Ambiente Chillstep Musikproduktion – Beginnen zu Ende | Jon Merritt | Skillshare
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Ambiente Chillstep Musikproduktion – Beginnen zu Ende

teacher avatar Jon Merritt, Born To Produce

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Ambient – Beginnen Sie zu Ende – Course

      6:22

    • 2.

      Lektion 01

      5:41

    • 3.

      Lektion 02 Sound

      19:05

    • 4.

      Lektion 03 Music

      8:41

    • 5.

      Lektion 04 Musiktheorie Beginnen

      20:16

    • 6.

      Lektion 05 Musiktheorie Die Komplexität in die Chord

      7:10

    • 7.

      Lektion 06 Adajio String Layer

      8:16

    • 8.

      Lektion 07 Klavier

      6:24

    • 9.

      Lektion 08 Platz hinzufügen

      8:44

    • 10.

      Lektion 09 Chill Step Drum Beat

      19:53

    • 11.

      Lektion 10 SFX zum Trommelschlag

      14:06

    • 12.

      Lektion 11 Bassline

      8:37

    • 13.

      Lektion 12 Sidechaining

      8:38

    • 14.

      Lektion 13 Ein tieferer Blick auf Vital

      28:26

    • 15.

      Lektion 14 modulierte Bass

      9:51

    • 16.

      Lektion 15 Adagio String FX

      8:19

    • 17.

      Lektion 16 Vocal

      5:15

    • 18.

      Lektion 17 Songstruktur

      9:42

    • 19.

      Lektion 18 SFX Flanged

      6:56

    • 20.

      Lektion 19 SFX

      15:53

    • 21.

      Lektion 20 Automation

      14:00

    • 22.

      Lektion 21 Fills

      20:05

    • 23.

      Lektion 22 Mühelos

      6:41

    • 24.

      Lektion 23 Panning

      8:05

    • 25.

      Lektion 24 Mixdown

      15:22

    • 26.

      Lektion 25 Piano

      25:48

    • 27.

      Lektion 26 Mastering

      10:30

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

101

Teilnehmer:innen

--

Projekte

Über diesen Kurs

Folge Schritt für Schritt und mache eine komplette Ambient/Chillstep Strecke von Anfang bis Ende. Auf dem Weg lernst du alle Techniken und Fähigkeiten, die du brauchst, um deine eigenen Ambient/Chillstep Tracks zu erstellen.

Sieh dir die course für mehr Details an und um dir den Track zu hören, den du machen wirst.

Dies ist ein eingehender, eingehender Kurs, der dich Schritt für Schritt durch den Prozess der Erstellung dieses Weges führt. Während du in den Kurs Fortschritte machst, lernst du alles von der Methode, wie du erste Ideen erarbeitest, wie du diese Ideen entwickelst und deine Musik emotional machen kannst (du brauchst kein Instrument zu spielen oder irgendein früheres music zu haben), bis hin zu Arrangieren, Mischen und Mastern.

Hinweis: Dieser Kurs wird so gemacht, dass er in jeder DAW befolgt werden kann, aber das erfordert schon, dass du deinen Weg in deine DAW deiner Wahl bereits know Wenn ich zum Beispiel EQ erwähne, wirst du wissen, wohin du in deine DAW gehen sollst, um die gleichen Einstellungen replizieren zu können. Dies ist kein Kurs für komplette Anfänger, aber selbst Anfänger mit etwas Wissen sollten in der Lage sein, sich zu verfolgen. Alle Audio, MIDI, Presets werden bereitgestellt, und nur kostenlose / gemeinsame Instrumente/Plugins verwendet werden, damit du keine spezielle Software brauchst, um den Kurs abzuschließen. Alles, was du brauchst, ist eine DAW (Digital Audio Workstation)

Hier ist eine ausführlichere Beschreibung dessen, was du aus dem Kurs bekommen wirst.

Modul 1 – Erste Schritte

Ambiente Musik ist alles um minimale Schönheit. In diesem ersten Modul lernst du, wie du Töne und Texturen für deine Tracks mit einer Vielzahl von Methoden wie Synthese und Samples herstellst.

Wir verwenden einen unglaublichen (und völlig KOSTENLOSEN) Synthesizer namens 'Vital'. Das einzige andere Instrument ist ein Klavierinstrument (auch kostenlos), daher ist dieser Kurs für jedermann, in jeder DAW zugänglich.

Du lernst die Grundlagen der Synthese in Vital, erstellst eine üppige Pad und Bass-Linien und verwendest organische Proben, um die synthetisierten Sounds zu verstärken, um eine wunderschöne und vielfältige Klanglandschaft zu erstellen und eine emotionale Verbindung zum Hörer zu erzeugen.

 

Modul 2 – Musiktheorie

In diesem Modul lernst du, wie du eine volle 32-Balken-Akkord-Progression erstellen kannst. Um dies zu erreichen, lernst du aus den Grundlagen, wie du eine Skala wählst, wie du the herstellst und dann wie du eine chords, auflöst, um ein Gefühl der Fertigstellung zu vermitteln. Wir werden viel weiter gehen und die emotionale Tiefe der chord verbessern, indem wir verschiedene chord 7. Akkorde, the und sogar ausgeliehene Akkorde verwenden.

Wir verwenden dann eine Technik, die „Komplexität aus Einfachheit“ heißt, um eine Standard-4-Balken-Akkord-Progression zu übernehmen und sie zuerst in eine 8-Balken-Progression zu verwandeln, dann 16-Balken, dann 32-Balken. Dies gibt dem Track ein wahres sense während er voranschreitet und hilft, den Hörer in Kontakt zu halten.

 

Modul 3 – Soundstage und Effekte

So wichtig wie die verwendeten Töne ist, wo und wie diese Töne in der Mischung verwendet werden, d.h. eine 'Soundstage' erstellen. In diesem Modul lernst du, wie du die Klänge für maximale Wirkung platzieren und einen minimalistischen Ansatz im Auge behalten kannst.

SFX-Sounds zur Verbesserung der Emotionen des Tracks zu verwenden ist ein wichtiger und auch befriedigender Prozess, da er wirklich den Tracks miteinander verbindet. Du wirst eine Vielzahl verschiedener SFX-Sounds verwenden, alle aus unserem Chill Step Sample Pack entnommen (alle im Tutorial verwendeten Proben sind in den Arbeitsdateien zur Verfügung gestellt). Verwendet in Verbindung mit Modulationseffekten, um Sounds auf deinen Track anzupassen.

Wir verwenden auch viel Reverb, um ein Gefühl von Tiefe und Geräumigkeit in unserem Mix zu erzeugen.

Modul 4 – Chill Step Beat

In diesem Modul machen wir einen Beat für die zweite Hälfte der Strecke (nach dem Abschnitt „Ambient“). Du lernst wie du einen Chillstep Beat erstellst, der einen großen Einfluss hat, und arbeitet in Verbindung mit der seitlich geketteten Basslinie, um einen klobigen Rhythmus zu bieten. Wir verwenden eine Vielzahl von Tönen, Trommeln und SFX-Sounds um einen Beat zu erstellen, der die richtige Energie hat und auch den Track ergänzt

Während wir im Kurs diskutieren, kannst du natürlich in jede Richtung gehen, die du willst, wenn es um die Art des Beats geht, den du für diesen Track verwendest. Du kannst dich dafür entscheiden, sehr minimale Schlagzeug oder gar gar keine Schlagzeug zu verwenden. Die Wahl ist immer dein.

 

Modul 5 – Songstruktur

Eine der misunderstood Fähigkeiten ist „Songstruktur“. Hier lernst du, wie du den Track auf der Mikro- und Makroskala analyst. Wenn wir uns ansehen, wie wir ein Gefühl von Push und Pull (Spannung und Freigabe) auf der Mikroebene der Melodie und die Makroebene der gesamten Anordnung erzeugen. Dieses Maß an Verständnis kann dir helfen, Tracks zu erstellen, die den Hörer immer engagiert und für mehr zurückkommen.

Neben der Analyse der Strecke auf energetischer Ebene wirst du die Bewegung und den Fluss der Strecke mit SFX-Sounds und Automatisierung verbessern und dabei helfen, die Emotionen der Strecke zu vertiefen.

 

Modul 6 – Mischen und Mastering

Im letzten Modul werden wir in die wichtigen Prozesse des Mischen und Mastering eintauchen. Du lernst den Schlüssel zum Sichern deiner Mischungen mühelos und daher einfach zu tun.

Die richtigen Elemente zu wählen ist wichtig, aber du musst auch in der Lage sein, diese miteinander auszugleichen, und du musst sie so in die Mischung passen können. Hier werden wir uns EQ, Kompression, Sättigung, dynamische EQ (mit einem KOSTENLOSEN Plugin) und vieles mehr ansehen.

In der letzten Kurseinheit werden wir dann die letzten kleinen Anpassungen auf den Track anwenden, um sicherzustellen, dass er richtig ausgeglichen ist und sie dann herausgeben.

