Cómo usar el color para mejorar tu fotografía

1. INTRODUCCIÓN: Cuando se usa correctamente, color puede ser una manera fantástica de elevar tu fotografía, ya sea un fotógrafo de retratos o un fotógrafo callejero. Experimentar con el color y usarlo a propósito no solo puede ayudarte a crear imágenes visualmente más agradables y cohesivas, sino que también te puede ayudar a comunicar significado e historias dentro su trabajo. Hola, mi nombre es Sophia Carey y soy fotógrafa de moda del Reino Unido. Trabajo predominantemente en moda y retratos, pero mi cuerpo completo de trabajo abarca múltiples géneros diferentes, con clientes que abarcan desde Leigh-Anne Pinnock hasta Lumix. Con antecedentes en diseño gráfico, las ideas y las teorías que rodean el color siempre han sido algo en lo que me enfoqué dentro de mi trabajo fotográfico. En la clase de hoy, vamos a estar explorando los conceptos básicos de la teoría del color y cómo puedes usar el color para realzar tus fotografías. Si buscas una comprensión básica del color, la teoría del color y la psicología del color, y cómo puedes usar algunas herramientas y técnicas realmente fáciles para mejorar rápidamente tu trabajo fotográfico. Entonces vamos a quedar atrapados. 2. Proyecto de clase: Gracias por elegir continuar. Estoy tan emocionado de que realmente nos quedemos atrapados en el mundo del color y lo que significa para tu fotografía. Para los proyectos de clase, les voy a pedir que creen una fotografía que o bien implemente una de las teorías de color que vamos a estar pasando, toda la psicología del color. Junto a tu foto, dame una breve explicación de qué colores has elegido y por qué. Para puntos de bonificación, mira si puedes intentar usar una teoría del color y la psicología del color en la misma imagen. Cuando hayas completado tu fotografía, subirla a la galería del proyecto para que podamos darle un vistazo y darle retroalimentación. En nuestra próxima lección, vamos a estar atascados directamente y hablando de lo que es la rueda de color. [ MÚSICA] 3. El vocabulario de círculo de colores y color: En esta lección, vamos a estar discutiendo la rueda de color y alguna terminología común cuando se trata de colores. La rueda de color es simplemente una disposición circular de colores organizada por su relación cromática entre sí. Si tomamos, por ejemplo, la educación primaria donde se nos enseña si se mezcla un color con otro color, se crea un color. Si mezclamos azul y amarillo, dos colores primarios, entonces nos pondremos verde, creando un color secundario. A medida que continúas esta mezcla, creamos colores terciarios, etcétera Esto termina carnando la rueda de color en algo que tiene una variedad de diferentes colores y tonalidades. Cuando se trata de color, hay cuatro términos particulares con los que desea familiarizarse. El matiz se refiere a la selección de color. El color real, por ejemplo, rojo, azul, verde, esos son todos tonalidades. A continuación tenemos saturación. saturación se refiere a la intensidad de ese tono. En tercer lugar, tenemos un valor que también a veces se conoce como luminosidad. El valor se refiere al brillo del matiz. Si tomamos un matiz, por ejemplo, rojo y agregamos blanco a ese tono creando un rojo más claro, esto crea algo llamado tinte que es esencialmente una variación más ligera de un tono. No obstante, si fuéramos a añadir negro a rojo y hacer una variación más oscura del rojo, a eso nos referimos como un tono. matiz, la saturación y luminosidad/valor son cosas con las que a menudo entrarás en contacto, especialmente cuando se trata de editar tus fotos en algo como Adobe Photoshop o Adobe Lightroom. Es bastante común que escuches hablar de un deslizador HSL que se refiere simplemente como un deslizador de luminosidad de saturación de tono donde puedes cambiar el tono, la saturación y la luminosidad de ciertos colores o todos los colores dentro de su imagen. Posteriormente en la clase, estaremos buscando un poco más en edición y cómo se puede utilizar el slider HSL. Hemos cubierto tonalidad, hemos cubierto la saturación y hemos cubierto valor/ luminosidad. Por último, queremos hablar de temperatura. La temperatura se refiere a cuán cálido o frío es un color. A menudo, pensamos en los colores en términos de espectros. Cuando miramos un espectro de colores, muchas veces pensamos en ellos y los categorizamos como colores cálidos y fríos. Por ejemplo, los rojos, los amarillos, naranjas tienden a estar en el extremo más cálido del espectro mientras que los azules y los greens tienden a ser más fríos. Entender estos bits clave de terminología te ayudará a medida que avanzamos por la clase. En la siguiente lección, vamos a estar hablando teoría del color y explorando algunos emparejamientos de colores clave que te ayudarán a crear tus proyectos de clase. 