Transcrições
1. Introdução: Meu nome é Lisa Congdon, e sou ilustradora profissional e artista. Eu não comecei a fazer arte até os 31 anos, e isso aconteceu porque eu estava trabalhando em um trabalho estressante e eu precisava de algo para aliviar meu estresse. Então, eu fiz uma aula de pintura, e naquela aula de pintura eu me apaixonei por pintura. Por volta de 2005, comecei um blog e entrei no Flickr. De repente, comecei a fazer perguntas,
tipo, posso comprar isso? Você vende suas coisas em algum lugar? Gostaria de ilustrar isso para mim? Gostaria de fazer um show na minha galeria? Eu estava tipo, Oh! Espere um segundo. Talvez eu esteja me tornando um artista. Nunca tinha pensado em mim dessa maneira. Era algo que eu estava fazendo para me divertir. Então, eu finalmente deixei meu emprego e comecei a fazer arte como uma profissão em tempo integral. Eu estava constantemente ficando sem dinheiro no começo e então comecei a descobrir todas as diferentes maneiras de eu ganhar a vida. Ilustração era um deles. Eu também comecei a ensinar as coisas em que eu estava ficando bom. Então, ele está reunindo uma renda de muitas fontes
diferentes e eu chamo isso no meu livro, Art Inc. Diversificar sua renda. Eu recomendo isso. Esta classe se concentrará no processo do início ao fim de um trabalho de ilustração típico. Salvo aqui, cada trabalho de ilustração, como você vai descobrir em breve, é muito diferente em muitos aspectos. Mas há uma fórmula para como eles funcionam em geral. Então, é disso que vamos falar. Esta classe é para ilustradores iniciais na maior parte. Pessoas que são treinadas em ilustração, mas apenas começando em termos de trabalho com clientes. Você também pode ser um aspirante a ilustrador, alguém que acha que pode querer ser um ilustrador, mas quer
saber um pouco mais sobre como é o custo da ilustração. Você pode ser um artista experiente que trabalhou em outras partes do mundo da arte, mas ele está realmente interessado em entrar em ilustração comercial como um fluxo de renda. Então, as aulas realmente para qualquer um que se encaixa em qualquer dessas categorias. É importante lembrar que às vezes há vários candidatos para um emprego. Você é uma das muitas pessoas no diretor de arte está enviando e-mail para que você quer causar uma boa impressão. A informação que vou te ensinar nesta aula vai ajudar
você a saber exatamente como se comunicar com o diretor de arte, quais perguntas fazer. Quanto mais conhecedor você é, mais provável você tem de conseguir o emprego. Em última análise, isso é o que queremos como ilustradores, é conseguir o emprego.
2. Projeto: ilustre uma capa de livro a partir de um briefing criativo: O projeto para esta aula está ilustrando uma capa de livro para Os Três Porquinhos com base em um resumo criativo. Esta aula é realmente sobre entender o processo de aceitar, trabalhar e completar um trabalho de ilustração. Bem, eu quero que você se divirta muito com a tarefa e crie uma ilustração incrível realmente inteligente. Concentre-se menos nisso e mais em demonstrar que você entende o processo, incluindo escrever um ótimo e-mail para o diretor de arte fazendo perguntas, que vamos analisar, e entender como fazer esboços e praticando isso se não é algo que você costuma fazer, e, em seguida, levar um desses esboços para a arte final. Ser um ilustrador não é apenas sobre fazer arte legal. Isso é realmente uma grande parte disso e é por isso que as pessoas te contratam para empregos, mas eles também te contratam porque você é um bom pensador crítico e solucionador de problemas, você é bom com gerenciamento de tempo, você é um ótimo comunicador, você faz boas perguntas, e você segue bem a direção. Todas essas habilidades são muito,
muito, muito importantes para ilustradores terem. Esta tarefa lhe dará uma idéia sobre como é um trabalho de ilustração típico do início ao fim. Nesta aula, você aprenderá: o que fazer quando o e-mail do diretor de arte chegar em sua caixa de entrada; tudo sobre o resumo criativo, o que é, como lê-lo e como determinar se você está pronto para o trabalho; como se comunicar bem com o diretor de arte ou editor, como fazer perguntas e quais perguntas fazer para
ter certeza de que você tem todas as informações necessárias para começar o trabalho; como começar o trabalho, incluindo entender a citação, “fase áspera”, conceber ideias e fazer qualquer pesquisa necessária e renderizar esboços ásperos para o cliente; como comunicar seus conceitos ou esboços ásperos para o cliente; como receber feedback e como fazê-lo profissionalmente, e por que é importante saber que o cliente nem sempre está certo; e, finalmente, sobre a renderização da arte final usando o esboço bruto aprovado. Durante toda a aula, posso estar usando termos que não são familiares para você. Alguns deles são jargão da indústria ou palavras que normalmente usamos, e eu farei o meu melhor para defini-los para você enquanto passamos pelo material. Para esta aula, você vai precisar, tudo o que você usar para o seu meio artístico. Sua ilustração pode ser renderizada manualmente e digitalizada, pode ser digital ou uma combinação dos dois. Você precisará de um scanner se trabalhar à mão. Você precisará de uma ferramenta de processamento de texto para compartilhar seu e-mail de amostra com o diretor de arte, você pode carregar uma captura de tela ou um PDF
e, claro, você precisará de um computador. Dependendo do seu nível de experiência e do seu meio artístico, este projeto deve levar de duas horas a oito horas para ser concluído. Uma das principais coisas que eu quero que você lembre
desta aula é que seu profissionalismo e excelentes habilidades de comunicação são tão importantes quanto suas habilidades artísticas quando você é um ilustrador. Uma das coisas mais complicadas nesta aula será ter confiança para compartilhar seu trabalho. Estamos configurando uma situação em que você provavelmente vai receber algum feedback sobre seus esboços ou sua ilustração final de alguns de seus colegas e possivelmente de mim, e parte de ser um ilustrador é receber feedback e integrar nas mudanças que você faz. Quando você é um ilustrador, é realmente importante não levar as coisas para o
lado pessoal e pensar feedback como algo que vai ajudar seu trabalho melhorar e para você fazer um trabalho melhor na tarefa, não como algo que você usa para se repreender e se sentir mal porque você não é bom o suficiente. Se você está preso, eu o encorajo a ir ao fórum da classe e fazer perguntas às pessoas que também estão fazendo a aula e de mim, e eu farei o meu melhor para voltar para você. Também encorajo você a usar seus amigos e familiares para ajudá-lo a trabalhar em
todos os blocos criativos que você tiver enquanto estiver trabalhando em sua ilustração. Estas são as coisas que você deve enviar para a galeria do projeto, uma captura de tela ou PDF do e-mail de resposta para o diretor de arte com suas perguntas sobre o resumo criativo, dois esboços ásperos para a capa de Os Três Porquinhos, e uma última capa para Os Três Porquinhos que é baseada em um de seus esboços. O que tornará o seu projeto ótimo versus ok é a sua visão única sobre o breve criativo, realmente infundindo sua própria criatividade e pensamento único lá, e sua demonstração de comunicação realmente profissional com o diretor de arte. Pode parecer intimidante, se você nunca fez isso antes, postar seu trabalho na área de trabalho, mas lembre-se, nós aprendemos fazendo, experimentando e assumindo riscos, e mal posso esperar para ver o que vocês aparecerem com.
