten, vielleicht liegt es daran, dass es jetzt mitten im Winter ist. Es gibt Tonnen Schnee draußen und ich träume nur von wärmeren Tagen. Aber so oder so, ich möchte wirklich meine allgemeinen Ziele für dieses Stück im Auge behalten, während ich arbeite. Eine der größten Möglichkeiten, Ihren Schatten weich zu halten , ist, den gesamten Bereich nass zu halten, während Sie arbeiten. Dies kann sehr hilfreich sein, um Ihren Farben zu helfen, ein wenig miteinander zu verschmelzen , während die verschiedenen Werte immer noch voneinander getrennt bleiben. Du wirst sehen, dass ich ab und zu mein Heißwerkzeug rauskriege. Das ist etwas, mit dem ich wirklich gerne meine Trocknungszeit verkürzen kann, so dass ich nicht so lange warten muss, bis die einzelnen Schichten trocken sind. Es ist ein Prägewerkzeug und natürlich wird es genauso gut sein wie alle anderen Materialien, die ich verwende, im Abschnitt „Über“ für die Klasse aufgeführt. Während ich Schicht für Schicht aufbaue, möchte ich bedenken, welche Farben ich übereinander schichten. Wenn ich zu viel auftauche und die Farben auf dem Farbrad zu getrennt voneinander werden, desto näher komme ich zu komplementären Farben. Denken Sie daran, dass das Mischen einer Farbe mit ihrer Ergänzung die Farbe entsättigt und letztendlich braun wird. Wenn ich zwei Farben lege, die zu unterschiedlich übereinander sind, wird es wirklich schlammig bis meine Werte und es wird nicht so schön aussehen insgesamt. Ich verliere diese Wärme und ich werde mit etwas enden, das einfach schlammig und schmutzig aussieht und viel zu überarbeitet. In diesem Stadium des Gemäldes ist dies immer die besorgte Bühne für mich, wo Sie anfangen, Kontrast hinzuzufügen, aber es kommt nicht ganz zusammen. Aber keine Sorge, die meisten Gemälde haben Bühnen wie diese. Arbeiten Sie einfach weiter, bauen Sie weiter, formen Sie weiter, und Sie werden dorthin kommen. Sobald ich zu dem Punkt kam, wo ich anfing, ein wenig mehr von meinen roten Werten hinzuzufügen , um die erröteten Bereiche zu verstärken und ich wirklich in meine dunkelsten Dunkelheiten für die Schatten kam, fing ich an, mich viel besser über die Malerei insgesamt zu fühlen. In diesem Stadium, denken Sie daran, der Fokus liegt auf dem Aufbau von Kontrast. Formen Sie Ihre Features aus, denken Sie darüber nach, wie die verschiedenen Teile des Gesichts zugewandt sind. Zum Beispiel, obwohl die eine Seite ihres Gesichts kein Schatten ist, können wir sehen, dass ihr ein bisschen Licht einfängt, weil diese Rundheit des Auges tatsächlich demLicht zugewandt diese Rundheit des Auges tatsächlich dem ist und ein wenig angehoben wird. Ich habe versucht, in ein wenig mehr Highlight zu halten. Wenn ich mit Aquarellen arbeite, arbeite ich am Anfang gerne leise. So haben Sie viel Nässe und lassen die Farben miteinander verschmelzen. Je mehr ich schichte, desto mehr lasse ich diese harten Kanten ein bisschen mehr, um die Ebenen ein bisschen mehr zu definieren, und es gibt ihm ein abstrakteres Aussehen. Es liegt ganz an dir. Sie werden etwas realistischer bekommen, wenn Sie Ihre Kanten mehr ausblenden und alles wirklich weich halten weil es offensichtlich nicht wirklich harte Linien zwischen den verschiedenen Farben in einem realistischen Porträt. Aber ich mag es, härtere Linien aufzunehmen, weil es mir erlaubt, die Aquarellstruktur ein bisschen mehr zu schätzen und es schafft einige wirklich interessante Effekte, die schön zu betrachten sind. Aber wir bekommen immer noch diese Unterschiede in den Ebenen und die Unterschiede in der Farbe, und Sie können immer noch all diese Dinge wirklich klar sehen. Nachdem wir reingegangen sind und unseren Kontrast aufgebaut haben, werden wir an einigen letzten Schliff arbeiten und die letzten Dinge tun , an denen wir arbeiten müssen, um das Stück zusammenzubringen. 