4. Teoría del color: cómo combinar colores: En esta lección, vamos a estar explorando teoría del color y algunos emparejamientos de colores realmente clave. La teoría del color realmente solo se refiere a cómo usas los colores dentro de la rueda de colores en armonía, cómo puedes usar emparejamientos específicos para crear efectos visuales y cohesión dentro de tus imágenes. El primer tipo de esquema de color que vamos a estar mirando es un esquema de color llamado monocromático. Monocromático se refiere a tomar un tono y crear variaciones de ese mismo tono usando saturación y luminosidad. A menudo la gente se confunde cuando escuchan la palabra monocromática y de inmediato piensan en blanco y negro. En pocas palabras, monocromático o monocromático derivan de las palabras mono, significa uno, y cromo, que significa color. Simplemente significa un color y esta instancia, sabemos que el color se refiere a tonalidad, por lo que un tono. Por ejemplo, podría tener una imagen que use una variedad de tonos azules. Cuando se trata de usar una paleta monocromática, paletas monocromáticas no tienden a ser muy llamativas. Si estás trabajando en trabajos publicitarios o algún otro trabajo donde realmente necesitas captar la atención del espectador, entonces este podría no ser el esquema para ti. Debido a la falta de contraste dentro un esquema de color monocromático, tiende a ser bastante fácil de digerir y por ello, puede crear una imagen más relajante y relajante para consumir. Posteriormente pasaremos a explorar la psicología del color pero una de las cosas un esquema de color monocromático es que debido a que estás usando un tono en tal intensidad, realmente puedes conducir a casa las connotaciones de cualquier tonalidad que sea que estés eligiendo. El siguiente emparejamiento a explorar es el emparejamiento análogo. Si bien es un bocado y un poco complicado de decir, es realmente fácil de recordar. emparejamientos de colores análogos se refieren a los colores que están uno al lado del otro en la rueda de color. esquemas de color análogos crean pantallas visualmente agradables y a menudo calmantes. Van tan bien juntos que crea un diseño realmente cómodo y casi serino. siguiente es otro fácil recordar y éste es complementario. Complementario es lo que suena, hay dos colores que se complementan muy bien. La forma en que podemos detectar colores complementarios es que están uno frente al otro en la rueda de color. Usar colores complementarios es una gran manera introducir contraste en las imágenes. La ciencia detrás de esto está relacionada con los diferentes fotorreceptores en tu cerebro. Tu ojo realmente quiere ver el color que contrasta el color que estés usando. El uso de colores complementarios estimula simultáneamente diferentes partes del ojo, lo que crea una sensación de equilibrio realmente fuerte, ahí por qué es tan visualmente agradable. Usar colores complementarios dentro tu fotografía o cualquier tipo de arte visual es probablemente el par de colores que encontrarás con más frecuencia. Pasando a nuestro próximo emparejamiento, split complementario es una variación de colores complementarios. Para crear un esquema de color complementario dividido, queremos escoger un matiz y luego mirar lo que aquí es opuesto y elegir los colores a cada lado del color que sea opuesto. Esto crea una forma de triángulo. Usar este esquema es genial porque crea la misma cantidad de contraste que complementario, pero te da un poco más variedad para trabajar dentro. La siguiente parada es triádica, que se refiere a tres colores divididos uniformemente que forman un triángulo perfecto y crean un look realmente intenso. Siguiendo triádica, tenemos tetradic. Tetradic se refiere a cuatro colores creando un rectángulo en la rueda de color. Una gran manera de usar un esquema de color tetradic sin abrumar al espectador es elegir uno de los colores como color dominante y los otros colores más como colores acentuados. En esta lección, hemos cubierto algunos de los emparejamientos básicos que vamos a utilizar a lo largo de esta clase. En la siguiente lección, vamos a estar tocando psicología del color y explorando qué significan los diferentes colores y lo que le dicen a su audiencia. 