3. O briefing criativo: Normalmente, quando você recebe um e-mail de um cliente ou diretor de arte, você receberá o que é chamado de resumo criativo. Eles podem não se referir a ele como um resumo criativo e isso realmente não importa. O que importa é que você obtenha um parágrafo, pelo menos, de informações sobre o trabalho. Por exemplo, uma breve descrição do trabalho, o que é que eles gostariam que você ilustrasse, quando é devido. Quaisquer outras especificações importantes sobre o trabalho. Por exemplo, ele precisa ser entregue em forma vetorial em vez de como um arquivo do Photoshop. Talvez informações sobre por que eles escolheram você para o trabalho, e por que eles acham que você é um bom ajuste e muitas outras minúcias interessantes. Quando você receber o resumo criativo antes responder ao e-mail do editor ou diretor de arte, você quer fazer as seguintes perguntas. Posso executar este trabalho dentro do meu conjunto de habilidades com base nas informações que recebi? Este trabalho parece-me interessante? Você não quer aceitar um emprego especialmente um trabalho longo que não parece ser muito divertido. Tenho tempo na minha agenda para cumprir o prazo? Isto é muito, muito importante e, por último, estou confortável com a taxa? Vamos supor, por causa desta classe, que a taxa que sugerimos no resumo criativo está bem para você. Embora seja importante, como ilustrador sair da sua zona de conforto e aceitar trabalhos desafiadores, você nunca quer aceitar um trabalho que não esteja no seu conjunto de habilidades. Em outras palavras, se você não tem a habilidade técnica artística para executar um trabalho, você nunca quer aceitá-lo porque eles estão contando com você para realmente fazer o trabalho e completar o prazo final. Trata-se de um aspecto particularmente importante para os empregos a longo prazo. Lembre-se, a ilustração é muito divertida, mas é um trabalho, e é muito trabalho duro. Você quer pegar um trabalho que soa interessante para você, e que não soa terrível ou chato. cumprimento dos prazos é realmente importante no mundo da ilustração. A maior parte do que você está fazendo está anexada a outra linha de tempo maior do editor ou da empresa para a qual você está trabalhando. Então, sua habilidade de fazer a arte e a quantidade de tempo que eles estão sugerindo é muito, muito importante. Depois de ler o resumo criativo e perguntar a si mesmo essas perguntas, você quer descobrir o que se essas perguntas já foram respondidas, e quais eu preciso pedir mais informações sobre. Então você vai compor um e-mail para o diretor de arte que é educado, profissional e rápido e por pronto, quero dizer, respondido dentro de 24 horas, que estabelece todas as perguntas que você tem sobre a tarefa. Eu também sugiro que se você está interessado em aceitar o trabalho, você deixa isso claro em sua resposta inicial. Às vezes, e na verdade muitas vezes, você receberá um resumo criativo de um editor ou diretor de arte, e ele não terá todas as informações que você precisa. Uma coisa importante a lembrar é que diretores criativos e editores
geralmente são pessoas muito ocupadas fazendo malabarismos com muitos projetos ao mesmo tempo. Então, seu resumo criativo, não tem a informação que você precisa. Não porque eles são ineptos ou preguiçosos, mas porque eles são apenas pessoas muito ocupadas, e eles não têm tempo para entrar nos detalhes de um projeto inicialmente. Saiba que eles realmente apreciarão suas perguntas e sua curiosidade sobre o projeto. Eu criei propositalmente um resumo criativo para você que não tem informação suficiente. Então, comece a pensar em todas as perguntas que você tem para o fingido ou diretor nesta tarefa. Vamos falar por um segundo sobre o que faz um e-mail profissional. Você sempre quer ter um tom positivo em seu e-mail, e você quer começar com uma saudação. Então, o e-mail deve ser formal, mas amigável, com certeza. Por saudação, quero dizer, querido fulano ou olá fulano. Eu sempre começo agradecendo a pessoa por me enviar e-mail e por seu interesse no meu trabalho e isso vai independentemente de eu achar que vou aceitar o trabalho ou não, você sempre quer expressar gratidão e entusiasmo porque é mais provável que essa pessoa vai contratá-lo novamente, quando você está disponível ou quando é o trabalho certo para você, se você expressou uma boa quantidade de interesse inicialmente. Eu também revisaria seu e-mail várias vezes para erros de digitação e estrutura de frases e gramática. Quando você estiver compondo sua lista de perguntas para o diretor de arte, certifique-se de que elas são expressas de uma forma que é, por falta de uma palavra melhor, deferente. Então, você quer tratar o diretor de arte com muito respeito e como a pessoa que tem mais experiência e conhecimento do que você. Então, o tom do seu e-mail e da sua pergunta deve refletir isso. Nesta primeira parte da tarefa, você vai compor
um e-mail falso para o diretor de arte para o breve criativo de fingir,
para a capa do livro “Os Três Porquinhos”. Novamente, você quer ter certeza de que você digita e faça uma captura de ou faça um PDF dele. Qualquer coisa que você possa enviar para a área de atribuição. Para que seus colegas e eu possamos ler seu e-mail, e aprender com a sua perspectiva.
