Aperfeiçoe seu piano: composição e improvisação musical

1. Apresentação: Quando toco piano, sinto que estou conversando com meu melhor amigo e sou capaz de comunicar sentimentos diferentes que não consegui expressar com o idioma inglês. Olá, sou Alicia Fox, produtora e compositora do PNS. E eu toco piano há 18 anos, período em que pude fazer turnês internacionais e gravar com alguns dos meus artistas favoritos, como MS. Sago, DJ do garoto de Chicago em Tom Mish. Adoro tocar piano por causa das infinitas possibilidades de som. Se você está animado para aprender a compor músicas originais e improvisar sobre suas músicas favoritas. Esta aula lhe dará as habilidades fundamentais você precisa para continuar essa jornada. Nesta aula, examinaremos os fundamentos da composição e improvisação e aprenderemos como criar uma progressão de acordes eficaz. E também como transformar isso em um padrão de acompanhamento que poderíamos usar para improvisar ou compor. E aprenda como você pode desenvolver um hábito de boas práticas para se tornar um melhor compositor e improvisador. Após esse curso, você entenderá os fundamentos da composição e da improvisação. E ser capaz de escrever composições originais, bem como improvisar sobre estruturas de acordes existentes. Vamos ao que interessa. 2. Primeiros passos: Bem-vindo à aula de composição e improvisação. Quando comecei a tocar piano, eu estava inicialmente tendo aulas de música clássica, mas fiquei um pouco desanimado com quão rígido era o ensino e como não havia muita liberdade criativa envolvida com o música. Parecia que eu poderia simplesmente tocar a música certa ou errada. E eu estava apenas tocando músicas de outra pessoa , mas não entendia realmente o que estava tocando. Quando eu tinha 11 anos, fiz a transição para um novo professor, Tyson Rogers, que introduziu uma nova abordagem que realmente ressoou em mim. Nessa abordagem, ele me apresentou à improvisação e ao solo, nos quais eu poderia escolher minhas próprias notas para criar uma melodia. E eu rapidamente me conectei à liberdade que essa abordagem me permitiu ter. Essa abordagem me apresentou à improvisação ou composição espontânea, onde você pode escolher suas próprias notas e criar um solo no local. improvisação e a música são semelhantes a falar um idioma no qual podemos nos expressar por meio de vocabulário diferente e com declarações que aprendemos ao transcrever outras pessoas e inventando nossas próprias frases. Espero que esta aula ofereça uma visão geral de alguns dos sistemas que podem ser úteis para aprender composição e improvisação. improvisação é uma jornada constante e espero fornecer alguns dos fundamentos para que você possa continuar trabalhando ao longo de sua jornada enquanto pratica isso, é importante ser paciente consigo mesmo e aproveite as possibilidades, pois não há maneiras certas ou erradas de jogar. Estou ansioso para ver o que clica e inspira você a criar suas próprias improvisações e composições. Vamos ao que interessa. 3. Como criar progressões: Nesta lição, veremos diferentes habilidades para criar uma progressão de acordes eficaz que possa transmitir a emoção certa para o público. Quando escolhemos quadras para uma progressão de acordes, queremos escolher acordes com base no que ressoará com a frequência emocional correta da música ou composição. Já falamos sobre como encontrar boas possibilidades para acordes com a escala CTL. Nesta lição, explicarei alguns desses conceitos para ajudá-lo a pegar uma progressão básica e expandi-la por meio de substituições e alterações, vamos expandir o conjunto de habilidades que aprendemos algumas novas maneiras de criar substituições ou alterações para aprimorar nossas progressões de acordes. Primeiro, para relembrar, vamos revisitar a escala CTL, mas desta vez vamos fazer isso em uma chave diferente. Neste exemplo, eu gostaria de ver a chave de Sol maior, que tem um Fá nítido, Fá nítido. Para começar encontrando a escala CTL, começaremos criando os sétimos acordes, começando em Sol maior sétimo, que é G, B, D e Fá nítido. À medida que avançamos na escala, encontraremos os novos acordes que são opções nesta tecla. Então, em seguida, teríamos um sétimo menor, seguido por Si menor sétimo, seguido por C maior sete, seguido por D dominante sétimo, seguido por Mi menor sete. Finalmente, F sharp minor seven flat five, e depois volta para G major seven. Todos esses acordes estão na tonalidade de Sol maior. Mas às vezes pode ser bom puxar cabos de outras teclas, chaves relacionadas que são quase como um vislumbre de outro mundo por um segundo. Antes de voltarmos para casa, vou criar uma pequena progressão que tem três acordes em Sol maior e puxa um acorde de Sol menor. Vou começar com G maior em sétimo lugar, aquele dessa chave. Então eu vou passar para um menor de sete anos. Antes de passar para B menor de sete anos. Tudo isso está na tonalidade de Sol maior. E então eu vou para C menor sétimo, que vem de Sol menor. Como podemos ver, esse acorde simboliza quase outro mundo ou algo se abrindo antes de voltarmos para casa em Sol maior. Então, mais uma vez, essa progressão foi G maior sete, um menor, B menor e depois C menor. Antes de voltarmos para casa em G-Major. Muitas vezes, ao observar uma progressão de acordes, você pode ver que há vários acordes que funcionarão da mesma maneira. É importante lembrar o conceito de acorde raiz, que é sempre o de qualquer tecla. Nesse caso, nossa rota seria G maior. Uma progressão típica no grande livro de canções americanas, em muitas canções populares da história americana, inclui o que é chamado de 251. que significa que você começa no segundo grau de escala dessa chave antes de passar para