8. BEISPIEL 1: Feinschliff: Du hast es bis zum letzten Bein geschafft, den letzten Schub. Es ist Zeit für unseren letzten Schliff. Das sind die letzten Dinge, die wir tun werden, um unser Stück zusammenzubringen und sicherzustellen, dass alles so aussieht, wie wir es wollen. Für mich bedeutete das, mit dem Hinzufügen von etwas von diesem Laub, das ich im Sinn hatte, an das Sie sich erinnern, aus meinem Skizzenbuch zu sehen. Ich habe diese nicht in meine erste Skizze für dieses Gemälde aufgenommen , weil ich wollte, dass sie spontan sind. Ich wollte, dass es sich um organische Pinselstriche handelt,die nicht unbedingt bestimmte Laub, bestimmte Arten von Pflanzen oder Blumen oder so etwas darstellenmussten die nicht unbedingt bestimmte Laub, bestimmte Arten von Pflanzen oder Blumen oder so etwas darstellen . Ich wollte in der Lage sein, mit ihnen locker zu sein, ohne mich zu stark zu fühlen. Ich hatte wirklich versucht zu formen und zu bauen, wenn es um die Ebenen des Gesichts ging. Ich wollte, dass dies ein wenig lockerer Teil des Gemäldes insgesamt ist. Ich bin wirklich froh, dass ich so gearbeitet habe. Ich wollte auch mehr Grün um ihr Gesicht integrieren. Wir hatten es im Hintergrund, aber ich hatte kein Grün im Vordergrund oder um die Figur selbst. Indem diese Farbe mit dem Charakter einbezogen wird, hilft es, die Palette zusammenhängender zu machen. Durch das Hinzufügen von Farben zu verschiedenen Teilen des Gemäldes können Sie wirklich helfen, alles zusammenzubringen und die Tatsache zu verstärken, dass diese verschiedenen Stücke zusammengehören. Alles, was ich tun musste, war, hineinzugehen und diesen Bereichen ein bisschen mehr Kontrast und ein bisschen mehr Definition hinzuzufügen . Wir können das gleiche Farbmischwerkzeug zu unserem Vorteil verwenden , indem wir ihr Haut und Gesicht ein bisschen gelb hinzufügen. Dies wird dazu beitragen, dass der Hintergrund und das Thema zusammenhängender werden. Wie sie zusammen gehören, so wie die verschiedenen Farben in diesem Gemälde eigentlich zusammen passieren sollten. Wenn sie ihre Farben zu getrennt halten, kann es manchmal so aussehen, als würde sie nicht in diese Umgebung gehören. Oder wie die Dinge nicht wirklich miteinander verschmelzen. Damit haben wir ein fertiges Aquarell-Porträt. Ich hoffe, Sie haben es genossen, diesen Kurs zu beobachten. Der letzte Schritt ist natürlich immer, unser Klebeband zu entfernen und unser Gemälde zu unterschreiben. Ich hoffe, Sie haben es genossen, diesen Prozess auch mit mir durchzugehen. Es hat viel Spaß gemacht, das mit dir zu teilen. Ich kann es kaum erwarten, einen Blick auf Ihre Projekte zu werfen, um zu sehen, welche Gemälde Sie machen werden. Bitte teilen Sie sie mit uns. Wir würden uns freuen zu sehen, welche Gemälde Sie zusammenstellen werden. Denn was auch immer Sie tun werden, wird einzigartig sein und es wird wirklich interessant sein zu sehen, wie alle Projekte voneinander variieren. Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, diesen Kurs zu überprüfen, und wir sehen uns in der nächsten. Glückliche Malerei. 