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Jon Merritt

Born To Produce

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Transkripte

1. Ambient Chill Übersicht: Hallo zusammen, ich bin John Merrick von Bones of Jesus. Willkommen zu unserem Ambient Stroke. Schillert das Tutorial, das Sie zusammen mit jeder digitalen Audio-Workstation verfolgen können . Wie bereits erwähnt, können Sie in jeder DAW, Cubase Logic, Ableton, f, l usw. mitmachen . Dies setzt jedoch voraus , dass Sie mindestens ein grundlegendes Verständnis dieser DAW haben. Dieser Kurs ist also am besten für fortgeschrittene Anfänger oder höher geeignet. Jetzt habe ich speziell nur Instrumente verwendet , die völlig kostenlos sind. Dieser Kurs ist also für jeden zugänglich , der eine andere DAW verwendet. Und wenn es um Plugin-Effekte geht, habe ich nur die grundlegenden Stock-Plug-ins ausprobiert , die in allen DAWs verfügbar sind. Wir verwenden also fortschrittlichere Prozesse wie den dynamischen EQ. Ich habe kostenlose Plugins verwendet, die auch für alle verfügbar sind. Also beginnen wir den Kurs, indem einige grundlegende Sounddesigns und die Synthese mithilfe des fantastischen neuen und Synthese mithilfe völlig kostenlosen Synthesizers Vital ausprobieren ein üppiges, tiefes Pad kreieren das wir verwenden werden für das Hauptelement. wirst du dem Track viele weitere Texturen hinzufügen Im Laufe der Zeit wirst du dem Track viele weitere Texturen hinzufügen. Mit vital, einem kostenlosen Klavierinstrument und Samples, die natürlich alle im Tutorial-Download enthalten sind . Nun, ein Teil der Ambient-Musik, der wichtig ist, um es richtig zu machen, ist natürlich die Melodie. Also werden wir uns eingehend mit der Musiktheorie und dem Ansatz befassen , wie man eine epische 32-Takt-Akkordfolge erstellen kann, und diese als Grundlage verwenden , um unserem Track mehr melodische Elemente hinzuzufügen. benötigen Sie kein fortgeschrittenes Verständnis Dazu benötigen Sie kein fortgeschrittenes Verständnis der Musiktheorie. Wir bauen das buchstäblich Schritt für Schritt auf, und du kannst diese Schritte dann in deinen eigenen Tracks verwenden , um jedes Mal deine eigenen Ambient-Progressionen zu machen . Jetzt ist eine gute Songstruktur in jedem Track unerlässlich. Wir werden diesen Track also sowohl auf mikroenergetischer als auch auf makroenergetischer Ebene analysieren . Das bedeutet nun, dass Sie lernen werden, wie Sie ein subtiles Auf und Ab von Spannung und Entspannung in Ihrem gesamten Track erzeugen dass Sie lernen werden, wie Sie ein subtiles Auf und Ab von Spannung und Entspannung können, von der Melodie bis Gesamt-Arrangement , das die Zuhörer bei Laune hält und Ich wollte wiederkommen, um mehr zu erfahren. Das Mischen wird oft als die technischste Phase des Prozesses angesehen , was nur teilweise zutrifft. Und obwohl wir alle technischen Aspekte des Mixens behandeln werden , wie EQ, Kompressionssättigung, also veränderter dynamischer EQ und so weiter. Wir werden uns auch ansehen, wie du in deinen Tracks jedes Mal mühelos Mixe erzielen kannst . Wenn Sie lernen möchten, wie man Ambient-Musik macht, ist dies der richtige Kurs für Sie. Jetzt. Dies ist wirklich nur ein kleiner Querschnitt von allem, was in diesem Tutorial behandelt wird. Aber das Beste an diesen Gedanken zum Abschluss Kursen ist, dass Sie einen echten Einblick erhalten , wie Sie Ihre eigenen Tracks erstellen können und wo und wann Sie die erlernten Fähigkeiten einsetzen sollten. Das war's für mich. Ich lasse den Titel spielen, den du machen kannst, wenn du den Kurs bekommst. Dies ist die endgültige Version , die wir in weniger als 27 ausgeben. Die letzte Lektion des Kurses. Keine Nachbesserungen, keine Nachbearbeitung. Vielen Dank fürs Zuschauen. Ich hoffe, wir sehen uns im Kurs. 2. Lektion 01: Willkommen dazu. Alle Türen beginnen zu enden. Ambient Stroke, Chill Step in jedem Tutorial, das erste, was ich tun möchte, ist den Track zu spielen , den wir zusammen treffen werden, Cascade genannt. Ich werde das Ganze spielen, damit du ein echtes Gefühl dafür bekommst , worum es in diesem Track geht. Aber wenn du dir das Ganze nicht anhören willst, ist das natürlich in Ordnung. Ich hinterlasse einen Zeitstempel auf dem Bildschirm, damit du weitermachen kannst, wenn du möchtest. Es wird also viel Spaß zu machen und Jati informativ zu machen. Diese erste Lektion ist nur eine Einführung in den Kurs, und wir werden einige grundlegende Dinge darüber behandeln, wie das Tutorial funktioniert, wenn Sie eine andere Tür als ich benutzen. Wenn du also loslegen willst und mit der nächsten Lektion weitermachen willst , in der wir tatsächlich anfangen, den Track zu machen, ist das in Ordnung. Wie bereits erwähnt, kann dies bei jeder Tür befolgt werden, aber das setzt voraus, dass Sie über genügend Wissen über Ihre Tür verfügen , um z. B. einen ähnlichen Effekt zu finden oder wissen, wie man Automatisierung einsetzt? Ich habe versucht, Standardeffekte und -techniken zu verwenden , die in allen Türen verfügbar sein werden. Oder ich habe versucht, kostenlose Plugins zu verwenden , die jeder herunterladen und verwenden kann, aber bitte mach dir keine Sorgen, wenn du nicht genau mit dem mithalten kannst, was ich mache, ist es viel, viel wichtiger, dass du die Technik und warum und wann man eine bestimmte Technik anwenden sollte, anstatt jede einzelne Kleinigkeit, die ich mache, exakt aufeinander abstimmen zu können . Wenn Sie den Kurs gekauft haben, erhalten Sie auch all diese Stems, Audiosamples, MIDI-Dateien und Instrumenten-Patches. Wenn Sie also nicht weiterkommen, können Sie sie einfach in Ihre Tür laden. Aber wisse einfach, dass wir während des gesamten Tutorials alles in diesem Track von Grund auf neu erstellen. Also noch zwei schnelle Dinge, bevor wir zu Lektion zwei übergehen. Natürlich lernst du, wie man nur einen Ambient-Strike macht , einen Chill-Step, den du anziehen kannst, aber versuche, das als Einstieg in diese Genres zu sehen. Wir werden also viele der wichtigsten Fähigkeiten behandeln , die Sie benötigen, um Musiktheorie, Sounddesign, Arrangement, Mischen, Raum zu schaffen und vieles mehr. damit fertig bist, wirst du ein gutes Verständnis dafür haben, wie du deine eigenen Ambient-Step-Tracks mit Chilled Ambient erstellen kannst. Okay, also als letztes, ich arbeite mit 96 kHz Samplerate und 24 Bit und alle Audiosamples und Stems werden mit den gleichen Einstellungen aufgenommen. Ich empfehle Ihnen, 96 K24 Bit zu verwenden, aber Sie können mit einer niedrigeren Sampling-Rate arbeiten, wenn Sie möchten. Es ist nur eine Empfehlung. Okay, das war's für das Intro. Danke, dass du Jungs und Mädels beobachtet hast. Wir sehen uns im nächsten. 3. Lektion 02 Sound: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, also in dieser Lektion werden wir das Pad in einer kostenlosen Cynthia namens Vital zum Klingen bringen. Sie können vital werden, indem Sie einfach Vital VST googeln. Und es wird der erste Link sein, den du siehst. Und wenn du nach unten scrollst, kommst du irgendwann zu den verschiedenen Versionen , die du bekommen kannst. Jetzt können Sie die Vollversion erhalten , die völlig kostenlos ist. Wählen Sie also einfach die gewünschte Version aus und Sie können die Version für Ihr spezielles Betriebssystem herunterladen . Sobald es heruntergeladen ist, installiere es einfach und ich werde nicht darauf eingehen wo es installiert werden soll , da es für jede Tür anders sein kann, aber das sind Informationen, die mit einem schnellen Google leicht zu finden sind. Also würde ich vor Ihrer Tür mit einem leeren Projekt oder Ihrer bevorzugten leeren Vorlage Ihrer Wahl beginnen einem leeren Projekt oder . Und sofort laden wir Vital auf. Sag für mich, es ist einfach. Ich lade es einfach mit einer Instrumentenspur bei Vital. Und das erste, was ich tun werde, ist, es ein bisschen kleiner zu machen , damit es richtig auf den Bildschirm passt. Sie können die Größe ändern, indem Sie dort oben auf das kleine V klicken . Ich werde einfach auf 70% steigen, weil 100% einfach ein bisschen zu hoch sind. Das ist absolut in Ordnung. Jetzt an meiner Tür, das erste, was ich tun werde , ist das leiser zu stellen. Das ist wie die schnelle Cheat-Methode, deine Projekte so zu inszenieren , dass es nicht zu laut wird, wenn du anfängst , deinem Track viele andere Elemente hinzuzufügen . Sagen wir, drehen Sie es auf etwa -11 herunter , als absolut in Ordnung. Das nächste, was ich tun möchte, ist ein Mittelalterliches aus der Belegschaft mitzubringen . Wenn Sie also das Tutorial mitgebracht haben, können Sie es aus den Arbeitsdateien, Ordner, Gates- und MIDI-Dateien laden und dann das komplette Pad Middy Ziehen Sie es einfach auf das wichtige Instrument. Es sollte einfach da drin geladen werden. Stellen Sie einfach sicher, dass Ihr Midea bei Takt fünf beginnt. Wenn du es also wie ich in Takt fünf machst, dann passt alles in deinem Projekt zusammen. Du wirst also wissen, wenn ich davon spreche Bar 11 oder 12 zu sein oder was auch immer, du weißt, dass wir am selben Ort sind. Also werde ich einfach die ersten 4 Takte dieser Progression durchgehen . Sag jetzt einfach nein, wenn ich näher darauf eingehe, werde ich dir nur ungefähr zeigen, wie diese Akkordfolge aussieht. Es ist also eigentlich ziemlich komplex. Es ist wie eine Akkordfolge mit 32 Takten, obwohl sich der Hauptteil natürlich wiederholt. Aber das ist in Ordnung. Nur damit du es weißt, in den kommenden Lektionen werden wir Schritt für Schritt durchgehen, wie du diesen Fortschritt machen kannst. Und wir vermitteln Ihnen das gesamte Wissen, das Sie benötigen, um Ihre eigenen epischen Akkordfolgen erstellen zu können. Nicht nur dieser Fortschritt, sondern wirklich jeder Fortschritt , den Sie machen möchten. Aber vorerst wollte ich nur dieses Midiin mitbringen. Du hast also tatsächlich genug, damit wir anfangen können unser Pad in Vital zu formen, denn offensichtlich klingt es im Moment sehr auspacig. Lass uns ins Vital gehen und loslegen. Wenn Sie mit dem Thema noch nicht vertraut sind, kann es etwas entmutigend aussehen , aber keine Sorge. Tutorial werden wir Sounddesign für Einsteiger machen In diesem Tutorial werden wir Sounddesign für Einsteiger machen. Lassen Sie mich zunächst kurz, und ich meine, kurz die Grundlagen der Funktionsweise des Synthesizers erklären . Sag auch einfach nein, all diese Patches sind in der Arbeitsdatei verfügbar. Wenn du also wirklich nicht weiterkommst, kannst du sie einfach laden. Und dazu gibt es Anweisungen im selben Ordner wie die Presets. Das grundlegendste, was man bei jedem Synthesizer verstehen muss, ist also der Signalpfad des Klangs. Also, wo es anfängt und wohin es geht , bevor es aus dem Synthesizer in deine Tür kommt. In jeder Hinsicht beginnt wirklich alles mit der Oszillatorsektion. Hier wird der Sound erzeugt und Sie erzeugen die erste Tom-Reihe des Sounds, Tambora, also die Textur des Klangs. Sie können die unterbrochene Zeit ändern, indem verschiedene Wellenformen verwenden, durch die Sie wechseln können. Sie können weitere Oszillatoren hinzufügen. Zweitens gibt es drei Hauptoszillatoren in Vital und Sie haben auch einen Beispieloszillator. Und nachdem Sie die ursprüngliche Textur des Tonsignals erzeugt haben die ursprüngliche Textur des Tonsignals geht es zu den sogenannten subtraktiven Teilen des Synthesizers über . Hier können wir also die Dynamik beeinflussen, indem wir die Hülle ändern. Sag mal, das ist der Umschlag hier drüben. Dies steuert die Dynamik der Amplitude. Sagen wir, wenn ich noch einen Angriff hinzufüge, wirst du hören, dass wir z. B. langsam in den Sound einsteigen, und dann können wir ihn auch durch einen Filter abschicken. Also wenn ich den Filter aktiviere und den Oszillator 2.3 vorerst einfach abschalte. Das ist also quasi so, als würde man den Sound formen. Und es gibt auch endlose Möglichkeiten, den Sound, den Sie gemacht haben, zu modifizieren und zu modulieren. Und wir werden uns im gesamten Tutorial mit den Grundlagen befassen. Dann haben Sie die Effektseite, auf der Sie alles hinzufügen können, was bereit ist, Chorus, Kompressor , Delay, Distortion, alles Mögliche zum Sound , extra, um den Sound weiter zu formen , ganz nach Ihren Wünschen. Aber das ist genug für einen kurzen Überblick, so kurz es auch war, es reicht im Moment wirklich aus, nur um zu verstehen, wo der Sound beginnt und wie er sich durch den Synth entwickelt, ist nicht viel gut. Apropos, was jede der Funktionen macht, wenn Sie nicht wirklich ein Framework dafür haben, wie das funktioniert. Um Ihnen dabei zu helfen, fangen wir an, den Sound zu machen, nur damit Sie wissen, ob Sie irgendwelche Datenoptimierungen vorgenommen haben und Sie zum ursprünglichen Preset zurückkehren möchten, das ist, wie wichtig es wird, wenn es zum ersten Mal geladen wird nach oben. In drei Zeilen hier und gehe zum initialisierten Preset. Und das setzt einfach alles in Basel zurück. Fangen wir also noch einmal mit dem Oszillatorbereich an. Jetzt ist es eigentlich schon auf der rechten Wellenform. Das ist wie eine Sägewelle. Das ist ein guter Ausgangspunkt. Aber was ich dir zeigen möchte, ist diese unisono Kontrolle hier drüben. Also werde ich das vorerst einfach leiser stellen. Das ist also die Unisono-De-Tune. Wir werden das in einer Sekunde wieder zur Sprache bringen, aber es ist besser, mit diesem Nachteil zu beginnen. Was ich tun werde, ist, mehr Stimmen dafür hinzuzufügen. Du klickst einfach darauf und ziehst es nach oben, um weitere Stimmen hinzuzufügen. Man kann hören, wie es den Klang verändert. Aber was heißt das wirklich? also mehr Stimmen hinzufügen, fügen Sie im Grunde mehr Oszillatoren hinzu, die denselben Song spielen. Also statt nur eines Oszillators, welcher wäre es, wenn ich ihn auf einer Stimme hätte? Ich habe ungefähr 16 Stimmen, die alle dieselbe Song-Welle spielen. Nun, das klingt nicht so beeindruckend, wenn ich es spiele. Bis du wirklich anfängst, mit dem verstimmten Zifferblatt herumzuspielen, sag, ich spiele es einfach ab und ich werde damit herumspielen und du hörst, was ich meine. Du kannst es sofort hören. Es verdickt es wirklich zu diesem schönen, fast wie Transceiver-Kabel, aber es macht es wirklich nur platt, was es viel interessanter macht. Okay, das ist also in Ordnung. Jetzt fügen wir einen weiteren Oszillator hinzu. Also werden wir auch Oszillate aktivieren. Nun, dieser bringt nicht wirklich viel, wenn ich ihn nur spiele, er fügt dem ursprünglichen Oszillator nur noch eine Stimme hinzu. Also, was ich tun werde, ist das zu verwerfen. Also klicke ich einfach auf die Stelle, an der Pitch steht , und ziehe das nach unten. Es ist ein -12, wenn ein Octavio das einfach spielen wird. Okay, nett. Macht es einfach richtig dick. Wenn ein Oszillator einen spielt, okay, speichere, das ist großartig. Lassen Sie uns als Nächstes damit fortfahren , den Sound ein wenig zu formen. Zuallererst sage ich auch nicht Veränderung. Der zweite Oszillator sagt auch, dass er Filter eins statt Filter2 durchläuft . Sie können hier sehen , dass oszillierte bereits durch Filter eins geleitet werden. Also mit der Textur des Sounds, so wie ich es einmal gemacht habe, oder zumindest ungefähr an der richtigen Stelle, komme ich vorbei und fange an, den Sound mithilfe der Hüllkurve zu formen. Also emulieren Sie eins für die Amplitudendynamik. Das heißt also im Grunde genommen vom Volumen her, es wird es so formen, wie ich es zuvor gezeigt habe. Wenn wir also einen stärkeren Angriff hinzufügen, ein bisschen höflicher, aber so extrem müssen wir nicht sein. Wir werden etwas anderes machen. Ich will das nur ein bisschen angreifen. Es hat also nur diese leichte, nervöse Fütterung in der allerersten Hälfte, einer Sekunde des Sounds. Das ist vorerst in Ordnung. Lassen Sie uns auch die Veröffentlichung erhöhen, weil wir wollen, dass es ein bisschen schwankt. Also verschmelzen quasi alle Codes ineinander. Du kannst also hören, wenn ich damit aufhöre, du kannst hören, wie es hagelt. Das ist die Veröffentlichung des Sounds. Okay, großartig, das klingt langsam ein bisschen netter. Kein Problem, aber jetzt wollen wir einen Filter hinzufügen, also aktiviere ich Filter eins. Lass mich einfach spielen, dass ich den Cutoff des Filters mit diesem Schieberegler ändern kann . Man kann hören, dass es ein gewisses Resonanzgefühl hat . liegt daran, dass die Resonanz im Moment fast auf halber Höhe ist. So ändern Sie die Resonanz des Filters. Also natürlich kannst du diese Resonanz sofort ausschalten. Lippenstift, bis es etwa zur Hälfte aufgeklappt ist. Ziemlich nett. Das macht den Sound etwas interessanter. Aber anstatt ihn nur zu filtern, möchte ich diesen Filter so modulieren , dass er sich in den Sound einsaugt. Dazu müssen wir also einen Angriff hinzufügen, genau wie beim Angriff auf die Amplitude. Wenn wir das lauter drehen, wird es natürlich langsam sanft zum Sound geführt. Also wollen wir das machen, aber mit den Filtern ist das wirklich einfach. verwenden wir Envelope Two. Klicken wir auch einfach auf Umschlag. Und auch dort, wo Sie diese kleinen grauen vier Pfeile mit einem.in der Mitte sehen , werden wir tatsächlich darauf klicken und es darüber ziehen. Wenn wir also diesen kleinen Kreis dort haben, wissen wir, dass sich dies auf die Filterabschaltung auswirken wird. Also wenn ich das fallen lasse und jetzt nicht mehr viel passiert, wenn ich es spiele. Weil wir den Brieftresor nicht wirklich verändert haben . Starte jetzt den Angriff. Sie können hier tatsächlich sehen , wie der Filter selbst durch diese Hüllkurve moduliert wird. Also können wir das ablehnen. Also fangen wir an, dort anzukommen. Es ist nicht ganz richtig. Es klingt nicht wirklich so, wie ich es im Moment haben möchte. Also werden wir diese Einstellungen einfach etwas genauer machen . Ich ändere nur den Holder, sodass wir jedes Mal, wenn das Pad spielt, einen vollen Zyklus haben. Es ist also nicht so schlimm, aber daran müssen wir noch ein paar Änderungen vornehmen. Also schnappen wir uns diesen kleinen Kontrollpunkt in der Mitte und bewegen ihn einfach nach oben. Wir bekommen also eher eine Art schnelles Raise im Cutoff und dann wird es gegen Ende sanfter und Sie können sehen, wie es sich abspielt. Oh, sagen wir, wir müssen den Angriff ebenfalls vorantreiben. Erhöhen Sie das. Es entspricht also eher der ersten Hüllkurve, die die Amplitude bestimmt. Sie sich keine allzu großen Sorgen, wenn das nicht gerade sehr eintönig Je mehr wir es tun, desto besser werden Sie den Prozess verstehen. Das ist erst das erste Mal, dass wir es tun. Sie sich also nicht zu viele Sorgen, wenn nicht sogar alles, was noch absolut Sinn macht. Also müssen wir einfach eine weitere Änderung vornehmen. Also wenn ich es spiele, ist es ein bisschen zu extrem. Was wir also tun wollen, ist die Effektivität der Filter zu verringern , etwa die Mischung davon zu ändern, wie stark sich diese Hüllkurve auf den Filter auswirkt. Und das tun wir, indem wir hier tatsächlich auf diese winzigen kleinen Punkte klicken und sie nach oben und unten ziehen. Sie können tatsächlich sehen, wie stark wir den Filter beeinflussen werden, indem Sie sagen, wenn wir diesen Kreis vollständig gefüllt haben, das ist wie maximale Effektivität oder vollständige Mischung. Und wenn wir das abdrehen, werde ich es nicht so sehr beeinflussen. Es ist also viel sanfter. Sagen wir, wir wollen ein bisschen mehr als das, aber nicht zu viel irgendwo hier in der Nähe. Und natürlich können wir, und wir werden alle sagen, das Abschalten des Filters automatisieren, während es abgespielt und wir werden alle sagen, das Abschalten des Filters automatisieren, wird. Und für die Standardeinstellungen sind wir im Grunde da. Ich habe nicht gesagt, dass es ein sehr einfacher Patch sein wird. Und es ist wirklich einfach, etwas zu bekommen, das nett und köstlich klingt. Wenn wir uns nun damit befassen, wie die Codestruktur erstellt wurde, wird sie natürlich befassen, wie die Codestruktur erstellt wurde, Gestalt annehmen wir alle Bassnoten und alles andere hinzufügen. Aber im Moment ist das absolut in Ordnung. Andere, eine Sache, die ich noch machen möchte, und das ist nur diese Velocity-Track-Drehscheibe hier unten. Das ist also wirklich ziemlich wichtig. Lass mich einfach Vital für eine Sekunde schließen und ich gehe zum Midi über. Wie Sie hier sehen können, haben wir diese verschiedenfarbigen Notizen. Ich bin mir also nicht sicher, was deine Tür angeht, aber in Cubase gilt: Je heller die rote Farbe ist, desto höher die Geschwindigkeit und je dunkler die Farbe, je violetter, desto niedriger die Geschwindigkeit. Und eine Variation der Geschwindigkeit während der Aufführung ist wirklich wichtig, um ein emotionales Feld, Ihre Melodie, zu erraten . Sag einfach nein, die Geschwindigkeit ist ungefähr so, wie hart oder wie weich ein echtes Instrument wie eine Tastatur geschlagen wird. Sagen wir, wenn ich auf einer Tastatur eine Taste richtig stark drücke, ist das wie eine hohe Geschwindigkeit. Wenn ich es sehr sanft drücke, hat es eine sehr niedrige Geschwindigkeit. Aber da es wie wichtig ist, besteht die Aktieneinstellung im Grunde darin, die Geschwindigkeitsinformationen zu ignorieren sodass sie derzeit auf Null gesetzt ist. Was wir also tun müssen, ist , diesen Wert auf 100% zu erhöhen, damit Vital tatsächlich berücksichtigt die Geschwindigkeitsinformationen, die von der Midispur an ihn gesendet werden, tatsächlich berücksichtigt. Wenn ich also in der Mitte bin, kann man hören, dass diese Töne etwas leiser sind oder eine geringere Geschwindigkeit haben , wenn ich sie drücke. Und dann die höheren. Sie können also hören, dass zwischen ihnen ein Lautstärkeunterschied besteht . Wir verwenden das, um dem gesamten Track Emotionen zu verleihen. Aber darauf werden wir noch viel genauer eingehen wenn wir anfangen, uns die eigentliche Melodie selbst anzusehen. In Ordnung, also das Letzte, was wichtig ist, ist, dass ich diesem Patch nur ein paar Effekte hinzufügen möchte , um ihn wirklich abzurunden. Also das erste, was ich hinzufügen möchte, ist ein Kompressor. Also kommen wir einfach vorbei und aktivieren das. Der Kompressor verfügt über ein paar verschiedene Einstellungen. Sie haben Multiband -, Einzelband-, Hochband- und Untergrenze. Wir wollen es eigentlich auf Multiband belassen. Multiband ist eine der besten Einstellungen. Ich werde das einfach spielen. kannst du schon hören. Es ändert sich tatsächlich sehr gut. Das Pad bringt so etwas wie eine hochfrequente Art von Körnung zum Vorschein. möchte nicht auf alle Multiband-Einstellungen eingehen, irgendwie zu Beginn des Tutorials. Sagen wir, ich werde es einfach durchgehen und es irgendwie optimieren. Sets richtig? Für dieses Instrument. Sag, das haben sie umgangen. Und du kannst hinzufügen, verleiht dem High-End einfach fast ein bisschen Aufregung. Das ist also in Ordnung, dass es dort auf weitere Details eingehen muss . Jetzt möchte ich ein bisschen Verzerrung hinzufügen. Dafür belassen wir es also auf der Standardeinstellung Softclip, was eher Sättigung als Verzerrung ähnelt, oder zumindest, wenn Sie es nicht zu stark verwenden, eher Sättigung als Verzerrung ist. Aber es gibt einen schmalen Grat zwischen beiden, sagen wir, das ist in Ordnung. Lass uns einfach ein bisschen zuhören. Schon wieder. Es fügt wirklich nur ein bisschen Funkeln hinzu, mehr Körnung, wenn Sie das High-End des Sounds verbessern möchten. Und dann werden wir EQ hinzufügen. Es gibt also ein paar verschiedene Einstellungen , die Sie hier verwenden können. Wenn Sie auf das Logo klicken, können Sie z. B. zwischen einem Low-Cut - oder einem Low-Shelf wechseln. wir können eine Miliz haben Ich glaube, wir können eine Miliz haben, die ein bisschen mehr Auftrieb bekommt. Und auch mit dem High-End kann man es als Hike Cuts oder Hochregal haben. Das ist es, er wäre einfach ein hohes Regal. Und noch einmal, wir werden nur das High-End verbessern. Passen Sie einfach die Treiberbits an der Verzerrung an, um diese zu verringern. Okay, das ist ziemlich gut , ich bin damit zufrieden. Jetzt können wir Vital schließen. Das war's für diese Lektion. In der nächsten Lektion werden wir uns mit dem Lead und der Art und Weise befassen , wie wir die gesamte Akkordfolge programmiert haben . Aber in der nächsten Lektion werden wir uns mit dem grundlegendsten Teil der Musiktheorie befassen. Wenn Sie also möchten, wenn Sie bereits mit Musiktheorie auskennen , verstehen Sie sie oder Sie können tatsächlich weniger als drei überspringen und direkt zu Lektion vier übergehen, wo wir tatsächlich mit dem Aufbau der Melodie selbst. Und weniger als drei, in der nächsten Lektion werden wir uns nur mit den Grundlagen der Musiktheorie für diejenigen unter Grundlagen der Musiktheorie für diejenigen Ihnen befassen, die nicht viel darüber wissen. Okay, vielen Dank, dass du gesehen hast, wie Jungs und Mädels dich im nächsten Video sehen. 4. Lektion 03 Musiktheorie: Hallo zusammen, willkommen zurück. In Ordnung, jetzt haben wir also unseren Pad-Sound. Schauen wir uns an, wie wir eine Melodie von Grund auf erfunden haben. Nun, vielleicht hilft es einigen von Ihnen wissen, dass ich eigentlich keine Instrumente spiele und Autodidakt bin , wenn es um Musiktheorie geht. Und es ist wichtig, dass Sie verstehen, dass Sie auch mit sehr geringen musiktheoretischen Kenntnissen scheinbar komplexe und schöne Akkordfolgen und Melodien kreieren können . Der Weg, dies zu tun, besteht darin, Komplexität aus Einfachheit zu schaffen. Dies ist ein Konzept, das auf viele Dinge in der Musikproduktion angewendet werden kann . Aber natürlich werden wir hier von der Akkordfolge sprechen . Und alles, was es bedeutet, ist, dass wir einfach mit Triadenakkorden beginnen , den grundlegenden Akkorden mit drei Noten. Und dann fangen wir an, mit verschiedenen Stimmungen zu experimentieren und probieren verschiedene Kerntypen usw. aus. dies mit nur einem grundlegenden Verständnis tun, können Sie sich einige ziemlich tolle Akkordfolgen einfallen lassen. Nun, ich möchte nicht vor den Chorhaaren predigen. Jeder von euch, der bereits die Grundlagen von Skalen versteht und weiß, wie man Triaden bildet, kann zur nächsten Lektion in der wir die Melodie von Grund auf aufbauen . Für Leute, die neu in der Musiktheorie sind. Eine schnelle Auffrischung. Ich werde die absoluten Grundlagen behandeln, damit Sie verstehen, was in der nächsten Lektion vor sich geht, und Sie können dies auch in Ihren eigenen Tracks tun. Der beste Weg, dies anzugehen, besteht darin , es in Schritte zu unterteilen. Schritt eins besteht also darin, die Skala auszuwählen , die Sie für diesen Titel verwenden möchten . Wir verwenden in deinen Tracks die c-Moll-Skala. Natürlich können Sie jede beliebige Skala verwenden. Die gleichen Regeln gelten für die Erstellung von Triaden und Akkordfolgen. Es ist nur die Skala, die Ihnen den grundlegenden musikalischen Rahmen gibt , den Sie für den Einstieg benötigen. Schritt zwei besteht also darin, herauszufinden, welche Noten auf dieser Skala stehen. Nun, in Ihre Tür sind möglicherweise Tools integriert, wie es in Cubase der Fall ist. Aber am einfachsten ist es, einfach Notizen in der c-Moll-Skala zu googeln, die Eingabetaste zu drücken und dann zu den Bildern zu wechseln. Was Sie suchen möchten, sind diese Bilder von Basic Music Theory.com. Sie sind am einfachsten zu verstehen, aber vielleicht bevorzugen Sie andere, je nachdem, was Ihr musikalischer Hintergrund ist. Sofort. Ich kann sehen, dass wir auf der c-Moll-Skala C, D, Es-Dur, F, G, A-Dur, B-Dur und dann natürlich zurück zu C haben , F, G, A-Dur, B-Dur , und das wiederholt sich einfach. Ich empfehle Ihnen nun, diese Notizen dann an Ihre Tür zu übertragen , damit Sie sie leicht nachschlagen können. Sag mal, ich schiebe einfach mein Pad aus dem Weg und zeichne einfach ein leeres Midi-Segment hinein, gehe hinein. Und was ich meine, um auf sie zu verweisen, ist wir die Notizen buchstäblich einzeichnen, dass wir die Notizen buchstäblich einzeichnen, das Ganze nur ein bisschen vergrößern. Wir haben also C, was offensichtlich das Tonikum unserer Skala ist . D, E-Dur, F, G, A-Dur, B-Dur. Und dann wiederholt es sich, zurück zu C zu gehen und es fängt wieder von vorne an. Aber das reicht. Wir haben gerade alle Notizen als Referenz da drin. Das sind also die Noten, mit denen wir unsere Akkordfolge und/oder Melodie gestalten können . Sag einfach nein, schnell, weil ich natürlich gesagt habe, wir haben Es-Dur, wir haben eine Wohnung und B-Wohnung. Jetzt ist es bei den meisten Türen etwas verwirrend, weil das, was in einigen Skalen tatsächlich E-flat ist, in anderen auch als D-Sitz bezeichnet wird. Und bei den meisten Türen ist deine Tür vielleicht etwas anders, aber in Cubase ist sie immer mit D-Sharf gekennzeichnet, obwohl sie tatsächlich E-flat ist. Ein bisschen verwirrend, aber im Großen und Ganzen ist es nicht so wichtig. Sie müssen das nicht wirklich verstehen, um die Tricks anwenden zu können , die ich Ihnen zeigen werde , um Anrufe tätigen zu können und so. Okay, aus dem Weg, schauen wir uns mal an, wie man eine Triade macht. Triaden zu machen ist also die einfachste Sache der Welt. Glaub mir, kann das jeder machen? Du fängst also mit der Grundnote an. In diesem Fall werde ich einfach einen Akkord auf C ziehen , weil das unsere Skala ist. Also fangen wir damit an, aber wir werden verschiedenen Akkorden übergehen. Geben wir mir hier einfach etwas mehr Platz. Sobald Sie also Ihren Wurzelknoten n haben, der c ist, überspringen Sie in diesem Fall eine Note auf der Skala, die D ist, und zeichnen dann eine Notiz in die nächste Note auf der Skala, die Es-Dur ist, dann machen Sie das Gleiche. Sie überspringen eine weitere Note auf der Skala und zeichnen dann die nächste Note auf der Skala ein. Und das ist es wortwörtlich. Und das gilt für jede Note auf der Skala. Sagen Sie zum Beispiel, wenn ich einen Es-Akkord haben möchte, sagen wir, ich werde ihn in die Grundnote einzeichnen. Also geh und E-flat. Dann verpasse ich eine Notiz auf der Skala und zeichne dann ein und aus. Dann mache ich dasselbe. Ich verpasse etwas und skaliere und zeichne in einer anderen Nacht. Wie gesagt, das funktioniert bei jeder Tonart in der Skala. So einfach ist das. Und dann beginnt man zu sehen, wie wichtig es ist, die Waage zu wählen. Es spielt keine Rolle, in welcher Skala Sie sich befinden. Es wird immer noch dieselben Regeln gelten. Und sobald Sie wissen, dass Sie buchstäblich jeden Code erstellen können , den Sie wollen. Also lass uns z. B. nur noch den einen anderen. Und das heißt, ich will einen B-Akkord. Also kann ich jetzt meine Grundnote zeichnen, und ich habe die Notizen nicht darin gezeichnet, aber offensichtlich geht es einfach weiter. Diese wiederholen sich also buchstäblich einfach. Es wäre also wie C, D, Es-Dur usw. Also kann ich einfach die Noten verwenden, die ich schon habe. Also habe ich meine B-flat. Ich vermisse eine Notiz auf der Skala. Die nächste Note wird also d sein . Und dann fehlt mir eine Note auf der Skala, und die nächste Note ist F. In und die nächste Note ist F. Ordnung, also ist es einfach so. Und los geht's. Wir haben wenig, wenig Akkordfolgen. Das ist nur ein Beispiel. werden wir diesen nicht wirklich verwenden. werden wir ein anderes verwenden In der nächsten Lektion werden wir ein anderes verwenden, aber darauf kommen wir noch zurück. Das Letzte, worüber ich hier sprechen möchte, ist die Nummerierung der Kabel weil sie es nur ein bisschen einfacher macht . Und es ist sehr, sehr einfach. Es ist also buchstäblich so, als hätten Sie neben jedem dieser Zahlen Zahlen und zählen einfach nach oben. Das Tonikum der Skala c ist in diesem Fall also immer der eine Akkord. Und dann ist der Zwei-Akkord, ein Drei-Akkord, Vier-Akkord, Fünf-Akkord, Sechs-Akkord, Sieben-Akkord buchstäblich so einfach. Wenn ich also sage, ich will zwei Akkorde, dann weißt du, dass du 12 nimmst und dann das die Grundnote der beiden Akkorde. Und dann befolgst du natürlich einfach die gleichen Schritte. Also überspringen wir eine Notiz auf der Skala, fügen dann eine Notiz hinzu und überspringen dann eine Notiz und fügen sie hinzu , die eine flache Note ist. Das ist ein Zwei-Akkord, weil dieser Akkord hier ein Drei-Akkord ist, weil er 123 ist. Und dann beginnt der Grundton in drei, dieser hier oben. Also zählen wir natürlich 1234567. Das ist also der Sieben-Akkord. Wenn ich sage, du willst sechs Akkorde, ziemlich einfach, zählt 123456. Und das wird der Stammknoten des nächsten Versuchs sein , den du machst. Das Letzte, was ich erwähnen werde, ist, dass ich bei der Auswahl der Akkorde, aus denen deine Progression gemacht wurde, 95% der Fälle bin. Sie beginnen mit dem einen Akkord als ersten Akkord. Einfach so. Es ist ziemlich selten , dass man tatsächlich mit einem anderen Akkord beginnt. Es ist machbar, aber um ehrlich zu sein, wenn du ein Anfänger bist, fange einfach mit einem Akkord an. Es wird dein Leben viel einfacher machen. Dann ist der letzte Akkord in der Progression in 95% der Fälle. Auch hier immer ein Vier - oder Fünf-Akkord. Okay? Das wäre also ein Akkord, der mit beginnt, jedenfalls in dieser speziellen Skala, es wäre ein Akkord, der entweder mit F oder G beginnt Also mache ich das z. B. einfach schnell. Angenommen, ich habe meine Nacht, ich überspringe und füge eine Notiz hinzu, überspringe bei einer Acht, was C ist. Der Grund dafür ist , dass der Übergang vom Vier- oder Fünf-Akkord am Ende des Eine Progression, die Rückkehr zum einen Akkord gibt ein Gefühl der Auflösung. Also beginnen wir mit dem einen Akkord und enden dann mit dem Vierakkord. Keine Art von Übergang hat immer ein Gefühl der Auflösung, wenn Sie die Vier- oder Fünf-Akkorde verwenden. Im Grunde ist es also ziemlich einfach, eine komplette Taktakkordfolge zu erstellen eine komplette Taktakkordfolge , weil sie immer mit dem einen Akkord beginnt. Und am Ende wirst du immer einen Vier- oder Fünf-Akkord haben. Dann musst du nur die beiden Akkorde auswählen, die dazwischen liegen und die wirklich nett klingen. Wie du willst, dass sie klingen. In Ordnung, also werde ich das löschen, weil wir es nicht verwenden werden. In der nächsten Lektion werden wir damit fortfahren, die Akkordfolge zu erstellen und Ihnen zu zeigen wie ich sie von Grund auf neu erfunden habe. Das ist also das grundlegende Wissen, das Sie wirklich verstehen müssen, um loszulegen. Sobald Sie das verstanden haben, können Sie dieses Wissen erweitern und anfangen , mit Dingen wie sieben sogenannten Sus-Akkorden zu experimentieren , auf die wir in der nächsten Lektion eingehen werden. Okay, vielen Dank, dass du Jungs und Mädels beobachtet hast. Wir sehen uns im nächsten. 