4. Esboço: Depois de enviar seu e-mail com sua lista de perguntas sobre a atribuição para o diretor de arte, você inevitavelmente receberá uma resposta e não se preocupe se ela não vier imediatamente. Como eu disse, diretores de arte geralmente são pessoas muito ocupadas. Não é que estejam irritados com suas perguntas. Uma vez que você recebe suas perguntas respondidas, e novamente isso pode levar algumas rodadas para trás e para trás de e-mail com o diretor de arte, você pode realmente decidir que você não está pronto para o trabalho ou que você não tem tempo ou você não tem as habilidades para entregar. Nesse caso, você quer declinar educadamente. Mais do que provável, no entanto, você vai aceitar o trabalho e a próxima fase é começar a conceber e esboços ásperos. Existem duas palavras que são usadas de forma intercambiável na indústria
da ilustração que essencialmente significam a mesma coisa, uma são esboços e a outra são rugosas. Eu acho que todos nós sabemos o que é um esboço, e eu vou dar um pouco mais de informação em um minuto sobre o que queremos dizer por esboçar no que diz respeito à ilustração. Há um termo que também usamos e é chamado áspero, e áspero, neste caso, não significa bagunçado ou meia-boca. Significa um esboço visual muito básico do que é o seu conceito, e é como na quarta série quando você aprendeu a fazer um rascunho do seu ensaio. É uma ideia parecida. Muitas vezes, quando você recebe uma tarefa de ilustração, o diretor de arte lhe dirá exatamente o que eles querem que você desenhe. Isso não acontece com muita frequência, mas geralmente é a maneira mais fácil de concluir um trabalho de ilustração porque você não precisa passar pela fase de concepção, sobre a
qual falaremos em um segundo. Eu consegui um emprego uma vez muito cedo na minha carreira onde a diretora de arte literalmente desenhou um retrato do que ela queria que eu desenhasse, e essa ilustração realmente nunca entrou no meu portfólio porque eu realmente não gostava dela desenho muito. Mas sabendo o que eu sabia na época, eu acho que isso é o que eu tenho que fazer. Então eu fiz isso e ela ficou feliz com isso e fechamos o trabalho. Mas na maior parte do tempo, isso não acontece. Na verdade, você tem que usar um monte de resolução de problemas e
pensamento criativo para conceber o que você vai desenhar para as ilustrações. Na maioria das vezes também, você vai conceber mais de uma ideia. Parte da razão pela qual eles estão contratando você é pelo seu pensamento criativo e sua engenhosidade, não apenas pelas suas habilidades de desenho. Então, eles querem saber como você acha que algo deve ser ilustrado. Isto é particularmente verdadeiro em trabalhos editoriais para revistas e jornais. Eles enviarão a história e querem que você pense sobre uma maneira criativa que a história ou um ponto específico da história podem ser ilustrados. Muitas vezes, quando o seu trabalho é conceber várias ideias para o cliente escolher, você vai precisar fazer alguma pesquisa. Por exemplo, eu ilustrei um livro para um cliente uma vez que foi baseado na década de 1920. Não
havia muitas fotografias arquivísticas daquele período que eles pudessem me oferecer para o contexto do livro, então eu tive que fazer um monte de pesquisa sobre como era o
mobiliário naquele período de tempo, o que as pessoas estavam vestindo, o que era uma maneira típica de se locomover pela cidade, e isso realmente me ajudou a desenvolver minhas ilustrações. Você também pode precisar conceber o que já foi feito sobre este tópico por outros ilustradores ou ler sobre o tópico específico que você está ilustrando, seja o material que eles estão enviando para você ou fazendo sua própria pesquisa. Assim, a pesquisa é muitas vezes uma grande parte do conceito e da ilustração. Você pode abordar seus esboços como quiser, mas na maioria das vezes, os clientes deixarão você decidir se você usa lápis ou caneta ou se trabalha digitalmente, quanto detalhe você deseja incorporar no Seu áspero. Mas lembre-se, não deve parecer uma ilustração final. Você não quer ter todo o trabalho para desenvolver a arte final que tem detalhes em cores quando você pode ter que voltar para a prancheta e começar de novo. Então, é por isso que fazemos esboços ásperos, é como um esforço mínimo para tentar passar a ideia. Depois que um esboço for aprovado, você pode querer adicionar mais detalhes antes de ir para a cor para ter certeza de que você tem todos os elementos certos. Mas, na maior parte, estamos ficando super simples. Por essa razão, costumo esboçar lápis se for algo que vou pintar. Na verdade, às vezes eu até faço meus esboços em papel aquarela para que eu possa literalmente fazer a obra final em cima do meu esboço, modo que a composição aprovada seja exatamente a mesma na minha final como no meu esboço. Se eu estiver fazendo um desenho de linha ou algo que vai acabar em formato digital, às vezes faço um esboço em caneta preta e depois adiciono cor mais tarde ou digitalizo e manipulo no Photoshop. Mas novamente, a idéia é super simples para esboços e ásperos. No resumo criativo, uma de nossas tarefas é ilustrar a capa para os três porquinhos de uma forma que mostre alguns elementos da história. Você pode ter em seus e-mails ou o diretor