o quinto e, finalmente, volta para aquela. Em Sol maior, um 251 seria um sete menor, D dominante sete. Antes de finalmente resolvermos para G maior sete. resolução ou resolução pode ser considerada como voltar para casa, para onde começamos. E é importante que haja muitas resoluções diferentes que pareçam diferentes. Portanto, ao compor ou improvisar, é importante escolher acordes com base no sentimento que você deseja transmitir. Começando com um sétimo menor, posso ir para o D7, que é um pouco dissonante, mas depois volta para G maior sete. Eu também poderia fazer um menor sete, C menor sete. E então resolvendo o Sol maior para C menor, mais uma vez, retiramos da escala G menor. Ou seja, significa quase outro mundo por um segundo antes de voltarmos para casa. Nesse caso, o sétimo C menor e o sétimo dominante em D. Mesmo sendo acordes diferentes, eles têm a mesma função de voltar para nossa base. Começamos com um idiota, fomos ver antes de voltarmos ao ponto de partida. Muitas vezes você pode criar algo muito bonito e música com um som muito dissonante que depois se transforma em algo bonito. É quase como se você gostasse mais de tomar banho depois de uma longa corrida na chuva. E se tivermos algo muito dissonante, quando finalmente resolvido, é uma sensação mais doce. Assim, podemos tocar com esse contraste quando criamos progressões de acordes e desenvolvemos acordes para nossas músicas. Sempre que você criar uma progressão de acordes de sua preferência, é muito importante movê-la para todas as 12 teclas para que você possa entender como ela funciona em diferentes contextos e disponibilizá-la como opção quando você está compondo em diferentes tons. Um ótimo lugar para começar é fazer uma progressão 251. O sétimo menor dos dois, o sétimo dominante dos cinco e, em seguida, resolvendo para o único maior sete. Podemos praticar essa progressão em cada tecla para nos tornarmos mais fluidos no piano. Vamos começar revisitando a escala de C maior, na qual C é a única. Então D seria dois. Então, começaríamos com D menor sete, seguido por G dominante sétimo, e depois resolveríamos para C maior sete. Se mudássemos isso para uma tecla diferente, a relação entre os acordes permaneceria a mesma, mas os nomes das notas mudariam junto com a tecla correspondente. Vamos dar um exemplo e encontrar um 251 em uma chave diferente. Desta vez, vamos dar uma olhada na chave de um major, que inclui três pontas, C sharp, F sharp, G sharp. Então, se estivermos analisando um 251 e essa chave, primeiro precisamos usar a escala. E notaremos que o segundo grau da escala seria Si menor. Então, vamos começar com um sétimo em Si menor. Depois disso, iríamos para o quinto grau da escala, que seria E. Então, iríamos para um sétimo dominante E. E então siga isso voltando para um grande sétimo. Você pode ver que a progressão de acordes tem o mesmo som, mesmo que esteja em uma tonalidade diferente. Então, temos Si menor. Estamos no primeiro exemplo, tivemos Ré menor, G e C maior sete. Você pode inserir essa progressão 251 em cada tecla. E acho que você notará que ele aparecerá em muitas de suas músicas favoritas. Experimente essas progressões de acordes tentando criar uma progressão de acordes que use a escala CTL de uma nova tecla com a qual você talvez esteja menos familiarizado. E então talvez também empreste alguns acordes diferentes de uma tecla diferente. Então você pode experimentar como isso soa. É importante jogar com técnicas de tensão e resolução. Assim, você pode criar um enredo de história eficaz com sua progressão de acordes. Na próxima lição, analisaremos alguns padrões de acompanhamento e inversões mais avançados para ajudar a obter uma progressão simples de acordes e realmente levá-la para o próximo nível, de vez em quando para cima. 4. Padrões e inversões: Bem vindo de volta. Nesta lição, veremos como você pode usar inversões para criar padrões de acompanhamento mais avançados. Essa é uma técnica incrivelmente divertida de usar e é uma ótima maneira de desafiar uma progressão simples e realmente levá-la para as próximas etapas. Neste exemplo, eu gostaria de começar com as inversões de um acorde de Fá maior de sete, que inclui as notas com a face F-A-C-E. Então, começaremos tocando o acorde original em Fá maior de sete com a mão direita. F-a-C-E. e avançando para a próxima inversão disso, que seria ACEF. Em seguida, vamos subir o a, uma oitava acima até a próxima inversão. Veja EFA. E então a inversão final, EF, AAC. Sinta-se confortável com todas essas inversões no piano como versões diferentes do mesmo acorde. Porque muitas vezes você vai querer passar para a configuração mais próxima de um acorde e não apenas para a posição raiz do acorde. Então, vamos mover esse sete em Fá maior pelo piano lentamente. E começamos a ouvir os sons de tudo isso. Movendo-se pelo teclado. Neste exemplo, vou demonstrar a mudança de um Fá maior sete para um Dó Maior sete, das quais as notas são C, E, G e B. Vamos agora analisar as mesmas inversões para o sétimo em C maior. Então, começaremos com o CBGB, passaremos para E, G, B e C. Em seguida, avançaremos um passo adiante para G BCE. E então, finalmente, o BCG. Antes de voltarmos para onde começamos uma oitava acima com o CBGB. Então, estamos passando de nossa progressão básica, que é Fá maior sete, para C maior sete. É apenas uma progressão básica de dois acordes. Mas vamos expandi-la criando uma melodia de acordes com as inversões desses dois acordes. Às vezes, pode ser útil anotar as notas no papel para que você possa ver todas as suas opções. Mas neste exemplo, vamos mantê-lo com os acordes no piano. Então, o que vamos fazer essencialmente é criar uma melodia usando as