9. BEISPIEL 2: Skizzieren und Atmosphäre: Mit all unseren grundlegenden Werkzeugen sind wir bereit für den Einstieg in unser Klassenprojekt. Ich habe hier mein Referenzbild der Wahl. Sie sehen es in Farbe, aber in einem Moment werden wir rot und schwarz und weiß, genau wie wir bei der Erstellung unserer Thumbnail-Skizzen getan haben. Ich habe auch eine kleine Miniatur-Skizze von mir gemacht. Dieser ist ein wenig detaillierter, als ich normalerweise mit meinen Thumbnail-Skizzen gehe. Ich weiß, ob nur darüber redet, aber es war auch ein bisschen eine Aufwärmübung für mich. Ich habe auf der Seite einige Notizen darüber gemacht, was ich von diesem Thumbnail zum letzten Stück ändern wollte. Wenn ich an meinen Skizzen arbeite, werden Sie ein paar Dinge bemerken. Ich habe hier einen Aquarellblock, also ist er seitlich gummiert, also muss ich mir keine Sorgen um das Verziehen und Biegen meines Papiers machen. Ich halte es in einem kleinen Winkel hoch, so dass ich es nicht in einem schrägen Winkel sehe , wie ich es würde, wenn es flach auf dem Tisch wäre und ich skizziere. Sie werden auch bemerken, dass ich zuerst mit der gesamten Kopfform begonnen habe, bevor ich an Ort und Stelle eines meiner Funktionen. Du willst es ein bisschen wie Bildhauerei denken. Wenn du ein riesiges Stück Ton hättest und einen Kopf formen wolltest, würdest du nicht damit anfangen, in eine bestimmte Stelle einzutauchen und ein Auge auszuschnitzen, dann müsstest du einfach rückwärts arbeiten, um die gesamte Kopfform zu erhalten, also beginne ich hier zu verwenden. Ich beginne mit der größeren Form der Haare und des Kopfes, und sobald ich damit zufrieden bin, fange ich an, in dieses größere Stück zu schnitzen, um die Funktionen zu erstellen, beginnend mit den Eigenschaften, die neigen, hervorzustehen und am meisten herausragen, nämlich die Ohren und die Nase. Sobald sie platziert sind, habe ich einige gute Sehenswürdigkeiten, um die anderen Funktionen in den Orten zu bekommen, die sie gehören. Ich mache den Mund als nächstes und in der Regel neigen dazu, die Augen für das letzte zu verlassen. In Porträts sind die Augen generell die Schwerpunkte. Ich möchte sicherstellen, dass ich ein schönes starkes Fundament habe, um sie zu platzieren, um sicherzustellen, dass alle meine anderen Funktionen korrekt platziert sind, und dann bin ich glücklich mit dem Winkel des Kopfes, ist wirklich wichtig. Ich möchte keine Augen zeichnen, die ich liebe, auf einem schlechten Fundament oder einem schlecht gezogenen Kopf. Sie werden mit dieser speziellen Skizze feststellen, dass ich tatsächlich die Augen mehrmals gelöscht und neu gezeichnet habe. Ich hatte einige Probleme, sie an die richtige Stelle zu bringen, mit meiner kleinen Miniaturbild-Skizze. Ich hatte sie tatsächlich zu niedrig gesetzt und sie waren ein wenig zu groß, also sah mein Charakter aus wie ein Kind. Das macht eine Menge Spaß, aber es war nicht das, was ich für dieses besondere Stück gemacht habe. Bei der Arbeit an dieser endgültigen Skizze waren die Augen ein wenig zu klein und zunächst ein wenig zu hoch, so dass die Figur ein wenig zu alt aussah. Ich habe versucht, eine Balance von irgendwo in der Mitte zu finden. Ich erreichte einen Punkt, an dem ich aufhören musste, so hart zu versuchen , mein Porträt so aussehen zu lassen wie meine Referenz. Als ich erkannte, dass, das war, was mich betonte, es war viel einfacher zu sichern, und es sein eigenes einzigartiges Porträt sein zu lassen, und erkunden, was organisch auf der Seite passiert. Sobald ich mit meiner Skizze zufrieden bin, werde ich sie mit einem gekneteten Radiergummi aufhellen. Ich möchte nicht mit einem regelmäßigen Radiergummi auf meinem Aquarellpapier reiben, da das das Papier beschädigen würde. Normalerweise benutze ich dafür einen Farbstift anstelle von Graphit, aber ich wollte, dass er für euch sichtbar ist, für die Zwecke dieser