de arte obteve ainda mais informações sobre exatamente quais elementos eles gostariam que você destacasse, mas vamos supor que eles vão deixar isso para você. Eles só querem que sua ilustração faça referência a símbolos ou elementos da história, e nós sabemos nos três porquinhos. Se você não conhece a história ou não se lembra dela, ela está incluída no resumo criativo, então certifique-se de lê-la. Temos quatro caracteres essencialmente, pelo menos nesta versão. Temos os três porquinhos e o lobo mau. Então, esses são alguns elementos simbólicos que você pode querer incorporar. Acho que os porcos são os mais importantes. Nós também temos três casas que cada uma construiu a partir de vários materiais, e ilustrar essas casas é outra maneira de incorporar o simbolismo da história. Pode haver outro tipo de maneiras de modernizar a história nas ilustrações. Já vi pessoas a ilustrar os três porquinhos como arquitectos ou de outras formas. Então, seja criativo, pense fora da caixa sobre como esboça suas ideias. Eu tive duas idéias diferentes, elas não são as idéias mais brilhantes que eu já tive, mas eles definitivamente referem a história e os elementos da história. Então, o primeiro esboço que fiz, decidi incluir o simbolismo da casa e incluir
os três porquinhos e então dividi a casa em três seções. Acho que o primeiro porco usa palha. Eu acho que na arte final, eu posso realmente querer ter certeza de que isso se parece mais com palha. Esse cara pintou ou construiu sua casa de madeira, então eu fiz essa parte da casa parecer ripas de madeira, e esse cara usou tijolos e ele era o porco bem sucedido, é claro. Então eu incorporei em minhas próprias letras de mão, que é algo que você também deve fazer, se você é um artista digital, você pode fazer letras digitais, o título no telhado da casa. Qualquer um que conheça a história dos três porquinhos, e a maioria das pessoas sabe em países de língua inglesa, poderia ver claramente que isso estava fazendo referência. Eu não acho necessariamente que era a capa mais interessante, então eu tomei uma abordagem diferente com meu outro esboço. Decidi também fazer um esboço que mostrava uma espécie de impasse entre os porcos e o lobo porque eu acho que para mim é o coração da história de
uma forma como os últimos porcos foram mais espertos do que o lobo. Eu não sabia como ele ia caber três porquinhos e um lobo olhando um para o outro, então eu decidi empilhar os porcos em cima um do outro e torná-los tamanhos ligeiramente diferentes, mas eles são todos tipo de pouco, e então eu desenhei um Lobo aqui. No título, decidi chamá-lo de “História dos Três Porquinhos” e este Guy, que pensei ter emprestado um pouco de humor. Muitas vezes em trabalhos de ilustração, se você inserir seu próprio humor ou engenhosidade, mesmo que o diretor de arte não tenha pedido, eles vão realmente apreciar e adorar, e eles sempre podem dizer não, não, não, não. Eles não podem dizer isso, mas eles podem realmente apreciar seu toque criativo no título ou na própria ilustração. Então, eu também adicionei aqui um velho conto ilustrado por Lisa Congdon. Eu me diverti muito mais desenvolvendo esta ilustração, é por isso
que no final escolhi levar esta para a final, que veremos em breve. Mas, em última análise, cabe ao cliente decidir qual de seus conceitos levar para o final, e eles podem voltar e exigir que você faça revisões em seus esboços. Então só porque você entrega um conjunto de esboços, não significa que eles vão escolher um e você leva aquele para o final. Às vezes isso acontece, você não tem que fazer revisões em seus esboços. Mas na maioria das vezes, você estará em um processo de receber feedback e incorporar mudanças, e é sobre isso que vamos falar a seguir. Uma coisa a notar é que a fase de esboço de uma atribuição de ilustração é muitas vezes a mais trabalhosa. Mesmo que você não está renderizando a arte final ainda e você não está fazendo algo realmente colorido e bonito, ele requer a maioria do tempo e trabalho. Há muitas coisas de ida e volta com o diretor de arte, sobre as
quais falaremos em um minuto, e muita pesquisa, pensamento e desenho nesta fase. Uma vez que você passa pela fase de esboço, é realmente muito fácil. No caso desta tarefa de mentira, estamos apenas a fazer uma ilustração. Então, o diretor de arte pediu dois esboços para um desenho, um conceito basicamente, ou dois conceitos para uma capa. Mas em muitos casos, você vai conseguir trabalhos de ilustração que são várias peças. Então, alguns trabalhos de revistas, por exemplo, você pode ter uma ilustração de página inteira no abridor
do artigo e, em seguida, vários o que chamamos de ilustrações spot, que são uma espécie de pequenas ilustrações que são interjetado para o artigo ao longo das páginas da revista. Então, você pode ter que esboçar várias coisas várias vezes. Então, muitas vezes, você está entregando, eu não sei, às vezes até 15 ou 20 esboços para uma tarefa, às vezes mais dependendo de quão grande é. Então isso é apenas mais uma coisa importante para lembrar que não é sempre um esboço ou dois esboços que você está entregando, às vezes pode ser múltiplo. Então, ter certeza que você tem tempo para fazer tudo isso dentro do prazo é realmente importante.