5. Lektion 04 Musiktheorie Beginnend mit dem Akkord-Fortschritt: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, der Schwerpunkt dieser und der nächsten Lektion liegt also darauf, zu zeigen, wie Komplexität von Akkordfolgen aus der Einfachheit resultiert. Bevor wir darauf eingehen, möchte ich nur auf diese Akkordfolge eingehen. Dies ist also offensichtlich die gesamte Akkordentwicklung, die Sie in der Belegschaft haben werden, wenn Sie den Kurs kaufen würden. Wir werden uns tatsächlich damit befassen, wie Sie dies buchstäblich von Grund auf neu erstellen können. Ich möchte dir nur im Grunde zeigen wie es am Ende aussieht. Wir werden also eine gute Vorstellung davon bekommen , wohin wir damit gehen. Wie Sie sehen, ist hier eine Menge los. Es sieht ziemlich kompliziert aus. Und natürlich basiert es auf deiner Meinung, ob du denkst, dass es gut klingt oder nicht. Aber ich mag es. Ich werde es einfach schnell spielen oder zumindest einen Teil davon. Nehmen wir an, von hier aus ist es, als ob Sie die Idee hätten, die sich überall weiterentwickelt. Das ist wie eine Akkordfolge mit 32 Takten und sie entwickelt sich immer weiter. Aber wir werden darüber sprechen, wie wir zu diesem Punkt kommen , wenn wir mit einfachen Triaden beginnen. In Ordnung? Also kannst du das dann selbst wiederholen, das mit jeder beliebigen Melodie, die du magst, von Grund auf neu. In Ordnung, also lass uns das einfach aus dem Weg räumen. Und ich fange einfach mit einer einfachen Akkordfolge mit vier Takten an. Und so fange ich fast alle meine Akkordfolgen an, nicht jede einzelne. Manche starten etwas anders. Ich könnte mit einzelnen Notizen beginnen und dann Codes hinzufügen, aber so oder so, normalerweise fange ich so an. Also lass uns reingehen und uns unseren Midi-Editor ansehen. Und natürlich ist Offers Cord in C, Also c-Moll. Ich habe bereits in der letzten Lektion gezeigt, wie wir tatsächlich Triaden bilden. Und nur für diejenigen, die in der Nähe sind, einfach die Ghost Notes einstecken würden , sie werden nichts spielen. Es ist nur so, dass die Leute sehen können, welche Töne in der g-Moll-Skala sind. Und wie ich auch in der letzten Lektion gezeigt habe. Also haben wir unseren ersten Kern bekommen. Wir wissen, dass die Akkordfolge mit einem Akkord beginnt und dann unsere Akkordfolge mit vier Takten. In diesem Fall wähle ich einfach den Akkord, mit dem sie enden wird, weil es entweder ein Vier- oder Fünf-Akkord ist. Und in diesem Fall verwende ich einen Fünf-Akkord. Das ist also 12345, sagt G, B-Dur und dann D. Und dann die beiden Akkorde dazwischen. Und dann beginnen wir mit einem Sechs-Akkord , der flacher ist als ein Drei-Akkord, sagen wir a-, B-, E-Dur. Aber wir werden damit weitermachen. Das ist also quasi der Beginn einer vollen Taktakkordfolge. Außer dass wir den letzten Akkord eine Oktave tiefer haben werden. Also hebe ich nur hervor. In Cubase hältst du einfach die Umschalttaste und die Abwärtspfeiltaste gedrückt, um es abzulegen. Ok, speichern einfache, nette kleine Akkordfolge speichern, in Ordnung. Aber wenn ich nur sagen würde, schau, hier ist meine Akkordfolge, wäre dir vergeben, wenn du denkst , dass es zu simpel ist. Aber wie Sie sehen werden, wir mit einfachen Schritten weitere Komplexitätsebenen hinzufügen . Beachten Sie übrigens, dass es absolut nichts Falsches daran ist, Symbol-Triaden zu verwenden , wenn das zu Ihrem Song passt und was Sie erreichen möchten, wir möchten etwas für diesen Track bekommen könnte vielleicht als etwas emotional komplexer beschrieben werden. Also müssen wir irgendwie nur auf einfachen Triaden aufbauen. Aber für manche Songs, sicherlich Popsongs und solche Sachen, kann es wirklich funktionieren, einfach einfache Stämme zu verwenden , kann ausreichen. Ordnung, der nächste Schritt besteht also darin, dies zu duplizieren. Also werde ich daraus eine Acht-Takt-Akkordfolge machen. Wir beginnen also sicherlich mit der zweiten Wiederholung, wenn Sie möchten, oder der zweiten Hälfte dieser achttaktigen Akkordfolge mit dem c-Moll-Akkord. Beide haben wahrscheinlich ein paar verschiedene Noten dazwischen. Und lassen Sie uns das einfach ein bisschen durcheinander bringen. Und wir haben vier Akkorde für unseren letzten Kurs. Sag, ich werde das einfach runterziehen. Dann weiß ich natürlich, welche Codes ich dazwischen haben möchte. Ich möchte, dass dieser zweite Akkord in der zweiten Hälfte ein Fünf-Akkord ist, also kann ich einfach Nick. Wir wundern uns, dass wir da reingesteckt haben, und dann will ich einen Drei-Akkord , den ich dort auch einfach stehlen kann. Also als ich es zum ersten Mal gemacht habe, war es natürlich nicht so , dass das plötzlich passiert ist und ich habe einfach gesagt, oh ja, ich will einen Viertel-, Dreiviertel-, Fünf-Akkord wo auch immer ich Ich habe damit herumgespielt, ich habe den einen Akkord ausgewählt. Ich habe für den Anfang die fünf Kerne als letzte Note in der ersten Hälfte der Progression ausgewählt . Und dann habe ich mit verschiedenen Codes herumgespielt und diese beiden gefunden, was wirklich gut funktioniert. Und dann habe ich dasselbe auch für den nächsten gemacht. Sobald ich also offensichtlich den einen Akkord, den Vier-Akkord hatte, habe ich mit diesen beiden herumgespielt und verschiedene Akkorde ausprobiert. Und habe gerade gefunden, dass diese ganz gut funktionieren. Okay, das ist es, was wir bisher haben und es ist super einfach. Da es so simpel ist, schauen wir uns an, wie wir das emotional vertiefen können . Angenommen, der erste und einfachste Weg besteht darin , verschiedene Stimmen für die Codes zu verwenden. Sagen wir, verschiedene Stimmungen zu lockern bedeutet einfach, dass Sie die Oktave ändern , in der sich die Noten befinden. Du verwendest tatsächlich dieselbe Notiz. Also zum Beispiel, wenn ich zum Beispiel die Es-Dur des ersten Akkords nehme die Es-Dur des ersten Akkords und diesen dann um eine Oktave nach unten bewege. Holen Sie sich ein anderes, füllen Sie ein Update aus. Zum Beispiel bekommt man einen viel epischeren Sound, wenn man ihn sowieso nur auf eine Art beschreiben möchte, man muss die Noten nicht einfach an eine andere Position verschieben . Du kannst die Nacht tatsächlich duplizieren, sagen wir, die üblichste Art , was du tun könntest, ist eine Basisnote hinzuzufügen, sagen wir, lass uns das C nach unten kopieren und es einfach richtig verdicken und geben ein viel tieferes Geräusch. Sag, das ist in Ordnung für den ersten Akkord. Der zweite Akkord wird die Kopfnote duplizieren, aber wir nehmen ihn eine Oktave tiefer. Speichern Sie, dies wird effektiv zur Grundnote des Akkords, die für den dritten Akkord das Gegenteil bewirkt. Also, Hoppla, tut mir leid, ich bin an einem Tag , an dem ich nur die E-Wohnung dort duplizieren werde. Schon. Es klingt langsam ein bisschen netter, ein bisschen emotionaler vielleicht ein bisschen emotionaler, dass alle im Laufe der Zeit zusammenkommen. Aber lass uns jetzt einfach mit diesem letzten Akkord herumspielen. Und ich möchte in diesem Fall etwas anderes machen. Bisher wurden diese drei Akkorde nur durch einfache Stimmänderungen oder Ergänzungen ersetzt. Sag für diesen Akkord, lass uns daran arbeiten. Also, was ich tun werde, ist, einen sogenannten siebten Akkord zu verwenden . Nun, sei dir bewusst, dass diejenigen , die neu in der Musiktheorie sind, ein Siebtakkord mit einem Th-Nachher und ein A7-Akkord ohne den THR, eigentlich verschiedene Dinge sind. Der Siebenakkord bezieht sich auf die Position der Triaden. Also nochmal, wir kehren zu unseren Zahlen zurück, also 1234567. Sieben Akkorde wären also einfach ein Akkord, der mit B-Dur beginnt und dann eine einfache Triade bildet. Aber ein Siebtenakkord ist jede Triade, zu der Sie eine vierte Note hinzufügen, was ein siebtes Intervall über der Grundnote ist. Nun, das klingt wirklich kompliziert, ist aber eigentlich ganz einfach. Sag mal, ich möchte aus diesem Code einen siebten Akkord machen. Alles was ich tue, ist buchstäblich zu folgen, sagen wir, wo wir den Code überhaupt gemacht haben, wir brauchen die Grundnotizen. Dann haben wir eine Notiz in der Skala übersprungen, eine Notiz hinzugefügt, eine weitere Note in die Skala aufgenommen und einen weiteren Knoten hinzugefügt. Und jetzt werden wir dasselbe tun. Wir überspringen eine Notiz auf der Skala und fügen einen weiteren Knoten hinzu. Und das ist jetzt ein siebter Akkord. Man kann fast hören, dass die emotionale Wirkung, die das hat, viel größer ist , als wenn nur der Standard aufgerufen wird. Sie sind nicht so, dass es schlecht ist oder so, aber es verändert nur das Gefühl. Eine letzte Sache, die ich tun möchte , ist, dass du das D sehen wirst, und ich werde es eine Oktave nach unten bewegen , nur um den Code ein bisschen zu öffnen. Say klingt sehr nett und unterscheidet sich sicherlich sehr von den ursprünglichen Triaden. Lassen Sie uns also mit der zweiten Hälfte dieser Acht-Takt-Akkordfolge weitermachen . Also nochmal, ich werde das Meer vom ersten Akkord an duplizieren. Und bei diesem, ich werde tatsächlich die Wortwahl ändern. Ich werde das um eine Oktave erhöhen. Ich dupliziere die B-Dur und ich werde das D um eine Oktave nach unten duplizieren. Lass uns das einfach schnell abspielen , damit du hören kannst, was wir bisher haben. Entschuldigung, aber bevor wir weitermachen, möchte ich das nur erklären. Dies geschieht nicht durch einfache Kenntnisse der Musiktheorie. Was ich hier mache, ist, nun, als ich das zum ersten Mal gemacht habe, einfach nur mit den verschiedenen Stimmungen zu experimentieren, einfach verschiedene Noten in verschiedenen Positionen auszuprobieren. Ich versuche es mit dem siebten Akkord, vielleicht mit SAS-Code, worüber wir gleich sprechen werden. Versuchen Sie es mit Borrowed Chord, über den wir auch gleich sprechen werden. Aber bei uns geht es buchstäblich nur ums Experimentieren. Es ist nicht so, dass du an den Punkt kommst , an dem ich zumindest für mich sowieso, gewiss nicht zu dem Punkt gekommen bin, an dem ich so bin , eine Koordinate bekommen habe. Ich denke, Oh, der perfekte Code danach wird dieser sein. Und dann wird der perfekte Code danach dieser sein. Bla, bla, bla. Es passiert nicht wirklich. Dies geschieht durch Experimentieren und einfach durch Ausprobieren. Und so bekommt man wirklich etwas , das gleichzeitig originell und emotional ist, oder? Nachdem das gesagt ist, lassen Sie uns einfach schnell spielen, was wir bisher haben. Dies ist ziemlich einfach, wenn Sie beide Notizen duplizieren. Eine Sache an dieser Akkordfolge , die ich beim Anhören gefunden habe, und ich habe sie bisher und ich hatte noch nicht am letzten Code gearbeitet. Und ich musste nur das Gefühl dieses letzten Akkords ändern. Lassen Sie mich es einfach kurz spielen, damit Sie verstehen und verstehen können , wo wir uns befinden. Und dann zeige ich dir, was ich getan habe, um diesen letzten Akkord zu überwinden, der nicht ganz richtig klingt . Es ist nicht schlimm. Es würde vielleicht funktionieren, aber nur für mich heißt es nicht ganz, dass es mit einem kleinen Wermutstropfen endet , bereit? Und es ist ein Moll-Akkord. Und ganz nebenbei, damit du erkennst, ob ein Akkord ein Dur- oder Moll-Akkord ist, ist ganz einfach in deinem Teig zu machen. Zoomen Sie einfach ein bisschen hinein. Also, wenn du dir den Code ansiehst, wenn du einen Abstand von zwei Noten zwischen der unteren und der mittleren Note hast . Und wenn du vor der Mitte und der Kopfnote einen Abstand von 123 hast , dann hast du einen Moll-Akkord. Wenn es umgekehrt ist und Sie einen Abstand von drei zwischen unten und Mitte und zwei zwischen Mitte und Spitze haben einen Abstand von drei zwischen unten und Mitte und zwei zwischen Mitte und , dann ist es ein Dur-Akkord. So einfach ist das. Jetzt werden alle Akkorde in einer Progression entweder Dur- oder Mollakkorde sein. Nur weil Sie eine Moll-Skala verwenden, heißt das nicht, dass sich bei allen um Moll-Dreiklänge handelt. Einige von ihnen werden Majors sein. Es ist einfach so, wie es funktioniert. Also stelle ich das einfach für eine Sekunde wieder da hin, wo es war. Es gibt auch einen anderen Akkordtyp , den sogenannten verkleinerten Akkord , der einen Abstand von zwei zwischen der unteren und mittleren sowie der Mitte und der Oberseite hat zwischen der unteren und mittleren sowie der Mitte , sagen wir, es würde z. B. so aussehen. Es gibt immer einen reduzierten Akkord in, naja, fast allen Tonleitern, Dur- und Moll-Tonarten. In der Moll-Skala ist der verringerte Akkord immer die zwei Akkorde, die jährlich wahrgenommen werden, oder Sie haben vielleicht einen Vater bemerkt. Wir verwenden in dieser speziellen Akkordfolge nicht wirklich zwei Akkorde. Es ist schwieriger , den verringerten Akkord in deinen Track zu integrieren. Das heißt nicht, dass es nicht benutzt werden kann, es wird benutzt, aber in diesem Track verwenden wir es nicht. Also werde ich nicht näher darauf eingehen. Aber der Grund, warum ich das alles ist, dass wir diesen letzten Akkord von dem ändern werden, was er von Natur aus ein Moll-Akkord sein sollte . Werde ich das tun, was man sich einen Akkord ausleihen nennt? Und das bedeutet einfach, den Akkord von einem Moll-Akkord zu einem Dur-Akkord zu ändern . Jetzt spiele ich das einfach, damit du ein Gefühl dafür bekommst. Es hört sich an , als ob es mit der Akkordfolge enden würde. Und der Grund, warum es einen geliehenen Akkord genannt wird, ist , wie Sie vielleicht bemerkt haben, dass, wie Sie vielleicht bemerkt haben, eine Note, die nicht wirklich in dieser Skala ist, wir eine Note verwenden, die außerhalb der Skala liegt , also im C Dur-Skala, wohingegen wir die c-Moll-Skala verwenden. Nun, es ist nicht wirklich wichtig. Ich musste die Mechanik oder die Musiktheorie dahinter nicht wirklich verstehen , nur dass man einen sogenannten geliehenen Akkord verwenden kann. Also änderst du einfach den alten Code hier oder da. Jedenfalls. Lass uns weitermachen. Wir haben noch ein paar Dinge mit diesem letzten Akkord zu tun. Also werde ich das duplizieren. Und ich nehme das A, was quasi der geliehene Teil des Akkords ist. Und wir werden das um ein Vielfaches erhöhen, Save auch. Es gibt noch eine letzte Sache , die ich damit machen möchte, zwar, um zu erklären, was sie mit einem Sus-Akkord verwendet. Aber lassen Sie mich das zunächst einfach spielen, damit Sie eine Vorstellung davon bekommen, wo wir sind bevor wir den Quellcode hinzufügen. Im Moment habe ich das Gefühl, dass es einfach nicht ganz richtig gelöst ist. Ich möchte dem jetzt nur noch eine letzte Sache hinzufügen. Sehr schnell, bevor wir weitermachen, werde ich die Positionsänderungen hier eigentlich nur rückgängig machen . Nur damit wir zu unserer ursprünglichen Art von Triade zurückkehren, obwohl sie die geliehene Koordinate hat , immer noch die Klimaanlage hat. Dies ist eher ein Dur-Akkord als ein Moll-Akkord. Und für die erste Hälfte, was ich tun werde, werde ich die einfach verkürzen. Und dann füge ich einen B-Dur hinzu , der als Sus-Vierakkord bekannt sein wird. Also ändern wir im Grunde die Mittelnote. Wir haben hier also keinen Mittelton, was normalerweise ein natürliches Drittel ist, und das bewegen wir im Grunde nach oben. Wenn wir es nach unten verschieben würden, wäre das eine Soße für Akkord. Sus4-Akkord. Wenn ich sie über das hinausschiebe, was wir besprochen haben, wären das sieben Akkorde. wird ein bisschen verwirrend, aber das ist eigentlich egal. Das ist in Ordnung. Das ist ein SubTwo-Code und genau das werden wir tun. Also jetzt habe ich die da drin. Ich werde sie in ihre richtige Position bringen, die eine Oktave höher ist. Und ich werde das noch einmal duplizieren. Also möchte ich Ihnen nur zeigen, wie das aufgebaut ist , damit Sie hoffentlich verstehen können , was dort vor sich geht. Lass mich das jetzt spielen. Ein paar Dinge, die ich tun möchte, ist, dass ich die Geschwindigkeit einiger dieser Nächte ändern möchte, weil sie etwas zu viel betont haben. Ich würde die Geschwindigkeit dieser Nächte verringern, Ich würde die Geschwindigkeit dieser Nächte verringern sodass sie ein bisschen weicher. Und dann lassen Sie diese tatsächlich fast vollständig funktionieren. Okay, Sie können also vielleicht erkennen , dass sich hier ein kleines Muster abzeichnet. Lassen Sie uns einfach etwas mehr Platz geben, damit wir die gesamte Acht-Takt-Akkordfolge in ihrer aktuellen Form sehen können . Was wir also getan haben, ist, dass wir einfache Stimmänderungen für die ersten drei Akkorde in jeder Hälfte dieser Acht-Takt-Akkordfolge vorgenommen haben. Und dann die vierten Saiten, oder den vierten und den achten Akkord, wir haben etwas anderes gemacht. Also der erste, wir haben einen siebten Akkord verwendet, und im zweiten haben wir verwendet, obwohl zwei Dinge tatsächlich einen Zwei-Akkord und einen geliehenen Akkord verwendet haben. Und vielleicht nur meine Meinung, aber ich würde sagen, dass die Verwendung eines Septakkords und eines Subventionskabels, Borrow Cord , irgendwie wirkungsvoller sind. Änderungen in der Akkordfolge. Betont gewissermaßen die sich wiederholenden Teile. Bevor wir zu dem einen Akkord zurückkehren, betonen wir diese Note gewissermaßen. Dann kehren wir zu dem einen Akkord zurück, der dies betont. Und dann wiederholen wir die Akkordfolge. Das heißt natürlich nicht, dass du in der Mitte der Progression keinen siebten Akkord verwenden solltest Mitte der Progression keinen siebten Akkord oder einen geliehenen Akkord für den ersten Akkord deiner Progression verwenden solltest. Das ist absolut in Ordnung. Du kannst machen, was du willst. Aber mein Punkt hier ist, und wir werden später im Tutorial darüber sprechen, dass diese Art der Strukturierung so ist, dass diese Art der Strukturierung so ist wie die Akkordfolge abläuft. Also die ersten drei Akkorde, nur einfache Intonierung, dann eine größere Veränderung als weitere drei Rufe, nur einfaches Intonieren und eine größere Veränderung verändert das energetische Gefühl der Melodie. Und all das trägt zur Spannung und Entspannung des Tracks bei. Und wenn du es schaffst, Spannung und Entspannung in deinen Songs auf allen Ebenen zu pushen , nicht nur auf der Melodiestufe, sondern auch auf der Makroskala, der Songstruktur. Dann wirst du in der Lage sein, überzeugende Musik zu machen , die die Leute dir einfach weiter zuhören wollen. Und noch einmal, wir werden später im Tutorial viel ausführlicher darauf eingehen und es wirklich vollständig analysieren. Okay, das war's für die Lektion. Wir sind mit der Melodie zur Hälfte fertig und ich hoffe, ihr könnt euch den Prozess vorstellen, Komplexität aus Einfachheit zu erzeugen, angefangen mit der grundlegenden Progression der Triade und dem Aufbau nach und nach. Danke, dass du Jungs und Mädels beobachtet hast. Wir sehen uns im nächsten. 6. BTP Ambient Chill Lektion 05 Musiktheorie 32 Bar Akkord-Fortschritt: Hallo zusammen, willkommen zurück. Okay, in dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie wir aus der Acht-Takt-Akkordfolge eine 32-Takt-Akkordfolge machen der Acht-Takt-Akkordfolge . Dafür springen wir mitten in das volle Pad , das wir da haben. Also werde ich einfach den Teil löschen , den wir am Anfang hatten und den wir als Beispiel verwendet haben. Und ich werde einfach in den Midi gehen. Schauen wir uns das mal an. Ordnung, also nur für den Moment, werde ich mir In Ordnung, also nur für den Moment, werde ich mir diese Kopfnoten ansehen, damit ich sie nacheinander einbringen kann. Das Wichtigste, was Sie dabei beachten sollten, ist, dass wir hier dieselbe Acht-Takt-Akkordfolge haben , und sie wurde nur achtmal wiederholt, um genau zu sein. Es ist also buchstäblich dieselbe Acht-Takt-Akkordfolge durch und durch. Die einzige Änderung, die Sie vielleicht bemerken, ist diese Note hier oben , wo wir anstelle eines Sus-Akkordgesetzes verwendet haben, Sie haben hier das A-Si. Wir haben ein C, das nur die tiefste Note des Akkords wiederholt. Abgesehen davon besteht der einzige Unterschied darin, dass wir all diese zusätzlichen Notizen haben. Lassen Sie mich einfach auf die Art der Haupt- oder Erstwiederholung eingehen. Nur damit du es weißt, wenn ich herauszoome, haben wir quasi Wiederholungen der vollen 32-Takt-Akkordfolge. Das ist also der erste. Und dann wiederholt es sich hier noch einmal. Dies ist die zweite Hälfte der Tracks, also wiederholen wir es einfach. Aber darauf werden wir später noch näher eingehen. Also möchte ich wirklich nur an dieser ersten Hälfte arbeiten , der Art von 32-Takt-Hauptakkordfolge , die ich mir ursprünglich ausgedacht habe. Das Erste, was wir damit gemacht haben, ist , Basisnoten hinzuzufügen. Also habe ich hier Bassnoten. Entschuldigung, lassen Sie mich einfach ein bisschen hineinzoomen , um genauer zu sagen, ich spiele das einfach schnell, sobald die Basisnoten reinkommen. Die Basis haben und sie ist auf halbem Weg. Diese Akkordfolge hat eine wirklich schöne Wirkung und verleiht ihr ein wenig Abwechslung. Vor allem, wenn du alle Sounds hast und das Klavier reinkommt und all das, was später kommt. Das ist also die erste große Änderung, wenn du so willst, an der Akkordfolge. Die zweite Sache sind offensichtlich all diese zusätzlichen Noten, die wir hier oben haben, die fast so sind, als würde man eine obere Zeile spielen , fast bis zur Akkordfolge. Und obwohl es ziemlich kompliziert aussieht, wir wirklich weiter und erstellen diese Notiz nach der anderen. Eine Sache, die Sie beachten sollten, bevor ich Sie durch diesen Prozess führe, ist in diesem Tutorial Es sieht so aus, als würde alles ziemlich schnell passieren, was zu dem Zeitpunkt, an dem ich an diesem Punkt angelangt bin, nicht wirklich der Fall ist . als ich diesen Track zum ersten Mal gemacht habe, habe ich mir diese Akkordfolge ziemlich oft angehört. Ich war also schon sehr vertraut damit. Nun, während ich das erkläre, weil es viel einfacher ist, mit der Melodie, an der Sie gerade arbeiten, vertraut es viel einfacher ist, mit der Melodie, an der Sie gerade arbeiten zu sein, die richtigen Töne auszuwählen , wenn Sie das tun, was ich Ihnen zeigen werde. Also fangen wir nur an, Notizen hinzuzufügen. Angenommen, die erste native Anzeige war heute Abend, buchstäblich in der zweiten Akkordfolge. Von da an habe ich es mir einfach angehört und gespürt, wohin ich möchte, oder stelle mir vor, wohin ich es haben möchte. Und ich kann mir vorstellen, dass es in den oberen Tönen geht . Und das wird der Blick zurück nach unten sein. Buchstäblich die Prozesse, die nur eine Notiz nach der anderen verarbeiten. Und während ich durchgehe und eine Notiz hinzufüge, höre ich einfach zu oder verwende meine Fantasie, um zu bestimmen, wo die nächste Note meiner Meinung nach sein sollte. Und die meiste Zeit ist es ziemlich offensichtlich. Die Melodie sagt dir immer , wo sie hin will. Wenn du es dir noch einmal anhörst. Angenommen, Sie können hören, wie die Energie steigt , wenn die Töne steigen. Und dies ist eines der Konzepte, die ich dabei im Kopf hatte : Ich wollte die Art von Energie weiter steigen lassen. Ich wollte nicht zu viel rauf und runter. Das ist natürlich ein bisschen rauf und runter. Du brauchst ein bisschen davon in der Spur, nur um die Dinge interessant zu halten. Aber insgesamt steigt die tatsächliche Energie im Grunde nur an, ein Aufschwung, wenn man ihnen begegnet und im Laufe des Fortschritts an Energie zunimmt oder an Energie zunimmt. Und wortwörtlich ist es Note für Note, es geht einfach so lange durch, bis wir den vollen Fortschritt erreicht haben. Das allerletzte, was zu berücksichtigen ist und auf das ich kurz eingegangen bin, ist die Geschwindigkeit der Töne. Sagen Sie, wie Sie sehen können, variiert die Geschwindigkeit der Ritter ziemlich stark. Rufen Sie einfach die Geschwindigkeitsinformationen auf. Sie können sehen, dass es dort ziemlich viele Unterschiede zwischen den verschiedenen Noten gibt. Und es gibt zwei Gründe, sie zu ändern. Erstens, ich möchte, dass das menschlicher klingt, als würde es wirklich von einer echten Person gespielt. Und auch. Einige der Töne werden sogar lauter, wenn sie in der Tonhöhe steigen. Also ändert sich auch ein Teil der Geschwindigkeit, dass sie diese Töne nur ausbalanciert, damit sie nicht plötzlich auf dich zuspringen. Und das ist es wirklich. Lassen Sie uns kurz zusammenfassen, was hier passiert ist. Also haben wir buchstäblich mit einer einfachen 4-Takt-Akkordfolge mit einfachen Triaden begonnen einer einfachen 4-Takt-Akkordfolge . Wir haben dann hinzugefügt, sodass die Akkordfolge es in eine achttaktige, aber einfache Triadenfolge geschafft hat. Dann haben wir angefangen, die Stimmgebung einiger Noten zu ändern . Wir haben siebte Akkorde, geliehene Akkorde und einen SAS-Code hinzugefügt, um herauszufinden, was die Grundlage für die Hauptmelodie ist. Und dann haben wir das buchstäblich viermal wiederholt. Und dann haben wir all diese Kopfnoten durchgesehen und hinzugefügt. verwende nicht wirklich eine bestimmte Musiktheorie, die einzige Regel, die ich hier befolge, ist nur Noten in der Skala zu verwenden, zumindest abgesehen vom letzten Akkord in der Acht-Takt-Akkordfolge weil wir dort einen geliehenen Akkord haben. In diesem Fall können Sie also ein a verwenden. Aber abgesehen davon sind alle Nächte auf der Skala. Und ich habe nicht wirklich geschaut, ob es Su-Akkorde oder Siebtakkorde oder Neuntakkorde oder was auch immer sind. Es ist einfach buchstäblich mit dem Flugzeug zu fliegen und zu sehen, wo es meiner Meinung nach hingehen sollte , ein bisschen zu experimentieren , Dinge auszuprobieren und wenn es nicht funktioniert , versuche eine andere Note usw., bis wir etwas, mit dem wir wirklich zufrieden sind. Ordnung, das war's für diese Lektion. In der nächsten Lektion werden wir uns mit dem Hinzufügen einer oberen Ebene einer Adagio-Zeichenfolge befassen. Vielen Dank, dass Sie gesehen haben, wie sich Jungs und Frauen im nächsten Video sehen. 7. BTP Ambient Chill Lektion 06 Adajio String: Hallo zusammen, willkommen zurück. Okay, als Ergänzung zu unserem Pad möchte ich einen schönen organischen Streichersound hinzufügen, möchte ich einen schönen organischen Streichersound hinzufügen der im Grunde die Kopfnoten spielt , die wir gerade hinzugefügt haben. Was ich tun möchte, ist, dass dieser Saitensound nach den ersten 8 Takten kommt , wo wir diese obere Zeile mit diesen zusätzlichen Noten beginnen . Und der Grund dafür, dass es kommt, 8 bar in, ist die Strecke weiterzuentwickeln und die Dinge interessant zu halten. Offensichtlich werden die ersten 8 Takte so ziemlich nur der Pad-Sound sein. Der Zuhörer würde sich also z. B. gerade an eine nette sanfte, sanfte Akkordfolge gewöhnen , die kommen wird. Und dann fügen wir dieser Easiness Adagio-Saitenprobe eine obere Zeile hinzu. Und Sie werden sehen, wie es miteinander verschmilzt, aber es fügt nicht diesen wirklich schönen Bio-Geschmack hinzu. Als ob es tatsächlich gespielt würde, sagen wir, in einem Orchester, in dem jemand auf Streicher gerade nach den ersten 8 Takten sanft reinkommt. Sagen wir, wann ich das ursprünglich gemacht habe, oder einfach wortwörtlich nach den ersten 8 Takten der Kopfnoten kopiert habe. Also genau wie buchstäblich das Ganze kopiert. Und habe diese Midea einfach auf einen neuen Midi-Track für die Adagio-Saite kopiert . Aber natürlich habe ich es leicht modifiziert und die Geschwindigkeiten so angepasst, dass sie nur für die Saitenmuster geeignet sind. Also wird es tatsächlich geladen. Die Midi-Datei hat einfach genau die gleichen Noten. Diese Geschwindigkeit hat sich nur geringfügig geändert. Also laden wir die Datei ein. Aber zuerst müssen wir natürlich die Probe laden , die wir verwenden werden. Jetzt musst du kein Streicher-Sample verwenden, aber ich finde, dass das Hinzufügen dieser organischen Sounds die Emotionen eines Tracks wirklich die Emotionen eines Tracks und dazu beiträgt, dass er in der Realität verankert bleibt. Das Sample, das wir verwenden werden ist in der Belegschaft, dass du es herunterlädst und es sind die Adagio-Strings in C. In Cubase haben wir einen Sampler, also kann ich ihn einfach direkt in den Sampler-Track laden. fast alle Türen Heutzutage haben fast alle Türen eingebaute Sampler, sodass es für Sie kein Problem geben sollte. Wenn Ihr Hund keins hat, gibt es kostenlose Musterinstrumente Sie herunterladen und verwenden können. Eine der besten kostenlosen, die Sie bekommen können, ist diese, die t x1 six wx software Sant per se. Wenn Sie gerade bei Google gesucht haben, werden Sie es finden. Sie können es hier von dieser Seite herunterladen, völlig kostenlos für PC und Mac. Wenn Sie also keinen Sampler haben, können Sie diesen einfach herunterladen und installieren. Möglicherweise müssen Sie sich ein Video zur Verwendung ansehen, wenn Sie damit nicht vertraut sind. Aber hoffentlich haben die meisten Geschäfte ihren eigenen Sampler, also sollte es dir gut gehen, oder? Also haben wir das drin und lassen Sie uns einfach die Midi-Datei, die als Gates gespeichert ist, zu Middy bringen . Oder Sie können dies auch einfach vom Explorer aus tun. Bei den meisten Türen können Sie sie einfach aus dem Datei-Explorer hineinziehen. Es bringt es tatsächlich genau in die richtige Position , also 8 Bar hinein. Also lass uns das einfach leiser stellen. Zuallererst ist die ganze Idee , die ganze Idee dass es einfach sehr sanft reinkommt , um mit einem übertriebenen Ende des Pfades zu beginnen. Also lass uns das einfach spielen. Eines der Dinge, die super, sehr wichtig sind, ist, dass wir das im Moment etwas schnell spielen. Dieser ist auf 120 Schläge pro Minute eingestellt. Der Track ist einfach dafür, habe gerade das BPM geändert , bevor wir anfangen OJ-Samples hinzuzufügen und so. 84 ist also das richtige Tempo, viel, viel langsamer und atmosphärisch. Ich spiele es einfach ab der Hälfte der Akkordfolge. Sie können also hören, wie die Saite hereinkommt. Es fügt ihm einfach eine nette Art von Oberschicht hinzu. Nur damit Sie es wissen, wie ich bereits erwähnt habe, wurden die Geschwindigkeiten speziell dafür geändert. Und Sie können sehen, wie allmählich sie zu ihnen fließen , im Laufe des Spiels. Also nur ein etwas anderes Geschwindigkeitsmuster als das Pad. Aber dieser schien wirklich gut für die Saiten zu funktionieren, betont ihn nur an der richtigen Stelle. Und all diese Energiemanipulationen , die wir mit Geschwindigkeiten und Tönen und allem haben und allem , dieses Gefühl von Drücken und Ziehen, Spannung und Loslassen zu erzeugen , das wirklich sorgt dafür, dass der Hörer in deinen Track hineingezogen wird. Aber eins haben wir damit, denn es ist ein Beispiel. Nun, wenn Sie ein Instrument haben, das Streicher spielt, dann können Sie es natürlich ein Instrument haben, das Streicher spielt, benutzen. Kein Problem. Und das ist wirklich die beste Lösung dafür. Sie werden jedoch feststellen, dass, wenn Sie ein Sample verwenden, je höher die Tonhöhe wird, desto schneller wird das Sample abgespielt. Also wenn man zu diesen höheren Tönen kommt, z.B. wie hier, den natürlichen Angriff, den die Saite hat, wenn ich nur den ersten Ton spiele. Sie können dort sehen, dass es eine Art von natürlichem Angriff hat. Es dauert einige Zeit , bis die volle Lautstärke erreicht ist. Wenn wir die höheren Töne spielen, geht es sofort fast auf volle Lautstärke. Es ist fast so, als würde es sehr schnell beginnen. Wir wollen das nicht , weil es unnatürlicher klingt , je höher die Tonhöhe steigt. Was wir also tun werden, ist mit dem Sampler einen Umschlag hinzuzufügen. Sag dafür, ich gehe einfach zum Modell. Das ist in Cubase obszön, die meisten Sump hat ziemlich einfach, wenn Sie den Envelope Shaper verwenden möchten . Und alles was wir tun werden, ist ein Tag hinzuzufügen. Ein bisschen mehr als das. Ich zoome einfach raus. Grundsätzlich möchte der Angriff dem natürlichen Angriff der Probe entsprechen . Es ist vielleicht nur ein kleines bisschen kürzer als das. Und wenn wir dann zu den höheren Tönen kommen, man immer noch diesen sanften Einstieg in den Sound. Okay, also wenn du nur den Salzblock benutzt, klingt es durch den Angriff etwas natürlicher. Also das ist in Ordnung. Wir müssen uns über keine der anderen Einstellungen Gedanken machen. Das Letzte, was wir bereit sind, das zu beenden , ist nur der Hall. Du gibst ihm also ein bisschen Tiefe. Das klingt ein bisschen komisch, nur eine trockene Probe für sich zu sein. Aber das ist in Ordnung. Wir werden später etwas Reverb bekommen. Nur damit du es weißt, im Sampler hast du dieses Ding namens Audio Warp, das Sophie bei den meisten Instrumenten einschalten lässt. Es wird im Grunde genommen die exakte Länge und Position der Probe beibehalten , aber die Tonhöhe wird künstlich verändert. Nun, das ist für einige Samples in Ordnung, aber wenn Sie es mit großen Oktavwechseln zu tun haben, wie wir sie hier haben. Also buchstäblich von der Sekunde OK, speichern bis zur fünften, OK, speichern Sie das. Das ist eine ziemlich große Variation. Was Sie also feststellen werden ist, wenn Sie den Audio-Warp aktiviert haben und Sie so hoch gehen klingt alles hier irgendwie unnatürlich. Das ist einfach alles komisch und lustig. Bei den tiefen Tönen wäre das also in Ordnung. Aber wenn wir hinaufgehen, klingt es einfach schrecklich. Aus diesem Grund verwenden wir Audio Walk nicht. Aber wenn Sie sagen, dass Sie etwas verwenden und es nicht so viele Oktaven umfasst und es ist wahrscheinlich in Ordnung. Siehst du, ich meine, obwohl es vielleicht nicht ganz so natürlich klingt wie eine echte Saite, die in dieser Tonhöhe gespielt wird , klingt es immer noch viel, viel besser. In Ordnung, das ist also die Zeichenfolge, kein Problem. Das nächste, was wir hinzufügen werden, ist ein Klavier, das zur Hälfte mit genau dem gleichen Timing kommt wie die Basstöte. Und wir bauen einfach allmählich die Energie dieses Tracks auf , während wir es durchmachen, oder zumindest die ersten 32-Takt-Akkordfolgen. Ordnung, das war's für diese Lektion. Vielen Dank, dass du gesehen hast, wie Jungs und Frauen dich im nächsten Video sehen. 8. BTP Ambient Chill Lektion 07 Klavier: Hallo zusammen, willkommen zurück. In dieser Lektion möchte ich ein Klavier hinzufügen. Was passiert ist oder wie es zustande kam, war, als ich mir das immer und immer wieder anhörte , während ich es gemacht habe, habe ich das immer wieder gehört. Und wenn ich sage, hören wie in der Fantasie, eine Melodie, die sehr ähnlich ist wie Attract, genannt Lizard von Mauro Picasa. Es ist wie ein alter Track, ihr Transkript aus den Neunzigern, das Metal-E4, es passt irgendwie dorthin. Habe ich getan. Falls sich jemand daran erinnert. Und das ist ungefähr das gleiche Muster , das ich oben gehört habe. Hat es das getan? Aber offensichtlich in der Tonart. In Ordnung, also im Grunde habe ich das geschafft. Also werde ich das in nur einer Sekunde einbringen . Aber zuerst möchte ich die Klavierinstrumente aufladen . Es gibt also ein paar wirklich gute kostenlose Klavierinstrumente da draußen. Und Sie können nach verschiedenen suchen, wenn Sie möchten. Aber das, was ich benutzen werde, heißt Room Piano V3. Also googeln Sie einfach Room Piano V3, und es wäre der erste Link dort. Sie können also natürlich spenden, wenn Sie möchten, aber Sie können es völlig kostenlos herunterladen. Wenn Sie Ihr eigenes Klavierinstrument haben, also wenn Sie einheimische Instrumente haben, machen sie natürlich wenn Sie einheimische Instrumente haben, ein wirklich gutes Instrument namens Grand Jury, das normalerweise 10 ist, normalerweise benutzen, aber in diesem Fall wollte ich das Tutorial so zugänglich wie möglich. Also werde ich den freien Menschenverstand nutzen, also werde ich ihn einfach zu meinen Projekten hinzufügen. Also Raum Piano V3 und Track. Da ist es. Ich werde es nur für eine Sekunde schließen und den Middy-Save einholen, ich werde ihn einfach von der Belegschaft holen, das Klavier Midea und lass das fallen. Es hat es hergebracht. Und es bringt es als zwei separate Midi-Blöcke auf den Markt, was finanziell dazu bestimmt ist, sie richtig in Einklang zu bringen. Wir wollen also, dass sie mit der Hälfte beginnen, aber stellen Sie sicher, dass Sie beide ausgewählt sind. Und dann finde den halben Punkt, der in diesem Fall ihr Balken 21 ist. Und ich lasse das einfach sagen , das Klavier, das er anfängt, sie werden es nur ein bisschen leiser stellen. Sag, es ist eigentlich ziemlich ruhig, also drehe ich es einfach wieder auf. Und ich spiele das einfach von Anfang an damit du eine bessere Vorstellung davon bekommst, was dort passiert. Im Moment. Offensichtlich klingt es völlig genug weil es keine Auswirkungen hat und auch ein bisschen EQ benötigt. Aber du hast die Idee , dass das das Muster ist. Es hat also ungefähr den gleichen Rhythmus wie der Lizard-Track, von dem ich gesprochen habe, aber offensichtlich so gemacht, dass er zur Melodie dieses Tracks passt . Es ist also buchstäblich jedes Mal dasselbe Muster , wenn es nur für jeden 4 Takt geändert wurde. Jeder volle Takt und jede Note ist anders, aber die Muster sind so ziemlich dieselben, bis wir hier zum Ende kommen . Wo mache ich etwas einfach ein bisschen anders. Und auch dies geschieht einfach durch Experimentieren, natürlich mit den gleichen Noten wir in unserer Melodie verwenden, aber buchstäblich nur durch Experimentieren. Und wie gesagt, sobald ich diesen ersten Rhythmus habe, ist das derselbe. Hier, hier sind das gleiche Muster und hier und dann die anderen Teile, nur, besonders dieser letzte Teil hier, experimentiert wirklich ein bisschen und stellt sich nur vor, wie es gehen könnte und versucht verschiedene Dinge raus. Und wieder, wie ich schon sagte, es ist nicht einfach plötzlich passiert. Es war eine Menge Experimente, um an diesen Punkt zu gelangen. Wenn ich nun tatsächlich ein Instrument spielen würde, mache ich es mir vielleicht ganz einfach. Aber leider sage ich nicht, dass ich mir die Zeit nehmen muss, um Keyboard spielen zu lernen , nur für den Fall, dass du diesen letzten nicht auch in der Reihe hast, einfach sicher, dass die zweiten Teile von Midea ist auch auf halbem Weg durch die zweite Wiederholung des A2-Taktverlaufs des Autors von dort nach dort ausgerichtet und möchte auf halbem Weg beginnen und es sollte sich überschneiden. Aber das Ende dort ist genau wie das Ende des Tracks, aber dazu kommen wir etwas später. Nun, eine letzte Sache, die ich machen möchte, bevor wir diese Lektion tatsächlich beenden, und das ist, einfach den EQ zu optimieren, dieses Klavierbit. Ich werde nur meine Kanaleinstellungen aufrufen. Das ist in Cubase, aber füge natürlich einen EQ hinzu oder was auch immer es ist. machst du jedoch an deiner Tür. Und ich möchte nur ein paar Dinge tun. Zum einen klingt das Klavier ein bisschen mittelschwer. St. verwendet einfach eine Art breite parametrische See, um ein bisschen von diesen Mittenfrequenzen herauszuarbeiten. Werd nicht zu wütend. Gerade genug , um sie dort ein bisschen zu zähmen, ein bisschen, es klingt nicht kastenhaft, aber es wird langsam so. Und ich möchte das auch ein bisschen aufhellen . Also werde ich einfach ein hohes Regal hinzufügen. Ich bin einfach ein bisschen zu extrem geworden mit einem hohen Regal da. Also einfach bei der Geburt zähmen, absolut in Ordnung. Und um fair zu sein, es ist noch zu früh, um wirklich endgültige Entscheidungen über die Warteschlangen und so zu treffen, nur um sie im Stadion zu bekommen. Es ist also bereit für uns, es später zu mischen. Okay, das war's für diese Lektion, aber es wird höchste Zeit , dass wir etwas Hall auf diese Elemente bekommen , um das Ganze wirklich zusammenkleben zu lassen und es tatsächlich nett klingen zu lassen, denn bei Moment, alles klingt wirklich irgendwie fehl am Platz. Das werden wir also in der nächsten Lektion tun. Vielen Dank, dass du Jungs und Frauen zugesehen hast. Wir sehen uns dann. 9. BTP Ambient Chill Lektion 08 Platz hinzufügen: Hallo zusammen, willkommen zurück. Okay, in dieser Lektion werden wir anfangen diesem Track Hall hinzuzufügen und ein Gefühl von Raum für alle Elemente zu schaffen. Bevor wir loslegen, sollten Sie sich überlegen, welche Instrumente Sie verwenden, damit sich überlegen, welche Instrumente Sie Sie einen neuen Mix haben um den Hallsound von Craig zu erhalten. Nun, ich rate Ihnen, das nicht auf einem Pad zu versuchen, da das Pad von Natur aus sehr langsam ist und bereits einen großen Auslöser hat und einen Schwanz darauf hat, so etwas. Es ist also nicht wirklich das beste Instrument, um zu messen, was der Hall in Ihrem Truck macht. Es ist viel besser, etwas wie Klavier zu benutzen. Lass mich das einfach löschen. Und das Klavier hat im Grunde einen scharfen Anschlag und es endet irgendwie schnell. Sie werden also den Hall, der da ist , wirklich hören können den Hall, der da ist , wirklich hören , jetzt hat er tatsächlich schon eine Art Hall darauf. Lass uns einfach zu den Instrumenten gehen und es klingt, als hätte es dort Hall, aber vielleicht nicht. Vielleicht ist es nur das Sustain. Sagen wir, das ist nur der Radius. In Ordnung, das ist also in Ordnung. Ich denke, wir können den Sustainer einfach schnell checken lassen. Okay, das klingt ziemlich natürlich und sehr trocken. Nur mit der Veröffentlichung, die darauf eingestellt ist. Also das ist in Ordnung, das ist gut genug. Lassen Sie uns nun unseren Projekten einen Reverb hinzufügen. So ziemlich jede einzelne Tür sollte ein halbwegs ordentliches Reverb-Plugin eingebaut haben . Oder Sie haben vielleicht eine Drittanbieter-Version, die Sie verwenden möchten. Ich werde eines namens Neo-Verb verwenden, das eigentlich von Isotop stammt. Aber eigentlich liegt es einfach daran, dass es nett ist und ich es mag und es einfach zu bedienen ist, aber jedes Reverb-Plugin wird akzeptabel sein, mach dir keine Sorgen. Also klicke einfach mit der rechten Maustaste. Ich werde einen Effekt hinzufügen, um zu verfolgen. So machen wir das in Cubase, weil ich das als Sendeeffekte einrichten werde . Ich könnte mir vorstellen , dass Sie bereits wissen, was ein Sendeeffekt ist. Ich füge einfach ein neues Verb hinzu. Ich möchte sichergehen, dass es Stereo ist. Ich nenne es einfach Main Reverb, nur damit ich weiß, was es ist. Und ehrlich gesagt, ich weiß, es sieht schick aus und so, unterscheidet sich aber wirklich nicht wesentlich von jedem anderen Reverb-Plugin. Ich verwende meistens nur eine Plattenantwort , die Sie in fast jedem anderen Plug-In auswählen können , das ein Plattenpreset hat , und dann ändern wir die Hallzeit. In diesem Fall versuchen wir es mit 4.2. Ich werde diesen ganzen Hall machen. Es ist also wie eine Mischung aus Platten und Who Reverb und deinem Hill. Das klingt so, als würde ich in nur einer Sekunde tatsächlich ein anderes Reverb-Plug-In laden, eines, das standardmäßiger aussieht und ich werde auch die Einstellungen dazu durchgehen damit du das irgendwie anpassen kannst gleiche Einstellungen. Aber im Moment werde ich das auf unserem Pianoeffekt-Kanal-Setup dort einfach mit einem K klingen . Lassen Sie uns das auch einfach sagen. Und ich schicke mein Klavier einfach zur Haupt-Hallgruppe, aktiviere dieses Ende. Und hören wir auf, damit herumzuspielen. Weihnachtsmann. Ziemlich nett. Oder ich kann es irgendwo da in der Nähe. Es ist schwer, all die anderen Elemente da drin einzuschätzen , aber das klingt ziemlich anständig. Was ich jetzt tun werde, wie gesagt, ist, dass ich tatsächlich zu dem Effektkanal gehe , wo der Sender ist Ich werde ihn einfach stummschalten oder für eine Sekunde umgehen. Und ich werde einen Standard-Hall hinzufügen, sagen wir, es tut mir leid, das ist nur außerhalb des Bildschirms, aber es ist nicht wirklich wichtig. Es ist nur der Cubase-Standard-Reverb, der, ich glaube, an alle Versionen von Cubase kommt. Aber ehrlich gesagt, wenn du ein Hall-Plug-In in deiner Tür hast , wird es diesem sehr, sehr ähnlich sein. Und buchstäblich das einzige, was du tun musst , wenn es sich um Sendeeffekte handelt, musst du die Verwechslung einschalten, was ich beim anderen Plugin völlig vergessen habe. Also werde ich das jetzt einfach sehr schnell machen. Mischen Sie bis zu 100%. Es ist wie das Wichtigste, was man als Sendeeffekte tun kann. Und da habe ich es natürlich vergessen. Mach dir keine Sorgen. Aber das ist in Ordnung. Sag, es ist verwechselt. Jetzt werden wir die Diffusion einfach aus Spaß etwas herunterdrehen, die Diffusion verleiht dem Hall immer ein bisschen Glanz. Und im wahrsten Sinne des Wortes werden wir einfach die Hallzeit erhöhen. Und davon abgesehen werden wir nicht viel tun müssen. Ich glaube nicht an Klavier. Und das klingt schon absolut in Ordnung. Nur buchstäbliche Einstellungen wie diese sind überhaupt kein Problem. Ich werde das nur umgehen. Sie können also den Unterschied zwischen dem und dem Neo-Verb tatsächlich hören . Sag mal, es gibt wirklich keinen großen Unterschied zwischen ihnen. Das meine ich, obwohl dieses neue Verb, es sieht alles glänzend und nett und funky aus. Die meisten Reverbs klingen heutzutage ziemlich anständig, also mach dir keine Sorgen, wenn du nicht in die Nähe von Verb gekommen bist, wirklich der einfachste Standard-Door-Hall und es wird dir absolut gut gehen. In Ordnung, das ist also genug. Das sind die Hall-Setups auf dem Klavier, zumindest fügen wir ihn jetzt einfach als nächstes zu den Saiten hinzu. Es tut mir leid, ich arbeite weiter an solistischen Sachen. Mach dir darüber keine Sorgen. Ich schicke das einfach durch die Saite und sehe mir den Haupthall an. Jetzt werde ich auch sagen, dass es bereits einen großen Unterschied macht. Also lassen wir es einfach so, wirklich nette, große Mengen an Hall da drüben. Sag, lass uns zum Pad gehen, das sagen und das auch an den Haupthall weiterleiten. Ja. Und ich will das einfach alleine hören, also nehme ich das zwielichtige Streicher-Sample ab ohne ihm nur ein wirklich nettes Raumgefühl zu geben . In Ordnung, das ist also in Ordnung. Jetzt hören wir uns das Ganze an. ZB wenn das Klavier reinkommt, sagen wir mal die Saiten und es war im Moment einfach ein bisschen zu laut. Also werde ich sie einfach beide abweisen. Ich wähle nur beide aus. Und in Cubase kannst du Alt oder Wahltaste und Umschalttaste gedrückt halten und sie dann leiser stellen und du wirst in beiden Fällen leiser gestellt. Ich bin mir nicht sicher, was diese Steuerung in einer anderen Tür sein wird, aber wenn Sie keins haben, ist das in Ordnung. Wählen Sie sie einfach einzeln aus und lehnen Sie sie ab. Aber sie sind einfach ein bisschen überwältigend. Ich denke, meine Entscheidung, nicht so viel Hall zu haben, war etwas falsch. Ich glaube, es brauchte mehr Reverb. Ansonsten klingt es einfach ein bisschen fehl am Platz, weil alles andere hallgetränkt gesagt hat, aber es klingt nett. Sag Happy Days, füge einfach diesen Hall hinzu, wie wir es brauchen. All diese neuen Elemente, die wir hinzufügen. Das nächste Ding wird unser Trommelschlag sein. Also werden wir wahrscheinlich genau den gleichen Hall hinzufügen. Vielleicht möchten wir einen Hall nur für das Schlagzeug hinzufügen, aber wir werden sehen, wann wir dazu kommen. Okay, vielen Dank, dass du gesehen hast, wie Jungs und Mädels dich im nächsten Video sehen. 