Klasse. Mit unserer Skizze hier unten werde ich den Gesamtton für das Stück festlegen. Das wird viel mit der Verteilung unserer Werte zu tun haben. Ich werde übertreiben, was ich hier auf unserem Referenzfoto sehe. Offensichtlich haben wir sehr dunkles Haar, Mittelton-Hemd, und dann viele unterschiedliche Werte innerhalb des Gesichts, die diese Kombination verschiedener Kontraststufen ist, was das Gesicht zum Mittelpunkt macht, und es wird von diesen dunkleren Werten umrahmt der Haare, und der Pullover. Was ich tun werde, ist, ich werde die größte Wertepalette haben, hier drin, und ich werde das auch tun, indem ich den Hintergrund straff, also könnte ich eine leichte Farbwäsche setzen, so dass es kein reines Weiß in der Hintergrund, der die Struktur unseres Gesichts ermöglichen wird, am meisten hervorzuheben. Ich wollte nur kurz darüber reden, bevor ich mit dem Malen anfing, also hättest du eine Vorstellung davon, woher ich komme und was ich tue. Wir wollen, dass alles andere einfach verblasst, strukturiert und umgebaut wird und die Aufmerksamkeit auf diesen zentralen Bereich lenkt, vor allem auf die Augen. In den Augen können Sie sehen, dass wir unsere tiefsten dunkelsten Werte haben, viel Dunkelheit in den Augen, aber wir haben auch sehr helle Werte in den Weißen der Augen. Ich möchte wirklich die Augen als Mittelpunkt des Porträts hervorheben. Lassen Sie uns unsere Aquarelle verwenden und wir werden weitermachen und daran arbeiten die allgemeine Stimmung und Atmosphäre unseres Gemäldes zu etablieren. Etwas Wichtiges, was ich möchte, dass Sie beachten, dass, wenn Sie sich meine Mischschale dort ansehen, Sie sehen können, dass alle Farben, die ich mischen werde, denn dieser Teil des Gemäldes werden alle von genau der gleichen Stelle kommen. Ich werde zum größten Teil nur subtile Variationen in der Farbe machen, um etwas zu schaffen, das locker ist, leicht. Alle Farben sind ziemlich nass und werden viel ineinander fließen, aber alle diese Farben sind ziemlich viel gehen, um kleine Stücke von einander in ihnen haben. Lassen Sie uns einen Kreis als Beispiel verwenden. Stellen Sie sich einfach eine Kreisform in Ihrem Kopf vor. Gehen Sie voran. Stellen Sie sich vor, dass die gesamte Kreisform das ganze Bild ist. Wie Sie hier sehen können, haben wir bereits in wenigen Minuten den größten Teil des Weißes unseres Gemäldes abgedeckt . Das wird um das Fünffache der Normalgeschwindigkeit beschleunigt und das gesamte Bild dauerte ungefähr eine Stunde. Aber die meisten meiner Malerei in der ersten ersten Wäsche dauerte nur ein oder zwei Minuten. Sie möchten mit dem ganzen Kreis beginnen, füllen Sie so viel wie möglich aus. Sie in kleineren und kleineren und kleineren in Richtung, dass beide Seiten in Richtung der Mitte Ihres Kreises arbeiten , wenn wir daran denken, dass es mehr wie ein Ziel zu sein, je näher wir an die Mitte kommen, desto mehr werden wir verlangsamen, konzentrieren sich auf Details, und nehmen Sie sich Zeit. Einige dieser Bereiche, wie insbesondere der Hintergrund, können ziemlich genau so bleiben, wie sie jetzt aussehen. Die ersten ersten Waschungen sind, nur ein bisschen Stimmung in mit Farbe zu bekommen, so dass wir in einigen grundlegenden Bits von Farbe legen, und indem wir losgehen und dann langsam die Details in bestimmten fokalen Bereichen festziehen, werden wir eine viel mehr haben dramatische und atmosphärische Malerei bis zum Ende. 10. BEISPIEL 2: Kontrast und Struktur aufbauen: Jetzt, da wir unsere solide Grundskizze an Ort und Stelle haben, sowie die lockeren atmosphärischen ersten Waschungen, werden wir jetzt