5. Recebendo feedback: Então, você tem trabalhado muito em seus esboços e seus conceitos, e você tem dois para enviar, ou dependendo do trabalho, 15 ou 20. Você tem todos eles prontos, você digitalizou-os, você os tem em formato digital, você os anexou a um e-mail, e você está prestes a pressionar enviar. Antes de clicar em enviar, certifique-se de que você, novamente, escreva um e-mail para acompanhá-los. Em alguns casos, você quer talvez escrever uma lista do que todos os conceitos de esboço estão por escrito, descrever o seu pensamento por trás de cada um. Você não quer explicar mais. Porque, em última análise, especialmente em livros e ilustração editorial, os conceitos visuais devem realmente falar por si mesmos. Uma das partes mais difíceis de ser ilustrador é aguardar o feedback do seu cliente. Eu não posso dizer o número de vezes que eu fiz uma atualização do Facebook para meus amigos dizendo, “Basta apertar enviar tal e tal trabalho
e mal posso esperar para ouvir o que
o diretor de arte pensa” ou “agora a parte dolorosa de esperar”. É realmente normal que leve muito tempo,
às vezes dias, até mesmo para ouvir de volta o diretor de arte. Eles podem inicialmente escrever de volta e dizer, “Ei, eu tenho seus esboços. Muito obrigado, voltarei em alguns dias.” Às vezes isso é porque eles estão, novamente muito ocupados e vai levar um tempo para revisar o que você enviou. Às vezes eles realmente têm que levar os esboços para um comitê de pessoas. Vamos sentar em torno de uma mesa, e falar sobre eles, e decidir se eles gostam de algum deles, e qual deles eles gostam mais. Então, esperar pela resposta muitas vezes pode ser realmente estressante. Já passei por um buraco muito escuro antes, dizendo a mim mesmo que odiava tudo o que mandei, ou eles estão prontos para me demitir porque não ouço nada de volta. Mas esse nunca foi o caso. Na verdade, as vezes em que estive mais preocupado resultaram nos melhores trabalhos de ilustração. Então, não se preocupe se levar muito tempo para eles escreverem de volta, é totalmente normal. Às vezes você vai ouvir de volta imediatamente e isso pode parecer tão avassalador , assustador
e intimidante. Então, há alguns anos atrás, quando eu estava ilustrando este Guia de Campo para São Francisco, eu tive que desenhar vários mapas. Na verdade, por toda a minha experiência e anos como ilustrador, nunca
tinha ilustrado um mapa antes. É algo que eu tenho feito muito desde então, mas eu era totalmente novo nisso naquela época, então eu estava realmente intimidado com a tarefa. Ele me deu muita liberdade, para me divertir com escala e letras. Então, eu estava muito animado, mas eu estava um pouco intimidado. Então, eu terminei meu primeiro esboço do mapa, era um mapa de Sonoma. Estava a lápis e consegui como queria. Tinha todos os elementos que ele me disse que precisava estar nele. Eu apertei enviar e literalmente, não mais de cinco minutos depois, recebi uma resposta de e-mail. Dizia: “Querida Lisa,
por favor, ligue-me. Aqui está o meu número. Da Taylor.” Como você pode imaginar, eu surtei completamente e não de um jeito bom, como ele odeia,
ele vai me demitir, mesmo que eu já tivesse assinado um contrato e tudo mais. Eu estava muito, muito assustada. Então, eu decidi ser madura, pegar o telefone e ligar para ele, mesmo que eu estivesse tentado a enviar de volta um e-mail dizendo, “O quê? Algo está errado?” Liguei para ele e ele respondeu, e ele disse : “Lisa, adorei.” Ele é claro, do sul, então ele tem um grande sotaque. Isso é tudo para dizer, que muitas vezes, mesmo quando alguém quer falar com você ao telefone, isso nem sempre é uma má notícia. Uma vez que você ouvir de volta o diretor de arte, ocasionalmente você vai ter um, como eu fiz, retumbante, “Eu amo isso.” Ele pode sugerir algumas pequenas mudanças ou ajustes, e essas são as situações mais fáceis. Mas na maioria das vezes, isso não acontece. Na maioria das vezes, eles vão dizer, “Eu amo,
mas ” e haverá uma lista de coisas que eles querem que você mude. Vamos falar sobre como organizar e responder a essas mudanças em um momento. Mas a primeira coisa que eu queria dizer é que, receber feedback pode ser realmente esmagador, intimidante, e realmente desanimador, muitas vezes. Você coloca seu coração e alma em algo, talvez você tenha ficado acordado a noite toda para terminá-lo, e então você ouve de volta que eles não gostaram, ou que eles querem ir em uma direção totalmente diferente, e isso pode Me sinto muito difícil. Mas lembre-se, ilustração é um trabalho, e eles estão pagando você. Então, seu trabalho é fazer o cliente feliz. Obviamente, você não quer comprometer sua própria estética pessoal ou seus valores ou morais. Não estou sugerindo que faça isso. Mas você aceitou o trabalho, seu trabalho é fazer o cliente feliz, e é trabalho do cliente tirar o melhor trabalho de você. Muitas vezes, você está trabalhando para um cliente que trabalha para o cliente deles, então eles são como o intermediário entre a agência de publicidade ou algo assim. Então, o trabalho deles é certificar-se de que você está ilustrando algo que mais claramente representa qualquer produto, livro
ou artigo de revista que vai ser. Pensar no feedback como construtivo e útil de forma a melhorar o seu trabalho é realmente importante. Também é importante não ser defensivo, ou receber feedback pessoalmente, ou como um ataque pessoal. Lembre-se, eles te contrataram porque te acham incrível e adoram suas obras de arte. Então, geralmente, é sobre ajustes, e mudança, e obter o melhor de você e lembrar, isso é realmente importante. Às vezes, quando você recebe feedback de um diretor de arte, você recebe uma lista realmente incrível, meticulosa e com
marcadores de todas as mudanças que eles querem que você faça e é muito específico. Na verdade, enquanto essas respostas às vezes podem parecer um pouco esmagadoras porque há umas 15 coisas que eles querem que você mude. De certa forma, esse é o melhor cenário porque você sabe exatamente o que eles precisam que você faça, e eles foram muito minuciosos e detalhados em lhe dar feedback. Acho que essas são muitas vezes as mudanças
mais fáceis fazer porque sei exatamente o que devo fazer. Na maioria das vezes, no entanto, você receberá um e-mail bastante vago que descreve vagamente o que eles gostariam que você mudasse, ou descreve vagamente o que eles não gostam ou gostam sobre a ilustração. Então, é seu trabalho aceitar o máximo que