5. Psicología del color: los significados de los colores: En esta lección, vamos a estar explorando la psicología del color. La psicología del color realmente se refiere al concepto de comunicación visual. Es la idea de que cada color que hayas usado mande un mensaje a tu audiencia. Generalmente en la vida cotidiana ya sabemos esto, sabemos que si ves colores brillantes, eso tiende a significar edificante o divertido o feliz. psicología del color solo usa el concepto que ya entendemos donde los colores o tipos de colores llevan estas connotaciones, pero también es importante entender que el color es subjetivo. El significado es subjetivo y el contexto es importante. Por ejemplo, el significado de los colores puede cambiar dependiendo del contexto, dependiendo de ti como persona, tu relación con la marca, tu relación con una imagen, un trozo de ropa, tu crianza, tu cultura, cosas que has aprendido a medida que has crecido. Todas estas cosas, todos estos diferentes contextos entran en juego cuando hablamos psicología del color y así el color no siempre se leía exactamente igual para todos. No obstante, existen algunas connotaciones comunes que llevan los colores. Por ejemplo, el rojo suele connotar peligro o pasión, emoción o amor. Muchas de las formas en que el rojo ha llegado a connotar esto, es a través no solo del efecto psicológico que tiene en tu cerebro y los mensajes reales que sienten tu cerebro en respuesta que crea, sino también a través de años y años de mercadotecnia y vida cotidiana. Por ejemplo, el rojo tiene una longitud de onda realmente larga. Debido a esta longitud de onda, significa que es realmente fácil captar la atención de alguien con el color rojo. Por supuesto, por eso muchas señales, semáforos, cosas así, que necesitan meterse en los rostros de las personas que necesitan ser vistos de forma rápida y urgente usar el color rojo. Cosas como esta siendo usadas con el tiempo. Esta noción repetitiva el rojo es urgente ayuda a consolidar eso en tu cabeza, ese rojo equivale peligro. Entonces miramos la forma en que los vendedores usan colores. Por ejemplo, muchos restaurantes de comida rápida usan el color rojo porque hay estudios para sugerir que el color rojo estimula tu hambre. Comercializadores, las marcas han capitalizado estas psicologías y la utilizan dentro de sus marcas durante décadas, mientras el branding y el marketing haya existido. Este es un ejemplo realmente bueno de cómo los contextos y la crianza pueden cambiar tu percepción sobre un color. Otro gran ejemplo es el color azul. El color azul a menudo se puede ver como muy calmante y sereno, probablemente porque asociamos con cosas en la naturaleza que son calmantes y serenas como el agua. También hay otra connotación de azul que sugiere que es un color bastante corporativo, sugiere que es confiable, es confiable, es profesional. De igual manera al color rojo y las connotaciones que lleva el rojo, azul lleva connotaciones similares por razones similares. En primer lugar, se realizó un estudio que sugería que azul aumentaría los niveles de productividad de las personas. Debido a esto, se usó mucho en entornos corporativos. Estoy seguro de que puedes pensar en un millón de marcas desde lo alto de tu cabeza que usan el azul en entornos corporativos. Ahora por esta connotación es probable por eso que lo asociamos con profesionalismo, con confianza, con sensibilidad. Es importante entender que no solo los colores crean una respuesta física y mental en tu cerebro, también están llevando connotaciones que son muy dependientes tu vida experiencias y a lo que te has expuesto. Pasemos rápidamente por algunas de las connotaciones de otros colores. Por ejemplo, el naranja tiende a ser un color bastante feliz y amigable. El color púrpura a menudo se asocia con temas más lujosos como la realeza y la riqueza. Esto en realidad proviene de un contexto interesante donde el tinte púrpura era realmente caro para conseguir una bodega y así las únicas personas que