10. BTP Ambient Chill Lektion 09 Chill Step Drum Beat: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion werden wir also tatsächlich damit beginnen, diesem Track ein paar Drums hinzuzufügen. Jetzt möchte ich als Erstes einfach das spielen, was wir bisher haben, zumindest für die erste Hälfte dieser Wiederholung. Und dann werde ich besprechen, warum wir die Trommeln dort platzieren , wo wir sie hinstellen werden. Jetzt werden wir natürlich später mehr über den Energiefluss der Strecke sprechen über den Energiefluss der , wenn wir mehr Elemente der Trach haben Elemente der Trach Ich werde hier nicht zu sehr darauf eingehen. Aber es ist immer noch wichtig , dass wir das ansprechen , wenn wir über die Platzierung der Elemente sprechen. Ordnung, also werde ich den Track einfach bis zum ersten Teil durchspielen lassen In Ordnung, also werde ich den Track einfach bis zum ersten Teil durchspielen lassen. Natürlich kannst du dich frei fühlen , überspringen, wenn du willst, aber es ist gut, ein Gefühl dafür zu bekommen, wie sich der Track im Laufe des Spiels entwickelt . In Ordnung, los geht's. Was wir also haben, ist, dass wir sanft auf der Strecke beginnen, offensichtlich mit nur der Art von grundlegenden Dreiklängen, fast acht Bällen ihm. Wir haben das Adagio for Strings im Kommen, das langsam Energie aufbaut. Dann gibt es eine größere Änderung , wenn wir 16 Takte n als Standard für normale Songstrukturen erreichen . Du hast also immer alle 8 Bar und definitiv alle 16 Bar einen Wechsel und hast ein größeres Wechselgeld. Da kommen Schlangen rein und das Klavier, was wirklich zur Atmosphäre beiträgt. Und dann baut es einfach allmählich Energie auf wobei die Notation irgendwie steigt. Und im Laufe der Zeit werden noch ein paar andere Geräusche da drin sein. Und es ist irgendwie wie Crescendos oder geht nach Crescendo. Schließlich wird diese Energie an diesem Punkt hier aufgebaut, wo werden wir eine kleine Pause einlegen? Und dann gehen wir zur zweiten Wiederholung dieser Akkordfolge über. Der einzige Unterschied zwischen der ersten Wiederholung und der zweiten Wiederholung besteht also zwischen der ersten Wiederholung und der zweiten Wiederholung darin , dass wir bei dieser zweiten Wiederholung nicht die Bassnoten auf dem Pad haben . Und was wir statt dieser Bassnoten auf dem Block haben werden, ist, dass wir tatsächlich eine eigene Grundlinie haben werden, die diese Noten für diese zweite Wiederholung spielt . Und was ich bei der zweiten Wiederholung passieren möchte. Also dieser erste Teil wird einfach sehr einfach sein, nur ein paar Trommeln als Spezialeffekte. Und dann werden wir in der zweiten Hälfte tatsächlich Schlagzeug haben , was sowohl die Energie als auch die Grundlinie erhöhen wird . Lassen Sie uns also tatsächlich die Trommeln hinzufügen, die wir in der zweiten Hälfte wollen . Dort wollen wir sie bei Problemen hinzufügen. Also außer Donnerstag neun. Bevor wir das Schlagzeug hinzufügen, möchte ich eigentlich nur erwähnen, dass wir hier wirklich in eine Art persönlicher Wahl geraten . Und damit meine ich, manche Leute werden die Drums mögen, die ich verwende, die ein bisschen mehr Chill-Step sind oder eine gewisse Schüttelfrost haben. Obwohl ich nicht sagen würde, dass dieser Track wirklich ein richtiger Chill-Step ist. Es nimmt nur Elemente aus diesem Genre auf. Aber natürlich könntest du ganz unterschiedliche Trommeln verwenden. Vielleicht möchtest du, dass dieser Track vollständig ambient bleibt und nur ein sehr geringes Schlagzeug oder gar kein Schlagzeug hat. Und so kannst du in so viele verschiedene Richtungen gehen. Es liegt ganz bei dir. Aber was ich dafür gewählt habe, ist natürlich eine Art entspannte, stetige Atmosphäre für die zweite Hälfte. Das werden wir also tun. Aber natürlich können Sie in viele verschiedene Richtungen gehen. Wenn es also um das Timing des Beats geht , ist das ziemlich wichtig. Ich wollte nicht wirklich einen Beat , der an die Gitterlinien gebunden ist. Ich wollte etwas , das sich beim Timing natürlicher anfühlt. Sofern Sie kein Drama sind, kann es ziemlich schwierig sein, einen solchen natürlich klingenden Beat zu programmieren . Was ich für dieses Tutorial gemacht habe, war eine Technik namens Beat Tracing zu verwenden, die analog zur Verwendung von Transparentpapier zum Kopieren einer Zeichnung ist , die sich darunter befindet. Im Grunde findet man also einen Drum-Loop, der den richtigen Zeitpunkt hat. Fügen Sie ihre Sounds ein, die im Loop verwendet werden oder irrelevant, wir sind buchstäblich nur hinter den Timing-Informationen her. Und wenn du einen findest, bei dem das Timing zu deinem Track und dem, was du willst, passt kopierst du einfach das Timing der Drum-Hits im Loop mit deinen eigenen Drum-Samples. Mal sehen, wie das in der Praxis aussieht. Ich gehe einfach zu meinen Arbeitsdateien und finde keimende Pip und sage, ich werde das einfach in meine Projekte ziehen . Das da oben. Nun, dieser Trommelschlag, wenn ich das nur sage, ich mag dieses Muster, das ist das Muster, das ich in meinem Track haben will. Offensichtlich ist es viel zu schnell. Sie werden es an das Tempo meines Tracks anpassen. In Cubase ist das jetzt wirklich einfach. Ich klicke einfach auf den Musikmodus und dann wird es so gestreckt, dass es zu meinem Track passt . Wenn Sie in Ihrer Tür stecken bleiben, erfahren Sie mit einer schnellen Google-Suche, wie Sie eine Schleife an das Tempo Ihrer jeweiligen Tür anpassen können. Es ist eine ziemlich normale Sache, also schau dir das einfach an, wenn du musst, und ich spiele das einfach schnell. Lass uns auch das Solo aufheben. Und lass es uns etwas leiser stellen. Sie können dort sehen, wie schnell es ist. Es ist ein bisschen faul. Wenn ich direkt hineinzoome, wirst du feststellen, dass viele dieser Hits nicht irgendwie auf traditionellen Tempolinien und Offbeats stehen, sie haben ein bisschen Schwung, wie wir sehen können. Das ist also die Platzierung der Beats, die wir tatsächlich kopieren werden, oder? Lassen Sie uns also zunächst unseren Kick nehmen. Angenommen, ich lade das einfach in einen Sampler-Track, damit ich den Kick als Midi auslösen kann. Also werde ich einfach ein leeres Midi-Segment darauf zeichnen , genauso lang wie der Drum-Loop. Und alles, was wir tun werden, ist tatsächlich alle Kickpositionen durchzugehen und zu kopieren. Angenommen, es ist am Anfang einer da und Fakten, laden wir das einfach in die untere Zone. Macht die Dinge ein bisschen einfacher. Und lassen Sie uns das natürlich auch etwas leiser stellen . Also alles, was ich tun werde, ist buchstäblich die Aktienplätze des Kicks zu finden. Also offensichtlich gibt es da gleich am Anfang einen. Hier ist noch einer. Also zoome ich hinein und schalte meinen Snap damit ich das wirklich schön und präzise machen kann. Und da will mein nächster Kick hin. Nochmals, schnapp ab. Dann passe ich einfach die Positionen an. Sagt, finde den nächsten Kick, der hier ist. Zeichne das ein. Und dann noch einer da, der ziemlich genau an der Barlinie liegt. Finde den nächsten. Und das war's für den Kick. Sagen wir, das nächste sind die Schlingen. Obwohl die Snares sind, sind sie alle ziemlich genau im Takt. Ich muss mir also keine Gedanken über ein flippiges Timing für sie machen. Sie sind alle einfach platziert als, die normale Schlinge wäre, sagen wir mal, das ist in Ordnung. Wenn Sie jetzt kopieren, wird die Position in Ihrer Tür offensichtlich wird die Position in Ihrer Tür etwas anders aussehen, obwohl Sie dasselbe haben , er hat den Ton, Sie haben den Middy. Wenn du wissen willst, wo du einen Kick hinzufügen musst oder welchen Dramatiker du auch kopierst, stelle natürlich deinen Playhead einfach so ein, dass er an der richtigen Stelle ist , z. B. genau dort. Und dann geh in dein Midi und dann kannst du sehen, wo du dich aufgestellt hast und da willst du natürlich deine Trommel hinzufügen. In Ordnung, also lass uns weitermachen und die Schlinge machen. Die Schlinge ist, wie gesagt, nett und einfach, also lass uns das finden. Das ist also die Falle. Wir werden diesen Rechtsklick in Cubase sowieso verwenden und ihn zu einem Sampler-Track hinzufügen und meinen Snap wieder einschalten. In der Tanzmusik spielt sich die Schlinge nun immer im zweiten und vierten Takt des Taktes ab. In diesem speziellen Track, in dem wir, obwohl wir AT für BPM mit einem niedrigen Tempo laufen, die Snare tatsächlich auf halbem Weg durch den Takt haben werden. Also jede Snare pro Bar. Man kann also hören, dass die Art von Faulheit gegenüber den Beats oder der Kick von Z diese alten Zeiten hat, was dazu beiträgt , ein Gefühl zu vermitteln, was genau das ist, was ich mir dafür wünsche. Ich wollte nichts, das zu eng und reglementiert klingt und wollte etwas, das 3D ein bisschen anders klingt. Und dann haben wir, glaube ich, ein Hutgeräusch, da am Ende dieser Schleife. Also werden wir das einfach auch dort in diesen aufnehmen. Hören wir uns also schnell das Original an. Sagen wir, fügen wir unser Beispiel hinzu. In der Belegschaft suchen wir also nach Closed Hat 18. Auch hier werde ich das nur als Sampler-Track hinzufügen . ziehe ein Leerzeichen, aber Amity, und dann gehe ich rein und stelle mich auf. Also muss ich meinen Snap ausschalten den Anfang dieses Hutgeräusches finden , das mir in den Sinn kommt. Leeres Midi. Und lassen Sie uns hier eine Notiz hinzufügen. Snap ist aktiviert. Also lass uns das ausschalten. Stelle es mit meinem Playhead auf und wir können loslegen. Okay, also der letzte für den Hut gleich am Ende hier. Zoomen Sie etwas hinein, damit wir sicherstellen können , dass wir nett und genau sind. Da haben wir's. Wir haben ihre Position kopiert. Also lass uns einfach ein bisschen zuhören nachdem wir abgewiesen haben oder was. Da haben wir's. Das ist im Grunde Beattracing. Sie können also natürlich frei wählen, welches Schlagzeug Sie wollen. Also wie gesagt, wenn du einen minimalistischeren Ambient-Track mit traditionelleren Ambient-Drums haben möchtest, und natürlich könntest du diese einfach durch einen weicheren Sound oder ein Schlagzeug deiner Wahl ersetzen . Also lass uns das einfach kopieren. Ich schalte einfach meinen Snap wieder ein. Und ich werde das einfach duplizieren. Und ich brauchte auch nicht meinen ursprünglichen Loop. Sag, ich werde das einfach auch entfernen. Eine Bemerkenswerte Sache ist also, dass die Timings, die ich für diesen Trommelschlag verwendet habe, offensichtlich sind, dass die Kicks etwas faul klingen oder was auch immer oder geschwungen sind. Dieses Timing spiegelt sich auch in Dingen wie dem Klavier wider. Das Klavier will offensichtlich zur gleichen Zeit fallen wie der Kick. Wenn es zur gleichen Zeit wie ein Kuchen fällt, dann möchte es diesen geschwungenen Beat dazu haben. Sonst wird es ein bisschen komisch klingen, als ob der Pianist nicht rechtzeitig mit dem Titel selbst gespielt hat. Dieses Klavier spiegelt also all diese Veränderungen wider. Als ich diesen Beat zum ersten Mal gemacht habe, habe ich dann natürlich die Timings des Klaviers entsprechend angepasst. Und wieder haben wir im Grunde den gleichen Prozess durchlaufen . Also würden wir uns aufstellen, wo der Piano-Beat war, z.B. so. Und dann richte es mit einem Tritt auf, geh ins Klavier und bewege einfach die Note. Es spiegelte auch die Position des Ticks wider, anstatt an der Barlinie zu sein, was ihre Art von Sache ist. Das Klavier spielt also auch mit demselben Schwingfeld. Und ich habe das ganze Klavier durchgespielt und das gemacht, nur in der Reihe mit den Tritten im Trommelschlag. Sag einfach den Namen. Das bringt das Ganze einfach irgendwie zusammen. Es fühlt sich an, als würde alles zur richtigen Zeit gespielt. Okay, also gerade wenn ich durchgehe und diesen Drums ein bisschen Hall hinzufüge , klingt das im Moment offensichtlich alles sehr trocken. Ich würde sagen, ich möchte auf jeden Fall, dass diese Trommeln eine ziemlich große Wirkung haben. Also dreh sie da einfach ein bisschen auf. Lass uns jetzt einfach den Kick durchgehen. Sagen wir, ich möchte ein bisschen Hall hinzufügen, aber ich möchte definitiv nicht zu viel hinzufügen , weil der Kick nicht im Hall ertränkt werden will , sonst klingt es ein bisschen chaotisch. Sag so etwas. Absolut in Ordnung. Ich glaube nicht, dass wir mehr wollen werden sonst müssen wir das natürlich auch im Mix überprüfen. Aber lassen Sie uns dem Sniff Us auch etwas Hall hinzufügen. Also füge ich hier einfach meinen Satz hinzu, offensichtlich haben wir das in der Reverb-Lektion behandelt. Und sobald wir unseren Effektkanal eingerichtet haben, wenn ich ihn einfach an den unteren Rand des Tracks ziehen würde. Sobald wir dieses Setup haben, senden wir das Signal natürlich buchstäblich von dem Element, dem Sie Hall hinzufügen möchten, zum eigentlichen Hall- und Reverb-Effekt-Kanal. Und so fügen wir das Reverb-Set hinzu. Ich gehe einfach buchstäblich hin und mache das auch mit den Drums. Sag Snare on, lass uns ein bisschen zuhören. Sag etwas, das ganz nett klingt. Es klingt, als würde es in sie passen. Oder lassen Sie uns diesen Hut aussortieren, weil er Moment etwas fehl am Platz klingt. Mal sehen, ob Reverb ausreicht, um das zu lösen. Sag, der Sound aka muss ihn nur ein bisschen leiser stellen. Ich denke, die Unterzeichnung ist okay. Kein Problem. Offensichtlich sind wir im Gesamtmix noch ziemlich früh dran. Also werden wir das im Laufe der Zeit optimieren. Und wenn wir zu den Mischstunden kommen, wird der Laser sicherlich einfach durchmachen und alles neu ausbalancieren , was ihn benötigt. Nun, eine letzte Sache, die ich eigentlich machen wollte, was ich fast vergessen hätte, ist, dass was ich fast vergessen hätte, ist, ich diese andere Snare hier habe ebenfalls von der Chill Step Bank, was auch diese Art von Glitched-Version von Snow ist . Sie haben also Szenario zwei, das wir verwenden, und dann haben wir das. Also möchte ich das als quasi jede vierte Schlinge verwenden. Also lass uns einfach reingehen, ich wähle einfach jede zweite Instanz der Snare aus. In diesem Fall halte ich einfach die Steuerung, um das zu tun. Es sollte dasselbe sein oder eine Schicht in der Tür Ihrer Wahl sein. Das ist eine ziemlich übliche Kontrolle, und ich werde das nur verkürzen. Also entfernt quasi die vierte Snare aus dem Beat. Und dann werden wir diese Art von fehlerhafter Falle haben. Also offensichtlich wollen wir es dort in der Position des anderen haben. Und ich ziehe das einfach in meine Projekte und kopiere dann einfach die Position, sodass sie an die richtige Stelle fällt. Lass uns diese einfach kopieren, Eva. Lass uns einfach kurz zuhören. Reverb soll sagen, dass ich es dort hören kann. Offensichtlich ist es nur ein bisschen zu laut. Balanciere das einfach aus, sodass wir wollen, dass es dem relativen Volumen der anderen Schlingen entspricht . Vielleicht ein bisschen mehr Reverb. Das klingt ziemlich anständig. Ich mag es. Glückliche Tage. Verleiht dem ansonsten sehr sich wiederholenden Trommelschlag nur ein bisschen Abwechslung . Aber eine Sache ist, dass diese Schlinge tatsächlich klingt. Mal sehen, wie sich das anhört, aufgeworfen zu werden. Sag, lass uns darauf eingehen. Ich wähle einfach alle aus. Dies ist einer der Gründe , warum wir dazu neigen, Sampler-Tracks für unser Schlagzeug zu verwenden Sampler-Tracks für unser Schlagzeug anstatt sie nur als Audio einzuziehen. Denn wenn wir die Tonhöhe ändern wollen oder so, ist das wirklich nett und einfach und wir können es auch einfach durchspielen, während es abgespielt wird. Sagen wir, das klingt in Bezug auf die Tonhöhe schon viel besser, es geliert einfach mit Attract besser. Ich werde es einfach auch ein bisschen höher versuchen. Ich glaube plus zwei Halbtöne höher. Die Snare in D spielen zu lassen, klingt dort am besten. Lass uns einfach ein bisschen spielen. Ordnung, das war's für diese Lektion. In der nächsten Lektion werden wir diesem Trommelschlag noch ein paar Bits hinzufügen , um ihn ein bisschen aufregender zu machen. Vielen Dank, dass Sie Jungs und Mädchen im nächsten Video gesehen haben. 11. BTP Ambient Chill Lektion 10 Hinzufügen von SFX zum Trommelschlag: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion werden wir dem Trommelschlag einige SFS-Sounds hinzufügen . Nur ein kleiner Hit von Ethics klingt nur, um den Beat ein bisschen interessanter zu machen. Der erste, den ich hinzufügen möchte, ist die Belegschaft. Also lass uns das suchen. Und das ist FX Hit 21. Ich werde das einfach zu einem Sampler-Track hinzufügen . Eine Sache, die man beachten sollte, ist, dass ich offensichtlich nicht plötzlich die richtigen Samples ausgewählt habe, sondern ziemlich viel mit verschiedenen Effekten experimentierte Sounds in verschiedenen Teilen der Beats verwendet habe, man bekommt etwas, von dem ich dachte, dass es funktioniert hat. Also natürlich, bedenke das einfach. Es ist nicht einfach passiert. Davon abgesehen, lass uns reingehen und das machen. Ich würde den Hit wollen. Es ist so etwas. Also im dritten Takt möchte ich, dass das anschlägt. Denken Sie jetzt daran, dass dies ein etwas seltsames Geräusch ist. Ich habe eine Weile gebraucht, bis die Tonhöhe absolut korrekt war. So wie es im Moment aussieht, ist es immer noch nicht richtig. Ich werde es einfach für dich spielen. Klingt im Moment ziemlich komisch, aber ich gehe zu meinem Sampler und sage einfach nein, falls du das in einen Sampler-Track lädst, entweder vor deiner Tür oder in ein von mir gezeigtes Sample eines Drittanbieters. Alle von ihnen verfügen über Tonhöhenregler, mit denen Sie die Tonhöhe des Kurses ändern können, zwar einen Halbton nach dem anderen. Oder ein Fine-Pitch-Control , der sich im Grunde zwischen einem Halbton befindet, der ihn durch CENSE verändert. Angenommen, in diesem Fall wollen wir das um plus 0,50$ ändern. Klingt immer noch fast ein bisschen alt, aber das ist einfach ein bisschen zu laut. Und wir wollen nur ein bisschen daran arbeiten. Also gehe ich einfach rein und filtere hier das absolute Low-End heraus. Jay, schneide das gerade ab und möchte dem auch noch einiges an Hall hinzufügen. Also lasst uns ascend hinzufügen. Felder sind ein bisschen mehr davon. Also haben wir gerade dieses schöne, ringige High-End bekommen. Nimmt das Low-End weg. nicht einmal sicher, wie ich es nennen soll, aber es ist ein bisschen Dissonanz. Lass uns zu dem zurückkehren, wo du in der Mischung warst. Es klingt absolut in Ordnung. Das ist perfekt. Das ist genau das, was ich sagen möchte. Kleine Effekte klingen so, als könnten sie die Füße wirklich ein bisschen interessanter machen. Also das ist in Ordnung. Das ist der erste. , wir werden das so ziemlich vollständig kopieren wollen Ich denke, wir werden das so ziemlich vollständig kopieren wollen. Der nächste Treffer, den ich hinzufügen werde, ist, ich denke, lass uns diesen versuchen. Ein bisschen seltsam. Das ist eigentlich aus unserem Club One Sample Pack, aber es schien einfach zu passen. Und ich mag irgendwie die Atmosphäre, die es ihm gegeben hat, diesem Track ein etwas anderes Gefühl gegeben hat. Das will kommen, kurz nachdem Snare das getroffen hat, sagen wir genau dort am Ende. Also lass uns das einfach als Sampler-Track hinzufügen. Welche Schublade in einem leeren Stück Middy. Obwohl wir hier nur ganz am Ende eine Notiz hinzufügen müssen. Also lass uns einfach reingehen. Und lassen Sie uns das auch leiser stellen. Sag so etwas. Natürlich müssen wir noch ein bisschen Hall-Tipp hinzufügen, aber wir haben es geschafft. Gehen wir einfach in die Kanaleinstellungen und schicken das an die Reverb-Gruppe. Also werde ich jetzt schnell, will das machen, aber es ist buchstäblich wie normales, supernormales Zeug. Ich sage nur ein Send oder schicke etwas an die Effektgruppe. Also keine Eingabeaufforderungen. Okay, das klingt ziemlich gut, obwohl der Hit dort etwas zu lange dauert. Ich will, dass es irgendwie tot am Ende der Bar aufhört. Irgendwie haben es Leute getan, getan, getan, und das will ich am Ende nicht. Also lass uns einfach reingehen und das ein bisschen verkürzen. Also schalte ich einfach meinen Snap aus. Da haben wir's. Das ist perfekt. Und es endet genau dort, wo ich es haben will. C, Okay, also lassen Sie uns unseren Treffer durchgehen. Jetzt möchte ich nicht, dass es sich alle 4 Takte wiederholt , weil was wir am Ende haben werden. 8 bar sind eine andere Füllung als dieser Sound. Also ich möchte nur, dass dieses CB bei jeder Wiederholung von acht Takten auf den dritten Takt gesetzt wird. Das sind also wieder 8 bar, nur 123. Dort wollen wir es haben. Lassen Sie uns diese einfach rüberkopieren damit sie auch an der richtigen Position sind. Lassen Sie uns diese Trommeln einfach verlängern. Entschuldigung, ich habe es so gelassen, wie es nur ein bisschen kurz zuvor war, also werde ich sie einfach auch kopieren. Dann haben wir in der zweiten Hälfte unsere vollen Trommeln . Wir werden der zweiten Hälfte kleine Füllungen und solche Sachen hinzufügen . Also sollten wir vielleicht die Trommeln manipulieren, während wir gehen. Aber im Moment ist das absolut in Ordnung. Also werde ich mir das nur ein wenig anhören, um zu sehen, ob ich daran etwas ändern möchte. Also nur bei diesem zweiten Hutschlag, lassen Sie uns das einfach ein bisschen durcheinander bringen. Also werde ich darauf eingehen, diesen und lassen Sie uns Drillinge zur Lockerung hinzufügen. Also ändere ich einfach mein Raster auf ein Sechzehntel-Triplett. Nur zehn Snap Back. Lass uns einfach so etwas ausprobieren, nur um es ein bisschen durcheinander zu bringen. Und lass uns diesen Pitch auch ein bisschen runter versuchen. Ja, es ist ziemlich leer. Wir lassen es vorerst da drin. Vielleicht möchten wir das später ändern, aber während wir uns den Track immer und immer wieder anhören all diese kleinen Dinge, die wir getan haben. Wir könnten es uns im Kontext des gesamten Tracks anhören, wir könnten entscheiden, dass es nicht funktioniert. Das funktioniert in der Originalversion des Tracks, aber beim zweiten Mal sieht es immer anders aus. Wir werden also sehen, ob das wirklich im Moment bleiben will. In der zweiten Hälfte des Songs spielen wir das ganze Jahr über Schlagzeug , nur dieselben Trommeln. Was ich nun tun möchte, ist der zweiten Hälfte dieser Wiederholung einen kleinen Unterschied und auch ein bisschen zusätzliche Energie zu verleihen einen kleinen Unterschied und auch ein bisschen zusätzliche Energie zu . Also da, wo das Klavier anfängt, sagen wir, dass ich im Grunde ein bisschen mehr Schlagzeug hinzufügen möchte. Also werden wir dafür einen Loop verwenden. Lass uns einfach Loop finden. Das ist also ein BTP CS Top Loop 12. Also, was wir tun werden, ist, ein bisschen davon oder Teile davon zu verwenden , um ein wirklich gutes Gefühl in der Strecke zu bekommen. Lassen Sie uns das einfach in unsere Projekte ziehen , wo es als Audio angezeigt wird. Achte nur darauf, dass es zum Tempo deines Trackers passt . Es sollte automatisch passen, da es 84 BPM gemacht hat, was dem Tempo dieses Tracks entspricht. Aber stellen Sie sicher, dass es definitiv so ist, bevor wir anfangen, es zu zerkleinern. Und was ich tun möchte, ist das einfach zu nutzen. es zunächst Lassen Sie uns es zunächst leiser stellen. Und bevor wir weitermachen, sollte ich noch ein bisschen Hall hinzufügen, damit es nicht super fehl am Platz klingt. Im Moment nur ein bisschen, wir können das in einer Sekunde anpassen. Etwas zu laut. Immer noch. Sag noch einmal, was ich machen will, ist das ein bisschen zu zerschneiden. Also schnapp ich mir einfach alle meine Splits. Weil mir dieser erste Teil auf jeden Fall gefallen hat. Das klingt wirklich nett und cool. Aber dieser zweite Teil hier, das ist einfach ein bisschen zu viel fertig. Also lass uns das einfach loswerden. Das ist auch ein bisschen zu viel. Also werden wir das einfach loswerden. Wir wollen nur, dass ein seltsamer Streifen dieser Schleife rein und raus kommt. Schon wieder. Hier. Wir werden einfach etwas davon herausschneiden. Tut mir leid, ich habe ein bisschen größer verpasst, also ist es etwas einfacher zu sehen. Und wir werden hier so ziemlich eine Wiederholung des ersten Teils haben , also haben wir das schon. Also ja, ich glaube, ich werde das ganz hinten überfliegen. Also. Lass uns einfach ein bisschen von weiter hinten reinhören, stelle nur sicher, dass das auf jeden Fall funktioniert. Mir gefällt, wie das klingt. Also lass uns das einfach kopieren. Das wiederholt sich also der zweiten Hälfte des Abschnitts, in dem sich unsere Trommeln befinden. Eine Sache, die mir jedoch gerade aufgefallen ist, ist, dass der FX-Hit 21 nicht ganz zum richtigen Zeitpunkt ist. Und wenn ich richtig hineinzoome, können wir sehen, dass R hat dort mit etwas Schwung spielt. Also schalte ich einfach meinen Snap und ich werde das einfach genau mit den Anfängen von r hat Note ausrichten, du kannst einfach diese kleine Linie sehen. Wenn Sie es ein bisschen größer machen , schlagen unsere Effekte zu. Offensichtlich fängst du schon ziemlich lange davor an, also bekommen wir nur ein bisschen Verrücktheit im Beat. Lassen Sie uns einfach darauf eingehen. Und Teile bewegen, tut mir leid, es reicht oder schnapp und verschiebe es dann so, dass es genau mit r hat ausgerichtet ist. Sag, das ist in Ordnung. Lass uns einfach nachschauen. Ich denke, es wird wahrscheinlich auch bei allen anderen genauso sein. Was wir jetzt tun werden , wir haben das erste korrigiert, wir löschen einfach die anderen und duplizieren es erneut. Kein Problem. Es klingt im Moment ein bisschen glanzlos. Und das liegt daran, dass wir nicht das Basisflugzeug haben, zu dem wir in der nächsten Lektion kommen werden. Lass uns von hier aus, zur Hälfte, einfach ein bisschen zuhören . Eines wird deutlich, wenn wir uns das anhören, denn wir haben diese Art von Dinghi-Soundeffekten 21. Das klingt tatsächlich ein bisschen komisch, wenn es gleichzeitig mit dem Klavier gespielt wird. Also ich denke, was wir tun werden, wenn das Klavier reinkommt, werden wir entfernen. Obwohl wir es gerade kopiert haben, werden wir tatsächlich die zweite Hälfte davon entfernen. Sind FX Hit 21 Sounds. Das, nur weil es so ist , widerspricht ein bisschen dem Klavier. Also ich denke, es ist besser, wir lassen es einfach fallen, wenn es zu diesem Abschnitt kommt. Sagen wir, es konzentriert sich einfach auf das Klavier, das gerade reinkommt. Kein Problem. Ich denke, das ist besser. Das ist so ziemlich alles für diese Lektion. Also, vielen Dank, dass du Jungs und Mädchen in der nächsten Lektion beobachtet Jungs und Mädchen in der nächsten Lektion Wir werden die Grundlinie erstellen. Wir sehen uns im nächsten. 12. BTP Ambient Chill Lektion 11 Bassline: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion werden wir die Grundlinie für diesen Abschnitt der Strecke festlegen. Also nochmal, die Grundlinie kommt erst, wenn die Trommeln reinkommen. Also lass uns das jetzt machen. Jetzt gehen wir zu den Arbeitsdateien und gehen zum Mini-Ordner. Und wir werden das Baseline-Midi finden. also zunächst Lassen Sie uns also zunächst einfach ein wichtiges Instrument entwickeln. Also werde ich einfach einen wichtigen Track für ein Instrument hinzufügen. Jetzt. Das ist in Ordnung, wir werden in nur einer Sekunde am Sound arbeiten , aber jetzt haben wir unser wichtiges Instrument da drin. Lassen Sie uns die Basislinie Middy darauf ziehen. Ebenfalls. Ich werde sehr schnell einige davon nennen, nur damit es etwas besser organisiert ist. Und ich werde die Tracks auch einfach ein bisschen kolorieren. Ich bin mir sicher, dass Sie in Ihrer Tür Spuren färben können, ist eine wirklich praktische Sache. Also jeder dieser Lead-Sounds wird diese Art von pinky roter Farbe haben. Dann können die Trommeln gelb bleiben. Und dann werden alle Effektgeräusche grün gefärbt. Lassen Sie uns sie tatsächlich hellgrün färben, weil sie wie FX-Drum-Sounds sind. Und dann haben wir unsere Schleife, die gelb sein kann. Und ich werde diese einfach ein bisschen besser organisieren , damit alles relativ am richtigen Ort ist. Wir haben also Leads und alles ganz oben. Die Grundlinie kann eine Filmfarbe sein. Sag einfach nein, die Midea als Grundlinie. Es ist wirklich einfach , sich das auszudenken. Nun, meine Gedanken in diesem Track sind, dass die Grundlinie natürlich der Melodie folgen will, aber sie möchte auch einfach wie eine ständige Drohne im Hintergrund des Tracks sein . Und es wird für ein bisschen Wärme sorgen. In diesem Fall nehmen wir normalerweise nehmen wir normalerweise jede Akkordfolge, die wir sicher haben, gehen darauf ein. Was wir normalerweise tun würden, ist buchstäblich nur die Grundnoten aller Akkorde zu nehmen . Oder wir könnten herkommen und die Bassnoten nehmen, die du schon hast. Das entspricht also eher dem, was wir in der tatsächlichen Grundlinie erhalten haben. Also diese Noten hier und einfach ein anderes Instrument spielen, also kopiert er sie buchstäblich einfach im Grunde. Nun, der einzige Unterschied zwischen diesen Nächten und der Grundlinie, darauf werde ich kurz eingehen, sind diese G-Sharps hier, die normalerweise in der Pad-Progression, den Basstönen oder einfach D sind, spielt C, Es-Dur, Es-Dur, D, wohingegen wir in diesem Fall das, was nicht Es-Dur war, auf Gis oder A-Dur fallen gelassen haben . Okay. Also das ist in Ordnung. Nur damit du es weißt, das ist der einzige Unterschied, aber abgesehen davon spielen sie genau an denselben Abenden. Nachdem das gesagt ist, lassen Sie uns reingehen und tatsächlich anfangen, an diesem Basssound zu arbeiten. Nun, es ist erwähnenswert , dass wir diese Basislinie so an die Kits anbinden werden. Das hat also zwei Auswirkungen. Man mischt klug. Es schafft, behält den Platz für den Kick, sonst die Basis des Kicks nicht stört die Basis des Kicks nicht die Basis der Grundlinie. Und es verleiht ihm auch ein bisschen mehr Rhythmus. Wir werden also eine ziemlich scharfe Seitenkette haben. Das Absenken der Grundlinie bei jedem Treffer verleiht dem Track also der Grundlinie bei jedem Treffer verleiht auch einen gewissen Rhythmus . Aber darauf kommen wir in der nächsten Lektion zurück. Konzentrieren wir uns einfach darauf, den richtigen Sound zu erzeugen. Also habe ich meine Loop-Regionen eingerichtet. Lass uns das einfach etwas leiser stellen. Lassen Sie uns vorerst die Grundlinie einteilen. Offensichtlich sind wir dran wie eine Sägewelle. Also werde ich es einfach durchgehen und ich denke, wir werden wollen, dass einige Grundformen enthalten. Es sollte unter der Fabrik sein und los geht's. Es ist die erste, Grundformen. Also sollte das jeder haben auch in der kostenlosen Version von VSO. Und dann werden wir das einfach ein bisschen ändern. Die zweite Wellenform. diesem Schieberegler an der Seite können Sie also Mit diesem Schieberegler an der Seite können Sie also durch die Wellentabelle blättern. Nun, das ist eine Art seltsame Wellentabelle, diese Grundform wechselt zu einer anderen Voreinstellung. Sie werden feststellen, dass es etwas konsistenter ist, wenn Sie es durchgehen. Und das sind all die verschiedenen Wellenformen, die Sie diesen speziellen Sound verwenden können. Gehen wir also zurück zu den Grundformen. Es ist nur so, dass Grundformen quasi ein paar verschiedene Wellenformen haben. Sie können sogar zum 3D-Bild wechseln, wodurch ich sehen kann, welche. Du wirst nachschauen. Dreieckwelle und eine Sägewelle, eine Rechteckwelle. Und am Anfang ist nur eine Sinuswelle. Wir befinden uns also irgendwo zwischen einer Sinus- und einer Rechteckwelle. Wie dem auch sei, das ist in Ordnung. Mach dir keine Sorgen. Wir werden uns im nächsten Sound , den wir machen, etwas genauer damit befassen im nächsten Sound , den wir machen, etwas genauer damit handelt sich um ein Base-Overlay, es sieht irgendwie modulierter Base-Overlay-Sound aus. Nun, das ist offensichtlich viel zu hoch, also lass uns das einfach fallen lassen. Zwei -24. Sie werden feststellen, dass jedes Mal, wenn die Noten ausgelöst werden, ein kleines Klicken erfolgt. Um das loszuwerden, emulieren wir einen. Denken Sie daran, dass dies die Hüllkurve ist die Dynamik des Klangs moduliert. Also werden wir nur ein bisschen mehr dazu hinzufügen . Und Sie können sofort , dass der Klick weg ist. Wenn ich den Angriff drehe, schreibe den Klick auf. Sag nur ein bisschen Angriff, gerade genug , um dieses kleine Klicken loszuwerden. Das ist in Ordnung. Ordnung, ich bin sehr zufrieden mit diesem. Und lass uns einfach ein paar Effekte hinzufügen. Ich will es nur ein bisschen düsterer machen. Lassen Sie uns also etwas Verzerrung hinzufügen. Solo das nochmal. Also weiche Clips in Ordnung. Ich denke, es ist nur ein bisschen verzerrt. Einfach ein bisschen schleifen, ihm ein bisschen Körnung geben, dann ist es einfach EQ-Up, weil ich glaube nicht, dass wir all diese High-End-Frequenzen wollen . Lass es uns zuerst mit dem Rest des Tracks spielen. Was wir also tun werden, anstatt ein hohes Regal zu verwenden , wenn Sie einfach klicken, wird zwischen einem hohen Regal und einem hohen Regal umgeschaltet. Also lass es uns einfach auf High Cut haben und wir nehmen dort einfach einen Teil der Spitzenklasse heraus. Sag irgendwo da drüben. Absolut in Ordnung. Okay, großartig. Wir fügen Hall hinzu, nicht in Vital selbst, aber wir fügen ihn mit unserem Senses Gum Gehen Sie bei Cubase einfach in die Kanaleinstellungen. Also fügst du das Senden hinzu. Ich will hier nicht zu viel, aber gerade genug, um ihm ein Gefühl von Raum zu vermitteln, was es auf jeden Fall matschig machen möchte. Also ohne ist es so, mit nur ein bisschen Tiefe bis zur Grundlinie dort, das ist in Ordnung. Lass uns einfach sehen, wie es vom Level her ist. Okay, das klingt also ziemlich gut. Ich bin so glücklich damit. Es ist sehr einfach. Wir haben einfach einen Oszillator ausgewählt, ihn auf die richtige Tonhöhe gebracht, ein paar kleine Effekte, um ihm ein bisschen mehr Körnung zu verleihen. Und eine Art korrigierender EQ, um das High-End herauszuholen. Und das ist es wirklich. Ganz einfach, aber auch sehr nett und warm. Okay, sagen wir, in der nächsten Lektion werden wir uns mit Side-Chain befassen und es einfach wirklich an die Strecke anpassen. Vielen Dank, dass Sie Jungs und Mädchen im nächsten Video gesehen haben. 