beginnen, uns auf dieses metaphorische Kreisziel zu konzentrieren, um zu beginnen, sich auf ein wenig mehr von der Struktur zu konzentrieren. An diesem Punkt werden wir noch nicht mit spezifischen endgültigen Details eingehen, aber wir werden mehr aus dem Gesicht herausschneiden. Wie bereits erwähnt, wird der Aufbau von Kontrasten und die Festlegung starker Werte der wichtigste Schlüssel für ein Porträt sein, das funktioniert. Ich habe grün auf der Unterseite des Kinns, lila in den Lippen, blau und schwarz und braun und rot, Tonnen von verschiedenen Farben überall. Aber es spielt keine Rolle, oder vielmehr sollte ich sagen, dass ich viel mehr Spaß mit den Farben haben kann , wenn ich weiß, dass meine Werte solide sind, wenn sie alle zusammenarbeiten. Eine andere Sache, die unseren Farben wirklich helfen wird, ist, eine relativ begrenzte Farbpalette beizubehalten. Wie bei der Arbeit an unseren kreisförmigen Farbpaletten sears vorher. Für dieses Stück begann ich meistens mit einer limitierten Palette von Cerulean Blue, Cadmium Red Light und gelbem Ocker. Diese Farben schaffen eine wirklich interessante Vielfalt an Kombinationen, die ich für meine leichteren Waschungen verwenden konnte. Da Cerulean Blau keine sehr dunkle Farbe im Massenton ist, wollte ich auch ein Blau hinzufügen, das ich verwenden könnte, um dunklere Farben zu mischen. Also habe ich auch diesen Indigo- oder Paynes graue Farbe hinzugefügt. Wenn es auf den Abschnitt der Haare kommt, werde ich eine braune als auch. Ich glaube, ich habe etwas wärmeres verwendet, aber immer noch relativ tief in Ton wie ein indisches Rot. Sie werden feststellen, wenn wir mehr ins Detail gehen, dass ich meinen Pinsel ein wenig näher an der Ferrule in der Nähe der Spitze des Pinsels greife, im Gegensatz zu den lockereren, fegenden Strichen im Gegensatz zu den lockereren, fegenden Strichen, bei denen ich das Ende meines Pinsels für den Anfang des Stück. Ich habe jetzt ein bisschen mehr einen engeren Griff , und das liegt daran, dass wir an mehr Details arbeiten. Sie werden in der Lage sein, sehr deutlich zu sehen, dass ich mehr Zeit in jedem Bereich verbringe , denn anstatt die größeren Stücke zu formen, führe ich dieselben Bildhauerübungen auf kleineren Flächen durch. Anstatt den ganzen Kopf zu formen, überlege ich jetzt nur ein Auge allein und erfinde diese tieferen Teile, die Mitteltonwerte und hinterlasse einige hellere Bereiche für Highlights. Ich mache das für jedes Auge und gehe dann in andere Bereiche wie die Nase, den Mund, und behandle jeden Abschnitt des Gesichts wie seine eigene kleine Skulptur. Es gibt einige Kanten, die ich ein wenig härter lassen werde. Die Form der Iris und die tiefen Falten in den Augen, ich mag es, schärfere Kanten dort zu haben. Im Gegensatz dazu können diese Übergänge etwas weicher sein, da es sich eher um eine Krümmung des Schädels als um einen tatsächlichen tiefen Schatten handelt. Eine Kombination aus harten Kanten und weichen Kanten wird viel mehr Interesse an Ihrem Stück zu schaffen, und Sie werden eine Menge mehr Bereiche für die Zuschauer Auge einrichten und ihnen mehr Dinge zu geben, um zu betrachten. Wenn Ihr Stück aus fast vollständig weichen Kanten besteht, was bedeutet, dass Sie alles vermischen und alles super, super weich ist, kann es fast so aussehen, als wäre das Ganze nur airbrushed. Wenn Sie nur harte Kanten haben, kann sich das Stück fast zu abrasiv anfühlen. Wenn Sie nie etwas weich machen oder Ihre Farbe sehr nass sein lassen und sich einfach in andere Bereiche mischen, kann es zu hart und ein wenig zu schwierig sein, zu erkennen, was