pudieron pintar con púrpura, por ejemplo, fueron esas que eran ricos o reales. El color amarillo es bastante similar al color naranja en términos de sus connotaciones. Esto es probablemente debido al hecho de que es un color cálido, pero en general, asociamos el color amarillo con la felicidad, entusiasmo, amabilidad, optimismo, y confianza. Cuando se trata del color verde, por supuesto, generalmente relacionamos esto con temas no verdaderos, la idea de nuevos inicios y crecimiento y refresco y equilibrio. [ MÚSICA] En nuestra próxima lección, vamos a estar mirando el color en la práctica. Voy a salir al campo con mi cámara para tomar algunos retratos y vamos a estar mirando cómo podemos usar esquemas de color particulares y técnicas de color dentro de nuestra caminata. 6. Práctica: la toma: En esta lección, vamos a ir a la cabeza al aire libre y voy a estar llevando mi cámara a la toma de retrato. Vamos a estar jugando con diferentes emparejamientos de colores y cómo podemos usar cosas como luz artificial para ayudarnos a mejorar y solidificar las técnicas de color que queremos usar. Para el rodaje, vamos a estar jugando mucho con el color, vamos a estar jugando mucho con esquemas de colores monocromáticos, con emparejamiento de colores y emparejamiento. Acabo de dirigirme a Sainsbury y cogí un Lucozade, el rojo, que no sabía que lo hacían, y un ramo de rosas rojas. Ojalá con las luces que vamos a estar usando, y algunos de los otros apoyos que tengo conmigo, va a hacer una muy buena sesión unificada. Sí perfecto. Ok. Entonces solo inclina la cabeza hacia abajo un poco más [inaudible]. En esta configuración, estamos jugando con dos emparejamientos de colores diferentes en particular. En primer lugar, estamos mirando colores complementarios con el verde del tallo de la flor y las hojas rojas y la luz roja. Ese verde y ese rojo son colores complementarios. En segundo lugar, estamos usando una técnica llamada coincidencia de colores, que esencialmente juega con la idea de una paleta monocromática, y estamos emparejando la luz roja con las hojas rojas. En este ejemplo, estamos utilizando las mismas dos técnicas de una manera ligeramente diferente. En lugar de emparejar la luz roja con los pétalos rojos, estamos emparejando una luz verde con el tallo verde. Sigue manteniendo dentro de ese esquema de color complementario del rojo y el verde. Tal vez si te vuelves ligeramente en la cosa, creo que tal vez tengas que doblarte más en la rodilla. Sí perfecto. Entonces solo inclina un poco la cabeza hacia mí. Agradable voy a [inaudible] así. Aquí nos estamos alejando de la idea de la coincidencia de colores, el pegarse con la técnica de usar colores complementarios. No obstante, esta vez en lugar de usar verde y rojo, estamos usando la luz ambiental naranja desde debajo del túnel y algunas luces azules añadidas. Ya que el naranja y el azul son colores complementarios y un emparejamiento de colores realmente común que probablemente te encuentres. Como discutimos en una lección anterior, el color rojo tiene una longitud de onda realmente larga. Debido a esto, cuando estamos usando luces rojas, puede volverse realmente abrumador lo que la convierte en una gran luz de color para usar cuando estás tratando lograr un esquema de color monocromático, ya que tiende a anular los otros colores de la imagen. [ MÚSICA] En nuestra próxima lección, vamos a estar saltando a Adobe Lightroom. Vamos a estar mirando algunas de las técnicas de post-procesamiento que puedes usar para ayudar a mejorar tus imágenes. Vamos a estar mirando cómo podemos manipular los colores, y cómo podemos crear una comunicación más concisa con nuestras opciones de color, así como cómo podemos ajustar los colores para hacer por más imágenes armoniosas y cohesivas. 