notas desses dois acordes e depois tocá-la com suas inversões. Para o sete em Fá maior, podemos escolher qualquer uma das notas do acorde para usar como nossa melodia antes de resolver para o sete em dó maior, onde podemos escolher qualquer uma das notas desse acorde para usar como nossa melodia. Então, para começar, temos qualquer uma das opções presenciais e depois vamos para qualquer uma das opções do CBGB. Então, vou começar com talvez uma melodia como essa. Então eu vi o BCG. Então, eu tenho minha melodia básica. Agora, o que eu quero fazer é preenchê-lo usando a melodia como a nota máxima da inversão. Então, como eu comecei com E, C , a, C, eu vou preencher isso com esses acordes, que seria, e agora vamos para a próxima parte que foi BCG. Então eu vou preencher com esses acordes. Então, ao todo, teríamos, você pode continuar. Então, assim por diante. Então, estamos basicamente misturando apenas as mesmas quatro notas, mas somos capazes de criar uma frase mais longa que tenha um componente melódico e CTO. Vamos demonstrar mais um exemplo para ajudar isso a se aprofundar. Vou criar outra melodia usando essas notas. Então, desta vez eu vou fazer e, f , c, a, b, g, e. Veja, então o próximo passo é encontrar as inversões que têm essas notas no topo. E às vezes é útil ver isso por escrito. Mas o que isso seria, medida que você continua praticando essas inversões, você chega a um ponto em que pode improvisar com elas. Assim, você pode ouvir uma melodia no local. E se você estiver tocando com outros instrumentos, você pode ajudar a apoiar o que eles estão tocando tocando uma melodia de acordes atrás deles. Agora vou demonstrar a mudança entre dois acordes diferentes de Fá maior para Dó maior e , ocasionalmente, em Fá menor. Fá menor. Antes de voltar para casa para ver , pode estar fazendo um arpejo. Para encerrar a música. Para recapitular. Neste exercício, analisamos como pegar um acorde de quatro notas e, usando todas as inversões, criar uma melodia de acordes que poderia transformá-la em um padrão de acompanhamento eficaz. Agora, eu gostaria que você pegasse os mesmos dois acordes, Fá maior sete e C maior sete, e tente criar sua própria melodia primeiro, usando as notas desses acordes. Em seguida, tente preencher com as notas das inversões correspondentes. Na próxima lição, apresentaremos a improvisação em escala pentatônica. Isso nos dará muitos recursos diferentes para solar e criar melodias para nossas composições ou improvisações. Estou empolgado que você se junte a mim. Nos vemos lá. 5. Improvisações com pentatônicas: Nesta lição, veremos a escala pentatônica e como ela pode ser usada para improvisação e criação de melodias eficazes que podem funcionar sobre uma progressão de acordes ou padrões de acompanhamento. A escala pentatônica é derivada da escala maior, qual você já deve estar familiarizado. Nesse caso, vamos começar examinando a escala pentatônica C, que é uma escala de cinco notas. A escala pentatônica C inclui as notas C, D, E, G e a. Ou, em outras palavras, o primeiro, segundo, terceiro, quinto e sexto graus da escala de C maior. Também pode ser considerada a escala de C maior menos o F e o B, ou o quarto e o sétimo grau. A escala pentatônica é uma excelente escala para improvisar ou escolher notas para uma ótima melodia. Para começar, vamos praticar a escala pentatônica, movendo-se para cima com a mão direita, começará com os dedos de um-dois-três do que cruzando abaixo de 212, cruzando abaixo de 212, cruzando para baixo novamente para ver um-dois-três do que cruzar novamente para G. Então, temos C , D, E, G, a, C, T. E voltando para baixo, começaremos com C. Esse toque é um pouco complicado, então eu vou falar mais uma vez. Começamos com um-dois-três do que 12, depois 12312123 e depois voltamos para 1 213-212-1321. Portanto, qualquer uma das notas da escala pentatônica soará bem em uma progressão de acordes na tecla correspondente. Então, se estamos criando uma progressão de acordes em dó maior, por exemplo, Fá maior, Mi menor, Ré menor. Todos esses são acordes que saem da escala de dó maior. Podemos usar essa escala pentatônica para improvisar sobre ela. Vou demonstrar um pequeno exemplo. Eu posso continuar e continuar. Mas agora vamos usar um padrão com essa escala. Assim, podemos começar praticando a escala pentatônica em grupos de 34,5. Para os agrupamentos de três, começaremos com o polegar em C e usaremos C, D, E, D E G, E G, GAAC, a, C, D e assim por diante. Então, vamos tentar isso. E volte para baixo. Teríamos que praticar nesses padrões pudesse nos ajudar quando estamos improvisando, porque então temos maneiras extras de nos mover. E não apenas avançamos na escala e acabamos tendo menos probabilidade de ficar presos ou ficar sem ideias. Esses padrões também podem ser usados como um ótimo veículo para solar ou compor, ou como preenchimento para tocar entre acordes. Agora vamos ver o agrupamento de quatro nós. Então vamos começar em C e vamos subir. Estamos jogando C, D, E G, D, a, E G, TAC, TAC. Então, vamos tentar isso de novo. E também podemos voltar para baixo. Então, agora que que que agora temos esses padrões de 3.4, vou tentar inserir alguns na progressão de acordes que eu estava tocando para usar esses preenchimentos de improvisação. Um padrão de três. Agora, um padrão de quatro. Três novamente, quatro. Portanto, podemos usar esses padrões quando estamos sozinhos ou pequenos preenchimentos para preencher as lacunas entre os cabos reproduzindo. Agora, eu os pratiquei muito e os criei usando um metrônomo para um ritmo mais rápido, onde eu possa tocá-los com fluidez. É importante começar devagar e não se culpar se tiver problemas para jogá-los no início. Agora