puder e tentar entender cada pedacinho. Às vezes, eu literalmente separo cada frase e faço minha própria lista com marcadores do que eles estão pedindo. Então eu volto e digo: “Muito obrigado pelo seu feedback atencioso. Quero ter certeza de que a próxima rodada de mudanças reflete tudo o que você está procurando e aqui estão algumas perguntas que eu tenho.” Eles podem ser perguntas sobre o feedback que eles deram, “Você está dizendo que você quer que eu mude isso contra isso” ou “Estou um pouco confuso sobre isso. Qualquer esclarecimento que possa me dar seria ótimo.” Esses, esse tipo de linguagem. Novamente, você está sendo muito profissional. Você pode ver que a ilustração inclui muitas perguntas. Então, descobrir como fazer perguntas é, obter as informações que você precisa é uma parte muito importante do processo. Você pode sentir que está sendo muito indelicado,
irritante e irritante, mas não é. Você está recebendo a informação que precisa para fazer o melhor trabalho possível. Normalmente, no mundo da ilustração, não
há mais do que duas ou três rodadas de mudanças em seus esboços. Às vezes, é mais, mas eu recomendo que você layout, ou é muito claro sobre o número máximo de mudanças ou rodadas de mudanças que você concorda com em seu contrato. Se você não fizer isso, você pode entrar em infinitas rodadas de mudanças. Se você não tem nada em seu contrato estipulando que é suposto ser apenas três rounds, ou cinco rounds, ou seis rounds, você pode acabar tendo uma ida e volta interna com o cliente. Então, isso é apenas algo para saber. Quando você tiver todas as respostas para suas perguntas sobre as mudanças que eles gostariam, você quer ir em frente e fazer essas alterações. Se você trabalha a lápis ou digitalmente, pequenas mudanças são realmente fáceis de fazer. Então, por exemplo, quando eu trabalho a lápis, se houver mudanças fáceis para fazer, eu literalmente apenas pego minha borracha e apago certas partes do esboço e, em seguida, redesenho certas partes. Essa é a coisa bonita do lápis. O trabalho digital é semelhante, muito fácil de apagar ou excluir, e adicionar e mover coisas. Às vezes, as mudanças são tão drásticas, ou eles querem que você comece do zero, ou eles não gostam de nenhum de seus esboços, então você tem que começar com alguns novos conceitos. Às vezes, você pode manipular o que digitalizou digitalmente. Por exemplo, há algumas semanas, fiz um trabalho publicitário para a Enterprise Rent-A-Car. Eu fiz uma montagem de um desenho que foi basicamente, uma montagem de marcos de Oregon, o estado onde eu moro. Eles gostaram de todos os elementos, exceto dois, que eles queriam que eu removesse, e eles queriam que eu os reorganizasse de uma certa maneira. Então, em vez de pegar um novo pedaço de papel e redesenhar a lápis o que eu já tinha desenhado, peguei minha digitalização e excluí os dois no Photoshop, e movi tudo o resto. Foi aprovado. Então, quando eu fui para a arte final, eu então fui para o esforço de redesenhar tudo quando eu soube que estávamos na mesma página sobre o arranjo. Então, muitas maneiras diferentes de abordar fazer mudanças que às vezes não exigem muito trabalho, o que é ótimo. Quando você está no processo de passar por todas as suas revisões e alterações com o cliente, você quer ficar claro cada vez que você fizer uma revisão e transformar em
uma nova versão revisada de tudo o que você está fazendo que você entenda quando É devido. Às vezes, eles podem realmente precisar das mudanças até o dia seguinte e pode exigir ficar acordado até tarde ou ficar acordado a noite toda, em alguns casos, o que espero é muito raro. Mas às vezes, você tem uma semana inteira porque o diretor de arte está saindo de férias, ou é um projeto com um longo cronograma e eles querem que você tome seu tempo. Então, não há necessidade de se estressar sobre transformar algo imediatamente ou fazer as mudanças imediatamente se não for necessário. Então, sempre pergunte quando é que esta próxima rodada de mudança é devido.
6. Fazendo a arte final: Até agora você já escreveu um e-mail, descrevendo suas perguntas para o diretor de arte, você completou dois esboços para a capa de Os Três Porquinhos e você está escolhendo um deles para fazer a obra final. Você nunca quer passar para a arte final sem a direção explícita do cliente. Você quer por escrito, algo como, este esboço foi aprovado ou conceito aprovado, hora de passar para a Obra Final e às vezes eu vou até dizer, ok, eu acho que estou pronto para estar na Obra Final. Estamos na mesma página? Porque muitas vezes eles vão voltar com mais duas mudanças, e eles querem ver outro esboço. Mas às vezes eles têm mais algumas mudanças, mas eles vão dizer, apenas incorporar essas na obra final. Então, fique claro se você está pronto ou eles pensam que você está pronto para passar para a cor e os detalhes em seu trabalho. Seu esboço foi aprovado pelo cliente, causa da composição e dos elementos
no desenho ou pintura ou seja lá o que for que você vai fazer. Então, você quer ter certeza de que em sua obra final você está aderindo a essa composição básica. Eu acho que eu mencionei anteriormente que às vezes eu até desenho meu esboço
no papel ou no substrato que eu vou estar usando para fazer minha obra final. Eu posso basicamente trabalhar fora disso e eu não tenho que redesenhar, para que tudo seja exatamente como eu apresentei e como foi aprovado originalmente. Às vezes, trabalhos de ilustração tornam-se tão intensos e o que um cliente quer de você se torna muito maior do que você pensou que estava se inscrevendo. Que você tenha medo de não ser capaz de terminar o trabalho no prazo. E não, em primeiro lugar isso é realmente normal. Mas também é o ônus de você comunicar seus medos ou suas preocupações sobre não cumprir o prazo para o diretor de arte. Sempre que estou nervoso com a minha capacidade de executar
a tarefa a tempo, escrevo sempre um e-mail mais cedo ou mais tarde, expressando essas preocupações, dizendo que quero fazer o melhor trabalho para você. Isso está se tornando um pouco maior de um trabalho do que eu imaginava, qualquer chance de eu ter mais 24 horas ou mais dois dias ou quanto tempo você acha que vai precisar? Na maioria das vezes, trabalhos de ilustração, com exceção de talvez trabalhos editoriais para jornais ou revistas, são acolchoados com um pouco mais de tempo e eles os encaixam no caso de precisarem ou precisarem de tempo. Então, muitas vezes você vai dizer, eu