7. Práctica: edición: En esta lección, vamos a estar pasando por una selección de diferentes fotografías que he tomado a lo largo de los años. Vamos a estar mirando algunas técnicas clave dentro Adobe Lightroom que podemos utilizar para realzar los colores en nuestras imágenes. En primer lugar, vamos a tomar esta foto de Dan que filmé en película de formato medio durante la práctica que habrías visto en la última lección. Voy a entrar en la pestaña Desarrollar. Solo vamos a empezar volteando esta imagen en orientación vertical. Lo primero que voy a hacer es en esta sección donde las sombras están subexpuestas, voy a mirar jugando por ahí con algo llamado tonificación dividida. tonificación dividida esencialmente es la sección de gradación de color de Lightroom. Se refiere a agregar un color a los reflejos, las sombras, y luego solo la imagen general. Como podemos ver aquí, estos son tus medios tonos. Si selecciono un color realmente intenso, vamos por un rosa brillante o morado para que puedas ver. Se puede ver cómo en los medios tonos aquí, tenemos un tono rosa realmente brillante. Al mover esto hacia abajo hacia el centro, puedo reducir la saturación de este tono. A medida que corro alrededor de la rueda, se puede ver que esto está creando un fundido de color en, más o menos toda la imagen está afectando a mayor parte de la imagen dado que está afectando a los medios tonos. Sólo voy a hacer doble clic en el centro aquí para restablecer eso. Si quiero bajar a las sombras, también puedo hacer click aquí. Puedo hacer lo mismo y aplicar un color a las sombras. Se puede ver aquí, que si agrego un rojo, estamos agregando más de una vibra monocromática al tener un montón de diferentes tonalidades rojas dentro de la imagen. Si, sin embargo, voy a la sección verde, estamos utilizando un esquema complementario. obstante, no me gusta lo preponderante que es eso, por lo que sólo puedo reducir la saturación aquí. Entonces si vamos a lo más destacado, verás que eso está afectando en su mayoría a estos aspectos destacados en la parte superior, no hay muchos aspectos destacados en esta imagen para que surta efecto. Si estamos pasando por un esquema complementario, por ejemplo, podría añadir algunos reflejos verdes a eso también. La tonificación dividida es un dispositivo realmente útil para crear combinaciones de colores dentro de tu trabajo. No obstante, debido a que he estado usando una luz tan fuerte en esta imagen, puede que no sea la mejor manera de mostrarte cómo usarla. Vamos a abrir una imagen digital mundial. Se trata de una imagen paisajística tomada en Nueva York. Lo que vamos a hacer ahora es que vamos a hacer lo mismo. No vamos a tocar ninguna de las otras herramientas de edición por ahora, solo vamos a bajar a la sección de tonificación dividida, la sección de gradación de color, y vamos a ver cómo podemos introducir color en esta imagen para crear una sensación más distópica, pensar, como un ambiente de Gotham, sentado realmente oscuro. Vamos a usar dos cosas aquí. Vamos a utilizar nuestro conocimiento de la teoría del color, también vamos a utilizar nuestro conocimiento de la psicología del color. Vamos a bajar a las sombras. Vamos a pensar mirada distópica, deprimente, oscura. Vamos a introducir algunos colores azules. Como puedes ver aquí, estamos introduciendo algunos blues en las sombras. Podemos hacer lo mismo en los reflejos, o podemos contrastar esas sombras con un color complementario como el naranja. Creo que en realidad voy a ir por este verde realmente desaturado, sólo para que no sea demasiado monocromático. Ahí hay un poco de contraste. Entonces cuando llegamos al tono medio, podemos volver a jugar y echar un vistazo a qué color se ve mejor para nuestra ciudad distópica. Si estamos agregando una naranja, tenemos ese color complementario entre los azules y las sombras y las naranjas en los medios tonos. Parece que la ciudad está ardiendo. También usando lo que sabemos de los tonos rojos, sí promueve ese peligro. Voy a pegarme en el espectro más fresco, y luego también vamos a subir y jugar con algunas de las herramientas y técnicas en Lightroom que no necesariamente afectan los colores. Se puede ver que como he añadido contraste aquí, tal vez este azul esté un poco demasiado saturado. Vamos a entrar en nuestros deslizadores HSL. HSL de nuevo, significa tonalidad, saturación y luminancia. Vamos a pegarnos con la caja de saturación. Vamos a hacer click en este pequeño punto aquí, entrar a la imagen y arrastrar donde está el azul para desaturar ligeramente esos blues. Nuevamente, si quieres alguna afinación más fina, puedes usar los deslizadores en la imagen real. Para disminuir la saturación, podemos entrar en nuestra tonificación dividida y simplemente bajar eso ligeramente para que sea menos intenso. Lo que también podemos hacer es que podamos usar el slider hue, y podemos usar este pequeño punto para arrastrar la imagen y