vou demonstrar essas mesmas frases, mas um pouco mais lentamente. Todas essas frases estão saindo dessa escala pentatônica, que é uma escala de cinco notas. Para o próximo exercício, gosto de praticá-lo nos padrões de cinco. Então vamos começar com C e vamos subir usando todos os cinco dedos, C, D E G a D E G a C, E G, a, C, D e assim por diante. Agora vou demonstrar alguns padrões de cinco na mesma progressão. Você pode notar usar a escala pentatônica para solo, que pode prever como ela vai soar antes de tocar. E essa é uma das partes essenciais da improvisação: ao improvisar, você quer chegar a um lugar onde você quase possa prever como vai soar enquanto você toca e ver que sua mão pode ser como uma extensão da sua mente ou uma melodia que você cantaria. Agora, vou tocar a mesma progressão de acordes e gostaria que você tentasse improvisar usando as notas da escala pentatônica, C, D, E, G e a. Você também pode tentar usar alguns desses padrões de 34.5 para criar uma melodia espontânea com sua improvisação. Lembre-se de que não há nenhuma Melodia certa ou errada. E enquanto você estiver tocando as notas da escala pentatônica, você terá um ótimo começo. Aqui vamos nós. Excelente trabalho. Outra ótima maneira de praticar o improvisamento é gravar a si mesmo tocando os padrões de acompanhamento ou as progressões de acordes e, em seguida, tocar sobre ele sozinho usando a escala pentatônica. Sempre que estiver aprendendo uma nova música, você pode descobrir em que tom a música está. Pegue a escala maior e, em seguida, encontre a escala pentatônica tocando o primeiro, segundo, terceiro, quinto e sexto graus da escala. Você também pode se sentir confortável tocando esses padrões de 34,5 que demonstrei em teclas adicionais para obter mais fluidez com a escala pentatônica em cada tecla. Então, sempre que você tiver uma nova música, você pode descobrir em qual tecla ela está, encontrando a maior escala dessa tecla. E então toque o primeiro, segundo, terceiro, quinto e sexto graus para encontrar a escala pentatônica. Você também pode percorrer os padrões de 34,5 na escala pentatônica nas teclas correspondentes para se familiarizar mais com eles no piano. Recapitulando, nesta lição, analisamos a escala pentatônica, que é o primeiro, segundo, terceiro, quinto e sexto graus da escala maior. E como você pode usar isso como um recipiente para improvisar ou criar suas próprias melodias. Muitas vezes, ao criar melodias, um ótimo lugar para começar pode ser estilizar ou improvisar livremente, encontrar uma melodia que você goste e refiná-la para, eventualmente, torná-la segura. Na próxima lição, veremos uma técnica para criar frases ou tiragens repetidas, que podem ser excelentes veículos para improvisação ou composição. 6. Notas repetitivas: Nesta lição, veremos como você pode usar frases ou sequências repetidas para criar texturas para composição ou improvisação. Uma frase de nota repetida é uma frase de seis ou oito notas que, perto de onde começou , uma oitava acima, então se torna uma frase fluida no piano. Isso é ótimo para improvisar como uma ferramenta de composição ou como um final. Para começar, gostaria de começar criando uma frase de sexta nota sobre qualquer acorde. Para o primeiro exemplo, vamos pegar a Corte de Ré menor sete, D, F, e C. Vamos criar uma frase de nota repetida que poderia funcionar sobre esse acorde e terminará perto de onde ele começa em uma oitava acima. Então, ele pode se repetir ao longo da oitava. Vou criar seis notas e tocá-las em trigêmeos, o que significa que estou tocando três notas para cada quarto de nota. Portanto, é importante saber que, ao compor sua frase de nota repetida, seja qual for o nó em que eu começar, vou querer terminar cerca de uma oitava acima. A frase pode continuar se espalhando por si mesma. Então, temos Ré menor. Vou começar minha frase em E, o tom da nona escala dessa tecla. Então, vou começar com E, F, G e depois passar para ACG. Todas elas são notas em dó maior, das quais Ré menor faz parte da escala CTL. Então, até agora eu tenho E, F, G, a, C, G. E então isso me configura para estar ao lado do E, novamente em oitava mais alto. Então eu posso tocar a mesma frase se repetindo ao longo da oitava. Vou demonstrar. Agora estou tocando a mesma frase, mas estou movendo-a pela oitava. Então, parece um padrão repetido. Vou começar de novo. Como eu tenho uma frase de seis notas, ela também pode ser dividida em dois grupos de três, o e, f, g e depois o ACG. Quando tocamos qualquer frase, eu sempre gosto de tirar o máximo proveito da frase. Então eu penso nisso em seções diferentes. Nesse caso, pensaríamos nisso como um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, que é o dedo que estou fazendo. Mas também poderíamos jogar 132, o que o tornaria EGF. Esse também é um bom som. Também poderíamos descer. Então, primeiro vou jogar três para um, o que seria GCA, GFP. Se eu quisesse criar outra variação com essa frase, eu poderia fazer 231 no caminho para baixo, que seria CGA, PFGE. Parece uma frase muito mais longa, mas é essencialmente o mesmo padrão de seis notas que se repete ao longo da oitava. Sempre que eu inventava uma frase, eu gosto, eu tentava aplicá-la em todas as teclas. Então, se eu estiver tocando uma música nesse tom, posso usá-la como um final. Digamos que eu esteja tocando uma música em Fá menor e esteja chegando ao fim. Acabei de tocar a mesma frase que escrevi em Ré menor, mas a transpus para Fá menor. Agora vamos dar uma olhada em outra frase. Desta vez, vamos fazer uma frase de 8 notas, que significa que todas as notas serão 16ª ou oitava notas. Para esta próxima frase de 8 notas, vou criar uma sobre a chave de um menor. E