13. BTP Ambient Chill Lektion 12 Sidechaining: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion werden wir also die Grundlinie bis zum Kick verketten. Angenommen, Side-Chain ist eines der wichtigsten Mixing-Tools, die Sie haben, insbesondere wenn es darum geht, das Bass-End Ihrer Tracks zu mischen. Sie können es auch als Effekt verwenden, um Ihrem Track einen zusätzlichen Rhythmus zu verleihen. Und wir werden diese beiden Dinge hier tun. Also, was wir in diesem Track tun werden, ist ein paar Dinge bis zur Seitenkette durchzuwurzeln . Was wir also tun wollen, ist einen Gruppenkanal einzurichten, auch Bus genannt. Bei anderen Türen fügen wir dieser Gruppe einen Kompressor oder einen Seitenkettenkompressor hinzu als alles, von dem wir betroffen sein möchten. Die Seitenkette wird nur zu dieser Gruppe weitergeleitet. Also füge ich einfach einen Titel in einem Gruppenkanal hinzu. Kühlere Seitenkette eins, nur weil wir vielleicht eine Seitenkette haben könnten, das wäre natürlich cool. Und das würde verwendet werden, wenn wir beispielsweise auf der Seitenkette, einer, durch die wir die Basislinie schicken, etwas extremeres Seitenverkettung wünschen als auf der anderen Gruppe. Sagen wir, sagen wir, wir geben auch den Weg dafür. Es wäre vielleicht ein bisschen zu viel, wenn wir es auf das gleiche Niveau wie den Ausgangswert senken würden. Vielleicht möchten Sie das über eine separate Seitenkette senden , aber das ist in Ordnung. Was auch immer das in einer Weile entscheiden wird. Jetzt haben wir eine Gruppe, also unsere Gruppenkanäle unten. Ich gehe einfach in die Kanaleinstellungen. Das sind also die Insert-Steckplätze und ich werde einen Kompressor hinzufügen, beispielsweise unter Dynamics Compressor. Nun, heutzutage werden wir so ziemlich an jeder Tür irgendeine Art von Seitenkette haben , weil das so wichtig ist. Und das wird in den serienmäßigen Kompressor Ihrer Tür eingebaut . In diesem Fall ist Cubase ein Serienkompressor. Jetzt gibt es eine Version von Cubase, Cubase Elements, die wie die billigste Version ist , und solche kostenlosen Versionen bei denen der Kompressor keine internen Chain-Eingänge hat. Also, wenn Sie diese Version haben oder wenn Sie sich in einer Tür befinden, die aus irgendeinem Grund keine Side-Chain-Komprimierung hat. Dann gibt es noch ein Plugin, das du verwenden kannst. Ich werde es dir einfach sehr schnell zeigen. Es ist nicht wirklich eine Side-Chain-Komprimierung, aber sie hat genau den gleichen Effekt. Entschuldigung, das kannst du nicht sehen. Lassen Sie mich das einfach ansprechen, damit Sie sehen können, was vor sich geht. Es heißt also Tao-Filter. So sieht es aus. Was wir damit machen, ist buchstäblich einfach die Lautstärke zu verringern, je nachdem, wie wir das eingerichtet haben. Ich werde hier nicht darauf eingehen, oder es gibt tatsächlich ein Video auf YouTube. Wir haben ein Video gemacht, wie man das benutzt. Wenn du nur googelst hast, um Sidechain zu produzieren, wirst du das vierte Video sehen, dieses hier, wie man in Cubase Elements a, e oder LE eine Seitenkette durchführt. Jetzt ist es egal, ob Sie eine andere Tür benutzen. Du kannst dir das Video immer noch ansehen. Es zeigt Ihnen, wie Sie den Handtuchfilter zum Herunterladen bekommen, wie Sie ihn installieren, obwohl es eine riesige Installation war, kann sehr leicht anders sein, aber ich bin mir sicher, dass Sie inzwischen wissen, wie das geht. Dann zeigt es dir auch, wie man es benutzt. Und für unregelmäßige Beats, wie das, was wir derzeit in unserem Track haben , ist das, was ich dich als unregelmäßigen Beat bezeichnen würde , wie in der House-Musik, unregelmäßige Beats genannt werden könnten. Also heißt es einfach nicht, nicht, nicht, tu es nicht. Ganz einfach, eine Sidechain einzurichten oder Side-Chain-Effekte wie TTL-Felder dafür sind, es ist etwas schwieriger, wenn man einen leicht unregelmäßigen Beat hat, wie wenn Tritte auf den Offbeat und all diese Dinge, besonders wenn sie zeitgesteuert sind, wie Azar. Wie auch immer, in diesem Video wird im Grunde erklärt , wie Sie den Tau-Filter verwenden, falls erforderlich. Aber sonst wird deine Side-Chain-Komprimierung viel einfacher. Dafür muss ich nur die Seitenkette aktivieren. Und in Cubase kannst du einfach den Track auswählen , den du als Side-Chain-Eingang verwenden möchtest. Manchmal musst du in deiner Tür tatsächlich ein Signal senden, musst du in deiner Tür tatsächlich ein Signal senden wie wir es mit dem Hall gemacht haben, aber du sendest es an die Seitenkette des Kompressors. Das ist also möglicherweise eine Möglichkeit , wie sie es tun müssen. Aber auch hier zeigt Ihnen eine schnelle Google-Suche , wie das geht. Die grundlegendste Sache , die man tun und lieben kann. Also wähle ich aus meinem Side-Chain-Eingang den BTP-Kick aus. Das ist in Ordnung. Das ist ab und zu alles eingerichtet, ich muss nur die Einstellungen richtig machen. Also generell, denn Verkettung ist wirklich einfach. Ich verwende immer die gleichen oder fast die gleichen Einstellungen. Also kein Angriff, kein Halteverhältnis, ungefähr drei zu vier. Also die Veröffentlichung und der Schwellenwert der einzigen Dinge, mit denen wir herumspielen müssen, um die Einstellungen korrekt zu machen? Moment werde ich nur die Pads stummschalten , damit du dich auf die Grundlinie konzentrieren kannst. Aber bevor wir weitermachen und anfangen, zuzuhören, ist Notwendigkeit, die Basislinie tatsächlich durch unsere Side-Chain-Gruppensätze zu leiten, die tatsächlich von diesem Kompressor beeinflusst werden. Angenommen, ich gehe einfach rein und ändere es von Stereo Out, das ist der Master-Ausgang, und es wird durch die Gruppen gehen. Also Kette eins. Wenn ich jetzt spiele, es sollte es ganz klar sein , dass das gesunken ist. Ganz erheblich. Jetzt möchte ich nicht, dass es so lange dauert, bis die volle Lautstärke wieder erreicht ist, sagen wir, wenn du es dir angehört hast, hat es eine ziemlich sanfte Auslösung. Also, wir haben 500 Millisekunden und Sie können das Messgerät zur Verstärkungsreduzierung sehen. Du kannst sehen, wie es durch den Tritt eingetaucht wird und dann langsam wieder nach oben geht. Also spiel das einfach. Und wenn wir die Veröffentlichung beschleunigen, ändere ich sie einfach, während sie abgespielt wird. Und Sie können sehr schnell sehen, wie die Anzeige zur Verstärkungsreduzierung anzeigt , dass die Lautstärke sehr schnell reduziert wird und dann immer wieder normal wird. Lass mich das einfach spielen. Das ist in Ordnung. Ich will eine superschnelle Veröffentlichung. Und wie ich bereits erwähnt habe, fügt es der Grundlinie diesen leichten Rhythmus hinzu. Sobald das Kit kommt, wird die Grundlinie wirklich abgelehnt. Und dann, nachdem die Kicks beendet sind, geht es wieder hoch und es verleiht ihm einen Rhythmus. Dann bleibt Ihnen nach der Veröffentlichung nur noch der Schwellenwert übrig . Und das bestimmt nur , wie viel von dem Seitenketteneffekt oder wie viel das Ding Sie haben werden. Wenn wir es also richtig haben, wird es extrem sein. Was wir nicht wollen. Sagen wir, irgendwo wie das ist perfekt, Nizza und irgendwie Pompeji, die Grundlinie ist etwas zu laut. Sie verglichen mit dem Kick. Bringen wir auch unser Pad zurück. Was wir tun werden, ist in die Pad-Einstellungen zu gehen und ich werde diese drei in der Seitenkette weiterleiten. Ich möchte das nur für den Anfang ausprobieren, ich sage nicht, dass es zu 100% so sein wird, wie es sein wird. Aber das gefällt mir. Mir hat gefallen, dass das Pad getaucht wird. Auch hier trägt es irgendwie zum Rhythmus des Trommelschlags bei. Und es hilft auch, dass der Kick wirklich durch den Mixer geht. Ich mag das so, wie es aussieht, ich glaube nicht gut, ich würde eine Seitenkette an die DJ-Saiten , die undimensioniert gelassen und gewechselt werden können. Und definitiv nicht zu dem Klavier, das undimensioniert bleiben will, auch verändert. Das klingt vielleicht etwas seltsam. Also habe ich mich verändert. Okay, das ist in Ordnung. Das klingt ziemlich anständig. Ich schulde es. Ordnung, das war's für diese Lektion. Denkt daran, wenn ihr eure eigenen Tracks auf der Webseite verkettet, super, super wichtig, besonders wenn ihr einen Kick und eine Grundlinie habt. Und die Grundlinie spielt, als ob konstante Töne wie diese bereits Noten spielen, die gleichzeitig mit dem Kick fallen. Sie müssen Kette zitieren. Ihr kickt und baßt zusammen. Okay, vielen Dank, dass du zugesehen hast, wie Jungs Mädchen dich im nächsten Video sehen. 14. BTP Ambient Lektion 13 Ein tieferer Blick auf Vital: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion werden wir eine kleine Pause vom Tutorial selbst einlegen. Und wir werden uns nur mit Vital befassen und auf alle Funktionen, zumindest einige der Funktionen, etwas ausführlicher eingehen. Bisher haben wir damit offensichtlich nur zwei Sounds gemacht, das Pad und die Base. Nun, beide sind offensichtlich ziemlich einfache Sounds. Und dabei haben wir gerade erst an der Oberfläche dessen gekratzt , wozu Vital in der Lage ist. Wenn Sie also bereits wie Vital funktioniert, oder es Ihnen einfach egal ist, ist das in Ordnung. Kein Problem. Sie können mit der nächsten Lektion fortfahren. Sie werden nichts verpassen, was für das Tutorial wichtig ist. In der nächsten Lektion werden wir genau wie einen Base-Overlay-Sound für die Baseline erstellen . Aber für diejenigen unter Ihnen , die ein bisschen mehr Informationen über die Benutzeroberfläche von vital wünschen bisschen mehr Informationen über , dann bleiben Sie hier. Ordnung, also nochmal, wir beginnen mit der Oszillatorsektion. Und wie bereits erwähnt, gibt es drei Hauptoszillatoren und auch ein Beispiel von Slicer, worauf wir gleich noch eingehen werden. Sie können hier oben durch die verschiedenen Wellentypen wechseln. Nun, wenn Sie nur die kostenlose Version von Vital haben, dann haben Sie nur die Werksbank, was absolut in Ordnung ist. Es gibt viele nette Wave-Tische hier drin. Eine Sache, die ich nicht erwähnt habe, war, dass Sie auch diesen haben , den Rahmen des Wave-Tables. Wellentabelle ist also quasi eine Ladung verschiedener Wellenformen in einer Datei und jeder Teil der Wellentabelle wird als Frame bezeichnet. Wahrscheinlich nicht der beste Sound. Sag, los geht's. Wir haben eine Sägewelle, die einfach ihre Form ändert, je nachdem wo Sie den Wellentisch positioniert haben. Und natürlich gibt es einfach absolut Unmengen verschiedener Wave-Tables. Sie können auch Wave-Tabellen herunterladen und Ihre eigenen erstellen. Wenn Sie eine eigene erstellen möchten, können Sie die Schaltfläche „ Wave-Tabelle bearbeiten“ verwenden sodass Sie tatsächlich reinkommen und die Wellenform selbst manipulieren und sie tatsächlich ändern, erstellen können und die Wellenform selbst manipulieren . Also werde ich mich hier an die Grundlagen halten wollen. Ich werde also nicht zu sehr auf den Wave-Table-Editor eingehen. Wir werden dies in einer kostenlosen Tutorialstunde behandeln. Also pass darauf auf. Aber im Moment ist das absolut in Ordnung. Und ich werde das, was es genannt hat, Zoar einfach zurücksetzen , nur für die Beispiele, die wir verwenden werden. Wie bereits erwähnt, hast du auch diese 3D-Ansicht, also das ist die Wellentabelle. Frame eins ist also dieser Frame gleich am Anfang. Und wenn Sie dann durchfahren, können Sie sehen, wie es sich ändert. Es gibt Ihnen also eine 3D-Darstellung all der verschiedenen Wellenformen in dieser Wellentabelle. Also andere Steuerelemente hier, wir haben Pitch. Wir haben also offensichtlich den Pitch des Kurses , den wir uns bereits angesehen haben. Übrigens, wenn Sie eine Steuerung in Vital wieder auf ihre Standardeinstellung zurücksetzen möchten , doppelklicken Sie einfach darauf. In gewisser Weise sind viele andere Sinne entweder Strg oder Alt gedrückt und klicken Sie darauf, dann wird es zurückgesetzt und wichtig, es ist ein Doppelklick, genauso wie bei der Feinabstimmung hier drüben, die wir bereits angesprochen haben. Wir können wählen, ob wir dies entweder an Filter One, Filter, Filter, Filter 1.2 weiterleiten möchten. Jetzt nur damit du es weißt, und wir werden uns das in einer Sekunde ansehen. Aber wenn Sie Filter 1.2 erreichen , sendet es tatsächlich ein separates Signal an Filter 1.2, sagen wir, es ist nicht wie diese, sie sind in Reihe, sodass der Signalpfad nicht zuerst durch den Filter fließt eins und dann durch Filter zwei, es kommt tatsächlich zum Filtern, um eins unabhängig zu filtern. Also könnte ich sagen, einen Hochpass haben , z. B. Filter auf einen Tiefpassfilter, einen. Modulation und so, die du dir einfallen lassen kannst ein paar ziemlich funkige Dinge sind jedoch nicht immer nützlich. Und wenn Sie nur einfache Geräusche verwenden und sich wahrscheinlich nur an den einen Filter halten, ist das die einfachste und sicherlich die häufigste Verwendung. Die Phase ändert die Startposition der Wellenform. Wenn wir also zur 2D-Ansicht zurückkehren, ist das hilfreicher. Also z. B. 180, was der Standard ist, es beginnt an den Nullkreuzungspunkten, wenn ich die Phase ändere, obwohl es hier nicht angezeigt wird, es ändert im Grunde die Startposition in irgendwo in dieser Region hier, je nachdem, auf was wir es eingestellt haben. Hauptsächlich wird das verwendet , wenn man zwei verschiedene Oszillatoren hat. Und Sie können die Phase zwischen ihnen ändern um unterschiedliche Texturen zwischen den Sounds zu erzeugen. Also hier unten haben wir verschiedene Warping-Modi. Also können wir das auf eine Art Leistungsskala ändern, z. B. spiele ich es einfach. Im Grunde sind es nur verschiedene Arten , die Wellenform zu manipulieren. Alle möglichen Effekte. Ich würde sagen, Sie können alle verschiedenen Texturen erstellen, indem Sie diese vielen verschiedenen zur Auswahl haben. Dann haben wir traditionellere Einstellungen wie die Synchronisierung hier, die du steuern kannst. Mehr Funktionen zur Wellenmanglung. Viele Fonds wären damit zufrieden, besonders wenn Sie auch mit der Modulation dieser Funktionen beginnen möchten . Lassen Sie uns hier über die Tonhöhensteuerung sprechen. Also werde ich Snap transponieren, tut mir leid. Was ich also tun kann, ist, wenn ich welche Noten auswähle, wenn Sie bemerken, dass diese Punkte die Tastaturlayouts darstellen oder C, Cis, D, Dis, E usw. Man kann also Vital so einstellen nur bestimmte Tonhöhen festgelegt werden, was sehr praktisch ist, wenn man Arpeggiator-Sounds und so machen will. Die Art und Weise, wie man sich in vital schminkt, ist zwar nicht wirklich eine perfekte Art, Apps zu erstellen, aber hoffentlich werden sie im zukünftigen Update ein Modul als einfachen Arpeggiator-Modus hinzufügen . Aber lassen Sie uns vorerst weiter über Transpose Snap sprechen. Wir können also einfach die Notizen auswählen , an denen das Bild festhalten soll. Jetzt haben Sie einen globalen Snap und einen nicht globalen Snap. Sie werden also feststellen, wenn es mir leid tut, ich das immer wieder abklicken muss, um den Traktorplatz tatsächlich zu bekommen. Äh, tut mir leid, es sieht ein bisschen komisch aus. Aber wenn Sie Global Snap aktivieren, wird jede Note, die wichtig wird, aufgenommen oder die Tonhöhe wird an einer dieser Noten oder einer beliebigen Note angepasst. Wie Sie hören können, spielt es dort offensichtlich viele verschiedene Akkorde, wenn ich es spiele . Aber du kannst es nicht sagen, weil es alle Notizen zu diesen drei Notizen einrastet. Das ist in Ordnung. Lass uns zur Normalität zurückkehren. Wie gesagt, das ist vor allem nützlich, wenn ein LFO mit der Tonhöhe spielt, was wir uns gleich ansehen werden. Als nächstes kommt natürlich der Briefumschlag. Jetzt haben wir uns das schon kurz angeschaut, aber ich werde es einfach noch einmal durchgehen. Für diejenigen unter Ihnen, die sich daran erinnern möchten, dass das Gehen immer mit der Amplitudendynamik zu tun hat. Sie können sich Amplitude und Lautstärke fast als dasselbe vorstellen . Es heißt, es heißt wirklich Amplitude bis es tatsächlich aus Ihren Lautsprechern kommt, dann wird es als Lautstärke bezeichnet. Sagen wir intern, wir ändern die Amplitude des Signals mit Hüllkurve eins. Offensichtlich haben wir den Angriff, wir haben den Decay , der keine Auswirkungen hat, es sei denn, Sie haben das Sustain von 100% gesenkt. Dann kannst du die Dinge mutig machen oder was auch immer. Dann natürlich die Veröffentlichung, also wie lange die Note dauern wird , nachdem die Midi-Note beendet ist. Wie Sie sehen können, sind hier drei Umschläge sichtbar, aber Sie haben tatsächlich mehr als das. Insgesamt gibt es sechs Umschläge, und Sie sehen die anderen drei erst, wenn Sie Umschlag drei für etwas verwenden. Wenn ich also einfach drei emuliere, sagen wir einfach, wir verwenden dies, um die Position der Wellentabelle zu modulieren. Also ziehe ich es einfach rüber und lege es auf die Position der Wellentabelle ab. Und du kannst sehen, wann ich fertig bin, dass der Umschlag jetzt erschienen ist, sie erscheinen immer dann, wenn du mehr Umschläge verbraucht hast. Wenn ich den Umschlag dafür verwende, siehst du Umschlag fünf usw. Das Gleiche gilt für LFOs. Lfos insgesamt. Auch hier steuert das Einstellrad im Grunde die Mischung des Reglers oder wie stark die Hüllkurve die Dynamik tatsächlich beeinflussen wird. Sagen wir, wenn ich es im Grunde Null setze oder so nah wie möglich dran bin, dann wird es überhaupt keine Wirkung haben. Und wenn ich es richtig habe, dann wird es die maximale Tiefe haben. Das Schöne an diesen LFOs ist, dass wir hier diese Steuerung haben, die offensichtlich die Linearität des Attack oder Decay oder was auch immer Sie verwenden, verändert . Das ist besonders toll, wenn du versuchst, wirklich dreckige Bass-Sounds und so zu machen . Du würdest wahrscheinlich modulieren wollen, was ich hier mache. Also die Position des Wellentabels und vielleicht so etwas wie spektrale Morphierung. Sie können also die Hüllkurve verwenden , um eine davon zu modulieren. Und wenn du es auf so einen schnellen Angriff wie diesen hast , funktioniert es wirklich gut für Daddy-Bass-Sounds oder kreischende Leads, solche Dinge. Natürlich können Sie auch das Gegenteil wählen und alle möglichen verrückten modulierten Sound erzeugen. Okay, lassen Sie uns zu den LFOs übergehen und sie sind unglaublich ähnlich. Natürlich können wir das einfach nach oben ziehen, Natürlich können wir das einfach nach oben ziehen um einen bestimmten Parameter zu modulieren. Sag, gut moduliert uns, schalte das ein, um zu sinken. Und ich sage dir was, lass uns einfach ändern, was wir hören. Also werde ich einfach all diese Akkorde in voller Länge machen damit du die LFO-Modulation wirklich hören kannst. Etwas zu intensiv. Also nochmal, wir haben gerade den Mix geändert. Und lass es uns einfach ein bisschen leiser machen, es klingt auch ein bisschen komisch. Mit dem LFO. Wir haben die Zeiten hier, sagen wir, wir können uns ändern. Das ist nur für die Startaufstellung, aber ich zeige es dir, wenn wir das Startfeld eingerichtet haben. Natürlich arbeiten wir normalerweise in 4816 usw. Aber natürlich können Sie sich die Zeiten ausrechnen, die Sie wollen. Und natürlich, wenn du willst, also kannst du das auf etwa drei setzen und diese Art von Laufen und Drillingen haben. Es gibt verschiedene Dinge , die du hier tun kannst. Im Moment haben wir es also offensichtlich wie eine Dreieckswelle aktiviert. Jetzt kannst du dir diese Punkte schnappen und ändern. Du könntest das also eher in eine Sinuswelle verwandeln. Oder du änderst das Muster, in das du zeichnen möchtest, indem du hier klickst und du kannst z.B. Schritt wählen und dann musst du auf den kleinen Pinsel klicken und dann kannst du es tatsächlich einfach in Schritten zeichnen. Oder du kannst etwas anderes wählen, wie runter, was nur eine Rampe nach oben ist. Und natürlich kann man das irgendwie verwechseln. Sie können also einige davon als Schritte wählen, andere als Halbschritte. Sie können alle möglichen Modulationen erzeugen. Hier gibt es auch diesen kleinen Button, diese kleine Funktion, die diese im Grunde alle editierbar macht. Oh, tut mir leid, ich muss meine Zeichenwerkzeuge ausschalten. Wir mussten tatsächlich jeden dieser Punkte ändern. dies jetzt aktiviert ist, kann ich sie dann frei bewegen und die genaue Form ändern. Ich kann auch Punkte hinzufügen. Es wird also viel besser bearbeitbar diese Schaltfläche ausgewählt wird, indem Sie einfach sagen, wenn Sie hier klicken, es gibt absolut jede Menge vorgefertigter LFO-Formen. Sagen wir, alle möglichen Dinge, die dort verwendet werden können, um Funky-Modulation den Oszillatoren eine Funky-Modulation zu geben. Wir haben das als Auslöser, damit du es im Takt sinken lassen kannst. Sie können es durch Envelope, Sustain, Envelope, Loop Point und Loop Hold auslösen lassen. Dann haben wir die Zeiten, auf die Sie es einstellen möchten. Ändern Sie diese einfach nach oben oder unten, klicken Sie einfach und ziehen Sie, um sie zu ändern. Die Glätte rundet im Grunde jede dieser scharfen Kanten ab, wenn Sie möchten. St. bekommt wirklich coole Sounds, besonders wenn du eine Art von Voc verwendest , der Gesangssound gemacht hat, dann haben wir natürlich ein Delay, das den Oszillator nur davon abhält, irgendwie zu wirken. Und Stereo, das den LFO im Grunde zwischen links und rechts aufteilt . Fügt irgendwie eine Verzögerung hinzu. Sie haben also den gleichen LFO, aber er wird auf dem linken und rechten Kanal nur zu unterschiedlichen Zeiten ausgelöst auf dem linken und rechten Kanal nur , je nachdem , wie Sie dieses Wählrad eingestellt haben. Das kann also wirklich nützlich sein, um ein paar schöne modulierte Panned Pads und so zu erstellen ein paar schöne modulierte Panned Pads . In Ordnung, also lass uns weitermachen. Ich habe hier auch einige zufällige LFOs, die ich hier nicht zu sehr eingehen werde. Es ist ziemlich offensichtlich , was sie sind. Zufällige Oszillatoren sagen, anstatt ein sehr vorgegebenes Muster zu haben, wie wir es hier haben, wird es ziemlich zufällig sein. Dann haben wir diese Modulatoren hier. Wenn ich also Töne auswähle, wird dadurch etwas moduliert je nachdem, wie hoch oder tief die Tonhöhe ist. Lass uns einfach den Filter aktivieren. Und ich benutze Note. Also modulierst du das tatsächlich. Du wirst sehen, dass sich der Filter bewegt, wenn wir verschiedene Akkorde spielen. Jetzt gibt es ein Treffen mit sehr geringem Betrag. Lass uns das jetzt einfach aufdrehen. Wie Sie sehen, wird es im Grunde moduliert, je nachdem, wo sich die Noten befinden. Wenn ich also einige sehr tiefe Töne spiele, würde der Filter-Cutoff sehr viel niedriger anzeigen. Und wenn ich hohe Töne spiele, wird der Filter-Cutoff höher. Übrigens, wenn Sie eine Automatisierung entfernen möchten , die Sie hinzugefügt haben, können Sie einfach mit der rechten Maustaste klicken und entfernen oder modulieren. In der Automatisierung ist Geschwindigkeit also im Grunde dasselbe, aber für Geschwindigkeit. Das kann also praktisch sein, wenn Sie versuchen, Instrumente mit natürlichem Klang herzustellen. Wenn ich also z. B. die Geschwindigkeit wieder auf die Filterabschaltung setze , bedeutet das, je leiser Sie die Note treffen, desto niedriger ist der Cutoff. Auf einem Klavier, z. B. wenn man eine Taste richtig stark drückt, hat ich eine sehr hohe Geschwindigkeit, dann klingt der Filter sehr hell. Und in diesem Fall wäre der Filter sehr hoch, wenn Sie eine hohe Geschwindigkeit haben und wenn Sie ihn sehr sanft treffen würden. Offensichtlich würde das Klavier im wirklichen Leben viel sanfter und schwächer klingen , und genau das würde es nachahmen. Wenn Sie also sehr niedrige Tasten drücken, wird der Filter-Cutoff je nach Geschwindigkeit der Noten, die in das Instrument gelangen, verringert . Angenommen, zum Zeitpunkt dieses Tutorials habe ich eigentlich keine Ahnung, was Lift macht, aber das werde ich herausfinden. Ich verspreche es, bevor ich das vollständige Tutorial zu diesen Octavian-Notizen mache. Das ist also im Grunde dasselbe wie Note, aber es löst eine andere Einstellung aus, wenn Sie eine Frequenzweiche in eine andere Oktave verwenden. Du kannst also sagen, Octavia drei sein und nichts wird sich ändern. Aber wenn du zu Octave gehst, dann wird das alles modulieren , woran du es gebunden hast. Druck und Slide haben meiner Meinung nach mit fortschrittlicheren Tastaturen wie dem Roland zu tun . Ist es das mit den Gummitasten, auf dem man von einer Seite zur anderen gehen und auch den Druck ändern kann von einer Seite zur anderen gehen und auch , während es gespielt wird. Es ist also nicht so, dass die Anfangsgeschwindigkeit tatsächlich der Druck ist. Irgendwie, nachdem es getroffen wurde. Sie können mit Ihren Finger auf und ab oszillieren. Das hat also damit zu tun und die Folie auch, glaube ich. Stereo ermöglicht also im Grunde alles, was Sie modulieren möchten , es wird dann zwischen links und rechts aufgeteilt, sagen wir, wenn ich das zum Beispiel auf die Filtersperre lasse, und lass uns das einfach auf Null setzen für Moment. Du kannst jetzt also sehen, wenn ich es ganz normal spiele , aber wenn ich noch etwas hinzufüge, das im Grunde jede Schwingung, die im Stereofeld passiert, trennt . Ich habe also eine Filterabschaltung, deren Frequenz grundsätzlich höher ist , und eine , deren Frequenz niedriger ist. Und alles, was wir mit dieser Diät machen, war nur den Unterschied zwischen ihnen zu ändern. Okay, das ist also in Ordnung. Und dann eine zufällige Sache, das sollte ziemlich offensichtlich sein. Aber jedes Mal, wenn eine Note getroffen wird, sendet sie im Grunde eine zufällige Position oder eine zufällige Information für alles, woran er gebunden war, aus, um sozusagen vorbeizuspielen. Okay, das ist ziemlich cool. Unten haben wir die Standardeinstellungen für die meisten Synthesizer, also die Anzahl der Stimmen. Im Moment haben wir also bis zu acht Stimmen, was bedeutet, dass bis zu acht Tasten gleichzeitig auf der Tastatur gedrückt werden können . Du kannst das nach oben verschieben. Offensichtlich wird es mehr Rechenleistung verbrauchen, wenn Sie das tun. Bend ist einfach die Biegezahl für das Pitch Wheel. Also wenn ich das auf voll drehe, werden es natürlich zwei Halbtöne hoch oder zwei Halbtöne runter sein. Aber das kann ich natürlich ändern. Wie können wir gehen? Wow, das ist ziemlich hoch. 48, sag, das ist ziemlich verrückt. Entschuldigung, lassen Sie uns die Filterabschaltung etwas erhöhen. Wir werden in einer Sekunde über den Filter sprechen. Das ist eigentlich ziemlich nett, es wäre gut für einige Effekte. Eine Kurve mit einem Halbtonbereich von 48 Halbtönen zu haben, das ist ziemlich nett. Der Velocity-Track, den wir bereits erwähnt haben, aber das bedeutet im Grunde genommen, dass, wenn Sie Geschwindigkeitsinformationen mit unterschiedlichen Geschwindigkeitsinformationen in Ihren musikalischen Teilen haben, wenn Sie an der Reihe sind, notieren Sie sich das. Wenn also etwas leise gespielt wird und andere Dinge hart gespielt werden, dann muss die Velocity-Spur aufgedreht sein. Andernfalls werden diese Geschwindigkeitsinformationen ignoriert. Spread bedeutet einfach den Stereo-Spread. Wenn Sie das also leiser gestellt haben, wird alles, was aus diesem Instrument herauskommt , in Mono sein. Oder wenn Sie es vollständig eingeschaltet haben, wird es in richtiger Stereo sein. Und natürlich kannst du das ausgleichen. Angenommen, Sie möchten nicht, dass es Mono ist, aber Sie möchten auch nicht, dass es in Stereo ist, dann können Sie dies verwenden, um zu dann können Sie dies verwenden, um zu verhindern , dass das Gleiten von einer Note zur anderen gleitet. Klingt offensichtlich ein bisschen komisch, wenn es mit solchen Codes gespielt wird. Aber normalerweise hört man, wenn Tennis mit einer Stimme gespielt wird, nur eine Note gleichzeitig gespielt wird. Und natürlich, wenn du die Midi-Noten überlappst, dann gleitet sie natürlich auch von einer Note zur anderen. Sie können diesen Gleitschein auch ändern , was ziemlich nett ist. Die meisten Türen ermöglichen es Ihnen nicht, sie zu ändern, sodass es viel schneller geht. Langsamer. Wenn Sie jedoch zwischen Noten, die sich von überlappen, verbiegen möchten , müssen Sie den Legato-Modus aktiviert haben. Im Moment haben wir keine bekommen, aber es ist gut, wenn Sie so etwas tun wollen , keine Eingabeaufforderungen. Okay, schauen wir uns kurz die Filter genauer an. hier also nicht viel zu sehen, aber du kannst die Filter hier zwischen Hochpass und Tiefpass wechseln , indem du einfach diesen Schieberegler hierher bewegst. Oder natürlich eine Mischung aus beidem. Sie können also eher einen Bandpassfilter mit Resonanz haben , der die Steilheit der Bits verändert, aber auch einem Filter Resonanz verleiht, was eine nette Geste ist. Das macht es nett und einfach. Lassen Sie uns zu dem zurückkehren, was wir hatten eine normale Abschalt-Glide-Off-Resonanz. Wir sollten inzwischen alle wissen, was das bewirkt. Ich habe es auch benutzt, als wir das Pad gemacht haben. Auch hier haben wir einen wichtigen Track. So können Sie den Filter darauf reagieren lassen, wo Sie eine Taste auf der Tastatur drücken. Wenn Sie also die Tasten höher drücken, ist der Filter natürlich vollständig geöffnet. Wenn Sie die Tasten weiter unten drücken, wird der Filter geschlossener. Für diese Notizen. Mix ziemlich selbsterklärend. Das ist, wie viele Effekte Sie wollen, wie stark der Filter das Signal beeinflussen soll. Und dann natürlich fahren. Hier können wir wählen , welche Oszillatoren zum Filter gelangen sollen. Also haben wir offensichtlich zwei Filter. Wir können also den Oszillator 1.2 in beide Filter gehen lassen, sagen wir, es ist nur eine weitere Möglichkeit, die Oszillatoren zu den verschiedenen Filtern weiterzuleiten. Das ist alles. Ist es. Wahrscheinlich einfacher, einfach auszuwählen, welche Felder E1 auf dem Oszillator sind. Aber was auch immer, es ist nur eine andere Art , es zu tun, sag einfach auch nein. Wenn es um das Routing der Oszillatoren geht, können Sie natürlich wählen dass es die Filter durchläuft. B kann es wählen, um die Filter zu umgehen und aufzuräumen und direkt zur Seite Effekte zu gelangen, die wir uns in nur einer Sekunde ansehen werden. Oder Sie können es sogar die Effektseite umgehen lassen und direkt aus dem Synthesizer zum Master gehen . Sagen wir, bevor wir weitermachen und uns eine andere Seite ansehen, schauen wir uns noch ein paar Dinge an. Also über den Sampler werde ich nur ganz kurz sprechen. Also lass uns einfach meinen anderen Oszillator ausschalten. In dem Moment, in dem wir weißes Rauschen haben. Sie können diese beiden also auch auf dem Spielfeld sperren. Und natürlich hast du die normalen Tonhöhenregler , genau wie wir sie mit dem Oszillator haben. Sie können es weiterleiten, um einen zu einem beliebigen Filter zu filtern, genau das Gleiche wie alle anderen, derselbe Pegelregler, Pan-Regler. Diese Steuerelemente hier sagen, wenn ich darauf drücke, bedeutet das, dass es an die Tastatur gebunden ist. Abhängig von den Notizen. Die Tonhöhe wird höher oder niedriger sein. Wenn ich es drauf habe, ist das nur eine Schleife. Es wird also einfach weiter herumlaufen , wie Sie am Abspielkopf sehen können. Also, wenn ich will, kann ich es von Anfang bis Ende haben. Ich bin mir nicht sicher, wie der technische Name für diesen Controller lautet, aber wenn ich ihn drücke, wird er im Grunde in eine Richtung und dann umgekehrt abgespielt. Sehr schwierig hier mit weißem Rauschen zu ordnen. Also werde ich nur als Beispiel ein Beispiel aus der Beispielbibliothek ziehen . Das ist alles, was das ist. Es ist also fast fertig, ich werde nur ein Beispiel hineinziehen. So einfach ist es, etwas von der Tür hereinzuziehen . es einfach buchstäblich per Drag & Drop. Und wenn ich es dann spiele, tut mir leid, es ist ein bisschen ruhig. Drehen wir das ein bisschen auf. Sie sehen, das zahlt sich einfach vorwärts und rückwärts aus. Das ist es also, was diese Funktion macht. Und dann haben wir das Zufallsprinzip. Das wird also einfach von einer zufälligen Startposition aus abgespielt. Das kann für manche Dinge gut sein, nicht für ein mutiges Geräusch, was bedeutet, dass es einige Bereiche davon gibt , die überhaupt keine Amplitude haben. Aber wenn wir so etwas verwenden, was auch immer Barts Sound ist oder du siehst, dass es einfach an einer zufälligen Position beginnt. Okay, das sind die letzten paar Dinge, er hat Makrosteuerungen. Sie können also wählen, mehrere verschiedene Dinge unter einer Kontrolle zu kontrollieren. Sagen Sie, ob Sie LFO 123.4 steuern möchten, wie die verschiedenen Parameter. Oder Sie wollten eine manuelle Steuerung haben, zum Beispiel für die Position des Wave-Tisches und den Unisono und das Waschbecken. Sie können dies grundsätzlich auf jedem dieser Steuerelemente löschen dies grundsätzlich auf jedem dieser und so viele ausführen, wie Sie möchten. Dann gibt es eine Steuerung , die alle gleichzeitig ändert. Es ist einfach praktisch, anstatt tolle 83 oder vier oder was auch immer verschiedene Steuerelemente gleichzeitig verwenden zu müssen tolle 83 oder vier oder was auch immer verschiedene Steuerelemente gleichzeitig , Sie leiten das Makro einfach an diese Steuerelemente weiter und dann können Sie einfach modulieren oder automatisieren. dieser eine Controller. Ordnung, also lass uns einfach gehen und uns die Effektseite ansehen. Ich möchte nicht zu lange damit verbringen , weil das alles ziemlich normale Auswirkungen von Anfällen sind. Aktiviere sie, indem du die kleinen Punkte umschaltest. Das ist ziemlich selbsterklärend. Auch hier werde ich nicht auf alle Details eingehen wie Chorus funktioniert und was für Dinge. Wir werden in einem anderen Tutorial näher darauf eingehen, aber das ist hier wirklich nicht notwendig. Und einige dieser Effekte haben wir sowieso schon angesprochen , also möchte ich nicht zu lange damit verbringen. Schauen wir uns also einfach die Matrix an. Also deaktiviere das vorerst, lass uns zur Matrix gehen. Die Matrix zeigt uns also im Grunde jedes Routing, das wir in unserem Sinne eingerichtet haben, zum Beispiel, wenn wir den Makro-T-Shirt-Controllern zugewiesen , die dann hier erscheinen , werden offensichtlich Envelope drei verwendet und LFA-1, um auch etwas zu modulieren. Sobald Sie das eingerichtet haben, erscheinen diese in der Modulationsmatrix und Sie können den Betrag ändern. Das ist also nur, wenn man sich die Kontrolle hier anschaut, genauso wie buchstäblich zu ergreifen und sie buchstäblich zu ergreifen und zu ändern. Nur ein anderer Weg, es zu tun. Sie können auch ein anderes Ziel oder eine andere Modulationsquelle wählen . Dazu können Sie auch Bipolar wählen, was im Grunde nur die Richtung der Modulation umschaltet . Und dann die Stereoanlage , die im Grunde das tut, worüber wir hier gesprochen haben, wo wir Stereo hinzugefügt haben. Es fügt also nur Stereotyp hinzu, diese Modulation. Es wird also nur die Modulation von links nach rechts ausgleichen. Und dann der Morph, der nur die Geschwindigkeit oder Geschwindigkeit steuert die Geschwindigkeit oder Geschwindigkeit der der Effekt stattfindet. Dann haben wir den Tab Erweitert , auf den ich, um ganz ehrlich zu sein , hier nicht näher eingehen werde. Ein Grund dafür ist , dass das wahrscheinlich ein bisschen zu weit ist, um einen sehr einfachen Überblick zu haben. Und außerdem hatte ich noch nicht wirklich Gelegenheit, mich vollständig mit dieser Seite zu befassen. Das wird also kommen. Wir werden dazu noch einmal ein Tutorial haben, das völlig kostenlos auf YouTube verfügbar sein wird, viel ausführlicher. Achten Sie also auf jeden Fall darauf, wenn es landet. Und das ist der grundlegendste Überblick über das Vitalglück als Acht. In der nächsten Lektion werden wir einen Base-Overlay-Sound mit etwas LFO-Modulation erzeugen. Also machen wir das dann. Vielen Dank , dass du Jungs und Mädchen im nächsten Video zugesehen hast. 15. BTP Ambient Chill Lektion 14 modulierte Bass: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion möchte ich Ihnen eine alternative Grundlinie geben. Wenn dir das jetzt in diesem Track gefällt, denke ich sogar, dass die aktuelle Grundlinie, die wir spielen müssen , wirklich zu dem Track passt weil sie nett und minimal ist. Es nimmt den anderen Teilen der Strecke nicht wirklich etwas weg. Es fügt einfach diese nette, warme Art von Unterbasis hinzu. Aber wie ich bereits erwähnt habe, kann man an vielen verschiedenen Stellen des Produktionsprozesses viele, viele verschiedene Richtungen einschlagen. Also zum Beispiel, wenn du eine Grundlinie mit etwas mehr Bewegung willst oder ein bisschen grobkörniger. Das werden wir uns jetzt ansehen. Und vielleicht ist in den späteren Abschnitten die Hälfte des Tracks vorbei und in diesem Abschnitt möchte E vielleicht das Pad wegwerfen und einfach in einen eher auf Schlagzeug orientierten, baseline-schweren Track übergehen in einen eher auf Schlagzeug orientierten, , was absolut in Ordnung ist. Ich meine, du könntest sogar Drum and Bass spielen. Ich bin in einem Tempo, das dafür ziemlich perfekt ist. Es gibt also so viele verschiedene Wege, die Sie gehen können, aber alles, was ich hier tun möchte, ist, Ihnen eine Art weitere Option für die Grundlinie zu geben . Es muss also ziemlich einfach sein. Wir werden nicht zu verrückt werden. Ich werde einfach meinen aktuellen Basisplan duplizieren , weil ich eine Originalkopie davon behalten möchte . Und dann verwenden wir dieses Duplikat und fangen an, herumzuspielen. Ich werde das Pad auch einfach stummschalten. Ich habe also nur den Beat und die Baseline gespielt. Okay, wir verwenden also den gleichen Patch, den wir bereits haben. Also fangen wir mit unseren Grundformen an, weil es einen schönen Subbass-Part hat. Sag Happy Days. Eine sehr einfache Möglichkeit, dem etwas Rhythmus hinzuzufügen, besteht darin , den Pegel, die Lautstärke oder technisch gesehen die Amplitude mithilfe eines LFO zu modulieren . Das machen wir also mit diesen LFA-1. Und ich werde das einfach auf das Level ziehen. Wenn ich es jetzt spiele, macht es im Moment nicht wirklich viel. Also zwei Gründe dafür. Erstens muss ich sehen, wie die Effektivität dieses Oszillators irgendwie erhöht wird. Und dann muss ich auch das Level runterdrehen. Wenn es abgespielt wird, kann man hören, wie der Oszillator tatsächlich irgendwelche Auswirkungen auf die Amplitude hat. Also werde ich es einfach spielen und wir schauen ein paar der Werks-LFOs an. Also Voreinstellungen. Sie könnten das tatsächlich zum Laufen bringen, wenn es so eine abgehackte Grundlinie ist, die tatsächlich ganz gut funktionieren könnte. Ich glaube nicht, dass er diesen Track wirklich besonders sehen wird , aber es kann nur gesagt werden. Also so etwas. Nervöser Groove, das ist ein guter Ausgangspunkt, würde ich sagen. Und wir wollen das nur ändern . Also können wir das ändern. Wir müssen nur sicherstellen , dass dies ausgewählt ist. Wir haben also mehr Kontrollpunkte und dann können wir beginnen tatsächlich Füße hinzuzufügen, indem wir auf weitere Punkte doppelklicken. Ich werde es einfach etwas weniger wackelig machen. Das lässt uns vielleicht auch die Geschwindigkeit ändern. Sparen wir also 1 Bar. Natürlich kannst du in jede Richtung gehen. Du willst einen beliebigen Rhythmus wählen. Es liegt ganz bei dir. Wir werden vorerst dabei bleiben. Das ist in Ordnung. Gib ihm einfach ein bisschen Rhythmus und das ist eine nette, einfache Möglichkeit, einen gewissen Rhythmus in deinen Track zu bringen gewissen Rhythmus , wenn du das willst. Lass uns einen weiteren Oszillator hinzufügen, das ist das. Also lasst uns einfach oszilliert zu aktivieren. Im Moment haben wir das Routing natürlich nicht eingerichtet. Wir wollen also auch, dass der Pegel von Oszillator 2 durch LFA-1 beeinflusst wird. Also klicken wir darauf und ziehen es auf den Oszillator auf Level , um auch die Tonhöhe auf 24 einzustellen. Es ist also ein passender Oszillator was ich gerade durchgehen werde. Versuchen wir zu finden, dass einige etwas anders sind. Denkt daran, dass wir auch das Level runterdrehen müssen. Und die Effektivität steigt. Für oszillierte, um zu sagen, dass diese Gates auf der Effektseite angezeigt weil wir das Preset dupliziert haben. Wir haben da einen hohen Preis , den du nicht wirklich wolltest. Lassen Sie uns das einfach in ein hohes Regal verwandeln und es einfach normalisieren. Also Kosovo-Bytes, das ist eine Wave-Tabelle , die nicht in den Werksvoreinstellungen enthalten ist. Es klingt also nett, muss ich zugeben, also werde ich vielleicht darauf zurückkommen, aber lassen Sie uns vorerst einfach zu den Werkseinstellungen gehen . Versuche etwas zu finden, das vielleicht zu der Strecke passt. Grundformen. Nur eine Rechteckwelle und ich möchte das etwas mehr modulieren. Also lass uns etwas anderes wählen. Bleiben wir vorerst dabei. Das klingt nach Kuchen. Was ich also mit dem zweiten Oszillator machen möchte , ist Position der Wellentabelle zu modulieren, aber mit einer anderen Geschwindigkeit aber mit einer anderen Geschwindigkeit als das, was mit dem Level passiert. Es wird sich also im Laufe der Zeit unterschiedlich schnell ändern. Also, was werden wir dafür tun, wenn wir uns den LFO schnappen, und wir werden ihn auf die Position des Wavetables fallen lassen. Lass uns das einfach spielen. Es klingt also absolut schrecklich. Sag, lass uns das einfach durch etwas anderes ändern. Das klingt eigentlich gar nicht so schlecht. Der springende Punkt ist nur, Ihnen eine andere Art zu geben , eine Grundlinie zu modulieren damit Sie etwas anderes machen können. Nun, all diese werkseitig voreingestellten Wave-Tabellen, sie sind okay, aber sie sind nicht gerade beeindruckend. Sie bekommen also viel bessere, wenn Sie tatsächlich für Vital bezahlen. Aber vergiss nicht, dass du in Survival tatsächlich jede Wave-Tabelle laden kannst . Sie können sie buchstäblich einfach per Drag & Drop hineinziehen. Wenn du also ein Wavetable-Paket herunterlädst, kannst du es buchstäblich einfach in Survival fallen lassen. Wenn Sie es dann sehen möchten, können Sie die Wave-Tabelle natürlich auch speichern, damit Sie sie erneut verwenden können. Sie mussten es nicht jedes Mal, wenn Sie es verwenden möchten, z. B. in einem anderen Projekt , immer wieder hineinziehen jedes Mal, wenn Sie es verwenden möchten, z. B. in einem anderen Projekt , . Aber natürlich möchte ich nur das Factory-Zeug verwenden , weil das mit der kostenlosen Stimme oder dem Instrument geliefert wird. Ein Board, das wir haben, entspricht irgendwo dem, worüber ich nachgedacht habe. Es ist also nur ein bisschen anders, ist ein bisschen düsterer. Will wahrscheinlich. Sie haben also tatsächlich wieder etwas von diesem hohen Regal. Sagen wir so etwas, das wir verwenden könnten, und natürlich könnten wir auch einen anderen LFO-Pass verwenden und nicht nur ein gerades Dreieck auf und ab. Sie haben also die Idee, Sie können hier in viele verschiedene Richtungen gehen. Okay, also habe ich nur ein bisschen herumgespielt, einfach die Modulationseinstellungen des LFO geändert. Sie würden also ein anderes Muster verwenden, das auch in der Factory Bank Post Serie enthalten ist. Und ich habe auch den Zeitpunkt geändert. Es ist also 2 bar lang. Es ist also ein bisschen langsamer, ein bisschen methodischer. Und wahrscheinlich können wir auch die Effektivität davon ändern . Sie haben also die Idee, wir können alle möglichen Dinge wie diese machen. Wir könnten dem auch ein bisschen Einigkeit verleihen. Du bekommst also einen anderen Sound , also los geht's. Hier geht es wieder nur darum, Ihnen zu zeigen, dass Sie etwas anderes machen können, wenn Sie möchten. Sie mussten also keine 3D-Flugzeug-Baseline verwenden. Und dies ist eine einfache Möglichkeit, LFOs zu verwenden , um ein bisschen Rhythmus in Ihre Grundlinie zu bringen. Oder es könnte Lead-Sound oder Pad oder was auch immer sein und deinem Track eine, es ist mehr Bewegung verleihen . Aber ich werde das nicht wirklich im Haupttrack verwenden. Wie ich bereits erwähnt habe, bevorzuge ich definitiv diesen speziellen Track mit nur der Standard-Baseline. Es nimmt dem Rest der Strecke nichts