tatsächlich in dem Stück passiert. Eine Kombination aus weichen Kurven, bei denen die Gesichtsstruktur nur in und aus dem Licht und härteren Kanten übergeht, Schatten wirft oder definierte Formen wie die Augenbrauen und die Augen, diese Kombination wird wirklich hilfreich sein. Wir haben über diese allgemeine Idee des Bildhauens gesprochen, wie es für die Herstellung von Kunst gilt, aber ich wollte auch ein wenig spezifischer und sprechen über unsere Aquarelle. Denn ja, ich baue und modelliere und male, arbeite aber auch mit einem transparenten nassen Medium. Ich liebe Schichtung und Aquarelle. Es ist so ein faszinierender Prozess, diese weichen Blüten der Farbe zu kreieren und sie dann über härtere Kanten zu legen oder umgekehrt. Denken Sie daran, Ihr Medium, Arbeiten in langsam ausdrucksstarken Schichten kann so erfüllend sein, wenn es um Aquarelle geht. Sie können einer Farbe so viel Zeichen hinzufügen, wenn die Farbe, die jemand in einem bestimmten Bereich sieht, tatsächlich eine Kombination aus mehreren Ebenen ist. Das Haar wird im Gegensatz zu dieser Idee sein. Wir wollen viel Abwechslung, viel Wert und viel Interesse am Gesicht haben , da dies der Schwerpunkt des Stückes sein wird. Was bedeutet, dass wir wollen, dass überall sonst in der Lage sein am Wegesrand zu sitzen und nicht so viel zu spielen. Wenn wir zu unseren Haaren kommen, werden Sie feststellen, dass ich nur sehr lockere Striche verwenden werde . Ich werde meine Hand auf den Pinsel stützen und ein wenig näher am Ende halten, weil ich nicht auf meinen Pinsel zusammenpressen und mich zu sehr auf Details konzentrieren möchte . Ich konzentriere mich mehr in den Haaren, ich erstelle nur interessante Formen und halte es relativ locker. In unserem nächsten Abschnitt, wenn wir in die letzten Details gehen, werde ich ein wenig Schattierung in den Haaren machen, nur um es ein bisschen mehr Tiefe zu geben, so dass es nicht so sehr von einer flachen Form ist, aber es wird nicht annähernd so detailliert sein und ich werde nicht fast so viel Zeit dort, wie ich es im eigentlichen Gesicht tun werde. Dasselbe gilt für den Shirt-Bereich dieses Charakters. Ich setze meistens nur eine große feste rote Wäsche ein, die ich als Akzentfarbe fungieren möchte. Aber wieder, es wird nicht annähernd so detailliert sein. Ich möchte darüber nachdenken, wie meine Farben insgesamt zusammenarbeiten , um eine bestimmte Atmosphäre zu schaffen. Durch die Wahl von Rot als Akzentfarbe, fügt es diesem Gefühl von Spannung und Dringlichkeit in das Stück insgesamt. Rot kann eine Farbe sein, die den Betrachter dazu bringt, über Wut oder Schmerzen oder irgendeine Art von Unbehagen nachzudenken . Für mich, dieses Stück und die Kombination von Farben lassen mich an die Ruhe vor dem Sturm denken. Ein Moment von sehr intensiver Ruhe, fast Stagnation, bevor die Dinge in Wut, Wut oder sogar Traurigkeit explodieren. Es ist ein bisschen ein düsteres Stück, aber über diese Art von atmosphärischen Entscheidungen zu denken, während Sie malen, wird Ihnen wirklich helfen, zu schärfen, was Sie wollen, das Stück zu sein, anstatt einfach alles darauf zu werfen und etwas zu haben, das nicht wirklich funktioniert. Als weitere kleine Randnotiz zum Thema Papier verwende ich hier ein Kaltpresse-Aquarellpapier. Sie können feststellen, besonders an dieser Stelle im Haar, dass das Haar viel leichter aussieht als es war, als wir es ursprünglich gemalt haben. Das ist während des gesamten Prozesses dieses Gemäldes mit all unseren Schichten geschehen. Wenn Sie Kaltpresspapier verwenden, neigt die Farbe dazu, sich in diese