vou me lembrar de que quero terminar perto de onde comecei, em uma oitava mais alta. Portanto, a frase pode se repetir naturalmente. Para este exemplo, vou começar com a nota B. Então eu vou fazer BCG e depois fazer D, E, D. eu tenho. E então isso me coloca aqui novamente na B. Então eu vou assistir isso se repetir. Mais uma vez. Temos BCG a, D, EDA. Se quiséssemos, poderíamos dividir esse agrupamento em dois grupos de quatro nos quais temos 12341234. E poderíamos tentar tocá-lo em outras variações, talvez 3421, que seriam e criar outras frases usando as mesmas notas. Para encerrar esta lição. Você pode criar uma frase de nota repetida sobre qualquer acorde com seis ou oito notas na etapa principal, caso queira terminar perto de onde começou, em uma oitava mais alta. Então, a frase que vamos repetir ao longo da oitava. Sempre que você criar uma frase de sua preferência, eu o encorajo a experimentá-la no máximo de teclas possível para que, quando estiver tocando uma nova música, você já tenha toneladas de congelamentos em seus dedos que você pode improvisar ou usar no arranjo. Agora, eu gostaria que você tentasse criar sua própria frase de seis notas sobre a tonalidade de dó menor. E estou empolgado em ver o que você inventou. Você pode praticar essa técnica criando suas próprias frases acordes diferentes e começar a usá-las como uma ferramenta de composição ou em suas improvisações. Na próxima lição, veremos como podemos usar a escala de blues para criar um som mais parecido com a guitarra no piano. 7. Escala de blues: Bem vindo de volta. Nesta lição, veremos como podemos usar a escala de blues e notas azuis para criar um som mais suave de guitarra no piano. O blues é uma forma de arte negra americana que se originou no sul da América, é a base de quase todos os gêneros de música que conhecemos agora, do rock ao country, ao jazz e ao RMB. Podemos usar a escala de blues em muitos gêneros. E saber como usá-lo de forma eficaz nos torna melhores pianistas e músicos em geral. Em um violão, você pode dobrar uma corda entre as notas entre as notas para criar uma textura bluesy muito legal. Mas no piano, quando tocamos uma tecla, não temos a opção de mudar o som. Por causa das limitações do piano, as pessoas descobriram maneiras de criar um som mais parecido com a guitarra usando a escala de blues e os nós azuis. Eu vou demonstrar alguns desses conceitos hoje. Antes de entrar na escala do blues, primeiro gostaria de ver uma progressão típica do blues de 12 compassos. Em uma progressão típica de blues de 12 compassos, você começará com C7 para 4 bar, seguido por F7 para 2 bar, antes de voltar para ver para 2 compassos. E terminando com a reviravolta de g para 1 bar, f para 1 bar e depois ver para mais 2 compassos, há muitas maneiras de tocar um blues de 12 compassos, mas vou demonstrar uma progressão básica agora. Essa progressão demonstrou uma forma de 12 compassos que se repete e, nesse caso, você pode sozinho ou improvisar como minicursos ou horários no fórum conforme desejar. Agora que analisamos a progressão básica, vamos dar uma olhada na escala do azul marinho. A escala de azul marinho é uma escala de seis notas, que inclui as notas C, E bemol, F, F nítido, G, B bemol e C. Mais uma vez, isso é C, Mi bemol, F, F nítido, G, B bemol e C. O o dedilhado que eu normalmente faço para a escala de blues marinho é 123412. E então você cruza novamente se estiver subindo outra oitava, 123412. Então, vamos agora tentar isso em duas oitavas, começando em Dó, Mi bemol, F, F nítido, G, a, Si bemol, C, D bemol, Fá nítido, G, Si bemol e vice-versa. Antes de entrarmos na improvisação em escala de blues, agora gosto de explicar o que é uma nota azul. Além da escala de blues, podemos usar as chamadas notas azuis para criar um som de blues ou mais parecido com um violão no piano. Uma nota azul é quando você desliza de uma tecla para a próxima. Vamos demonstrar isso com o F-sharp deslizando para cima para G e depois para baixo para F. Então você vai começar com o mesmo dedo tocando F nítido e deslizando para G até F. Isso quase soa como uma guitarra deslizando entre as teclas porque, embora não ouçamos a curva exata, ela está quase implícita na música. Podemos usar isso para criar mais som de lambida de guitarra no piano. Então, vamos pegar uma frase simples e eu quero que você tente tocá-la com notas azuis. Então, vou deslizar de Fá nítido para G e depois para Fá antes de jogar Mi bemol. E veja, agora eu gostaria que você tentasse isso. Você pode pensar em uma nota azul como uma espécie de inflexão ou uma forma de tirar mais som ou personalidade do piano. Agora vou tocar uma frase sem notas azuis e depois novamente com notas azuis e ver se você reconhece a diferença. Isso sem notas azuis e notas azuis de largura. Você pode dizer o que as notas azuis. Tem um pouco mais de personalidade ou parece um pouco menos reto ou rígido na forma como é jogado. Sempre que inventamos uma frase usando a escala de blues de que gostamos, tentei guardá-la em minha mente como uma opção para improvisar. Para que, na próxima vez que você estiver tocando uma música nessa tecla, você possa se lembrar das frases ou do vocabulário que criou para falar com eficácia quando estiver sozinho. Podemos aprender muito transcrevendo outros músicos de blues e pegando sons de outros instrumentos e tentando transmiti-los para o piano e ver como eles se traduzem. Da mesma forma, demonstramos padrões de 34,5 com a escala pentatônica. Também podemos analisá-los para a escala azul. Agora vou examinar padrões de três na escala azul. C, E plano, Mi bemol, F, F nítido, F, F nítido , G, F nítido G, B plano, G, B plano , C e vice-versa. Podemos praticar esses