weg. Es fügt nur hinzu, dass Untermenüs wärmer werden. Es ist also irgendwie perfekt so wie es ist. Aber wenn Sie zu Beginn einen stärker modulierten Choppy verwenden möchten , entscheiden Sie sich einfach dafür. Okay, vielen Dank, dass du Jungs und Mädels beim nächsten Mal zugesehen hast. 16. BTP Ambient Chill Lektion 15 Adagio String FX: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, also in dieser und der nächsten Lektion werden wir den Tracks nur ein bisschen mehr Inhalt hinzufügen . Nur ein paar Dinge, die ich tun möchte. Zuerst wird einer von ihnen diesen kleinen Middy gegen diesen tauschen, nur weil ich die Triplett-Füllung vom Hut habe und der falsche Ort dafür ist, wo er eigentlich sein will, er, will eigentlich führend in SBAR 45. Aber wir fügen einem Triplett-Muster auch einen Kick oder so hinzu. Wir haben im Moment also 16. Drillinge, also das ist in Ordnung. Nur zum Akzentuieren da, das Hatfield. Fügt da nur eine nette Art von Sprung hinzu. Also das ist nett. Und lassen Sie uns das nächste Bit hinzufügen. Also nochmal, wir gehen in nur ein paar Lektionen viel detaillierter auf die Songstruktur ein. Aber natürlich wollen wir die Dinge in jedem Abschnitt interessant und ansprechend halten . Jetzt startet er in der ersten Hälfte der Strecke sehr behutsam . Und dann gehen wir natürlich zu Schlagzeug und Bass über. Und gerade in diesem zweiten Teil möchte ich das ein bisschen interessanter machen, als nur die Adagio-Saiten reinkommen zu lassen. Vorher habe ich tatsächlich den Teil hinzugefügt, den wir machen werden. Ich möchte nur ganz kurz darüber sprechen , wie es dazu kam. Da wir uns Songs immer und immer wieder anhören , meine ich, das machen wir natürlich und immer wieder anhören , nicht im Tutorial, es wird ziemlich langweilig. Aber wenn du selbst daran arbeitest, hörst du es dir immer wieder an. Und du fängst an, hier Stellen zu sehen, an denen du vielleicht eine Füllung oder was auch immer haben möchtest. Und einer dieser Momente war da. Ich könnte mir einfach vorstellen, dass etwas als Füllung reinkommt , nur zu einer Art einmaliger Sound, woran ich zu der Zeit gedacht habe. Sag hier etwas. Etwas in der Art. Kehren wir zum Timing ohne Triplett zurück. Also ja, was es getan hat, war einfach ein bisschen Midi reingesteckt und einfach angefangen mit verschiedenen Sounds zu experimentieren. Wir gehen zu den Arbeitsdateien und wollen die Adagio-String-Effekte in C. Diese kleine nette. Ich füge das einfach zu einem Sampler hinzu. Und lass uns einfach ein leeres Stück Midi einzeichnen und darauf eingehen. Und das ist zugehört zu haben. Wir wollen, dass buchstäblich hier anfangen, wo wir die Playhead-Sets hatten. Hören wir uns einfach an, welche Notiz wir sehen wollen. Also, tut mir leid, mach das zuerst etwas leiser, weil es ein bisschen laut ist. Und dann machen wir uns einfach Notizen. Also lass uns einfach mal reinhören. Jetzt viel zu leise, da der Mieter ein bisschen zurückgezogen ist. Das war also quasi die Idee, die ich ursprünglich hatte, dass ich diesen Sound als Füllung haben wollte. Aber dann, als ich es mir anhörte, konnte ich mir vorstellen, dass das tatsächlich andere Töne weiter unten abspielt. Also ein paar Dinge, die wir zuerst tun müssen, ist, nur einen sehr kurzen Teil des Samples abzuspielen. Und das ist eigentlich eine sehr lange Stichprobe. Wenn wir zum Sampler-Track gehen und ihn abspielen, möchte ich, dass ein bisschen mehr davon herauskommt. Also können wir die Notizen natürlich einfach länger machen. Aber wir können es auch im Sampler machen, wenn du sagen willst , ob wir in den Amp-Modus gehen und den Release-Write-Writer einfach etwas länger drehen . Also lass uns das einfach länger machen. Angenommen, du würdest es einfach verlängern, bis es genau hier ist , als ob ein anderer ihre Waffe getroffen hat. Also lass uns das finden. Tut mir leid, B Flats. Sag mal, lass mich das einfach von etwas weiter hinten spielen. Entschuldigen Sie, dass mein schrecklicher äußerer Schlüssel da summt. Ja, genau das war es, was ich gekommen bin, ein G. Also können wir das wieder auf der Note spielen lassen, aber ich möchte das Timing etwas anders gestalten , also ist es einfach nicht immer wirklich reglementiert. Also werde ich dieses Auslösen einfach etwas später haben als das, was es deiner Meinung nach sein sollte , oder später schlagen als das, was es beim letzten Mal war , ich erinnere mich auch. Der erste Treffer ist ein Beat Early , der ist im Takt und dieser wird ein bisschen spät sein. Es fügt also nur ein bisschen Abwechslung hinzu. Du musst das nicht tun. Sie können einen beliebigen Zeitpunkt wählen, zu dem Sie lesen möchten. Mir gefällt, wie das klingt. Mir, um diese Seite hinzuzufügen. Ja, was war der letzte Treffer hier? Ich denke, das wird gleich wieder runter gehen um zu sehen, sagen wir mal, lass uns das einfach einzeichnen. Ja, das klingt richtig. Also hören wir uns das Ganze jetzt noch einmal an. Es ist ein bisschen laut. Es ist, als ob sie ziemlich anständig geklungen haben, Oregon. Und ich werde dem auch einfach ein bisschen Hall hinzufügen . Also ich will einfach diesen schönen und tiefen Klang und das wird definitiv helfen, ihn irgendwie mit dem Rest des Tracks zu verbinden. Hübsch. Ja, das klang perfekt oder mir geht es absolut gut. Zurück zum Sampler-Track, wir ändern die Tonhöhe hier ziemlich stark. Die Länge der Stichprobe würde sich also ändern, wenn wir beispielsweise solche erweiterten Noten verwenden würden . Aber weil wir es nicht sind und wir nur die Version des Samplers verwenden , um die Länge der Noten zu definieren , vermeiden wir im Grunde das Problem, dass diese Noten absteigen, wie offensichtlich im Sampler sind sie von Natur aus Pitchdown, was bedeutet, dass sie auch länger werden, der Film ihre Tonhöhe nach unten. Wir vermeiden also das Problem , dass das nächste länger wird. Auch hier könntest du Audio Warp verwenden, du könntest das einschalten. Und dann werden die Notizen einfach automatisch exakt auf derselben Länge gehalten, aber dafür einfach den Release zu verwenden, anstatt lange Notizen zu verwenden, ist eine bessere Möglichkeit, dies zu tun. In Ordnung, also eine nette, einfache. Das war's für diese Lektion. In der nächsten Lektion werden wir eine Art Vokalsaitenebene hinzufügen . Vielen Dank, dass Sie gesehen haben, wie sich Jungs und Frauen im nächsten Video sehen. 17. BTP Ambient Chill Lektion 16 Vocal: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion wird es also sehr schnell gehen. Wir fügen einfach eine Art Vokalsaitenschicht kühlen sie als Vokalsaitenschicht ab, auch wenn es nicht wirklich eine Saite ist, nur weil es eine konstante Note sein wird auch wenn es nicht wirklich eine Saite ist, nur weil es eine konstante Note sein wird und nicht wirklich stimmbereit? Es ist also nur eine Art von Sound, gesungen von Acquire oder was auch immer. Und wir werden es einfach als eine konstante Note haben , zurück zu ein bisschen Songstruktur. Und das heißt, wir wollen wirklich, dass die Dinge interessant bleiben und sich weiterentwickeln, während wir sie durchmachen. Konzentrieren wir uns vorerst auf die erste Hälfte der Strecke. In der zweiten Hälfte der ersten Hälfte haben wir das Klavier, aber wir haben in der Mitte nicht wirklich etwas verändert. Also brauchen wir wirklich etwas an der 8-Balke. Das sind also 8 bar von da nach da. Wir müssen hier etwas hinzufügen. Und um das zu tun, fügen wir einfach eine Gesangssaite hinzu und sagen, lass mich das hineinlegen und dann kannst du hören, wie das ist, und wir werden es ein bisschen genauer besprechen. Lass uns herausfinden, wo wir sind. Also los geht's. Weiblicher Gesang in C. Okay, also fügen wir das einfach zu einem Sampler-Track hinzu. Und lass uns einfach das n ziehen. Also gehen wir direkt zum Ende der ersten Halbzeit. Also doch richtig. Also wo die Pads und dreh es einfach ein bisschen runter, um damit anzufangen. Und lass uns unsere Midi-Note einzeichnen. Wir wollen also, dass es in C ist , weil die Tropen sehen können. Lass es uns einfach von etwas weiter hinten spielen. Versuchen wir es eine Oktave höher. Also einfach das hochziehen und die meisten Türen nicht speichern, es ist Shift und drücken Sie die Aufwärts- oder Abwärtspfeile, um sie nach oben zu bewegen. Eine Oktave mag anders sein als deine, aber ich denke, das ist ziemlich üblich. Lass es uns so versuchen. Ich mag es natürlich, dass die hohen Töne etwas laut sind, und wir müssen dem etwas Nachhall hinzufügen. Ich denke, lass uns ziemlich viel Hall geben. Und lass es uns ein bisschen leiser stellen. Um die richtige Lautstärke zu bekommen. Wir wollen es von etwas weiter hinten spielen, damit wir das Level genauer einschätzen können , wenn es reinkommt. Also, was es hier tun will, ist ihm einen kleinen Vorsprung zu geben. Also könnten wir dafür den Amp Envelope verwenden. Ich kann das ganz einfach im QA-Sampler machen , indem ich mir das schnappe, was wie ein weiterer Umschlag ist. Lass uns einfach nein sagen, das hast du vielleicht nicht. Also werden wir in diesem Fall einfach den Amp Envelope verwenden. Nur damit ihr , die nicht dieselbe Funktion haben, dasselbe tun könnt. Es macht also sowieso im Grunde dasselbe. Das muss etwas länger dauern. Das ist schon perfekt. Ich will nur eine sanfte Einführung. Nicht so, dass ein plötzlicher Start der weiblichen Stimme vielleicht etwas vielleicht etwas plötzlicher ist als ein bisschen zu langsam. Ich würde sagen, das ist genau richtig. Das Level ist nicht schlecht. Vielleicht möchten wir das Geld nur um einen Bruchteil optimieren, um wow zu machen , wir wollten nicht wirklich, dass es irgendeines der anderen Elemente beeinträchtigt. Wir möchten nur, dass es ihnen ein Kompliment macht, darunter zu sitzen, aber es möchte auch gleichzeitig auffällig sein. Okay, das klingt also nach Rechten. Lassen Sie uns das jetzt einfach kopieren. Es ist also auch das Ende der zweiten Hälfte der Strecke. Also werde ich das einfach kopieren. Okay, tut mir leid, schieb das einfach auf die falsche Spur. Lassen Sie uns bei weiblicher Stimme den Überblick verlieren. Wie Sie sehen können, spielt es einen konstanten Ton. Das ist eine Technik, die in vielen verschiedenen Genres sehr häufig verwendet wird . Nicht nur Ambient, sondern es wird verwendet, ich denke, ziemlich viel in Ambient. Plötzlich höre ich viel in den Titeln, die ich gehört habe. Und es ist nur eine Möglichkeit, deinem Mix etwas anderes hinzuzufügen , ein bisschen Abwechslung. Und es fügt sich irgendwie hinzu, wenn man eine höhere weibliche Stimme hat, oh, so, es neigt dazu, ihr auch einen Energieschub zu verleihen. In Ordnung, das ist es also. Dazu war nichts mehr erforderlich. Natürlich können wir dem eine endgültige Balance geben, wenn wir zur Mixing-Phase kommen, aber es ist ziemlich normal. Ich würde sagen. Das war's für diese Lektion. Vielen Dank, dass Sie Jungs und Mädchen im nächsten Video gesehen haben. 18. BTP Ambient Chill Lektion 17 Songstruktur: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, also wie bereits im Tutorial erwähnt, werden wir die Mikro- und Makroenergien dieses Tracks analysieren die Mikro- und Makroenergien dieses Tracks , damit wir besser verstehen können, wie wir das in anderen Tracks reproduzieren können machen. Um es mit einer Metapher Ein guter Song sollte wie eine gute Politik sein. Es fängt irgendwie sanft an, die Leute reden, trinken, lockern sich. Allmählich wird die Musik lauter, Leute betrinken sich, die Leute fangen an zu tanzen. Vielleicht machst du eine Pause, um etwas zu essen, mehr zu trinken, und dann tanzt du wieder und hast dein Leben lang Spaß, und dann ist es vorbei. Und eine gute Politik endet immer mit dem Gedanken, ich will mehr. Und es endet nicht zu früh, weil es nur wie eine Party war , die 5 Minuten dauerte. Es ging zu früh zu Ende , weil du so viel Spaß hattest und einfach nicht wolltest, dass es endet. Du möchtest, dass dein Track mit Leuten endet, die mehr wollen, als ob sie einfach nicht genug davon bekommen könnten. Nun, das wird offensichtlich auf einer gewissen Ebene sein , sehr subjektiv zwischen Personen. Manche Leute lieben einige Songs und andere Leute hassen diese Songs, also kannst du es nicht allen recht machen. Aber wenn man das beiseite lässt, kommt es wirklich auf Spannung und Entspannung auf Mikro - und Makroebene an. In den früheren Lektionen habe ich darüber gesprochen, wie man eine Akkordfolge löst, die mit vier oder fünf Akkorden endet die mit vier oder fünf Akkorden und dann zu dem einen Akkord zurückkehrt. Und das gibt ihm die Akkordfolge, ein Gefühl der Auflösung oder Vollendung. Das ist schon eine Anwendung von Spannung und Entspannung auf der Mikroebene, es funktioniert irgendwie so. Je länger du von dem einen Akkord entfernt bist, desto größer wird diese Spannung, und je länger diese Spannung anhält, desto größer ist die Befreiung, die sich anfühlt, wenn sie wieder zu dem einen Akkord zurückkehrt. Wenn Sie sich jedoch zu lange von dem einen Akkord fernhalten, bricht diese Spannung irgendwie zusammen. Und diese Spannung wird nicht gelöst, sondern in andere Emotionen umgewandelt. Und das ist normalerweise ein Gefühl wie Angst oder Unbehagen oder Unwohlsein im Flugzeug, was ein Trick ist, der in Horrorfilmen verwendet wird, um z. B. ein Gefühl von Krankheit und Angst zu fördern. Es wird alles durch die Musik gemacht vieles davon wurde durch die Musik gemacht mit wirklich dissonanten Akkorden, die sich nie aufgelöst haben. Es gibt also immer ein Gefühl von Spannung, aber es wird nie gelöst. In der Musik ist es super wichtig, dass man die Spannung mit dem Auslösen immer ausbalancieren muss. Für mich ist das nur meine persönliche Meinung. Bereit? Aber die längste Akkordfolge, die verwendet werden sollte, ist wirklich wie eine Acht-Takt-Akkordfolge. Also eine, die so lang ist. Nun, in diesem Fall ist das etwas anders. Dies entspricht eher einer Akkordfolge mit vier Takten da sie nach 4 Takten wieder zum einen Akkord zurückkehrt. Also könnten wir hier z.B. einen anderen Akkord anstelle des einen Akkords haben. Und es ist immer noch okay weil es sich nach 8 Takten immer noch von den vier Akkorden wieder zu einem Akkord auflösen wird . Das wird funktionieren, aber ich persönlich würde nicht länger gehen, wie eine 16-taktige Akkordfolge, bei der es nicht wirklich zu einem Akkord zurückgeht, meiner Meinung nach wäre das zu viel. Es ist einfach zu viel Spannung und zu wenig Entspannung, also ist das Gleichgewicht aus dem Gleichgewicht geraten. Aber das ist offensichtlich etwas , das nur Experimentieren ist. Du bist so voll, dass ein Licht an scheint. diese Weise erzeugen wir mit der Melodie Spannung und Entspannung auf der Mikroskala. Übrigens, das ist immer noch der Fall, wenn Sie keine Akkorde verwenden, aber Sie haben zum Beispiel eine Grundlinie, die sich alle zwei oder vier Takte wiederholt also gibt es verschiedene Möglichkeiten, diese Spannung zu erzeugen und Veröffentlichung und Tracks. Es muss keine Akkordfolge sein oder eine Akkordfolge ist eine großartige Möglichkeit, dies zu tun. Außerdem Dinge wie härtere Tanzstile. Die Spannung und Entspannung ist viel stärker auf der Makroskala fokussiert, je größer. Also die Spannung im Laufe Zeit und die Pannen und Aufbauabschnitte und dann volle Energie in den Drop- oder Kernabschnitten aufbauen. gibt es immer noch Spannung und Releases In diesen Tracks gibt es immer noch Spannung und Releases auf kleinerem Maßstab, aber ausgewogen geht der Wechsel dahin, dass es viel mehr um die Makroskala als um die Mikroskala geht. Es kommt einfach auf eine etwas andere Art zustande als eher melodische Tracks. Ich gehe hier auf eine kleine Tangente ein. Aber wenn du wirklich mehr wissen willst als auf jeden Fall schau dir die Songstructure Masterclass an, richtig, also um Spannung und Entspannung am Mikroskop zusammenzufassen , manchmal alle 4 Takte und besonders alle 8 bar und 16 bar haben wir einen Spannungszyklus und lösen uns dann von dieser Spannung. Und was bringt das? Das bedeutet, dass in Ihren Tracks immer dieser konstante Unterton von Push and Pull zu hören ist in Ihren Tracks immer dieser konstante Unterton von Push and Pull , der den Hörer auf bewusster Ebene und auf einer bestimmten Ebene beschäftigt , ob er es bemerkt oder nicht bewusster Ebene und auf einer bestimmten Ebene , ob er es bemerkt oder nicht. es ist eine ziemlich hypnotische Sache. Und deshalb ist es wirklich wichtig, an dieser Akkordfolge zu arbeiten und Dinge wie siebte Akkorde oder geliehene Akkorde und Su-Akkorde und solche Dinge zu verwenden siebte Akkorde oder geliehene Akkorde , um sie irgendwie zu betonen das Drücken und Ziehen der Akkordfolge. Dann gilt auf der größeren Skala, der Makroskala, dasselbe, aber offensichtlich auf einer größeren Skala. Also, wenn wir sagen, konzentrieren wir uns einfach auf die erste Hälfte dieses Tracks. Gerade bis zu dem Punkt, an dem unsere 32-Takt-Akkordfolge endet, können wir sehen, dass am Ende jeder Acht-Takt-Akkordfolge, sobald sie sich aufgelöst hat, ein neues Herz hinzugefügt wird. Also offensichtlich sind es zuerst die Adagio-Saiten in C, dann ist es das Klavier und dann der weibliche Gesang. Sagen wir, jedes Mal, wenn es sich vornimmt, ein bisschen zurückzugehen, beginnt es sehr sanft, aber die Acht-Takt-Akkordfolge baut irgendwie Energie auf, und dann wird es wieder zu einer Wiederholung der Akkordfolge, aber auch als Ergänzung. Sie können das also so sehen jeder Abschnitt mit acht Takten hier wie ein Aufbau zum nächsten Abschnitt ist . Die Energie baut sich also im Laufe der Zeit allmählich auf. Und so haben wir ein Crescendo. Ich habe so ziemlich viel von dieser Energie und dann wird sie zu so ziemlich nichts führen. Und jetzt wird das etwas deutlicher , wenn wir dem Track mehr Spezialeffekte und ähnliches hinzufügen . Das ist im Grunde das, was hier passiert. Die ganze Energie baut sich auf und dann geht sie fast zu nichts. Und dann fangen wir natürlich wieder an, aber mit einer anderen Energie. Jetzt werde ich einfach einzeichnen, wie das aussieht. Es ist also eine gute Möglichkeit, den Energiefluss von Attraktion zu visualisieren . Wir beginnen also offensichtlich mit sehr geringem Energieverbrauch. Hier unten. In der ersten Acht-Takt-Progression baut es sich etwas auf. Dann als sanfte Zugabe von Energie mit dem Adagio für Streicher. Und wieder, diese Art baut sich sehr allmählich auf, weil es dieselbe Entwicklung ist. Und wieder fügen wir das Klavier hinzu, ich sage, dieser ganze Abschnitt nimmt sehr leicht an Energie zu. Und wieder getroffen, es baut wieder Energie auf. Und dann haben wir einen kompletten Energieverlust fast zu nichts. Und dann gehen wir wieder rein, aber wir gehen wieder mit Schlagzeug und Bass rein, also ist die Energie etwas höher. Und dann wieder passiert das Gleiche. Also bauen wir nach und nach Energie auf. Also beenden wir den Track und dann werden wir sehen es einen kompletten Rückfall ins Nichts gibt. Das ist die grundlegende Energiestruktur der Strecke. Und das ist eine gute Möglichkeit , Dinge zu visualisieren. Lass mich das einfach loswerden und ich werde einzeichnen welche Art von typischeren Pop-Arrangements, eine Art von Energie , die sich in der Strophe aufbaut, dann geht sie in den Refrain und du hast ein nettes bisschen Energie. Es gibt ein bisschen mehr davon. Fällt runter. Du kommst zurück zu der Strophe, die Energie erzeugt, und dann gehst du in den Refrain. Es ist also so etwas. Es ist wie dieses Auf und Ab, das Sie hier sehen können , das so lange andauert, bis die Strecke endet. Soares, eine schreckliche Zeichnung. Aber du verstehst die Idee. Es geht hoch, es geht runter, es geht hoch, es geht runter. Es ist all dieses Drücken und Ziehen, das den Hörer mit Ihrem Track beschäftigt. Offensichtlich ist dieser Ambient-Track ein bisschen anders, aber er hat immer noch diesen Effekt. Es baut in der ersten Hälfte einfach Energie auf. Dann fällt es ab und dann geht es in mehr Energie über und dann baut es sich wieder auf. Es gibt also ein Auf und Ab, das ist nur ein bisschen anders. Und wenn Sie die Ansicht verkleinern, können Sie immer sehen die erste Hälfte des Tracks tatsächlich fast wie ein Aufbauabschnitt für die zweite Hälfte des Tracks ist ein Aufbauabschnitt für , in dem Schlagzeug und Bass Leitung kommt. Nun noch eine Sache, die ich nur kurz erwähnen werde, das ist super, super wichtig wenn wir über Spannung und Entspannung sprechen. Das ist die Menge an Spannung, die du in deinem Track mit allem, was auch immer er ist, erzeugt, sei es mit der Melodie auf einer Mikroskala oder ob es sich um das eigentliche Arrangement handelt. Sprich, der Aufbau zu einer Drop-Sektion, z. B. Spannung und Releases müssen immer ausgeglichen sein. Wenn Sie also viel Spannung haben, müssen Sie diese mit viel Energie ausgleichen, wenn sie sich löst. Eine Art von Fehlschlag wäre also , zu sagen, wie bei einem Dance-Track, wir haben jede Menge Energie wie einen wirklich langen, superenergetischen Aufbau. Und wenn es dann in den Main Kick und die Grundlinie fällt oder was auch immer, wenn das wirklich überwältigend ist, als ob da kaum Energie drin ist, dann wird es wie super enttäuschend anzuhören. Es ist ziemlich skurril hier, aber glauben Sie mir, es kommt vor, dass Leute diesen Fehler machen. Wenn Sie also einen Mega-Energieaufbau haben, dann brauchen Sie Omega Energy Drop ist so ziemlich einfach. Gleiche gilt noch einmal für die Melodie. Damit kann man sich, wie ich schon sagte, nicht zu lange von dem einen Akkord fernhalten , weil die Spannung einfach zu groß wird. Also musst du das ausgleichen, indem du es nicht zu lang machst. Es ist ein ähnliches Prinzip, nur auf einer anderen Ebene. Ordnung, das war's für diese Lektion. In den nächsten Lektionen werden wir diesem Track nun einige Effekte hinzufügen und alles automatisieren, um das zu verbessern, worüber wir gesprochen haben, diese Art von Auf und Ab der gesamten Strecke. In Ordnung, das ist es also. Vielen Dank, dass du gesehen hast, wie Jungs und Frauen dich im nächsten Video sehen. 19. BTP Ambient Chill Lektion 18 SFX Flanged Riser: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion werden wir anfangen, einige Effektsounds hinzuzufügen. Und dieser spezielle Schalter wird sich einen ansehen, der wie ein Flansch-Riser sein wird, Stöße, klingt irgendwie verrückt, aber am Ende ist es ziemlich einfach. Also, was ich in den Arbeitsdateien habe ist dieses, das sanfte Symbol March genannt wird. Also offensichtlich nur ein sehr hochfrequenter Riser, nicht wirklich ein Effekt, sondern nur ein Mover, ich denke, du würdest es nennen, was er damit machen will , nur um es ein bisschen interessanter zu machen, ist hinzufügen ein Flanscheffekt, aber dazu kommen wir in nur einer Sekunde. Eine Sache, die ich nur ganz kurz erwähnen möchte , damit Sie nicht verwirrt werden, ist, dass ich die Adagio-Saite und den weiblichen Stimmschleim bewegt habe . Sie waren gelb und standen am Ende der Projekte. Also habe ich sie nach oben verschoben, falls du dich fragst , wo diese Dinge herkommen. Und was ich tun werde, ist einfach ungefähr auszuwählen, wo ich das haben möchte. Ich werde das in der Mitte der zweiten Hälfte kommen lassen. Lassen Sie uns das einfach in unsere Projekte einbeziehen. Nur ein Audiotrack ist in Ordnung. Und es wurde in diesem Tempo erstellt, sodass Sie kein Problem damit haben sollten, es anzupassen, solange Sie dasselbe Tempo verwenden, 84 Schläge pro Minute. Lass uns das einfach leiser drehen und kurz zuhören. Es klingt nett, ist aber vielleicht nur ein bisschen auf den ersten Blick. Fügen wir dem also einfach einen Flanscheffekt hinzu. Also gehe ich einfach zu meinen Einsätzen und so ziemlich jede Tür sollte Flanscheffekte haben. Seien Sie sehr überrascht, wenn Ihres nicht mit einem geliefert wurde. Ich bin mir sicher, dass es viele kostenlose gibt , die Sie herunterladen können, aber los geht's. Also Flansche oder zeitabhängige Effekte, weshalb wir Delay-Feedback haben. Dies wird den Flanscheffekt, den wir erhalten, nur irgendwie verstärken . Also werde ich diesen Teller einfach solo spielen. Jetzt bin ich eigentlich total zufrieden mit der Menge an Flanschen dort oder der Tiefe der Effekte und allem. Also werde ich eigentlich nur die Standardeinstellungen verwenden. Das einzige, was ich ändern möchte, ist das Timing. Ich möchte also nicht, dass es so merklich rauf und runter geht, man hören kann, dass es wirklich nur einmal reinkommt, wenn jeder Widerhaken es ist, es ist am 11. Also willst du das ändern. Also schalte ich die Synchronisierung aus und ich werde es einfach auf 0,1 reduzieren, also ist es wirklich langsam. Das einzige Problem dabei ist, dass es nicht im Takt versinkt, sondern zu unterschiedlichen Zeiten abgespielt wird. Wenn ich also sage, spiel es ab Takt 47, wird der Flanger Flux ausgelöst. Und wenn ich es mit 48 spiele, wird es ausgelöst. Jedes Mal, wenn es dieses Symbol erreicht, wird es an seiner Position sein. Wenn Sie sich also vorstellen können, oszilliert der Flanscheffekt offensichtlich, wie wir hier sehen können. Es ist auf einer Sinuswelle, also geht es auf und ab, hoch und runter. Was ich möchte ist, dass es seinen Höhepunkt erreicht, während das Symbol darauf sein Crescendo erreicht , um dort seinen Höhepunkt zu erreichen. Ich möchte, dass es geht Zhe, so etwas wie Zhe. Und dann geht der Flanscheffekt gewissermaßen von der Sinuswelle nach unten. Es geht unter, wenn es diesen Mittelpunkt überschritten hat. Ordnung, was ich im Grunde meine, ist , dass die Flanscheffekte bei diesem Effekt jedes Mal anders sein werden, wenn du den Track spielst die Flanscheffekte bei diesem Effekt jedes Mal anders sein werden . Also, was wir tun werden, ist es so zu kopieren, sagen wir achtmal, z. B. achtmal und dann rendern wir es mit aktiviertem Flanscheffekt. Und dann wählen wir die aus, bei der sie die richtigen Eigenschaften hat. Okay, lass uns das einfach machen und du wirst wahrscheinlich eine bessere Vorstellung davon bekommen, worüber ich schabere, was sich schnell ändern wird. Mein Workspace hat den Vollbildmodus belegt. In Ordnung, also lass uns gehen. Ich werde das einfach exportieren. Natürlich weiß ich nicht, wie du in deinem Track abschneiden kannst, aber es werden Exporte oder Render oder Bounce oder was auch immer verschiedene Begriffe für dasselbe sein. Aber ich werde einfach einen Audiomix nach unten exportieren. Nun, dafür nenne ich es einfach Flandern-Symbol. Ich möchte, dass es in den Truck kommt, wenn wir fertig sind. Sagen wir, erstelle einen perfekten Audiotrack. Und stellen Sie natürlich sicher, dass die Samplerate und die Bittiefe und alles korrekt sind, und exportieren Sie dann einfach. Okay, da sind wir also. Wir haben unser gerendertes oder exportiertes Symbol. Ich kann subtrahieren, indem ich es dort einfach ein bisschen aufdrehe. Er ist am mittleren Kontrollpunkt. Also werde ich einfach das stummschalten, das wir verwenden, um die Symbole dorthin zu bringen. Und hören wir uns einfach diese gerenderten Symbole mit aktivierten Flanscheffekten an. Das war ziemlich nah dran, aber die Wirkung erreicht ihren Höhepunkt leicht nach dem Crescendo des Symbols. Also lass uns den nächsten versuchen. Es ist fast perfekt. Sie können hören, wie die Effekte nach unten oder der Flansch nach unten gehen, wenn Sie möchten, es ist fast wie Doppler-Effekte. Wenn also ein Auto von links nach rechts oder was auch immer an einem vorbeizoomt , während es sich nähert, klingt es fast wie eine höhere Tonhöhe. Und wenn es dann an dir vorbeigeht, wird der Ton leiser. Ziemlich sehr ähnliche Effekte. Also dieser ist im Moment der beste. Wir werden das einfach abkürzen, also haben wir das und überprüfen einfach die anderen. Das ist auch ziemlich perfekt. Gipfel ist zu spät, also nehmen wir einfach den ersten. Das ist in Ordnung. Das ist definitiv nah genug. Ich will nicht zu verrückt danach sein. Also nehmen wir den. , wir werden es auf halbem Weg ablegen Ich glaube, wir werden es auf halbem Weg ablegen. Lass uns das einfach überprüfen. Es ist auch irgendwie so. Ordnung, also die Anmeldung ziemlich anständig. Ich füge dem Track einfach etwas anderes hinzu. Ordnung, das war's für diese Lektion. Nur eine schnelle da. Und in der nächsten Lektion werden wir uns damit befassen , mehr Effekt-Sounds oder SFS-Sounds einzubauen und die Spannung und den Release aus diesem Track herauszuholen. Vielen Dank, dass Sie Jungs und Mädchen im nächsten Video gesehen haben. 20. BTP Ambient Lektion 19 SFX: Hallo zusammen, willkommen zurück. Okay, in dieser Lektion werden wir also weiter machen , nur ein paar SFS-Sounds hinzuzufügen , was die Spannung und den Release-Effekt dieses Tracks wirklich erhöht. Ein paar schnelle Dinge. Zuerst entferne ich einfach das Symbol, das wir verwenden, um das Flanschsymbol zu generieren. Also wird es das einfach loswerden. Ich verschiebe einfach mein Blumensymbol, Alphabet, das diese Farbe behalten kann, so wie Grün für Effekte, setze einfach meinen Loop-Bereich über den Track. Nicht weniger notwendig, aber das ist in Ordnung. Okay, also das Erste, was ich hinzufügen möchte ist eine Art Dirty - oder Castro-Hit, gerade am Ende der ersten Hälfte der Songs dort eintrifft , wo er im Grunde genommen das, was ich will, quasi Crescendos ist. Also stelle ich einfach meinen Spielkopf und die Badewanne 37 ein. Gehen wir zu unseren Arbeitsdateien. Wir haben Dreck oder Turmfalke getroffen. Da hast du es. Es ist einfach , das in die Projekte zu ziehen. Ich werde es einfach herausstellen. Jemand hat abgewiesen, das ist großartig. Also lass uns einfach ein bisschen zuhören. Also müssen wir das automatisieren, um einen Teil der Lautstärke zu verringern, wenn die Trommeln und alles reinkommen. kommen wir in der nächsten Lektion zurück, wenn wir Automatisierung machen. Aber nur damit Sie es wissen, dieser erste Abschnitt der muss dieser erste Abschnitt der Trends offensichtlich etwas mehr Wirkung haben, was wir uns in nur einer Sekunde ansehen werden. Effekte, die sehr schnell auffressen. Lass uns das einfach machen. Also sobald du den Kick hast, also kopiere ich einfach den Kick Midea und lösche dort einfach alles außer dem ersten Kick. Sag einfach, dass das eine etwas größere Wirkung hat. Also habe da wahrscheinlich noch einen Effekt drin. In einer Sekunde, was du hinzufügen wirst. Aber im Moment ist das in Ordnung. Gehen wir also einfach zum Anfang der Tracks über. Ich will wirklich nichts, bis das Klavier reinkommt. Lass uns einfach ein bisschen reinhören und ein Gefühl dafür bekommen. Denken Sie auch daran, dass, wenn wir in der nächsten Lektion zur Automatisierung kommen, diese viel schonender und gefilterter erfolgt. Es wäre also viel sanfter zu bauen und Energie zu tanken. Also ja, genau da, ich möchte einen kleinen Riser-Effekt haben und das ist der, auf dem ich mich am Ende irgendwie ausgeruht habe. Dies ist auch aus unserem zweistufigen Musterpaket. Sehr nett. Lassen Sie uns das einfach in unsere Projekte einbeziehen. Stellen Sie sicher, dass wir es dort an der richtigen Stelle aufstellen und drehen Sie es ein wenig leiser. Vielleicht ein bisschen zu laut. Wir wollen auf jeden Fall , dass dies eine schöne, große Wirkung hat. Entschuldigung, ich versuche nur, das auszugleichen, denn ehrlich gesagt haben wir hier ein paar Dinge vor uns. Wir haben die Bassnoten des Paddy, du hast das Klavier und du hast diese Wirkung. Wir brauchen also immer noch das Klavier und die Bassnoten sind wie die hervorstechendsten Dinge, die hier auftauchen. Und im Moment ist es vielleicht nur ein Bruchteil zu laut, nur weil die Schläge dort dem Klavier ein wenig abnehmen. Auch hier haben wir es gerade erst eingebaut, also müssen wir den gesamten Track ein bisschen anhören. Wenn wir also zur Mixing-Lektion kommen, werden wir diese Art von Dingen wahrscheinlich optimieren , nur um sie absolut perfekt zu machen. Aber im Moment ist das in Ordnung. Wir können es im Stadion lassen. Keine Requisiten. Ich denke, was wir machen werden und was eigentlich einfach kopiert wird. Lass uns herausfinden, wo wir es haben wollen. Also am Ende hier, wo wir diesen dreckigen Orchestersound haben, lassen wir das auch dazu führen. Jetzt denke ich, dass wir da vielleicht einen etwas längeren Riser-Effekt haben wollen . Was ich also tatsächlich tun werde , ist das umzukehren. In Cubase ist das also ganz einfach. Ich kann einfach mit der rechten Maustaste oder Alt und Rechtsklick klicken. Und dann rückwärts fahren. Und ich möchte eine neue Version machen. Natürlich können Sie das an Ihrer eigenen Tür tun müssen, aber normalerweise ist diese Art der Bedienung ziemlich einfach. Und wenn Sie nicht wissen, wie das geht, ist es sicherlich eine schnelle Google-Suche entfernt. Und dann werden wir das als Lead für die dreckigen Orchesterklänge verwenden . Also lass uns einfach mal reinhören und sehen, wie sich das anhört. Es klingt wie K, aber ich möchte auch ein bisschen von der, nennen wir es epischen, Wirkung dieses Stücks auch dort haben. Also werde ich sie einfach zerkleinern und zusammen verwenden. Also, wenn ich nur Schokolade, Schokolade da, werde das los und kopiere das rüber. Und lassen Sie uns einfach sehen, ob wir das zum Laufen bringen können. Normalerweise möchten wir, wenn wir das tun, den ersten Teil etwas leiser stellen. Lass uns alleine zuhören. Klingt so mit dem Rest des Tracks. Es tut mir leid, ich denke, das ist eigentlich falsch herum. Wir wollen, dass das mehr Wirkung hat , denn es gibt einen Kick, es gibt einen Dirty oder auch einen Castro-Hit. Wir wollen, dass es etwas niedriger ist und dem Ganzen einfach warmes Low-End-Grollen verleihen. Wir gleichen also nur die Lautstärke zwischen den beiden Treffern aus. Nicht schlecht. Der Grund, warum ich Event-Lautstärkeregler verwende, anstatt die Lautstärke des gesamten Tracks zu ändern hier die Event-Lautstärkeregler verwende, anstatt die Lautstärke des gesamten Tracks zu ändern, ist dass wir hier offensichtlich andere Treffer haben. Nehmen wir an, wir sind zufrieden mit dem Niveau, auf dem sie sich befinden. Ich möchte also nur die Lautstärke einzelner Ereignisse ändern , anstatt den gesamten Track-Pegel zu ändern , da sich das natürlich auf alle Riser-Effekte auf diesem Kanal auswirkt . So jemand, es ist im Moment ziemlich perfekt. Jetzt werden wir ein bisschen satt haben, wir werden Füllungen in einer separaten Lektion sehen, aber wir werden einen kleinen Phil da oben haben , der zu den Trommeln führt, nur sagen, dass es nicht einfach fange aus dem Nichts an. Aber noch einmal, darauf kommen wir gleich zurück. Gehen wir nun im Track noch ein bisschen weiter und fügen ein paar zusätzliche Teile hinzu. Also psy, nach der Hälfte des letzten Abschnitts wollen wir hier auf jeden Fall etwas bewirken, was, tut mir leid, ich habe das Flanschsymbol an der falschen Stelle. Ich entschuldige mich dafür. Das sollte da sein, bis in die zweite Hälfte. Und das ist nur ein bisschen laut. Lass uns das leiser stellen, damit es nicht so überwältigend ist. Lassen Sie uns das auch etwas wirkungsvoller machen. Was ich also tun werde, ist, den ersten kleinen Ausschnitt unserer steigenden Auswirkungen zu kopieren , was genau wie der High-End-Teil davon ist. Weißes Symbol vertauscht. Also, dass du auch ein bisschen Hall hinzufügen möchtest. Also lassen Sie uns das einfach hinzufügen. Das wird definitiv dazu beitragen , dass es ein bisschen epischer klingt. Und ich sage hier mehr epische On The Drops. Also lass uns das einfach spielen. Absolut jede Menge Hall drauf. Jetzt möchte ich natürlich, dass das lauter wird. Okay. Lass uns mit dem Teil weitermachen , an dem wir hier arbeiten. Wir haben also unsere erste Hälfte des Riser-Impakts hier. Und lassen Sie uns auch einen Schwarm hinzufügen, um nur die Auswirkungen dieses zweiten Abschnitts hervorzuheben. Bei Crushed 15. Auch hier ist es ein bisschen verrückter Hall auf ihren Ten. Okay, das klingt im Radio ziemlich anständig und er will noch ein letztes Stück. Ich denke, wir werden den Anstieg der Auswirkungen einfach ganz am Ende des Tracks wiederholen . Also, hier fertig. Und wenn wir schon dabei sind, lassen wir uns auch den dreckigen Orchesterhit zur Hälfte holen. Wir werden ein bisschen daran arbeiten müssen, also wird es nicht sofort klingen. Es klingt vielleicht ein bisschen zu viel. Und ich sage dir was, anstatt es hier beginnen zu lassen. Lass uns diesen spät schlagen lassen. Vielleicht ist das sogar ein bisschen zu spät. Deshalb ist der Start einen halben Schlag zu spät. Und wieder müssen wir das automatisieren. Wir wollen wirklich nur den Anfang dieses Hits hören und dann wird er lauter. Es überwältigt also nicht den Rest der Strecke. Aber darauf kommen wir in der nächsten Lektion noch einmal zurück. Und dann haben wir gleich am Ende einen letzten Orchesterhit . Also werde ich das einfach verkürzen. Es ist nicht zu lang und kopiere das. Und wieder werden wir das wahrscheinlich auch automatisieren. Ich ziehe einfach in den rechten Umschlag , nur um das Volumen auszublenden. Jetzt liegt es natürlich ganz bei Ihnen, welche Art von Sound Sie verwenden möchten. Du musst keine dreckigen Orchesterhits verwenden , genauso wie du nicht den Vocalsound verwenden musst verwenden , den wir hier haben , ganz bei dir. Sie können verschiedene Sounds verwenden, wenn Sie möchten. Sag mal, das gefällt mir einfach sehr gut. Wirkung. Es rüttelt dich fast ein bisschen. Es ist etwas Interessanteres. Es ist ein bisschen im linken Feld. Also für mich funktioniert es wirklich. Aber natürlich können Sie für Sie jeden beliebigen Sound wählen. Ordnung, also ich denke, wir sind mit den Spezialeffekt-Sounds so gut wie In Ordnung, also ich denke, wir sind mit den Spezialeffekt-Sounds so gut wie fertig. Hören wir uns jetzt den ganzen Track an. Ich lasse es einfach durchspielen und wir können ein echtes Gefühl dafür bekommen , wo angefangen hat, bevor wir in der nächsten Lektion beginnen, Automatisierung hinzuzufügen. Also werde ich in dieser Lektion nicht mehr darauf eingehen. Wenn du weitermachen willst , kannst du, aber ansonsten bleib dran und wir bekommen ein gutes Gefühl dafür, wo sich dieser Track in seinem aktuellen Zustand befindet. Okay, vielen Dank, dass du zugesehen hast, wie Jungs Mädchen dich im nächsten Video sehen. 