posso ter uma extensão e eles vão dizer certeza. Porque a agenda tem um pouco de espaço. Mas às vezes esse não é o caso como eu disse com trabalhos editoriais. Jornais, em particular, na sua maior parte, publicados todos os dias. Eles precisam de uma reviravolta de arte muito rapidamente, o
que torna a ilustração editorial mais desafiadora, mas também muito divertida para muitas pessoas. Mas pedir um prazo, adiantamento ou extensão é totalmente normal e totalmente bom, mas esteja preparado para que eles possam voltar e dizer não, e que você pode precisar ficar acordado a noite toda. Eu mencionei isso antes, mas uma das coisas que você deseja trabalhar inicialmente é o formato do arquivo. Então, o formato do arquivo deve ser um arquivo vetorial, deve ser um arquivo photoshop, ou eles querem um TIFF. Alguns editores têm regras muito rígidas em suas empresas sobre formato de arquivo para pessoas que estão realmente vai estar usando o trabalho para colocar no produto ou no livro e você quer ficar claro sobre isso com antecedência. Ambos porque, ele precisa ser um arquivo que você se sinta confortável ou um formato que você se sinta confortável trabalhando com. Por exemplo, uma vez recebi uma oferta de emprego para um livro, mas eles precisavam de arte vetorial e naquela época eu não tinha experiência em trabalhar no Illustrator. Então eu tive que recusar o trabalho porque eu não tinha a habilidade para executar o trabalho. Porque eu não consegui entregar o trabalho no formato de arquivo que eles precisavam. Eu rapidamente aprendi ilustrador depois disso, modo que eu não tinha que recusar mais trabalhos baseados em vetores. Mas, ficar claro sobre isso no início é importante. Em seguida, quando você está encerrando o trabalho, você deseja certificar-se de que você entrega o arquivo no mesmo formato que eles
pediram e há várias maneiras que os clientes gostam de arquivos a serem carregados. Então, se for um arquivo bem pequeno, você pode simplesmente enviá-lo para o diretor de arte. Na maioria das vezes, seus arquivos serão grandes e às vezes, terão várias camadas neles. Então, muitas vezes eles vão querer que você use algum tipo de sistema de transferência de arquivos. Como o WeTransfer, que é um sistema de e-mail ou baseado na web ou Dropbox, que muitas pessoas têm, e se você não tem o Dropbox, eu encorajo você a se inscrever para ele. É muito fácil e eu uso isso muito na minha colaboração com os clientes. Muitas vezes maiores editores terão File Transfer Protocol Systems que são chamados FTP para abreviar e existem muitos softwares de transferência FTP gratuitos, que você pode baixar em seu computador. Você basicamente faz login através do FTP para o sistema deles, e literalmente arrasta seus arquivos para o sistema de arquivos deles e então eles os pegam lá. Então, fique claro do cliente como eles querem que os arquivos sejam entregues e em que formato Para minha ilustração final para a capa de Os Três Porquinhos, decidi ir com este segundo esboço que fiz. Eu me diverti muito fazendo isso. Eu acho que tem mais humor e intriga nele e é o mais visualmente interessante. Então eu vou contar um pouco sobre como eu
criei essa ilustração do esboço para o final. Este é o tamanho real que você deveria fazer. Eu acho que o Breve Criativo diz seis por sete polegadas e se você alguma vez obter um Breve Criativo que não diga o quão grande a obra de arte final deve ser, ou quais são as dimensões, qual é o sangramento. Se você não sabe o que é sangramento, sangrar é a quantidade de espaço ao redor da borda que ele vai ser cortado fora. Então, normalmente você não deseja que nenhuma palavra, ou partes importantes da ilustração estejam na área de sangria. Então, este é o real seis por sete. É muito pequeno tamanho típico do livro infantil. Mas, eu fiz uma cópia maior, seria mais fácil para você ver. Então você pode ver que é realmente semelhante ao meu esboço, exceto que é em cores e como eu criei isso foi, eu peguei meu esboço real e coloquei um pedaço de papel de rastreamento sobre ele, e eu rastreei os elementos principais. Eu faço isso muito, ou usando um papel de rastreamento ou uma caixa de luz. Uma caixa de luz é realmente uma ótima ferramenta para ter se você é um ilustrador. Como você pode rastrear seus esboços, você pode criar esboços revisados, rastreando apenas as partes que foram aprovadas e redesenhando as outras partes sem ter que voltar completamente para a prancheta ou arranhar. Por isso, encorajo-te a arranjar um bloco de papel e uma caixa de luz. Claro que para rastrear seu próprio trabalho, não o trabalho de outra pessoa. Então, eu rastreio então eu digitalizei isso no meu scanner, e em preto e branco, e cortei para o tamanho correto. E então, em camadas, eu removi todo o espaço branco no fundo e coloquei
em camadas em algumas faixas de tinta aquarela que eu tinha pintado anteriormente. Então, isso não mostra o azul, mas mostra todas as outras faixas. Eu digitalizei isso em cores, e então eu removi no photoshop algumas seções disso, e coloquei-as atrás de partes do desenho. E eu já tinha uma aquarela azul escaneada, e usei isso para o céu. E, essencialmente, tudo o resto já estava desenhado. Então é basicamente um desenho de linha com alguma aquarela colocada. Portanto, esta é uma maneira de fazer uma ilustração que combina tecnologia digital e desenho manual. Eu não entrei fisicamente e pintei isso, mas eu pintei elementos e depois os adicionei usando uma ferramenta digital no Photoshop. Se diferentes técnicas de ilustração como a que acabei descrever brevemente ou quaisquer outras técnicas digitais especialmente são novas para você e você quer aprender mais como criar ilustrações digitais no Photoshop ou no Illustrator, Eu recomendo ir ao Skillshare. Há uma lista de classes, e eles têm uma grande variedade de classes usando ferramentas
digitais para criar design gráfico e ilustração e obter sua caixa de ferramentas cheia é realmente uma ótima maneira garantir que você tem todas as habilidades que você precisa para se tornar um ilustrador profissional.