padrões e depois usá-los em nosso solo. Agora eu gostaria de convidar você a tentar improvisar usando a escala de blues marinho enquanto eu toco os acordes de acompanhamento da forma de blues de 12 compassos. Lembre-se de que não há frases certas ou erradas para tocar. Mas qualquer uma dessas notas funcionará sobre esses acordes. E sempre que encontrar algo de que goste, tente se lembrar disso e guardá-lo em sua mente como uma opção para futuros solos. Tudo bem, vamos pular em 121234. Excelente. Portanto, embora essa possa ter sido sua primeira vez, você pode ter reconhecido algumas vezes quando tocou uma frase de que gostou. E é muito importante lembrar o que você gostou sobre isso para salvá-lo como algo que possa tocar em outras músicas. Então, quando você está improvisando, você não está exatamente inventando tudo do zero, mas você está usando vocabulário pré-existente para estruturar e formar uma declaração coesa, é importante lembrar que improvisar com a escala do blues é uma jornada contínua. E é importante ter paciência consigo mesmo e começar aos poucos ao aprender. Familiarizar-se com a escala pode levar tempo, e é importante lembrar as frases que você gosta. Assim, você pode continuar aumentando seu vocabulário como improvisador. Em nossa próxima lição, vamos nos aprofundar em alguns conceitos adicionais de improvisação que podem ajudar a levar nossa improvisação para a próxima etapa. 8. Teclas de improvisação: Nesta lição, veremos alguns conceitos adicionais de improvisação e como podemos efetivamente praticar a improvisação. Alguns dos conceitos que abordaremos incluirão gabinetes, arpejos e configuração de alcance limitado no piano ao improvisar. Primeiro, vamos dar uma olhada nos compartimentos. Enclosure é uma técnica que se originou com a música bebop na década de 1940 por meio de pioneiros como Charlie Parker e Thelonious Monk. Um exemplo básico de um compartimento é abordar uma nota de ambos os lados cromaticamente. Por exemplo, se eu soubesse que quero que ele caia em b, eu me aproximaria dele jogando C e depois B bemol antes de pousar em b, mas ainda assim batendo na batida negativa ou forte. Por exemplo, se eu tocasse uma frase com um recinto, eu tocaria. Eu estou essencialmente encerrando o desejo. Note que eu gosto de jogar de qualquer um dos lados. Vamos dar uma olhada em outro exemplo. Se eu tocasse uma grande tríade, C, E e G, e incluísse cada nota que eu tocaria. Estou me aproximando do c cromaticamente com C-Sharp e B, depois me aproximando do E com F e E planos, depois me aproximando do g com um plano e F afiado para obter. Podemos usar gabinetes para criar um som mais cromático e, ao mesmo tempo , manter nossos tons-guia iguais. Neste exemplo, explicarei como usar compartimentos acima de 251 na chave de C maior. Como você pode ver, é um som muito cromático. E podemos nos acostumar a pegar uma frase simples e depois expandi-la delimitando os tons guia de ambos os lados. Você pode tocar um refrão de blues ou qualquer música no treino, colocando alguns recintos e vendo onde você gostaria e onde eles não funcionam. Muita improvisação é tentativa e erro. E em algumas situações, você pode ter sorte e descobrir algo que nunca soube que poderia jogar. seguir, veremos como você pode usar arpejos ao solo, começando com o sétimo acorde em Ré menor usaremos um arpejo ou as notas do acorde para criar outra textura para quando estamos sozinhos. Vou começar com um D e demonstrar. Neste exemplo, usei esse arpejo para criar uma frase linear que se move pelo piano. Também podemos usar arpejos como rotas de fuga e ir para outra área quando estamos improvisando. Vou demonstrar um exemplo disso. Ao praticar a improvisação, um bom hábito pode ser estabelecer limitações no foco explícito em um conceito de cada vez. Um bom ponto de partida pode ser limitar-se a um determinado alcance do piano e ver quantas opções você pode criar com esse conjunto de limitações. Muitas vezes, a melhor arte é feita com limitações. E você pode descobrir algo realmente impressionante colocando limites em si mesmo. E então, quando você abre esses limites novamente, você tem novas maneiras de se expressar. Agora vou demonstrar todos esses conceitos, gabinetes, arpejos e alcance limitado em uma progressão. Vou usar a progressão de acordes, um menor sete, E menor sete, Ré menor sete. E como isso é menor de idade, vou usar a escala de Blues. Agora vou usar gabinetes. Agora vou usar arpejos. Agora vou usar alcance limitado e apenas uma oitava. E escala tônica. Normalmente, use notas azuis. Então esse foi um exemplo para demonstrar como eu estava focando em cada conceito de improvisação, um de cada vez. Para fortalecer isso, em vez de apenas praticar tudo de uma vez, é importante definir essas limitações para que possamos ser muito práticos e precisos ao praticar um conceito amplo como a improvisação, que pode ser avassaladora no início porque há muitas possibilidades. Na próxima lição, veremos como você pode pegar um padrão simples e usá-lo como uma ferramenta para composição. Vamos começar a compor. 