21. BTP Ambient Chill Lektion 20 Automation: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion werden wir uns Automatisierung befassen. Das Hauptziel hier ist also, ein paar korrigierende Dinge zu vermeiden, wie zum Beispiel, was wir mit dem dreckigen Orchesterhit tun müssen, wo wir die Lautstärke damit Platz für alles andere im Mix bleibt. Aber abgesehen davon verwenden wir es wirklich, um das Auf und Ab dieses Tracks zu unterstreichen. Nun, das ist in keiner Weise kompliziert. Und wir müssen nur Automatisierung hinzufügen, ich denke, nur für die emotionale Seite der Dinge, weil alles irgendwie auf dieselbe Art von Filterebene abgespielt wird. Wir müssen diesen Kommentar also im Laufe der Zeit etwas sanfter machen und ihn allmählich ausbauen. Während die Adagio-Saiten alle kontrolliert sind, alle kontrolliert sind, ist die Geschwindigkeit dieser Töne wirklich das was ihnen hilft, auf und ab zu gehen. Und Sie können dieses Muster dort sehen, wie wir es besprochen haben Diese müssen nicht automatisiert werden, aber das Pad schon. In Ordnung, also lass uns einfach herausfinden , was wir genau tun werden. Also bringe ich einfach ein Vital mit und wir werden tatsächlich irgendwie mit dem Filter herumspielen . Also habe ich es auf den Anfang des Tracks gesetzt , das ist in Ordnung. Also lass uns einfach spielen. Es. Beginnt mit einem Filter hier unten oder so ähnlich. Und dann wird es im Laufe der Zeit allmählich steigen. Wir wollen also nur wirklich die perfekte Startposition für den Absperrfilter herausfinden . Lass es uns gleich ausprobieren, nur um es als etwas zu niedrig anzusehen. will nicht, dass es damit anfängt, dass Deutschland ein bisschen mehr Energie hat. Jetzt müssen wir es also automatisieren. Also, was ich in Cubase machen werde, ist den Playhead zu Beginn der Projekte einzustellen. Ich werde alles richtig zusammenfassen. Das bedeutet nur, dass jetzt, wenn ich auf Abspielen klicke und mit einem der wichtigsten Steuerelemente spiele, die Automatisierung in den Projekten aufgezeichnet wird. Wenn Sie eine andere Tür verwenden, wird das natürlich anders sein, da FL Studio Automatisierung, Limonaden, Ableton, ebenso Logik, etwas anders verwendet . Und wenn Sie an einem unserer Anfängerkurse teilgenommen haben , die diese Türen abdecken, wissen Sie natürlich unserer Anfängerkurse teilgenommen haben , die diese Türen abdecken, bereits, wie das geht. Ich drücke einfach auf Play und modifiziere einfach den Filter-Cutoff. Um fair zu sein. Das ist wahrscheinlich schon genug. Ich wollte nur eine Automatisierungsspur da rein bekommen. Wie Sie sehen können , ist das jetzt erschienen. Sag einfach nein, wenn du Cubase verwendest und das keinen Bart hat, musst du nur auf den kleinen Button hier klicken, um die Automatisierung ein musst du nur auf den kleinen Button hier klicken, um die - oder auszublenden. Auch hier verlassen Sie sich auf Ihre spezielle Tür und wissen, was Sie tun. Aus diesem Grund haben wir zu Beginn des Kurses besprochen man wissen muss, wie man Automatisierung einsetzt , dass man wissen muss, wie man Automatisierung einsetzt. Jetzt habe ich das da drin. Ich werde das einfach wortwörtlich einzeichnen. Also weiter scheint es im Laufe der Zeit allmählich zuzunehmen. Also, was ich hier machen werde, wir haben unseren Ausgangspunkt. Klingt so, als ob ich jetzt auch den Endzustand für die Automatisierung auswählen werde . Also könnten wir es gleich ausprobieren. Das ist viel, viel, viel zu viel. Also vielleicht irgendwo da in der Nähe. Lass es uns einfach mit allem anderen spielen. Das klingt gerade. Wir werden gleich zur zweiten Hälfte kommen, aber lassen Sie uns die Automatisierung in der ersten Hälfte irgendwie optimieren. Also ich möchte immer noch, dass es irgendwie auf und ab geht. Und ich möchte auch, dass die Energie etwas nachlässt, wenn wir zum Klavierpart kommen. Lassen Sie uns einfach eine kleine Energiewende vornehmen. Noch einmal Cubase, ich kann eine schrittweise Phase hinzufügen , anstatt nur rein linear zu sein, nicht das Ende der Welt, wenn er es nicht kann. Und natürlich können Sie einfach mehrere Punkte hinzufügen, um der Automatisierung eine Art Krümmung zu verleihen. muss mir das in seiner Gesamtheit anhören, um wirklich beurteilen zu können, wo diese Niveaus sein sollten. Irgendwo da drüben ist vorerst alles in Ordnung, das ist okay. Aber wir werden das wahrscheinlich ein wenig optimieren wollen, wenn wir es uns in einer Minute anhören. Aber lassen Sie uns vorerst einfach den Rest klären. Also in der zweiten Hälfte möchte ich, dass die Energie wieder sinkt, nicht ganz da, wo sie am Anfang war, sondern irgendwo in der Nähe. Und dann werden wir diesen Energiestau haben. Wieder einmal, wahrscheinlich ungefähr auf dem gleichen Niveau, aber vielleicht nur etwas höher. Es ist also nur ein bisschen intensiver , wenn es das Ende erreicht. Lass uns einfach ein bisschen zuhören. Fängt dort wahrscheinlich etwas zu niedrig an. Ich brauche etwas mehr Energie , wenn es reinkommt. Sagen wir alle, holen wir uns einfach diese dreckigen Orchesterhits, holen wir sie raus, weil es den Track, die Grundlinie und alles, wenn es reinkommt, wirklich beeinträchtigt . Also lass uns das einfach klären. Jetzt. Ich werde hier nur die Automatisierungsspur erweitern. Und die erste , die immer auftaucht, wenn Sie noch keine Automationsspuren benutzt haben, ist immer die Lautstärke, die ich hier verwenden möchte. Also lass uns das einfach ein bisschen größer machen. Wir wollen, dass es plötzlich sinkt , wenn der Kick und die Grundlinie kommen. Also genau hier wird es nur einen Punkt einbringen. Ich werde auch auf einen späteren Punkt eingehen. Also kurz nachdem die Orchesterhits beendet weil wir die Lautstärke der nächsten Orchesterhits im Moment nicht beeinflussen wollen . Also lass uns das einfach klären. Und lassen Sie uns dort einen Punkt hinzufügen. Und ich werde einfach sagen, Sie können das natürlich mit Punkten machen, aber ich werde das einfach tun, indem die zentralen Kontrollpunkte verwende. Sie geben der Lautstärke also ein nichtlineares Fadeout. Lassen Sie uns einfach überprüfen , ob das funktioniert. Sie sind nicht schlecht. Ich möchte nur, dass das etwas steiler wird. Und wir können, wenn wir wollen, einen etwas längeren Taylor haben, ich spiele das einfach solo. Schneidet es im Grunde sofort aus. Das ist absolut in Ordnung. Wir wollen Platz für diesen Kick and Base schaffen. Ich werde nur versuchen, das ein bisschen zu optimieren. Es ist also nicht ganz so plötzlich, aber wir wollen, dass es ziemlich plötzlich kommt. Das ist perfekt. Okay. Großartig. Das ist überhaupt nicht schlecht. Wir werden, wie ich bereits erwähnt habe, wieder eine kleine Zusammenfassung haben, die dazu führt, aber darauf kommen wir in der nächsten Lektion zurück. Lass uns jetzt am nächsten Orchesterhit arbeiten, denn genau hier ist es nach dem ersten Start sehr chaotisch . Das klang laut. Tut mir leid, dass Crush 15 viel zu laut ist. Wir wollen also wirklich nur den ersten Teil davon. Und wenn wir hineinzoomen, können Sie wirklich sehen wo wir die Lautstärke reduzieren möchten. Also füge ich einfach einen Automatisierungspunkt hinzu und mache sehr ähnliche Dinge. Lassen Sie uns also an einem Punkt bis zum Ende gehen. Und dann machen wir dort so ziemlich dasselbe. Also wollen wir diesen ersten Hit einfach wirklich hören. Also im Moment ist es definitiv nicht ausgewogen. Dieser spezielle Abschnitt, die sind ein bisschen zu laut. Das ist nicht prominent genug, möchte wirklich als Feature auffallen. Es ist also ein bisschen Arbeit hier, aber auch werden wir in der Mixing-Lektion mehr darauf eingehen als jetzt. Also das ist in Ordnung. Lass uns weitermachen. Dieser ist bereits erledigt mit dem Volumenverlust am Ende. Das sollte reichen. Und das ist im Grunde der Punkt, an dem wir den Track beenden werden. Tatsächlich werde ich dir sagen, was wir sagen wollen. Wir haben hier den Haupt-Stereo-Out-Kanal. Also ich möchte, dass es wirklich endet mit der Prägung von 0,76$, lass einen Punkt da rein und wir werden vorher einfach einen Punkt in 2 bar fallen lassen. Ich werde das einfach runterholen. Also hier wird der Track enden, okay, bis hin zu Ausleihe 76. Könnte es vielleicht sogar ein bisschen vorher haben, aber was auch immer, das ist in Ordnung. Damit machen wir vorerst weiter. Das ist fast alles für die Automatisierung. Es wird ein bisschen mehr sein, wenn wir die Trommelfüllungen machen, aber ich möchte noch ein paar Dinge in die Haare einbauen, weil ich denke, dass dieser Abschnitt ein bisschen gebrauchen könnte mehr im Sinne von S FX. Also lass uns das einfach schnell machen. Also genau hier, kurz bevor es eine Farbstoff-JUCE-Zeichenfolge gibt, kommt hier quasi eine Probe rein, etwas mehr Energie. Wie eine etwas klügere Art von Effekten. Schauen wir uns also an, was wir in unseren Arbeitsdateien haben. Und wir sollten Fx 26 erreichen lassen. Wir werden das verwenden, aber wir werden es rückgängig machen. Lassen Sie uns das einfach in unsere Projekte einbeziehen. Okay, dann klicke ich mit der rechten Maustaste und mache das rückgängig. Ordne es einfach auf 47 an. Du schaltest meinen Snap aus, wenn das hilft. Klingt irgendwie nett, aber wir brauchen definitiv eine Menge Hall auf Next. Es klingt im Moment wirklich fehl am Platz. Lassen Sie uns also Ascend Reverb hinzufügen. Lassen Sie vorerst den vollen Betrag übrig. Typ. Das klingt aber nicht schlecht. Vielleicht ein bisschen zu laut. Also lassen Sie uns hinzufügen, ich möchte mich darin verknallen, aber ich möchte es nicht wirklich wiederholen. Crush 15 wird sich gleich daran gewöhnen. Also möchte ich ein bisschen Abwechslung haben. Also lasst uns einfach ein Ride-Becken benutzen und einen schönen, sanften Schlag machen. Also lass uns einfach diesen Anzug spielen. Es klingt, als ob es ganz nett klingt. Ja. Okay. Wie ich schon sagte, du musst einige dieser Dinge ausbalancieren. Ich denke, dass der Ethik-Hit 26 immer noch nur ein Bruchteil auf der Cloud-Seite ist , aber wir sind definitiv dabei. noch ein letztes Geräusch, das wir kommen lassen werden. Mal sehen, in der Nähe von Bar 49. Sie würden diesen Abschnitt also auch ein bisschen interessanter gestalten . Und das ist der BTP CS, Short Melodic Riser. Lassen Sie uns das einfach in unsere Projekte einbeziehen. Lass es uns zu Takt 51 führen , denn das ist eher der Midway Point. Genau da. Wir würden keinen Peak sehen, kurz bevor es zu 51 kommt, so etwas. Lass uns einfach ein bisschen damit herumspielen, es leiser stellen. Und wir könnten genauso gut einen Hall hinzufügen, weil wir wissen, dass wir sagen werden, lass uns das einfach ein bisschen erhöhen. Glückliche Tage. Entschuldigung, ich weiß, dass ich hier schnell gehe, aber es ist buchstäblich nur sehr einfaches Zeug, nur Senden hinzuzufügen. Das ist nicht kompliziert. Vielleicht ist es ein bisschen zu früh und ein bisschen von außen. Lass uns mal reinhören. Also ich mag es irgendwie, dass der Sound fast ein bisschen uneinheitlich ist, aber für mich funktioniert er wirklich. Natürlich können Sie wählen, ob Sie es rein oder raus haben möchten, aber ich mag es besonders. Und es fügt diesem Abschnitt nur etwas anderes hinzu, das nicht im Rest des Tracks enthalten ist. Ich halte die Dinge interessant. Ordnung, das war's für diese Lektion. In der nächsten Lektion werden wir uns ein paar Trommelfüllungen ansehen, um die Energie am Laufen zu halten und auch um die zweite Hälfte des Charles vorzustellen. Vielen Dank, dass Sie Jungs und Mädchen im nächsten Video gesehen haben. 22. BTP Ambient Chill Lektion 21 Fills: Hallo zusammen, willkommen zurück. Okay, in dieser Lektion werden wir uns nur ein paar Phils ansehen , um den Track irgendwie zum Tuckern zu bringen, und auch um diesen zweiten Abschnitt hier einzuführen. Lassen Sie uns das einfach machen, zuerst ist eine sehr kleine Füllung, die wir hinzufügen werden, um dazu zu führen. Also lass uns das einfach finden. B2B CS füllen also O2. Das ist alles was es ist. Lassen Sie uns das einfach in unsere Projekte aufnehmen und abgleichen. Es sollte also genau zwei Beats lang bei 84 BPM sein. Also das ist in Ordnung. Stellen Sie nur sicher, dass es nicht mit einem Klick oder einem Pop endet , wo die Wellenform ist, oder? Der Nullpunktübergang, aber das ist absolut in Ordnung. Mach dir keine Sorgen. Lass uns einfach rauszoomen und ein bisschen zuhören. Es, dreh es auch zuerst etwas leiser. Das wird also in den zweiten Abschnitt führen. Natürlich wollen wir dem wie gewohnt ein bisschen Hall hinzufügen . Ich bin mir nicht sicher, wie viel. Lass uns einfach ein bisschen spielen. Ich denke, das wird ein bisschen zu viel. Ich will nicht, dass es so schwer ist. Obwohl wir vielleicht in einer Sekunde etwas Funkiges mit der Sendeautomatisierung machen, werden wir sehen. Und du kannst hören, dass es ein paar Informationen zum Schwenken enthält. Sie können hier einige Hits sehen, die auf einem Kanal offensichtlich lauter sind als auf dem anderen. Und dann wechselt es irgendwie um, aber nicht viel. Es ist also auf dem linken Kanal definitiv erlaubt , und dann wird es auf dem rechten Kanal lauter. Also, was wir tun werden, ist das ein wenig zu betonen. Lassen Sie uns eine Automatisierungsspur hinzufügen, die ich auswählen werde. Anstelle der Lautstärke in Cubase ist es das Standard-Schwenken nach links und rechts. Sie müssen die verwenden , die für Ihre Tür richtig ist. Und dann fügen wir dort einfach einen Punkt und dort einen Punkt , sodass wir dazwischen beliebig automatisieren können . Und dann kopieren wir einfach die Position dessen, was in diesem Audio passiert. Also hier am Anfang geht es eher nach links. Also werden wir das akzentuieren. Und dann gehen wir mehr nach rechts, gegen Ende, damit es irgendwie übertrieben ausgeprägt ist. Vielleicht ist sogar das einfach ein bisschen zu viel. Ich will nicht verrückt sein. Schwenken hier gerade genug , um die Tatsache hervorzuheben , dass es geschwenkt wird. Das funktioniert ganz gut. Das ist also absolut in Ordnung. Wir könnten, wenn wir dem etwas mehr Fade hinzufügen wollten , irgendwie etwas mehr aus dem Nichts beginnen. Im Gegensatz dazu. Eigentlich bevorzuge ich es mit dem Fade. Also fängt einfach etwas mehr bei Null an und schwingt langsam in den Film ein. Das ist buchstäblich, es müsste nur die Lautstärke mit dem Rest des Tracks und allem anderen ausbalancieren . Aber auch hier, wir bekommen es im Moment erst im Baseballstadion. Wir werden das alles in den kommenden Mixing-Lektionen angehen . Aber irgendwo in der Nähe ist es vorerst in Ordnung. Schauen wir uns nun die zweite Füllung an. Das. Ich möchte in der zweiten Hälfte nicht alle 8 Takte gehen, aber mit ziemlicher Sicherheit von Anfang an. Du wirst also 8 Bar zählen. Der erste Phil will hier rein und ich sehe andere Felder. Csf fill 01 sagt, zieh das rein. Und wir sollten einfach an einem Ort sein, genau in der richtigen Position ist. Es ist also mit den gleichen 84 BPMN gemacht. Lass uns das einfach spielen. Nicht gerade geschwungen, aber irgendwie ein faules Gefühl zu dem Film, den ich sehr mag, nur ein bisschen zu laut. Und lassen Sie uns natürlich ein bisschen Hall hinzufügen. Der nächste Ort, an dem wir vielleicht einen platzieren möchten, ist hier , also in der Mitte der zweiten Hälfte, wo das Klavier ins Spiel kommt. Aber ich denke, da ist schon genug los. Ich glaube nicht, dass wir wirklich ein weiteres Element zum Mixer hinzufügen wollen , werde es sowieso versuchen, aber ich bin mir nicht sicher, ob es funktionieren wird. Funktioniert. Sie wiederum, wir müssen alles, was passiert, wieder ins Gleichgewicht bringen , weil es nur ein bisschen chaotisch ist. Also das heißt, kopiere sie einfach auch. Sie sind also in den letzten Teilen der zweiten Hälfte in derselben Position . Und ich denke, wir wollen ein bisschen mehr Hall auf ihnen ich möchte , dass das auffällt. Also ja, das klang ziemlich gut. Also nicht viel dazu. Ich werde aber nur all diese hervorheben und gehen, weil du am Anfang dieses kleine Geräusch hast . Also werde ich sie einfach abkürzen an beiden Enden einen Fade hinzufügen. Nicht das Wichtigste auf der Welt, aber einfach alles super sauber und ordentlich zu halten. Ich denke, wir sind so ziemlich da. Jetzt ist also definitiv die Zeit, sich das von Anfang bis Ende anzuhören, um wirklich sicherzustellen , dass wir alles so ziemlich am richtigen Ort haben . Sf XY ist Automatisierung y's. Und dann können wir mit dem Mischen fortfahren, was wir uns in der nächsten Lektion ansehen werden. Aber zuerst werden wir uns das anhören , was im Laufe Zeit zu Änderungen führen könnte. Wir werden uns die Lautstärke und solche Dinge ansehen. Was auch immer wir tun, wir werden am Ende darüber sprechen. Also hast du uns Platz für dich gegeben? Nur eine schnelle. Ich werde damit aufhören. Sag einfach nein, wir werden auch panning machen. Das wird die Lektion sein. Nach dem nächsten. Sag einfach nein, wir werden nicht alles in der Mitte vergessen. Wir werden diese Mischung im Laufe der Zeit erweitern. Hörte sich ziemlich gut an. Das muss geändert werden, das kommt schnell zur Sprache und vielleicht auch ein bisschen zu laut. Das liegt also am Sampler-Instrument für den weiblichen Gesang. Und lass mich in den App-Modus gehen. Verkleinern Sie die Ansicht etwas und ich werde einfach den Angriff verlängern. Ich habe versucht, 1 s zu versuchen. Ich werde auf den Button achten. Ich denke, es muss wirklich sehr sanft sein und komm einfach rein und verlängere das. Ich habe gerade etwas bemerkt bei dem der Hut zur gleichen Zeit fällt wie so etwas. Beeinflussen Sie Sounds genau hier. Ich möchte eigentlich nicht, dass der Hut gleichzeitig fällt. Um das loszuwerden, wähle einfach alle Hüte aus , weil sie alle 2 Bar lang sind. Und ich werde im Grunde nur die Mittagszeit verkürzen. Wir werden also nur die Hüte im zweiten Takt hören. Also, was ich tun werde ist, dass ich sie vorerst nicht lösche, ich werde sie einfach stummschalten. Aber ich werde diese treffen , die irgendwie genauso gut fallen wie ein anderer Sound. In diesem Fall ist es also diese hahaha Art von Gesangswetten und räume das ein bisschen auf. Es ist wie ja, das ist, das ist in Ordnung. Ich mache das für den Rest. Also buchstäblich alle anderen, ich werde einfach stummschalten. Und ich sage: Was werden wir auch tun, ist, die Lautstärke des Halleffektkanals zu automatisieren . Wenn es also genau hier reinkommt, möchte ich, dass wir den Hall, der auf dieser Füllübertragung ist, wirklich hören dass wir den Hall, der auf dieser Füllübertragung ist, , wenn der Bass und der Kick kommen. Also ich will, dass es nicht tot aufhört ist wahrscheinlich das falsche Wort oder der Hall ist tot aufzuhören und einfach sofort Platz für den Kick und den Bass zu schaffen den Kick und den Bass anstatt das Ende des Halls hier zu haben. Was wir also tun werden, kommen Sie zu unserer Haupt-Hallgruppe oder unserem Haupt-Hall-Bus oder was auch immer Sie verwenden. Und wir gehen von Bar 39, also werde ich es einfach ein bisschen abkühlen lassen. Lassen Sie uns hier einen Punkt angeben, damit ich nichts anderes beeinflusse und es einfach so reingehen lasse nichts anderes beeinflusse und es einfach . Und dann gleich wieder hoch. Mal sehen, wie sich das anhört. Ein bisschen zu viel. Ich möchte nur ein kleines, kleines bisschen von diesem Hall hinzufügen . So etwas verleiht dem Kick und dem Bass einfach ein bisschen mehr Wirkung. Vielleicht muss das ein bisschen mehr so sein. Das klingt cool und das werden wir auch mit diesem Gesangshit hier machen . Sag mal, ich möchte, dass das auch gedimmt wird oder der Hall hier gedimmt wird. Lassen Sie uns in ein paar Punkten einfach dasselbe tun . Und lass uns einfach sehen , wie sich das anhört. Jemand ist es, also hast du diese Art von fast als würde es aufhören. Lassen Sie uns hier einfach einen weiteren Punkt hinzufügen, um diese Art von Hallstille zu verlängern. Etwas zu lang, aber wir sind so ziemlich im Stadion, das ist ungefähr das, was es will. fühlt sich fast so an, als würden die Tracks hineingezogen werden und es ist fast so, als hätte man dort eine Seitenkette drauf, als würde sie den Hall eintauchen und dann kommt er langsam wieder hoch. Das ist also der Effekt, dieser. Lassen Sie uns das für jedes Mal tun , wenn das Gesangsbeispiel eingeht, sagen wir, schlüsselbasiert, ich kann die Automatisierung, die ich habe, kopieren . Wenn ich auf einem Mac Alt oder Option und auf einem Mac dann Strg oder Befehl gedrückt halte . Ich kann das natürlich kopieren , wenn du das nicht kannst, das ist in Ordnung. Mach dir darüber keine Sorgen. Sie können es einfach nach Bedarf einzeichnen. Jetzt habe ich meinen Platz komplett schwerer verloren. Dort wollen wir unsere Automatisierung. Es ist in Ordnung. Und sieh dir das ein letztes Mal an. Stellen Sie jetzt einfach meinen Spielkopf, damit ich weiß, wohin ich tatsächlich gehe . Los Mal, ich bitte um Verzeihung. Also machen wir es für jedes Mal , wenn dieser hahahaha-Sound reinkommt. Stellen Sie sicher, dass wir das an der richtigen Stelle bekommen. Ja, das ist richtig. Großartig. Und dann ist der letzte Bar 67. Reifegradwechsel sind etwas offensichtlicher so cool wie der Hahaha-Hit. Und wieder kopieren wir einfach die Automatisierung. Stellen Sie sicher, dass es fertig ist, und dann Happy Days. Also das ist in Ordnung. Fügt den Beat-Ads nur ein bisschen Abwechslung hinzu, diese Art von saugenden Effekten. Subtile Belastung ist ja, aber sie ist immer noch spürbar und ich denke, sie wirkt sich positiv auf die Gesamtstrecke aus. Nun, das klingt, ich muss zugeben, dass sie nicht so toll klingt. Es ist ein bisschen schwach. Klingt, um ehrlich zu sein. Muss ein bisschen epischer sein , um wirklich zu diesem Beat zu passen. Also werde ich einfach ein anderes Hutgeräusch finden. Ich werde das außerhalb des Bildschirms machen , damit du dir nicht die Mühe machen musst, mir beim Durchgehen von 50 verschiedenen Hüten zuzusehen. Hoffentlich sind es nicht so viele, aber ich melde mich in einer Sekunde bei Ihnen, wenn alles erledigt ist. Okay, ich habe ein paar verschiedene Hüte durchgesehen und einen gefunden, von dem ich denke, dass Anzüge nur ein bisschen besser subtrahieren. Es ist nicht wirklich anders, aber es funktioniert definitiv ein bisschen besser. Das heißt, in der Arbeit fällt Cool. Btp H t1, öffne Hut 11, diesen. Also tausche einfach den Hut im Sampler aus. In Cubase ist das ganz einfach. Sie ziehen es buchstäblich einfach per Drag & Drop auf das vorhandene Beispiel und ersetzen es. Obsolet. Ihr Sampler kann je nach Tür variieren, aber ersetzen Sie ihn einfach durch diesen Hut. Ging auch in den Midi, das alles. Und ich habe es geändert. Es war also auf a, anstatt auf C3, es ist auf A2. Und diese kleine Triplett-Füllung beginnt ebenfalls auf A2 und geht weiter nach unten. Nur die Tonhöhe funktioniert etwas besser. Also lass uns das einfach spielen. Auch hier ist es nichts Besseres als bahnbrechend der anderen, aber es passt einfach dazu, ein bisschen besser zu tracken. Lass uns weiterhören und schnell, ich fange wieder von hier an, weil er zwischendurch eine kleine Pause hatte . Sagen wir, hören wir uns einfach noch einmal die zweite Hälfte an. Es ist, als würde ich einfach sehen, dass ich offensichtlich eine andere Tonhöhe des Hutes versucht habe, aber ich habe es rückgängig gemacht, sagen wir, sie nehmen Änderungen vor. Eine Sache, die mir in dieser zweiten Hälfte auffällt , ist, dass sich das Klavier etwas mehr hinter allem anderen verliert. Jetzt werden wir uns in der , einer der kommenden Mixing-Lektionen, mit Dynamic EQ etwas mehr darum kümmern, aber ich kann das auch ein bisschen optimieren. Jetzt werde ich auf diesen letzten Abschnitt eingehen. Und wenn ich das gesamte Midi auswähle, ändere ich einfach die Geschwindigkeit. Mach es ein bisschen lauter. Werden die Schläge der Tasten etwas lauter, damit sie im Mix stärker zur Geltung kommen. Klingt besser. Also habe ich mir gerade diesen Trommelschlag hier angehört. Klingt so, als ob **** dachte, dieses bisschen würde vielleicht den Rest des Tracks ein wenig stören, aber klingt irgendwie okay. Okay, das klingt soweit so, als ob es richtig klingt. Natürlich braucht es auf jeden Fall eine gute Mischung, die wir uns bald ansehen werden, aber wir werden ziemlich eklig. Jeder. Tolles Zeug. Vielen Dank fürs Zuschauen. Sehen wir im nächsten, Tschüss. 23. BTP Ambient Chill Lektion 22: Hallo zusammen, willkommen zurück. Okay, also nur eine kurze Anmerkung für diese Lektion, da wir uns jetzt mit der Mixing-Seite der Dinge befassen In dieser Lektion machen wir nichts mit dem Track. Wir werden den Ansatz besprechen. Du brauchst ein müheloses Mixen. Wenn du dir diesbezüglich bereits sicher bist, kannst du, wenn du zur nächsten Lektion übergehen möchtest, in der wir beginnen, die Elemente des Tracks zu schwenken. Ordnung, also was ich zuerst tun möchte, ist einen kleinen Mischmythos zu zerstreuen, von dem ich denke , dass er Leuten, die sich in den ersten Jahren der Musikproduktion befinden, ziemlich schädlich ist Leuten, die sich in den ersten Jahren der Musikproduktion befinden, ziemlich schädlich . Wenn du jemandem gegenüber das Mischen erwähnt hast, denken sie normalerweise an Volume Mixing, Kompression, EQ-Sättigung oder so etwas. Und all das sind notwendige und wertvolle Fähigkeiten. Aber tatsächlich besteht der größte Unterschied , wenn es darum geht, gute Mixe , buchstäblich 80 Prozent, der Fähigkeit, die richtigen Elemente von vornherein auszuwählen . Dies hat eine weitaus größere Wirkung als alle technischen Fähigkeiten, aber auch hier wird es Ihnen natürlich hier helfen die letzten zehn bis 20 Prozent beim Mischen herauszuholen. . Aber keine dieser technischen Fähigkeiten wird dir helfen wenn du von vornherein die falschen Elemente deines Tracks auswählst von vornherein die falschen Elemente deines Tracks oder zumindest, wenn du mit Elementen anfängst, die nicht zusammenpassen wird das Gegenteil einer mühelosen Mischung sein. Die erste Phase, um sicherzustellen, dass Sie mühelos Mixe haben, besteht darin , Elemente auszuwählen, bei denen A großartig klingt und B zusammenpasst? Der erste Teil ist wirklich ziemlich offensichtlich. Wenn du z.B. einen Sänger hast und die Leistung schlecht ist, dann wird der Truck selbst nie so toll klingen. Du bist nur so stark wie das schwächste Glied und du kannst es vielleicht mit Verarbeitungs- und Mischtechniken ein bisschen besser klingen lassen als im Originalzustand, aber es wird niemals großartig sein. Das Gleiche gilt für jedes einzelne Element in deinem Track, vom Schlagzeug bis hin zu den Leads. Der erste Schritt sollte also, auch wenn er etwas Zeit in Anspruch nimmt, auch wenn er etwas Zeit in Anspruch nimmt, relativ einfach sein, je nachdem Ihr Können, Wissen ist und welche Beispiele Instrumente Sie für alle Niveaus zur Verfügung haben . des Könnens des Musikers, den du aufnimmst. Der zweite Teil erfordert etwas mehr Sorgfalt und das stellt sicher, dass die Elemente zusammenarbeiten. sind einige Dinge zu Bei der Auswahl der richtigen Elemente sind einige Dinge zu beachten. Der erste ist Rhythmus. Nun, das sollte ziemlich offensichtlich sein, und ich denke, es ist für die meisten Menschen größtenteils intuitiv. Aber sagen wir zum Beispiel, du hast einen abgehackten Bass auf einem abgehackten Lead und vielleicht sogar ein arpeggiertes Muster in deinem Track. Wenn sie alle einen anderen Rhythmus spielen, klingt das wahrscheinlich nach Chaos. Eine Möglichkeit, es zum Laufen zu bringen, wäre also, Sie Ihren Ausgangswert aufteilen würden. Das ist in Ordnung. Und dann haben Sie ein Lead, das nachhaltigere Töne hat , anstatt vollständig zerstückelt zu werden, dann könnte sogar Ihre Kunst in dieser Mischung genauso gut funktionieren. Du musst die Rhythmen der in deinen Tracks verwendeten Elemente ausbalancieren . Nun, das wird von einigen Leuten vielleicht intuitiver verstanden, aber es ist definitiv erwähnenswert weil manche Menschen diesen Fehler machen. Sie haben einfach zu viele widersprüchliche Rhythmen und das wird das Mischen sehr schwierig machen. Dann sind wir bei der Frequenz. Sie mussten sich also keine Sorgen machen die Grundlinie die High Hats stört oder maskiert , da sie sich in völlig unterschiedlichen Frequenzbereichen befinden. Möglicherweise müssen Sie sich jedoch Sorgen machen, dass ein Bleiton den Hutsound beeinträchtigt, insbesondere wenn das Kabel sehr hochfrequenzfokussiert ist und möglicherweise zusätzliches Rauschen, auch weißes Rauschen, enthält . Dann hast du den Hut , der ein sehr ähnliches weißes Geräusch hat wieder eine Art Textur oder Tom Rotor. Wenn sie ähnliche Texturen und denselben Frequenzbereich haben , neigen sie dazu, ineinander zu verschmelzen und der Hut geht im Mix verloren. Und um das zu vermeiden, können wir einen Hut mit einem anderen Tambora verwenden , was uns natürlich zu Tambora bringt. Heute bezeichne ich Tambora oft als die Textur des Klangs. Sie können also eine dichte Textur haben, eine hohle Textur , so etwas. Wir verwenden beschreibende Namen für die Art und Weise, wie Sie den Sound beschreiben. Und das müssen Sie berücksichtigen, wenn Sie zwei Elemente haben, die einen unterschiedlichen Rhythmus haben, aber denselben Frequenzbereich belegen. Also setzen wir unser Beispiel für White Noise, Heavy Blei und White Noise Heavy Hat fort . In diesem Fall könntest du den Hut einfach gegen etwas austauschen, das eine ganz andere Zeit hat. Etwas, das weniger rauscht, z. B. eine dichtere Textur, und es hebt sich dann vom Kabel ab, obwohl es sich im gleichen Frequenzbereich befindet. Nun, wenn keines dieser Dinge funktioniert, dann musst du wahrscheinlich einfach ein neues Element oder einen anderen Sound wählen, anderen Rhythmus ausprobieren usw., bis du etwas findest, das funktioniert wirklich gut für deinen Track. Betrachte das als eine Art Vorsprechen verschiedener Schauspieler für verschiedene Rollen in deinem Stück. Wenn du also all diese Dinge bei der Auswahl der Elemente deines Tracks beachtest und du Sounds bekommst, die toll klingen, aber auch sehr gut zusammenpassen. Dann werden Sie feststellen, dass der Mischvorgang um Größenordnungen einfacher ist , als wenn Sie keine Elemente haben, die auf natürliche Weise zusammenarbeiten. Und dies ist möglicherweise der grundlegende Fehler , zu dem die meisten Anfänger neigen. Und das heißt, sie finden einfach diese Geräusche, die für sich genommen fantastisch klingen könnten. Aber wenn sie dann zusammenfügen, funktionieren sie nicht wirklich. Und dann verbringen sie ewig damit, sie zu komprimieren oder EQ und all dem Rest zu versuchen, sie zusammenzufügen. Wir sind es, sie funktionieren einfach nicht wirklich. Die richtigen Elemente auszuwählen, die miteinander funktionieren, macht also buchstäblich 80 Prozent des Problems aus. Und dann sind Ihre technischen Fähigkeiten, Wissen über Kompressions-EQ, die letzten zehn bis 20%. Und nur nebenbei, das ist der Grund, warum es einige Produzenten gibt, die sich einfach nur mit Musik beschäftigen und einfach nur mit Musik beschäftigen und das etwa ein halbes Jahr oder ein Jahr lang machen. Und sie lassen sich diese Nummer-Eins-Hits einfallen. Natürlich muss man wirklich gut darin sein, Songs zu schreiben, aber wenn es ums Mixen geht, sind sie einfach sehr gut darin Elemente auszuwählen, die zusammenpassen, vielleicht nicht so sehr darauf konzentriert, wie man sie benutzt Kompression oder EQ oder so etwas, ist das wichtig? ist es wirklich. Okay, das ist also genug für mich, darüber zu plaudern. Das Letzte, was ich erwähnen möchte ist, dass Sie, sobald Sie die richtigen Elemente haben , diese Elemente natürlich miteinander ausbalancieren müssen . Und da kommen auch grundlegende EQ und Komprimierung und solche Dinge ins Spiel. Es bedeutet aber auch, jedem Element den Raum zu geben , den es in der Mischung benötigt , damit alles klar wird und die anderen Elemente nicht auf andere Weise maskiert werden. Die Analogie, die ich verwende, ist, wenn Sie Schauspieler auf der Bühne haben, haben Sie den Hauptdarsteller, sagen wir, das ist der Gesang in Ihrem Mix. Du hast alle Nebendarsteller, das Schlagzeug oder die Hauptdarsteller oder was auch immer ihre Aufgabe ist den Hauptdarsteller zu unterstützen und mit ihm zu arbeiten. Aber wenn diese anderen Schauspieler über den Hauptdarsteller schreien, dann wird es einfach ein verwirrendes Durcheinander sein. Gleiche gilt für Musik. Wähle ein Element in beliebigen Abschnitt deines Tracks aus und mache es zum Hauptdarsteller. Alles andere in deinem Track sollte also da sein, um dieses Element zu verbessern, und nicht übertriebene Schreie. Okay, das ist der Überblick über den Mischprozess, wirklich wichtig, um das zu verstehen, und das war's für diese Lektion. In der nächsten Lektion werden wir uns mit dem Verschieben aller Elemente dieses Tracks befassen. Vielen Dank, dass Sie gesehen haben, wie sich Jungs und Frauen im nächsten Video sehen. 24. BTP Ambient Chill Lektion 23 Panning: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, in dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie wir einige Elemente unseres Tracks verschieben. Aber bevor wir darauf eingehen, lassen Sie uns ganz kurz über Planung sprechen und darüber , wie sie in der modernen Musik allgemein angegangen wird. Zunächst ist es wichtig zu unterscheiden, ob etwas einfarbig ist oder ob es in der Mitte des Mixes geschwenkt wird. Wenn also etwas Mono ist, hat es buchstäblich überhaupt keine Stereo-Information. Aber wenn wir über etwas sprechen , das in der Mitte geschwenkt ist, könnte es immer noch Stereoinformationen enthalten. Es ist nur so, dass das Gleichgewicht zwischen dem linken und dem rechten Kanal gleich ist. Es ist also überlegt und senza, aber es wäre nicht Mano. Ok, es ist also ein wichtiger Unterschied zu verstehen , dass manche Leute, wenn man sagt, dass etwas im Totpunkt , sie denken, dass es automatisch Mono ist, das ist einfach nicht der Fall. Okay, also wenn es um das Mixen geht, generell gesehen, die Hauptelemente des Tracks einen toten Sensor, also die Bassdrum, den Leadgesang, also z.B. , du könntest einen sehr breiten Lead in deinem Track haben, oder du hättest den Gesang verdoppeln, verfolgen und nach links und rechts schwenken können, wobei die Hauptstimme in der Mitte liegt. Nun, beide werden eine nette Art von großen Stereoeffekten haben . Aber auch hier ist das Gesamtbild so, dass sie im Stereofeld absolut zentral liegen. Jetzt können Sie natürlich gerne experimentieren, aber Sie werden feststellen, dass sich die meisten Tracks einem Gemälde auf diese Weise nähern. Und aus gutem Grund sind es oft die Tracks mit einfacher Polsterung. Die meisten Elemente sind also die Hauptelemente, die in der Mitte nach unten geschwenkt sind, wobei ein oder zwei der Hauptelemente ein oder zwei der Hauptelemente im Stereofeld breiter sind, aber immer noch im Totpunkt sind, wie Double-Check, Gesang oder Gitarre oder was auch immer. Und dann sag ein oder zwei Elemente oder vielleicht drei oder vier, was auch immer. Vielleicht einige der SFS-Sounds, die dann im Stereofeld von links nach rechts geschwenkt werden, was deinem Track ein gewisses Gefühl von Stereotypen verleiht. Also nur um ein Beispiel dafür zu geben, lass uns das durchgehen und das mit diesem Track machen damit du irgendwie verstehen kannst, worüber ich in diesem Track plappere. Offensichtlich haben wir, dass das Hauptpad eines der Hauptelemente des Tracks ist . Das wird also geschwenkt. Totpunkt. werden wir nicht ändern, aber es hat auch eine gewisse Stereobreite. Es ist nicht nur ein Mono-Sound. Die Grundlinie wird so ziemlich immer der Totpunkt sein. Sehr, sehr seltene Umstände oder einfach sehr experimentelle Tracks, bei denen sich jemand dafür entscheiden könnte, die Grundlinie zur einen oder anderen Seite zu verschieben. Ich kann es nicht besonders empfehlen. Und dann sind die Trommeln natürlich so ziemlich komplett geschwenkt, auch im Totpunkt. Und dann natürlich die anderen Elemente, also das Klavier, das Klavier ist ein Hauptelement, aber damit können wir ein bisschen herumspielen. Die Adagio-Saiten in C, das wird nicht wirklich als Hauptelement angesehen. Das erste, was tatsächlich tun wird, ist, die Digest-Saiten und das Klavier in entgegengesetzte Richtungen zu schwenken . Also in Cubase ziemlich einfach. Ich meine, es sollte in den Kanaleinstellungen sein, aber wir können den Pan hier einfach ändern. Also lass uns versuchen, es ist einfach ein bisschen zu experimentieren, wenn das reinkommt. Ich versuche wirklich, die Saiten so klingen zu lassen , als kämen sie von links, aber nicht vollständig. Sie möchten, dass immer noch ein bisschen Signal aus dem rechten Lautsprecher kommt. Und wenn dann dieses Klavier reinkommt, möchte ich, dass es von der rechten Seite kommt. Lassen Sie uns das auch ein bisschen überdenken. Nicht schon wieder zu verrückt, ich möchte nicht, dass das komplett im richtigen Lautsprecher ist. Ich mache das nur, um sie ein bisschen zu trennen. Das ist ganz nett. Sie könnten möglicherweise etwas extremer werden, wenn Sie wirklich einen Anzug wollen. Da das Klavier jedoch eines der Hauptelemente ist, möchte ich es nicht zu weit nach rechts werfen. Und tatsächlich sind wir vielleicht sogar ein bisschen extrem, wenn wir den vollen Sitz auf der rechten Seite haben, aber mir gefällt, wie es klingt, also lassen wir es vorerst so. Das macht die Mischung insgesamt nur etwas interessanter. Also das ist alles gut. Nun, in dieser zweiten Hälfte haben wir diese Art von musikalischem Hit, der reinkommt, diesen Sound, der ausfällt, wenn das Klavier reinkommt. Also, was wir tun werden, ist, diesen Sound nach rechts zu schwenken, genau wie beim Klavier. Das war ungefähr 40 nach rechts. Lass uns einfach ein bisschen zuhören. Wenn also die DYJ-Saite reinkommt , wird sie auf der linken Seite sein. Das klingt auf der rechten Seite. Und wenn dann das Klavier reinkommt und dieser Ton ausfällt, ist das natürlich reinkommt und dieser Ton ausfällt, auch auf der rechten Seite. Es hält also irgendwie die Stereobalance. Er ist so ziemlich anständig, das ist in Ordnung. Jetzt denke ich, nur noch eine Sache, die ich tun möchte, und das sind unsere Saiteneffekte. Ich möchte, dass diese Treffer abwechselnd nach links und rechts geschwenkt werden. Lassen Sie uns einfach eine Automatisierungsspur aufrufen. Ich werde das von Lautstärke auf Schwenken umstellen. Siehst du, das musst du nicht an der Tür deiner Wahl tun. Und ich denke, beim ersten Treffer möchte ich genau mittendrin sein , hier ein paar Punkte einbringen und dann haben wir unseren zweiten Treffer. Nicht dass es wichtig wäre, aber wir gehen nach links. Dann können unsere dritten Treffer nach rechts verschoben werden. Und dann wieder gehen die letzten Treffer wieder nach links. Okay, es ist also nur ein bisschen Abwechslung. Nicht allzu verrückt, aber nur um den Track ein bisschen interessanter zu machen. Okay, es ist in Ordnung. Wenn Sie nur den dritten Treffer etwas extremer nach rechts schwenken. Es ist also etwas auffälliger. Lass das sogar auf der linken Seite beginnen und dann zurück nach Central kommen. Aber was auch immer, das ist wirklich nur ein persönlicher Geschmack, es wird nicht bahnbrechend sein oder weitere Exemplare dieses Tracks verkaufen. Ordnung, also insgesamt ziemlich einfaches Schwenken in diesem Track. Offensichtlich verfügen einige dieser Elemente, wie ich schon sagte, bereits über Stereo-Informationen wie das ursprüngliche Mainpad. Das ist sowieso schon nett und umfangreich, wir haben uns ein bisschen mit einigen anderen Elementen befasst und es nur ein bisschen interessanter gemacht. Natürlich haben wir auch ein paar Sounds dabei, wie unser kleines Fill, das auch ein bisschen geschwenkt ist. Also einige Effektsounds haben nur ein paar Informationen über ihn bekommen. Und ich denke, das ist ungefähr alles, was dieser Track braucht. In Ordnung, also vielen Dank , dass Sie Jungs und Frauen beobachtet haben. In der nächsten Lektion werden wir uns mit dem eigentlichen Mischen befassen. Ich sehe den nächsten. 