Rillen und Grate und Vertiefungen des Papiers ein wenig mehr zu setzen neigt die Farbe dazu, sich in diese Rillen und Grate und Vertiefungen des Papiers ein wenig mehr zu setzen, und die Farbe kann etwas weniger lebendig trocknen, während es verzeihender ist , wenn Sie sprechen von harten Kanten im Vergleich zu weichen Kanten. Kaltpresspapier kann wirklich schön sein, um Kanten zu haben, die ineinander fließen. Es macht unsere Farbe aufhellen, da es trocknet ein wenig mehr als einige heiße Presse Papier als auch. Aber das ist der Grund, warum wir schichten, deshalb bauen wir unsere Werte im Laufe der Zeit auf. 11. BEISPIEL 2: Abschließende Details: Jetzt ist es Zeit für die letzten Details und den letzten Schliff. An diesem Punkt ist es wirklich wichtig, dass Sie als Künstler entscheiden, wann Sie fertig sind. Diese endgültigen Details können sich ein wenig peinlich anfühlen und es ist sehr einfach, Ihre Malerei zu überarbeiten und sich in diesem Stadium zu hinreißen. Obwohl man nicht immer eine klare Vorstellung davon haben kann was man von einem fertigen Gemälde will, ist es wichtig, ein paar Ziele im Auge zu behalten, damit man in diesem Stadium nicht ruiniert wird oder wie gesagt, völlig überarbeitet wird. In diesem Stück zum Beispiel bestand meine letzten Ziele darin, sicherzustellen, dass mein Schwerpunkt klar und knackig und intensiv war und dass alles andere diesen Schwerpunkt irgendwie ergänzte. Also, wie gesagt, ich ging hinein und fügte ein winziges bisschen mehr Kontrast zu den Haaren, nicht zu viel, nur ein bisschen mehr und ich ging auch hinein und fügte ein paar weitere Schichten den Bereich um die Augen, wie ich möchte, dass der Bereich, der am meisten zeichnet Aufmerksamkeit. Es wird also den meisten Kontrast haben, die breiteste Wertepalette und das kleinste Detail und alles andere wird nur diesen zentralen Bereich kontrastieren und verankern. Da unsere Farben auf einem kalten Pressepapier trocknen, wie bereits erwähnt, können diese Farben erweichen und aufhellen und etwas langweiliger werden. Also kann ich noch eine oder zwei Ebenen hinzufügen, um kleine Mengen an Sättigung zurückzubringen. Wenn ich mit dem Wertebereich relativ zufrieden bin, gehe ich gerne manchmal mit weißer Gouache ein, um alle Bereiche zu bereinigen. Also speziell für dieses hier ging ich um das Auge auf der einen Seite, wo die Iris ein wenig zu groß geworden war und das mit meiner weißen Gouache etwas kleiner gemacht hatte und ich fügte auch meine weißen Highlights zu den Schülern. Es ist ein wenig wie ein Balanceakt an dieser Stelle und wenn Sie wirklich dunkle Werte hinzufügen, können Sie feststellen, dass Sie ein paar mehr Mitteltöne und die Bereiche um, nur um sicherzustellen, dass alles ausgewogen ist. Es ist in Ordnung, ein wenig peinlich zu werden, aber nehmen Sie regelmäßige Pausen, um sich zu fragen, ob die Änderungen, die Sie vornehmen, völlig notwendig sind oder ob Sie nur fummeln. Behalten Sie klare Ziele im Hinterkopf und wissen Sie, wann Ihr Stück fertig ist. Ich hoffe, Sie haben dieses zusätzliche Projekt der zweiten Klasse genossen. Ich habe es sehr genossen, es für Sie zusammenzustellen, und ich kann es kaum erwarten, Ihr Klassenprojekt zu sehen, also teilen Sie bitte, woran Sie gerade arbeiten. Nochmals vielen Dank, dass du mir in dieser Klasse beigetreten bist und wir sehen uns nächstes Mal. Schau nach vorn, das Meer kommt. Ich weiß, dass wir viel durchgemacht haben, aber warte einfach. Warte, bis bessere Tage kommen und trage uns wie Wind in unseren Segeln. Halten Sie sich fest, ich rieche das Ufer direkt vor mir.