9. Padrões e composição: Muitas vezes, quando estou praticando piano, o que eu vou fazer é pegar um padrão simples ou fazer exercícios para movê-lo de maneiras diferentes e aplicá-lo em diferentes teclas. Muitas vezes, um simples padrão ou exercício pode então se transformar em uma composição completa. E há um elo que mantém a composição unida porque as pessoas percebem há um padrão ou algo parecido agindo como uma cola para amarrá-la. Para demonstrar isso, vou usar minhas músicas, Central Park West, do meu álbum, city in the sky, para mostrar como eu uso um conceito ou padrão e o transformei em uma composição completa. Quando eu estava escrevendo Central Park West, eu estava usando um acorde, que era um acorde maior cercado por oitavas como esta. Você pode mover esse acorde para cima na escala. Nesse caso, eu era um Ré maior, que tem duas pontas, Fá afiado e Dó nítido. E eu estava praticando mover aquele acorde pelo piano assim. E assim por diante. Então, estou pegando um conceito simples que é o mesmo acorde e o movendo para tocar uma melodia. Vou demonstrar apenas a mão direita. Estou atravessando a escala de Ré maior, assumindo a mesma forma e usando isso para tocar uma melodia. Então eu tenho, e assim por diante. Eu também poderia expandir esse acorde tocando com arpejos, que soariam assim. O objetivo disso é que muitas vezes você pode pegar um padrão ou motivo simples e transformá-lo em uma composição. Mostrarei outro exemplo de uma composição original em mente, cidade no céu, na qual usei um padrão repetido de quatro notas para criar a ilusão de um arranha-céu se movendo em uma cidade. Nessa música, eu estava trabalhando com duas frases de quatro notas. Movendo-se entre C menor. Em C maior. Comecei com uma frase em Dó menor na qual estou usando um padrão de quatro notas e o repetindo. E depois passar para a parte C maior. Então, juntos, parece. Então, embora os acordes estejam em tons diferentes, há um link que os une, é o padrão de quatro notas que está se movendo por toda parte. Muitas vezes, ter um padrão também pode atuar como uma limitação, pois força você a pensar de maneiras diferentes. Mas sempre há um link que ajuda a unir a composição. Eu encorajo você a tentar explorar, brincar com um padrão e talvez usá-lo em sua própria composição, que você pode pontuar usando o MuseScore. Sempre que você criar um padrão de sua preferência, é importante aplicá-lo ao maior número possível de teclas em músicas diferentes para que você possa obter a quilometragem máxima do padrão e poder aplicá-lo para músicas de outras pessoas ou para seus próprios trabalhos originais. Para esta tarefa de aula, gostaria que você pegasse um padrão ou uma frase p denote e usasse como um veículo para composição, que você pode enviar por meio da galeria do projeto. Na próxima lição, veremos como você pode usar organização e a dinâmica para ajudar a levar sua composição para o próximo nível usando toda a gama de sons disponíveis no piano. 10. Arranjo musical: Nesta lição, veremos como podemos usar a organização e a dinâmica para destacar toda a gama do piano. O piano é um instrumento extraordinário porque é basicamente como ter uma orquestra inteira na ponta dos dedos. O piano tem um alcance maior do que qualquer outro instrumento. Temos graves incrivelmente baixos que imitam o contrabaixo da orquestra. E agudos muito altos, que são semelhantes a um flautim ou flauta. Ao pensar em compor no piano, é importante pensar na amplitude do arranjo em que estamos tocando para obter todo o espectro de sons. Muitas vezes, pode ser ótimo criar contraste jogando baixo alto. E pensando em como você deseja estruturar sua composição para tirar a técnica completa do piano. Ao tocar piano, é importante pensar estrategicamente sobre o alcance e também sobre o uso da dinâmica. dinâmica no piano se refere ao quão alto ou suave e a todos os diferentes níveis intermediários que podemos usar. dinâmica pode ser considerada como enredos de histórias na escrita criativa. E em vez de manter algo estagnado ou no mesmo nível, podemos usar fluxos e refluxos para criar uma jornada para nosso ouvinte. Para demonstrar isso, vou tocar uma passagem sem dinâmica e depois experimentar duas opções dinâmicas diferentes. Vou começar tocando uma frase de uma música original, Grand Canyon, com dinâmicas variadas. Ao praticar dinâmica, muitas vezes você pode pensar em arcos semelhantes a um enredo de história ao desenhar em sua composição, como você quer que sua dinâmica cresça para que haja subidas e descidas graduais, quase como um onda. Em vez de movimentos bruscos e irregulares que podem confundir o ouvinte. Vou demonstrar outro exemplo de dinâmica na mesma progressão de acordes, mas com a dinâmica subindo e descendo em lugares diferentes. No segundo exemplo, mantive os dois segundos acordes mais silenciosos. Estamos no primeiro exemplo, esses acordes estavam mais altos. Agora é uma questão de gosto de qual exemplo eu gosto mais. Mas é importante praticar dinâmica na prática , escrevendo em dinâmica, para que possamos usar toda a gama de sons em volume no piano. Uma boa maneira de praticar a dinâmica é usar uma frase simples como uma escala de dó maior na prática, aumentando em volume e diminuindo em volume. Um bom exemplo seria esse. Vou começar do C mais baixo. Então, estou aumentando gradualmente em volume e depois praticando voltar para baixo. Você também pode fazer exercícios como esse com apenas um nó tentando obter máximo de dinâmica possível enquanto faz um arco consistente. Pode ver com que suavidade você pode pressionar enquanto ainda cria um som. dinâmica é uma ferramenta muito poderosa e podemos usá-la ao compor para criar um arco em um enredo de história para nossa composição. dinâmica também pode afetar a sensação de humor da peça e é muito importante para transmitir a emoção certa ao público. Na próxima lição, examinaremos as técnicas e seções de composição. Assim, você pode ajudar a estruturar sua composição de forma eficaz e levá-la para o próximo nível. 