25. BTP Ambient Chill Lektion 24 Mixdown: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, also in dieser Lektion werden wir den gesamten Track mischen. Es geht also hauptsächlich um die letzten Änderungen, die wir gemacht haben wie etwa den Volumenausgleich , alles , was wir durchgemacht haben. Es sind also nur ein paar letzte Änderungen, bisschen EQ hier, bessere Komprimierung da, bisschen dynamischer EQ , den wir auch auf dem Klavier verwenden werden, hat am Klavier etwas mehr Arbeit zu erledigen als alles andere, nur um lass das wirklich richtig sitzen in der Mischung. Aber erst einmal fange erst in der zweiten Hälfte an. Und ich fange einfach mit dem Kick und dem Bass an. Jetzt ist es hier wichtig, das richtige Gleichgewicht von der ersten Hälfte bis zur zweiten Hälfte zu finden. Also werde ich es einfach vor dem Ende der ersten Halbzeit aus 4 Takten spielen , in den Kick und die Snare übergehe. Und ich möchte nur sichergehen, dass ich die richtige Lautstärkebalance zwischen Kick und Snare habe. Ich habe also das Gefühl, dass der Kick nur ein bisschen mehr Wirkung benötigt und das wird erreicht, wenn man ihn einfach so dreht. Also lass uns das einfach ein bisschen aufdrehen. Bruchteil zu viel, etwa -4,6. Ich werde vielleicht auch einfach das High-End ein bisschen abnehmen , nur um es zu umgehen. Und ich werde auch den Hall ein bisschen entspannen . Ich denke, es ist einfach ein bisschen zu viel, die Kicks etwas boomig zu machen, was dem unteren Ende unseres Tracks definitiv nicht helfen wird. Alleine. Das ist viel besser, glaube ich. Lass es uns einfach mit dem Rest der Mischung überprüfen. Typ-D-Tasten zähmen wirklich dieses immer klickende Geräusch, das über dem Kick ist. Nicht viel, nur ein bisschen, aber es ist nur ein bisschen nervig. Das klingt also, ich wollte das nur ein bisschen zähmen. Das ist in Ordnung. Und dann die Schlinge, ich glaube, sie klang damit irgendwie okay, aber nur ein bisschen lauter. Was ich also tun werde, ist diese beiden Kanäle an der Snare, O2 und das Szenario auf Glitched auszuwählen , weil sie offensichtlich Teil desselben Instruments sind, also wollen wir sie auf einmal aufdrehen Zeit. In Cubase kann ich also Alt oder Option plus Shift gedrückt halten. Und wenn ich dann Effekte mache, also die Lautstärke von einem, wird das andere automatisch relativ dazu aufgedreht. Wenn du so etwas nicht in deiner Tür hast , ist das in Ordnung. Drehe sie einfach einzeln um den gleichen Betrag auf. Keine Eingabeaufforderungen. Sag so etwas wie Das klingt ungefähr richtig. Ich gehe einfach ein paar Takte nach Ende der ersten Halbzeit wieder zurück . Sogar der Kick könnte tatsächlich nur einen Bruchteil lauter sein als er bei Troy ist, knapp minus vier -3,95. Das ist in Ordnung. Möchte nur ein bisschen Schlagkraft haben, wenn es ins Spiel kommt , verglichen mit dem Ende der zweiten Halbzeit. Und das klingt ein bisschen besser. Da ist immer noch ein bisschen unausgewogen, als ob das Ende der zweiten Hälfte ziemlich laut wird. Es ist ein bisschen wie ein Crescendo bis zum Endabschnitt. Und wenn das Kind dann reinkommt, klingt es fast ein bisschen schwach. Jetzt werden wir das auf eine andere Art angehen. Also, was ich eigentlich mache, mache ich jetzt und nicht in der Mischstunde. Wir gehen also zu unserem Mastertrack Stereo Out und fügen ein bisschen Automatisierung hinzu. Also genau von hier aus, wo die zweite Hälfte in der Basis beginnt und alles ins Spiel kommt. Wir werden da etwas klarstellen. Wir werden am Anfang einen Punkt angeben und das einfach etwas leiser stellen. Und wir werden auch feststellen, dass die Lautstärke im Laufe des Tracks sehr langsam abnimmt er dieses Crescendo erreicht, Wenn er dieses Crescendo erreicht, wird es offensichtlich viel, viel lauter. Wir bändigen das ein bisschen indem wir die Lautstärke sanft verringern. Eher so. Lass es uns einfach spielen und sehen , welchen Unterschied es macht. Im Grunde besteht die ganze Idee darin, diesem Abschnitt hier, wo er durch plötzliches Erhöhen der Lautstärke viel mehr Wirkung erzielt, zu verleihen . Nun, Sie möchten natürlich nicht, dass dies zu auffällig ist. Es will nicht wie ein riesiger Sprung sein, als ob es den Leuten tatsächlich Angst macht. Sie möchten nur, dass dies dazu beiträgt Gleichgewicht zwischen der Art von Spannung, die sich in diesem Abschnitt aufgebaut hat , und , die Sie spüren, wenn Sie in diesen Abschnitt gehen , auszugleichen. Das klingt viel besser. Vielleicht ein bisschen zu viel, aber nicht viel. Ich denke, wir sind ziemlich nah dran. Sie mag es irgendwie, wo es war, sagt, wir werden es irgendwo in der Nähe aufbewahren. Vielleicht nicht ganz so viel, aber ziemlich nah dran. Und wir können das immer noch anpassen während wir die Mixing-Lektion durchgehen. Aber das ist die Art von Dingen, die ich tun möchte. Wir fangen also an, nur geringfügig weniger als die volle Lautstärke zu hören. Allmählich, sehr langsam abwärts und dann ein großer Sprung nach oben, um der zweiten Hälfte ein bisschen Wirkung zu verleihen. Kleine Änderungen da, nur um das wieder zu erhöhen, nur ein bisschen zu viel, aber das ist absolut in Ordnung. Ich denke, uns geht es gut. Okay, also das nächste, was ich überprüfen möchte. Ich werde mir das nur ein bisschen anhören. Ich möchte nur wissen, ob dieser weibliche Gesang in der zweiten Hälfte ein bisschen zu viel ist weil wir jetzt ziemlich viel los sind, besonders bei einem Ambient-Track, es wird ein bisschen darüber hinaus Minimal bereit, also haben wir die Basis, wir haben das Schlagzeug, wir haben das Klavier, wir haben das Pad, einige Effekte. Und natürlich kommt dieser weibliche Stimmschleim rein. Also möchte ich nur überprüfen, ob das die Mischung nicht überfordert , wenn es darum geht. Seien wir fair. ist dir egal, ob jemand es einfach löscht. Denn wenn er da etwas nicht wirklich hören kann , macht er einfach nicht das, was es soll. Es wird diesem Teil der Strecke nur eine Art Cluster-Feeding hinzufügen . Und hier oben baut sich wirklich alles auf, also brauchen wir es nicht da drin, das ist in Ordnung. Es kann einfach in der ersten Hälfte der Strecke bleiben. Es ist nett dort. Okay, das nächste Ding ist also in der zweiten Hälfte der zweiten Hälfte wo dieser Drum-Loop ins Spiel kommt. Und wir haben unseren dreckigen Orchesterhit , den ich bereits erwähnt habe und den wir klären müssen. Also lasst uns zuerst den dreckigen Orchesterhit machen. Eine Sache, die mir definitiv aufgefallen ist, ist, dass es ein bisschen schwach klingt, also nicht zu viel High-End hat, oder zumindest ist die Balance eher zugunsten des Low-Ends als des High-End. Lass mich das noch einmal spielen. Klingt einfach ein bisschen matschig, fast dieses Geräusch. Lassen Sie uns also das Gleichgewicht ändern. Gehe zu unserem EQ. Ich werde buchstäblich nur ein hohes Regal hinzufügen. Ich denke, das muss ziemlich extrem sein. Wir steigen also um plus sechs dB und ändern damit wirklich die Balance zugunsten des High-End-Modells. Lass uns einfach kurz zuhören. Nun, offensichtlich habe ich es mit EQ-Sets verstärkt, die im Senat laut sind. Wenn ich es jetzt leiser mache, Automatisierung da. Also, was ich tun werde, ist es mit den Automationsspuren zu ändern. In Cubase ist das ziemlich einfach , manche Türen sind nicht ganz so einfach zu bewerkstelligen wie ein schneller Wechsel wie dieser zur Automatisierung. Es ist also ziemlich einfach zu machen. Wie ich in Cubase sage, wir können das einfach tun. Und ich werde über ein paar andere Möglichkeiten sprechen , wie wir das tun können. Lassen Sie uns aber einfach das richtige Gleichgewicht finden. Klingt im Moment okay, oder? Sag also einfach nein, wenn du das mit Automatisierung nicht schaffst, also bist du ein F L und es ist etwas schwieriger, das zu tun. Wenn Sie eine Verstärkung auf dem Kanal haben, was Sie meiner Meinung nach in FL Studio tun. Du solltest also in der Lage sein, das Pre-Game einfach darauf einzustellen . Eine andere Möglichkeit, dies zu tun, besteht buchstäblich darin, einfach ein Standard-EQ-Plugin von Ihrer Tür in Cubase RB Studio EQ zu laden . Und es hat einen Lautstärkeregler an der Seite. Damit können Sie die Lautstärke getrennt vom Hauptlautstärkeregler einstellen. In diesem Fall, aber das ist in Ordnung. Es ist nur eine andere Art, es zu tun. In Ordnung, also ich denke, das ist das einzig ziemlich anständige. Lass uns zu diesem Teil kommen, wo das Dramatische ins Spiel kommt und du die dreckigen Orchesterhüfte hast. Ich habe es erwähnt. Dieser Bereich klingt einfach ein bisschen überwältigend, zu viele Dinge sind los, also das ist nur Zuhören. Es will also voll klingen, aber es ist einfach ein bisschen zu viel. Also werde ich eigentlich einfach auch die Lautstärke für diesen Absturz machen , oder wollte nicht darauf klicken. Ich werde einfach die Automatisierungsspuren herunterfahren und die Volumenautomatisierung durchführen. Lass uns einfach herausfinden, sagen wir, schmutziger Orchesterhit kommt im Offbeat rein. Also werde ich da einfach einen Punkt angeben, sagen wir einen Schlag später. Ich mache einfach so etwas, nur damit es in dem Moment sinkt , in dem der Base-Hit eintrifft. Saugt einfach den Absturz aus und gibt der Basis etwas mehr Platz. Außerdem kann man den neuen Drum-Loop nicht wirklich hören , wenn dieser dreckige Orchesterhit gespielt wird. Also, wenn wir uns darauf konzentrieren, das zu hören sage ich es nur für eine Sekunde. Der Loop und der dreckige Orchesterhit. Du kannst den Loop überhaupt nicht hören. Also werde ich es einfach von dort löschen. Und das wird auch helfen , das ein bisschen aufzuräumen. Und ich denke, dass Hits sogar ein bisschen lauter sein können. Mal sehen. Ich werde nur das Level beim ersten überprüfen . Also eigentlich könnte das Ganze nur ein bisschen lauter sein. Sag es noch einmal, ich gehe einfach hier rein. Erhöhen Sie das etwas und senken Sie es einfach offensichtlich ein bisschen zu stark. Okay, jetzt schauen wir mal, wie sich das anhört. Klingt und viel sauberer , dass wir zumindest die dreckigen Orchesterhits wirklich richtig hören können . Und es ist nicht so, dass es wirklich von irgendetwas anderem wegnimmt. Ich denke, es hat diesen kleinen Abschnitt gerade genug neu ausbalanciert . Jetzt haben wir gerade diesen Loop hier , der im Moment ziemlich viel Tiefgang hat. Also werde ich einfach aus z herausfiltern. Ich verwende einen Filter, der Ich verwende einen Filter quasi in die CQ-Basis-Kanaleinstellungen eingebaut ist. Aber es ist genauso, als würde man das Tiefband auf Band eins an einem EQ in einen Tiefschnitt oder Hochpass ändern . Das Gleiche. Jetzt füllen wir nur einen Teil der Basis aus, wahrscheinlich so etwas. Aber lassen Sie uns einfach ein bisschen zuhören. Also wirklich nur das U-Boot rausnehmen, vielleicht sogar einen Bruchteil mehr. Weil da drin Unterbecken sind. Es wird zu einem Konflikt mit unserer Grundlinie kommen und das gesamte Bass-End schlammig klingen lassen das gesamte Bass-End schlammig klingen , was es auch getan hat. Hoffentlich sollte es jetzt in Ordnung sein. Also das ist nett. Es hat immer noch ein bisschen Tiefgang in der Mitte, was herrlich ist. Und ich habe den Hall nur ein bisschen angepasst , nur um ihn etwas zu zähmen. Nun, wo wir hier sind, lassen Sie uns diesen Hahaha-Hit klären , den wir gerade haben, wie die Orchesterhits, die einfach ein bisschen wie Dem-Seite klingen . Lassen Sie uns also einfach ein bisschen vom unteren Ende entfernen , ist die gleiche Einstellung von 48 dB Slope. Und ich möchte einfach alles herausnehmen, was wirklich unter 50 Hz ist oder irgendein Sub , das da drin ist. Und ich denke, wir werden dem ein hohes Regal hinzufügen wollen , das High-End steigern wollen. Hör einfach noch einmal zu. Sag ja, lass uns das einfach ein bisschen aufhellen . Bruchteil zu viel. Und natürlich habe ich jetzt den EQ erhöht. Es hat offensichtlich die ausgeglichene Lautstärke verändert. Das ist ein bisschen lauter als es war. Habe es wieder ausgeglichen. Bei Fraction Outer Butt sollte es um Rechte gehen. Kann es so lassen, das ist in Ordnung. Ordnung, also ich denke, diese Lektion hat lange genug gedauert. Was wir noch tun müssen, ist nur das Klavier, denn das Klavier klingt im Moment nicht so, als ob es mit dem Rest des Tracks wirklich ein Gelee wäre. Also werden wir ein paar Tricks anwenden, um das zum Laufen zu bringen. bisschen Kompression, etwas dynamischer EQ, was ich dir zeigen werde, wie man mit einem völlig kostenlosen Plugin umgeht , was ziemlich genial ist, und das alles werden wir in der nächsten Lektion machen. Okay, vielen Dank , dass du Jungs und Mädels beim nächsten Mal zugesehen hast. 26. BTP Ambient Chill Lektion 25 Piano: Hallo zusammen, willkommen zurück. Ordnung, also in dieser Lektion werden wir uns dem Klavier befassen. Das Klavier braucht im Moment ein bisschen Arbeit, geht im Mix einfach ein bisschen unter. Es ist auch ein bisschen zu tief in der Tonhöhe, sodass es tatsächlich alle anderen Mitteltonklänge ein wenig stört . Also das Erste, was ich tun möchte, ist die Tonhöhe zu ändern. Lassen Sie mich es einfach so spielen, wie es gerade ist, nur ein paar Takte, bevor es reinkommt. Es klingt also irgendwie nett, aber die Tonhöhe ist etwas niedriger, also wähle ich beide aus, okay, also wähle ich einfach alle aus und ich werde es erhöhen und aufnehmen, indem ich die Umschalttaste gedrückt halte und drücke der Aufwärtspfeil. Auch das könnte an Ihrer Tür etwas anders sein, und natürlich kann er sie einfach mit der Maus nach oben ziehen , ohne dass Sie dazu aufgefordert werden. Und hören wir uns das einfach ein bisschen an. Ich denke, es passt viel besser zur Strecke. Ich mag zwar einen Teil der Mittelklasse aus der Zeit, als er noch in einem niedrigeren Octavius war. Wir haben hier also ein paar Optionen. Du kannst es wirklich schön und sauber halten. Es wird nur eine Note nach der anderen gespielt, was mir gefällt, besonders in einer zweiten Hälfte hier. Es ist nett, aber wir könnten, wenn du willst, nur einen kleinen Trick, du kannst auf einmal etwas Homosexuelles in beide Bereiche des Klaviers machen, erneut Strg a drücken, und dann kopiere ich das eine Oktave runter. Und natürlich wird das genau das Gleiche spielen, nur sowohl eine Oktave höher als auch eine Oktave tiefer. In der Mischung. Es klingt so. Ich denke, es klingt ein bisschen offensichtlich , dass Sie die beiden Octavius geschichtet haben. Also, was würde ich mit dem Klavier machen, das wir gerade kopiert haben, nur um meine untere Zone mit einer Geschwindigkeitsinformation zu erweitern . Verkleinern Sie die Ansicht etwas, damit wir sehen können, was passiert. Und wenn all das ausgewählt ist, was wir gerade kopiert haben, würde ich das etwas leiser stellen und die zweite Hälfte muss ich separat machen. Das ist absolut in Ordnung. Kein Problem. Aber hören wir uns dieses Solo einfach ein bisschen an. Also Tenant gleich für den Anfang. Das sind also wirklich nur die hohen Töne, die gespielt werden. Zweiter hier. Offensichtlich. Die tieferen Töne, die kommen, wenn ich die Geschwindigkeit erhöhe, tragen einfach dazu bei, dass der Unterton tiefer und mittiger ist, was wirklich nett ist. Also das ist in Ordnung. Gehen wir jetzt hier zur zweiten Hälfte. Also wechsle ich gerade zu diesem, dem Klavier in der zweiten Hälfte. Und wir werden einfach dasselbe tun. Aber ich glaube, ich werde die noch mehr leiser stellen. Die unteren Töne, die wir gerade kopiert haben. Der Grund dafür ist, dass diese Hälfte offensichtlich viel geschäftiger ist. Es gibt Trommeln und alles ist los. Wir wollen also nicht wirklich, dass das Klavier zu dick klingt. Es funktioniert besser in der ersten Hälfte , wo es sehr wenig gibt. In dieser Hälfte wollen wir einfach wirklich die hohen Töne hören oder vielleicht ein kleines bisschen von den tiefen Tönen. Das klingt also nach einem K, das aus dem Klavier gekommen ist. Und ich habe es einfach sehr schnell gemacht, weil ich es nicht ganz richtig gemacht habe, aber ich möchte das aufdrehen hahaha, ganz, ganz leicht. Also lass uns das einfach ein bisschen aufdrehen. Hat nicht ganz die Wirkung , die ich mir wünsche, wenn es eintrifft. Okay, nun, lass es eine Weile so stehen und wenn wir es uns anhören und es plötzlich zu stark herausspringt, gehen wir vielleicht zurück und ändern es, aber für den Moment ist das absolut in Ordnung. Okay, also zurück zum Klavier. Hören wir uns diesen Endabschnitt hier an , denn das waren wirklich einige der Noten , die ziemlich verloren gehen, wenn alles andere gespielt wird. Immer noch ein bisschen verloren, obwohl wir es um eine Oktave angehoben haben, ist es einfach nicht ganz laut genug. Natürlich können wir einfach die Lautstärke erhöhen, was ein bisschen helfen könnte. Aber worauf ich mich hier konzentriere, ist, die leiseren Schläge des Klaviers im Vergleich zu den Schlägen mit höherer Geschwindigkeit zu hören die leiseren Schläge des Klaviers im Vergleich zu den Schlägen oder je lauter die Schläge sind, die Softwaretreffer gehen eindeutig verloren. Aber die lauteren Treffer schlagen sich durch. Okay, also wir werden das ausgleichen, indem wir ein bisschen verwenden und ich bin in ein bisschen Kompression. Also gehen wir in die Kanaleinstellungen für das Raumklavier. Ich werde nur den standardmäßigen schlüsselbasierten Kompressor hinzufügen. Auch dies wird in jeder Tür genau oder so ziemlich genau dasselbe sein. Also, was wir hier tun werden ist das gesamte Klavier komprimiert, aber sehr, sehr sanft. Wenn es erlaubt ist, kommt ein Schlag rein, es wird es etwas leiser drehen als wenn eine weiche Spitze reinkommt , und es wird nicht viel mehr leiser werden. Also im Grunde das Klavier ein bisschen ausgleichen. Jetzt wollen wir nicht zu viel damit anfangen, weil wir diese Geschwindigkeitsinformationen wollen. Wir möchten, dass es sich so dynamisch anfühlt, als ob einige Tasten sehr leise gedrückt werden, andere stärker gedrückt werden, so etwas. Aber wir ändern nur das Gleichgewicht ein bisschen. Lassen Sie uns jetzt einfach ein Setup erstellen. Ich will keinen Halt, keinen Angriff und keine Freilassung. Dies kann nur eine sofortige Komprimierung sein, aber wir wollen auf jeden Fall eine niedrige Kompressionsrate. Also irgendwo knapp zwei, was bedeutet, dass alles im Grunde um 50 Prozent abgelehnt wird , wenn es den Schwellenwert überschreitet. Und alles, was wir jetzt tun müssen, ist nur ausgewogen. Der Schwellenwert wird sagen, ich schalte einfach die automatische Makeup-Verstärkung und wir werden das einfach ein bisschen erhöhen. Was wir hier suchen, steht also wirklich auf dem Gain-Reduction-Meter. Also sieh nach, wenn wir schwere Treffer haben, sollten wir eine stärkere Verstärkungsreduzierung sehen. Wenn wir einen sehr leichten Treffer haben. Wir sollten überhaupt nicht viel sehen. Wenn wir zu viel sehen, wenn wir einen weichen Treffer durch eine starke Verstärkungsreduzierung erhalten, müssen wir möglicherweise den Schwellenwert anpassen, um das auszugleichen. Lassen Sie uns das einfach durchgehen. Also lade und hör ein bisschen zu. Sagen wir, das war dann kein so gutes Testfeld für uns. Selbst bei diesem weicheren Mittenschlag dort wird die Verstärkung einfach etwas zu stark reduziert. Also werde ich einfach die Schwelle erhöhen. Wir können also bei diesem zweiten Treffer sehen, genau hier, dass diesem zweiten Treffer sehen, genau hier, wir weniger Verstärkungsreduzierung erhalten. Und dann sollten wir bei schwereren Treffern mehr bekommen. Also irgendwo in der Nähe ist es absolut in Ordnung. Sollte gut sein. Es ist eine sehr subtile Änderung, aber wir machen die leiseren Hits einfach etwas lauter. Großartig. Okay, das klingt absolut perfekt. Lass es uns so belassen. Wir haben immer noch weichere Hits , die weicher klingen. haben wir nicht komplett geändert. Also alles gut. Nun, eine Sache, die ich machen möchte, zusätzlich zum Equalifizieren des Klaviers, tut mir leid, wir haben schon EQ, aber ich möchte einfach irgendeinen Teil des Tieftonbereichs entfernen. Lass uns das einfach noch einmal sagen. Jetzt werden Sie kaum noch wahrgenommen , da das Klavier hauptsächlich auf den mittleren und hohen Frequenzbereich fokussiert ist. Es gibt nur ein bisschen Tiefgang von der Klavieraufnahme oder was auch immer. Also nehmen wir das raus, aber nur um absolut sicherzugehen , dass nichts mit unserem U-Boot in Konflikt gerät. Halte das Low-End schön sauber. Ordnung, also eine letzte Sache, die ich mit diesem Klavier machen möchte , ist ein dynamischer EQ. Was wir also mit dynamischem EQ machen können, ist, dass wir im Grunde ein EQ-Band seitenketten können und es die Frequenzen in einen Teil oder ein Element oder eine Reihe von Elementen dippen Element oder eine Reihe von lassen können, wenn eine Sache ausgelöst wird. Also, was wir hier tun werden, ist, das Klavier als Side-Chain-Eingang für einen EQ zu verwenden , der die hohen Frequenzen aus allem anderen im Track herausholt. Das wird also dazu beitragen, ein bisschen mehr Platz für das Klavier zu schaffen . Wenn es reinkommt, wird es im Vergleich zum Rest der Mischung mehr Wirkung haben . Jetzt ist das Ziel hier, es so zu machen, dass es nicht einmal auffällt, dass alles andere getaucht wird, ist nicht so, als würde man Side-Chain verwenden, wo auf dem Kick und der Base , wo man diese verdammte Art von offensichtliche Volumenänderung in der Dynamik oder Amplitudenänderung oder was auch immer. Das ist viel subtiler, wird aber auch dazu beitragen, dass sich das Klavier wirklich durchsetzt und ein Hauptelement ist, oder? Lassen Sie uns das jetzt tun, damit das passiert, müssen wir den dynamischen EQ zu einer Gruppe oder einem Bus hinzufügen , durch den alles andere außer dem Klavier geleitet wird. In Cubase mache ich das jetzt einfach. Dafür möchte ich sehen, ob Routing im Grunde etwas anderes ist als das Raumpiano, dieser Track, ich möchte zu einem Bus weitergeleitet werden. Also wähle ich alles aus, was in Stereo-Ausgang gehen soll , das nicht das Klavier ist. Lass uns einfach durchgehen und alles auswählen. Also natürlich, wenn es bereits an eine Gruppe weitergeleitet wurde , aber das ist in Ordnung. Es kann bis in diese Gruppe hinein verwurzelt bleiben. Wir werden diese Seitenkettengruppe auch zu diesem neuen Bus oder dieser neuen Gruppe weiterleiten diese Seitenkettengruppe auch zu diesem , die wir erstellen werden. Also lass uns einfach durchkommen. Wir wollen, dass unser Hall dorthin weitergeleitet wird und wir wollen, dass unsere Side-Chain-Gruppe hindurchgeleitet wird. Jetzt ist es in Cubase ziemlich einfach , wenn all das ausgewählt ist. Ich kann einfach mit der rechten Maustaste klicken. Gehe Gruppe zwei ausgewählten Kanal hinzufügen, tut mir leid, du kannst nicht sehen, dass er einfach nicht auf dem Bildschirm ist. Es heißt nur Gruppenkanal zu ausgewählten Kanälen hinzufügen. Also werde ich einfach darauf klicken. Natürlich möchte ich, dass es Stereo ist. Und ich nenne es einfach Premaster und füge einen Track hinzu. Jetzt wird alles im gesamten Track, außer dem Klavier, durch diese Gruppe geleitet. Lassen Sie uns Ihnen nur ein kurzes Beispiel geben , damit Sie wissen, wovon ich spreche? Jetzt haben wir alles außer dem Klavier an diese Gruppe weitergeleitet. Wir wollen einen dynamischen EQ hinzufügen. Heutzutage gibt es ziemlich viele Türen, Cubase hat einen dynamischen EQ wenn du die Pro-Version hast, aber einige nicht. Es gibt also ein kostenloses Plugin , das du verwenden kannst, was wirklich großartig ist. Wenn Sie also einfach zu Google gehen, geben Sie Nova ein, EQ VS t sollte der erste Link sein. Dies ist ein kostenloses Plugin, also laden Sie einfach das entsprechende Installationsprogramm für Ihr System herunter. Es ist alles 64-Bit VS S3 für Mac und Windows. Also lade das herunter und installiere es. Ich werde es einfach in meine Premaster-Gruppe laden. Es ist also unter EQ TDR Nova. Seitliche Verkettung funktioniert etwas anders, je nachdem, welche Tür dein m hat. Auch hier hättest du eigentlich schon Seitenketten in Cubase machen sollen. Es ist so einfach wie das Aktivieren der Seitenkette. Und dann kann ich den Kanal auswählen, den ich verwenden möchte, da der Seitenketteneingang in Ihrer Tür etwas anders sein könnte . Machen Sie es tatsächlich andersherum, nur damit Sie sehen können, was Sie normalerweise tun würden und verehre. Und das heißt, wenn die Seitenkette aktiviert ist und stellen Sie sicher , dass sie aktiviert ist. Es ist ziemlich wichtig. Und dann gehen wir zu dem Kanal, den wir als Side-Chain-Eingang verwenden möchten, in diesem Fall zum Klavier, zu den Kanaleinstellungen. Und dann senden wir ein Signal an die Premaster-Gruppe, TDR Nova. Das ist also der Side-Chain-Eingang, aktiviert ihn und dann wird das Signal durchgesendet. Jetzt ist es sehr wichtig zu verstehen, dass wir hier Post-Fader senden, was bedeutet, dass wir alle Lautstärkeänderungen vorgenommen haben oder irgendein EQ, irgendwelche Effekte und ähnliches. All dies wird an die Side-Chain-Eingänge von ANOVA EQ gesendet . Warum erkläre ich das jetzt? Denn wenn wir uns für so etwas wie Delay am Klavier entscheiden , lassen Sie uns einfach schnell ein Stereo-Delay hinzufügen. Richte das schnell ein. 14 auf der einen Seite, einer für Docid auf der anderen. Es ist einfach, die Mischung leiser zu stellen. Lass uns das einfach mit der Verzögerung auf dem Post-Fader spielen . Das bedeutet, dass auch das verzögerte Signal an den Seitenketteneingang gesendet wird , was wir nicht besonders wollen. Ich meine, es ist möglich , dass Sie das möchten, aber wir wollen nicht wirklich, dass die Nebenkette auch durch die Verzögerungen ausgelöst wird . Wir wollen nur, dass der erste Treffer es auslöst. In diesem Fall ändern wir dies einfach in ein Geschenk, was bedeutet, dass das Signal an die Seitenkette gesendet wird , bevor es durch den Fader geht, bevor es den EQ passiert, bevor es durchgeht, bevor es durchgeht irgendwelche Auswirkungen. Nichts, was ich hier ändere, wird das Signal beeinflussen, das in die Seitenkette geht, etwas langatmig. Aber unter bestimmten Umständen ist es wirklich, wirklich wichtig, das zu wissen. Also nur für den Moment werde ich die Stereo-Verzögerung umgehen lassen. Vielleicht möchten wir es hinzufügen, aber ich bin mir nicht zu 100% sicher, ob es eher ein Beispiel ist , aber es klingt nett. Wir werden also in einer Sekunde sehen, wie sich das anhört. Lass uns einfach mit dem EQ unserer Premaster-Gruppe weitermachen. Also unser TD Nova, eigentlich entschuldige ich mich. Eine Sache, die wir tun müssen, bevor wir weitermachen, ist genau herauszufinden , welche Frequenzen wir vom Rest des Tracks im Gegensatz zum Klavier absenken wollen vom Rest des . Schauen wir uns also noch einmal die Pianokanaleinstellungen an. Und ich werde einfach einen EQ benutzen. Lass uns Band drei aktivieren. Das wird also nur ein normaler parametrischer EQ sein. Ich werde die Steigung ändern, wenn es etwas steiler ist, vielleicht nicht so steil, so etwas. Und ich möchte nur einen Filter-Sweep machen und wirklich herausfinden, wo die markantesten Frequenzen für das Klavier sind. Also lass uns einfach alleine Klavier spielen . Also ungefähr fünf K Mark, würde ich sagen. ist es wirklich, wo es plötzlich richtig schön und hell wird. Aber ich brauche den EQ hier nicht mehr. Wir müssen nur wissen, dass wir von fünf K sprechen, vielleicht kurz vor fünf K. Also werde ich das einfach deaktivieren. Jetzt kann ich zu meinem Nova EQ gehen. Und lass uns dafür einfach Band drei verwenden. Das ist in Ordnung. Wir wollen ungefähr fünf K, also das ist in Ordnung. Wir wollen es nur in die richtige Position bringen. Wir wollen im Moment eigentlich nichts erhöhen , das ist in Ordnung. Also kurz vor der Fünf-K-Marke. Und jetzt müssen wir Threshold einschalten , sagt, quasi den Kompressor für dieses spezielle Band aktivieren. Ich will eigentlich keinen Angriff. Ich möchte, dass das so niedrig wie möglich ist. Die Veröffentlichung will auch einfach nur sinken, wenn das Klavier spielt. Sobald das Klavier mit dem Spielen fertig ist, will es wieder auf volle Lautstärke gehen. Das Letzte, was wir tun müssen, damit das funktioniert, ist einfach den Schalter von der internen Seitenkette zur externen Seitenkette umzudrehen . Wenn jetzt das Klavier schlägt, sollten wir sehen, wie dieser Rückgang abnimmt. Sie können also deutlich sehen, dass wir bei jedem Schlag des Klaviers einen Frequenzabfall um die Fünf-K-Marke in der Premaster-Gruppe bekommen , genau das, was wir wollen. Das alles bedeutet also, den markantesten Frequenzen des Klaviers etwas mehr Platz zu geben den markantesten Frequenzen des . Wann immer das Klavier schlägt, lass es uns einfach von Anfang an spielen und ich werde das einfach ein bisschen umgehen. Nun, das ist ein subtiler Effekt, aber du solltest wirklich nur beachten , dass das Klavier einfach etwas klarer wird und mehr Platz hat, wenn dies aktiviert ist. Okay, also fange ich damit an, dass es umgangen wurde. Für mich. Das kann ich wirklich hören. Ich denke, es gibt dem Klavier definitiv viel mehr Platz. Jetzt werde ich es wirklich extrem machen, nur damit du sehr, sehr deutlich hören kannst, was den Premaster-Tracks passiert. Ich werde mich nur an meine Einstellung erinnern und **** , um dir was zu sagen. Lass uns das einfach kopieren, falls ich es vergessen sollte. Und dann machen wir es einfach super extrem. Ich meine, offensichtlich klingt es furchtbar weil du gerade fertig bist, du entfernst all diese Frequenzen, wenn das Klavier schlägt. Offensichtlich wollen wir das nicht. Gehen wir also zurück zu dem, worum wir gebeten wurden, 0.1. Und auch hier soll es sich um einen subtilen Effekt handeln, nicht auffällig sein soll. Und das Schöne daran ist, dass natürlich, wenn Sie die Frequenzen des Premasters dimmen , dieselben Frequenzen immer noch im Klavier vorhanden sind . Es ist also viel schwieriger, es tatsächlich zu bemerken. Du merkst wirklich, dass das Klavier plötzlich etwas mehr Platz hat, aber es klingt nicht wirklich so, als würdest du von irgendetwas anderem wegnehmen. Das klingt also ziemlich anständig. Lassen Sie uns den Track jetzt von Anfang an durchhören , um sicherzugehen, dass alles in Ordnung klingt. Ich werde es nur ein bisschen kleiner machen und jegliche Automatisierung, die wir haben, verstecken. Lass uns einfach mal reinhören. Also was wir denken, ich denke, das Klavier, es sagt viel, viel besser, und es ist bei den meisten Hits dort viel klarer. Die Kombination aus Kompression und dynamischem EQ funktioniert also wirklich. Immer noch ganz am Ende. Es geht ein bisschen verloren. Es ist eigentlich nicht so schlimm, aber ich werde die Lautstärke hier ganz, sehr sanft erhöhen, nur um sicherzugehen, dass wir das wirklich hören. Und ich meine wirklich Subvention. Lass uns weiter zuhören. Ich studiere ein bisschen mehr Nachhall zu diesen Hüten. Es klingt einfach ein bisschen fehl am Platz. Klingt viel besser und es ist voller Hall. Es ist in Ordnung. Rechte Symbole, nur ein Bruchteil auf der linken Seite. Effekte 26, die nur weiß treffen, wenn ich das durchschneide, habe mir das Timeout gerade ein bisschen angehört . Beschleite es. Ich habe immer noch nicht wirklich die volle Länge dieser Hits bekommen. Also werde ich einfach versuchen, die einzelnen Treffer ein bisschen aufzudrehen . Sorry, das individuelle Ereignis, sollte ich sagen. Bruchteil so viel da. Lass uns das einfach korrigieren. Das ist in Ordnung. Also ich denke, wir sind ziemlich fertig mit allen VI, geringfügigen Änderungen auf der Mischebene. Wir haben nur noch eine Lektion übrig und das ist, diesen Track zu meistern. Er könnte also die BQ-Balance auf dem Master-Kanal leicht verändern , aber wir werden sehen, dass wir mit ein paar frischen Ohren und einer Pfeilseite zuhören und zuhören müssen mit ein paar frischen Ohren und einer Pfeilseite zuhören . Und dann werden wir es einem Limiter unterziehen und das endgültige Rendern erledigen. Okay, vielen Dank , dass du gesehen hast, wie Jungs und Mädels dich im nächsten Video sehen. 27. BTP Ambient Chill Lektion 26 Mastering: Hallo zusammen, Willkommen zurück und willkommen zur letzten Lektion dieses Kurses. Das wird also ziemlich einfach sein. Wir machen gerade ein paar letzte Änderungen in der Mastering-Phase durch . Dies ist keineswegs eine umfassende Lektion zum Thema Mastering, sondern genau das, was wir für diesen Track tun müssen. In Ordnung, also lass uns darauf eingehen. Sie hören sich die ganze Sache an. Ich denke, der Mix könnte reichen, nur ein bisschen neu gewichtet, also nur ein sehr leichter Schub zum High-End. Also gehe ich einfach in die Kanaleinstellungen der Stereo-Ausgänge. Dies ist der letzte Kanal in Cubase. Lass uns einfach spielen, es wird es tatsächlich spielen. Dieser Punkt hier, während wir auf der Strecke alles im Griff haben . Also werde ich meine Region einfach auf den geschäftigsten Abschnitt einstellen . Sehr, sehr subtil hier würde das Gleichgewicht nur geringfügig zugunsten des High-End-Bereichs verändern das Gleichgewicht nur geringfügig zugunsten des und das Low-End verringern. Aber es ist sehr, sehr subtil. wäre dir verziehen, wenn du es nicht einmal bemerkt, wenn du mit solchen Dingen noch nicht vertraut bist. Aber diese subtilen Änderungen fühlen sich einfach so an, als ob es sie braucht. Das ist also absolut in Ordnung. Jetzt möchte ich eigentlich etwas herumspielen, bevor wir mit dem hohen EQ auf die Spitze gehen , wenn ich versuche, diesem Track etwas Spannung zu verleihen. In Cubase haben wir ein Plugin namens Quadrotors, das im Grunde wie eine Mehrbandverzerrung ist. Und die wirklich beste Art von Plug-In, um Anziehung anzuziehen, besonders wenn Sie einen breiten Frequenzbereich haben, sind Mehrmarkeneffekte. In diesem Fall werden Bandsättigung, Sättigungsverzerrung , Verzerrung und Dezimeter ausgeführt. Und wir haben vier Kanäle, die sich jeweils mit unterschiedlichen Frequenzbereichen befassen. Offensichtlich ist dies ein reines Cubase-Plugin. Es gibt ein anderes Plugin , das HY MB heißt. Dr. sagt, wenn Sie HY MB Drive googeln, sollten Sie darauf stoßen. Dieses Plugin ist dieses und es ist völlig kostenlos. Aber leider ist es nur für den PC, es ist nicht für Mac, was ein bisschen nervig ist. Ich weiß, wir fügen dem ein kleines bisschen Processing High-End- oder Mitteltonbereich oder was auch immer ein kleines bisschen Processing hinzu, nur um dem Track bei hohen Frequenzen ein bisschen mehr Brillanz zu verleihen . Also lass es uns einfach spielen und wir werden ein bisschen herumspielen. Wir sprechen also wieder über sehr subtile Änderungen hier. Wenn Sie nur ein bisschen Helligkeit hinzufügen , ist dieses Plugin nicht schlecht. Die schlüsselbasierte Version ist besser. Ich werde das einfach schnell durchziehen, weil ich nur sehen möchte, was der Unterschied zwischen den beiden ist. Wenn Sie also einfach den anderen umgehen , wird sich die Bandbreite ändern. Wir haben es hier also wirklich nur mit zwei Bands zu tun. Es hat sie einfach aufgeteilt. Wir haben es also mit den Bändern 3.4 zu tun, hauptsächlich mit dem gesamten Frequenzbereich. Es ist quasi fertig hier. Es bringt einfach diese schöne Knusprigkeit im High-End-Bereich zur Geltung. Klingt immer so, als würde es dem High-End mehr Definition geben. Natürlich gibt es ihm nicht wirklich mehr Definition. Es erhöht es nur ein bisschen und fügt ein paar zusätzliche Obertöne hinzu, aber es ist ein wirklich netter Effekt. Ähm, entschuldige dich. Ich wünschte, es gäbe etwas, das jeder Mac PC benutzen könnte. Das, was ich am nächsten gefunden habe, ist NB Drive dazu. Selbst wenn ich das abnehme, muss sie auch die Ausgabe ausgleichen , weil es tatsächlich etwas lauter ist als das Originalsignal. Das ist ausgewogener. Ja, es verleiht dem Hintern nur Knusprigkeit. Wie ich schon sagte, es ist nicht einfach wegweisend der Unterschied, es ist nur ein bisschen, es ist ein bisschen wie die zusätzlichen zwei bis drei Prozent , die sie am Ende zu der Mischung hinzufügen wollen. Also, wenn du es nicht hättest, nicht das Ende der Welt. In Ordnung, also nachdem das erledigt ist, haben wir wirklich einen letzten Prozess. Ich wollte dem nicht zu viel Komprimierung und so hinzufügen . Das einzige, letzte Plugin, das ein Maximizer sein wird . Es ist also im Grunde ein Limiter. In Cubase wird es Maximizer genannt. Und es gibt endlose Plug-ins, besonders in Ihrer eigenen Tür. Sie werden auf jeden Fall mindestens einen haben , der wie ein Brick Wall Limiter oder einen Maximizer oder einen Kompressor mit einer sehr hohen Ratio ist. Wenn ich jetzt in Cubase den modernen Modus aktiviere, aktiviere ich nur diese beiden Steuerelemente, also die Version und die wiederhergestellten Prozent. Also werde ich einfach einen Tieferauslöser , weil ich ziemlich schnell sprechen möchte, indem ich jedes laute Signal an dem optimierten Zifferblatt, wie es in Cubase heißt, buchstäblich abschneide jedes laute Signal an dem optimierten Zifferblatt, wie es in Cubase heißt, Deshalb nennen sie es optimieren, es ist im Grunde die Eingangsverstärkung. Angenommen, höher ist die Eingangsverstärkung, je höher die Eingangsverstärkung, desto lauter wird das Gesamtsignal sein. Also lass uns das einfach spielen. Was wir hier also suchen, ist das Messgerät zur Verstärkungsreduzierung am Limiter immer das Wichtigste ist . Und wir wollen sehen, wie stark der Gewinn reduziert wird, wenn er ausgelöst wird. Im Moment wird nicht viel Gewinn erzielt. Wir können es uns also leisten, das etwas weiter nach oben zu treiben. Was Sie also im Grunde tun möchten, ist ein Gleichgewicht zwischen viel lauter zu werden und nicht die ganze nette Dynamik aus dem Mix zu nehmen . Also werden wir das weiter erhöhen, bis wir keinen großen Unterschied in Bezug auf die Lautstärke hören können. Und dann ziehen wir es einfach ein bisschen zurück, da ich generell den Ansatz verwende. Sagen wir, wenn wir es so hören, habe ich das Gefühl, dass wir den Kick sehr, sehr leicht erhöhen könnten . Lass uns einfach sehen, was wir haben. Lass uns das einfach ein bisschen aufdrehen. Es ist also wie -3,06. Da er besser den Kick, nur brauchte er besser den Kick, nur ein bisschen mehr Volumen. Jetzt ist es viel druckvoller, wenn man die Mischung durchschneidet. Sag, irgendwo in der Nähe ist es ziemlich gut. Wir könnten es uns leisten, das weiter zu erhöhen, wenn wir wollen, aber ich bin mir nicht sicher, ob ich wirklich will, dass sie sagen, es sich um ein sehr dynamisches Umgebungsmikrofon handelt. Wenn wir das am Ende wirklich durch den Maximizer treiben, reduzieren wir einfach den Dynamikbereich, was sich auf das Gesamtgefühl dieser Dynamikänderung im gesamten Mix auswirkt . Alles, was wir wirklich tun wollen, ist die Lautstärke zu maximieren ohne die Pegel oder die Dynamik zu beeinträchtigen. Ich denke, das ist wirklich ziemlich richtig. Ich werde die Ausgabe nur um 0,1 reduzieren und ich erinnere mich nur an 34.3. Und drücken wir es noch einmal auf C wo es sich anhört. Also, was passiert dort? Wenn ich es noch stärker als 34,3 drücke, werden die lauten Sachen wie die Tritte im Grunde nicht lauter, weil sie diesen Limiter bereits auslösen. Das ist also im Grunde ihre Volumenbegrenzung. Und dann wird alles andere , was um den Kuchen herum irgendwie leise ist, lauter im Vergleich zum Kick, was wiederum die Gesamtdynamik der Strecke beeinträchtigt . Also wollen wir als Randnotiz auch nicht so weit gehen. Im Allgemeinen ist dies wiederum eine allgemeine Regel, was nicht bedeutet, dass sie in Stein gemeißelt ist. Sie können damit experimentieren. Ein Track wird sich anders verhalten als ein anderer, wenn es um Limitierung geht. Aber viel mehr als etwa minus 3D Bienen bei der Gainreduktion wollt ihr nicht wirklich sehen , einige Tracks werdet ihr feststellen, dass ihr es tatsächlich pushen könnt. Sie können nach unten gehen und minus fünf, minus sechs dB wählen. Aber im Allgemeinen ist es nie, niemals mehr als das. Minus sechs dB ist, ist ziemlich extrem bereit, wenn man den letzten Track tatsächlich limitiert. In Ordnung, also ich denke, wir sind ziemlich gut. Ich bin auf jeden Fall zufrieden mit den Levels und allem. Lassen Sie uns also einfach unsere Schleifenregion über die richtigen Bereiche legen, wo ich möchte. Dies folgt dem Ende, der Takt 76 ist, wo unsere Lautstärke ausgeblendet ist. Und lass uns zum Anfang gehen. Ich werde einfach die Loop-Region festlegen. Und dann geht es los, wir sind bereit, unseren letzten Track zu exportieren. Also werde ich es einfach speichern und gehe zum Exportieren. Das wird der letzte Track sein , du im Promo-Video gehört hast. Und es liegt in der Belegschaft, also keine zusätzliche Bearbeitung, keine Anpassungen hinter den Kulissen und solche Dinge. Dies ist die Version , die Sie gehört haben. Der Prime Mover sagt, nennen wir es einfach. Also nenne ich es einfach Cascade Final Master. Ich rendere es als MP3, aber als qualitativ hochwertiges MP3, C32 KBS und klicke auf Exportieren. Ordnung, also vielen Dank, dass Sie Teil dieses Tutorials sind. Ich hoffe wirklich, dass du eine Menge Zeug gelernt hast um deine eigenen großartigen Akkordfolgen zu machen, wie man Dinge so strukturiert, dass es spannend klingt, alles über Spannung und Entspannung, , um deine eigenen großartigen Akkordfolgen zu machen, wie man Dinge so strukturiert, dass es spannend klingt, alles über Spannung und Entspannung, Mischprozess, alles. Ich freue mich wirklich, dass du auf dieser Reise mit mir hier bist. Also vielen Dank Jungs und Mädels, passt auf euch auf und ich werde euch im nächsten Treffen erwischen. Tschüss.