7. Considerações adicionais sobre ser freelancer: Muitas vezes sou perguntado por ilustradores apenas começando. “ Quanto cobro pelo meu trabalho? Como sei o que é um preço justo? Quando um cliente vem até mim e diz: “Qual é a sua taxa?” , eu não tenho idéia do que dizer a eles.” E isso é super comum. Eu acho que, um dos maiores pontos de aderência, especialmente no início da carreira de um ilustrador é o preço. Também pode ser um ponto de partida quando você faz isso por 10 anos como eu fiz. Então, saiba que é normal, e que há sempre um pouco de adivinhação envolvida. Quanto mais perto você pode chegar de ter preços padrão em geral é ótimo, mas no início isso é difícil, e apenas saiba que é difícil. Mas há alguns grandes recursos e eu queria compartilhá-los com você. Há uma pequena seção no meu livro, Art Ink, sobre preços, que fala sobre diferentes maneiras de entrar na conversa sobre preços. Muitas vezes, um cliente irá dizer-lhe qual é o seu orçamento no e-mail. Eles dirão semelhante ao
e-mail falso que estamos vendo hoje no resumo criativo. A taxa para este trabalho é $2.000, ou a taxa para este trabalho é $350, ou o que for. Isso é sempre ótimo quando isso acontece porque você sabe qual é o resultado deles, e você sabe que você pode aceitar, ou você pode tentar negociar. Mas muitas vezes, e na maioria das vezes, eles não terão um preço fixo para você. Então, eles dirão, “Qual é a sua taxa por isso?” ou “Quanto você cobraria por estes?” E é aí que a ansiedade geralmente se instala, especialmente se você não tem idéia, ou se é o tipo de trabalho que você nunca fez antes. Então, meu recurso favorito para preços e realmente procurar preços, ou qual é o padrão da indústria para certos tipos de trabalhos de ilustração e licenciamento é este livro,
e é chamado The Graphic Artist Guild Handbook for Pricing and Diretrizes Éticas. Não só fala sobre preços, mas tem contratos de exemplo para licenciamento e ilustração e design gráfico. É um recurso incrível, e eu acho que eles atualizaram a cada poucos anos, o Graphic Artist Guild coloca para fora. É como uma bíblia na minha casa. Eu tinha um agente, e os agentes são ótimos para ajudá-lo com os preços, obviamente, isso faz parte do trabalho deles. Mas eu não tenho mais um agente. Eu sou meu próprio agente agora, e por isso, muitas vezes preciso me referir a este livro. Mas em muitos casos, eu também meio que tenho a minha própria idéia do que eu gosto de cobrar por certas coisas, ou quanto certas coisas valem para mim, ou certos empregos valem para mim, dependendo da minha agenda e do meu com um tipo particular de trabalho que eles querem que eu faça. Então, horas extras, você vai construir seu próprio repertório de preços, e como de habilidades de negociação, e todas as coisas que vêm com preços, mas no início, pode se sentir intimidante. Então este livro é um grande recurso.
8. Resumo: Há dois lugares para você ter discussões e se envolver com as outras pessoas desta classe. Uma é a área de atribuição onde você está postando imagens de seu trabalho e há lugares para as pessoas comentar e as pessoas provavelmente vão lhe dar feedback ou fazer perguntas, então certifique-se de fazer check-in lá. O outro é o fórum de discussão. Para o bem desta classe, vamos usar todas as habilidades de comunicação profissionais e
educadas que queremos usar no mundo real quando estamos fornecendo feedback para nossos colegas e quando estamos recebendo feedback de nossos Colegas. Vamos fingir que estamos em uma situação da vida real e somos um diretor de arte e ilustrador, e vamos usar a linguagem e um nível de respeito e profissionalismo que usaríamos no mundo real. Encorajo você a postar quaisquer perguntas
que você tem ou qualquer coisa com que você está lutando no fórum de discussão, mas saiba que eu posso não ser capaz de responder pessoalmente à pergunta de todos. Farei o meu melhor para chegar ao maior número possível deles. Mas, seus colegas são um grande recurso e podem responder
também e por isso eu encorajo você a discutir as coisas uns com os outros. O objetivo desta classe não é criar a cobertura de livros mais incrível, bonita e premiada, você acaba fazendo isso que é ótimo. O objetivo realmente é cavar no processo de
criação de uma ilustração da maneira que você faria isso no mundo real. Então, certificando-se de que você está prestando atenção a uma comunicação por e-mail realmente excelente, educada, respeitosa e profissional. Que você está pensando em perguntas inteligentes para fazer para ter certeza de que você pode criar o melhor trabalho. Que você está realmente respondendo ao breve criativo cuidadosamente e talvez até mesmo inserindo seus próprios pedaços de criatividade e capricho onde você acha que são apropriados. Então, finalmente, para criar algo que você possa apresentar ao cliente de que você se orgulhe. Muito obrigado por se juntar a esta aula. Mal posso esperar para ver o que vocês criaram e
sintam-se à vontade para me avisar se tiverem alguma dúvida sobre a missão.
9. Mais aulas criativas no Skillshare:
Lisa Congdon