11. Técnicas de composição: Nesta lição, veremos técnicas de composição em seções que podem ser usadas para criar estrutura ao compor. Os tipos de seções que veremos são mais comumente associados à composição pop e incluem o verso, o refrão ou gancho, a ponte, a introdução e o outro. Eles funcionam criando impulso ao longo da música para que as seções familiares voltem Também criaremos uma progressão natural para dar a essa música um arco e uma vida útil próprios. Normalmente, músicas, começaremos com uma introdução, que pode ser instrumental ou configurar a tecla ou a progressão de acordes na música. Eles então geralmente passam para o avesso, que terá uma melodia e geralmente é instrumentação mais esparsa do que o refrão. Normalmente, as músicas têm 123 Vs, e a melodia será a mesma, mas a letra pode ser diferente. O refrão ou o gancho tem como objetivo atrair o ouvinte, repetindo o cativante como parte da música, para que haja algo contagiante e você tenha que cantar junto ou dançar ao som do bridge, que geralmente ocorre após o segundo refrão ou segundo verso, funcionará como uma seção ligeiramente diferente para fornecer outra textura antes voltar para casa para o refrão. Muitas vezes, as pontes se modulam em outra chave, às vezes a um quinto de distância. A chave original. A ponte é essencial para montar o refrão novamente e fazer com que pareça uma música totalmente coesa. Depois do refrão final, às vezes haverá um outro, que pode ser uma seção instrumental ou uma frase repetida o vocalista canta para continuar a música à medida que ela desaparece. Ao trabalhar com composições pop, você pode pegar a mesma progressão de acordes e expandi-la usando variações, usando arpejos ou inversões para criar uma nova seção com mais impulso para o coro, ponte ou outro, mantendo a mesma progressão de acordes centrais. Muitas vezes, a música pode ter uma progressão de acordes, mas suas variações podem levar ao refrão e ao gancho e levar a desenvolvimentos naturais por meio das técnicas que abordamos nesta aula, incluindo inversões, arpejos, em diferentes métodos de acompanhamento, na estrutura musical tradicional ou em músicas dos anos 30, 40 e 50, como clássicos da Broadway ou também conhecido como grande livro de canções americanas. Eles costumam usar a forma A-A-B-A, na qual o a pode ser considerado um coro ou verso, que é repetido duas vezes. E então há uma ponte e depois seguida pela mesma a novamente, para que o a fique preso na mente do ouvinte. Agora, vou demonstrar uma composição original e, em seguida, usar o formulário AABA intitulado Passamos a noite em uma estrela. Quando escrevi essa música, eu queria fazê-la soar como uma música dos anos 1930 ou 1940. Por isso, eu queria usar a forma tradicional daquela época para fazê-la parecer autêntica. Você ouvirá que a seção a se repete três vezes na qual há letras diferentes, mas é a mesma melodia. Eles também serão uma ponte curta. Então você ouvirá um BA, ouça a repetição de uma seção. Eles têm letras diferentes, mas é a mesma melodia. Nós caminhamos de volta. Esta barra de gás azul claro suave. Eles amaldiçoaram meu coração e eu não quero parar. As ruas estavam fechadas lá. Os meninos do sino cantando Goodnight desceram por um céu nublado quando passamos a noite em uma pedra, estamos descobrindo como pular. Só saiba que eles estarão muito altos. E à noite, o imposto é pago como, digamos , são luzes cintilantes, mas passamos a noite com essa música. Você poderia dizer que a mesma seção foi repetida três vezes e a única seção diferente foi a ponte. Isso é útil porque quando estamos aprendendo músicas do grande livro de canções americanas ou músicas americanas clássicas da década de 1940. Se aprendemos a seção a, já aprendemos essencialmente três quartos da música, o que significa que podemos aprender músicas mais rapidamente focando em uma seção e em como ela se repetirá. Nesta lição, analisamos como podemos usar seções diferentes para compor músicas pop e também fóruns diferentes estruturar nossa composição de forma eficaz. É importante lembrar esses conceitos ao compor, para dar às nossas músicas o arco adequado e torná-las mais eficazes. 12. Considerações finais: Tudo bem, chegamos ao fim da aula de composição e improvisação. Esta aula introduziu muitos sistemas que podem ajudar na composição de sistemas que podem ajudar na músicas originais ou improvisação ou escrita de melodias. Começamos procurando maneiras de criar progressões de acordes para criar tensão e resolução e extrair acordes de outras teclas. Também analisamos a improvisação em escala pentatônica e como podemos usar essa escala para criar melodias eficazes. E quando estiver sozinho. Também analisamos frases e trechos repetidos e como podemos usar uma frase para percorrer uma frase para percorrer o piano e criar arranjos eficazes. Além disso, analisamos a escala de blues e como podemos usar notas azuis para criar um som mais suave de guitarra no piano ao improvisar ou compor. Como muito do que abordamos é muito conceitual, é importante aplicar esses conceitos de todas as maneiras possíveis que possamos realmente enraizá-los em nosso jogo e não apenas tê-los em nossa mente. . Improvisar e compor é uma jornada constante. E isso é apenas uma introdução que visa dar a você possibilidades de estimular a criatividade. Vimos como você pode pegar um padrão e transformá-lo em uma composição. E também como podemos usar a estrutura e a dinâmica da música para criar uma música eficaz. Todos esses conceitos em sistemas podem ser usados de forma intercambiável. E é importante praticá-los com uma visão refinada para não ficarmos sobrecarregados. Como tarefa de classe, você pode pegar um padrão ou frase de nota repetida e transformá-la em uma composição para que haja um link se movendo por todo o trabalho. Espero que você possa usar esses conceitos em sua própria improvisação e composição. E junte-se a mim na minha próxima aula onde analisaremos a criação de arranjos.