cambiar ciertos matices dentro de la foto. Por ejemplo, podríamos hacer este cielo un poco más ardiente cambiando el tono a un tono rojo. Volviendo a nuestra pestaña de saturación, aumentando esa saturación, y luego en luminancia, podemos hacerla más oscura si queremos o más ligera. Voy a volver a entrar en ella, y hacerlo un poco más naranja sólo para que salga mejor con el blues que tenemos pasando. También puedes usar estos más oscuros para que sea un poco medial. Siguiente paso, cuando se trata de los colores, podemos entrar en las curvas de tono. Esencialmente, lo que hace una curva de tono, es que cambia los canales de color, los canales de tono, hace las cosas más oscuras, más claras. Ya han visto que lo hice antes cuando estaba usando esta curva. Pero lo que realmente podemos hacer es que puedas entrar en los colores. Como pueden ver aquí, si hago clic en este círculo rojo, puedo editar los canales rojos. Empezaré a hacer algunos puntos en esta curva de tono solo para explorar lo que esto significa. Por ejemplo, como estoy bajando esto, se puede ver el diagrama en Lightroom lo explica bastante bien. Si mueves algo hacia abajo, va a ir más hacia este color azul, si lo mueves hacia arriba, va a entrar a los rojos. Podemos jugar con eso y qué mirada que le da a su imagen. Voy a mantener fuera de eso por ahora porque me gusta bastante la forma en que se ven las sombras. Estos son tus medios tonos. Voy a añadir un poco más rojo a los medios tonos, y luego nos vamos subiendo a lo más destacado. Agrega un poco más de rojo a los reflejos, y luego cuando hacemos clic en el verde, estamos cambiando los tonos verdes. Por ejemplo, aquí, se puede ver que el borde superior es verde, la parte inferior es de color rosa magenta. Lo que estoy haciendo aquí es realmente sintonizar bien, no estoy haciendo ningún ajuste importante. Cuando entramos en azul, se puede ver que el borde inferior es amarillo, el borde superior es azul. Podemos ver ahora que estamos creando un poco de una neblina amarilla y naranja sobre la parte trasera de la ciudad aquí. A continuación, vamos a ver estas calibraciones de color. Esto esencialmente de nuevo, está cambiando la forma en que estos colores aparecen calibrados dentro de su imagen. Podemos empezar con rojo y podemos ver que ese tono está cambiando los rojos en la imagen. Vamos a pegarnos en el lado naranja más cálido de eso, y también podemos cambiar la saturación, para que podamos traer esos rojos y esos tonos naranjas más cálidos o podemos reducirlos. Abajo en verde, vamos a ir aquí. Se puede ver que está teniendo un poco de efecto en estos colores naranja aquí, sobre todo porque tienes un poco amarillo en la naranja. No vamos a cambiar demasiado eso. Entonces en azul, aquí, se puede ver cómo está afectando a las sombras. Efectivamente, lo que esto hace es cambiar el valor rojo dentro de cada color, el valor verde dentro de cada color, y el valor azul dentro de cada color, por lo que incluso en el azul, se puede ver el turno en las naranjas. Entonces solo voy a terminar con algunos ajustes menores. Volviendo todo y comprobando que eso suceda. Entonces podemos entrar en nuestro antes y después. A continuación, vamos a mirar el deslizador de luminancia de tono y saturación con un poco más de detalle. Vamos a tomar esta regla fotografía digital que he tomado en una hoja de retratos, y vamos a dirigirnos a los matices. Como puedes ver aquí, he utilizado una gama de diferentes técnicas de color. Tenemos nuestro maridaje verde y amarillo aquí, tenemos nuestros greens y nuestros rojos, tenemos nuestros amarillos y naranjas y rojos. Hay muchos colores primarios, muchos colores complementarios, muchos colores análogos de los que nos estamos refiriendo en esta imagen. Pero, ¿y si quisiera cambiar este verde para hacerlo más hacia el espectro más cálido de colores? De nuevo, vamos a simplemente hacer click en este pequeño punto. Voy a ir a los pantalones y vamos a arrastrar. Como se puede ver, lo que eso está haciendo es que está cambiando el valor verde. Hemos pasado de ser un verde bastante vibrante a ser más negro, amarillo-oliva fangoso. De nuevo, podemos usar estos deslizadores solo para asegurarnos de que tenemos todos los colores están hablando bien con estos colores. Podemos cambiar nuestra luminancia y nuestra saturación también para ayudarla a coincidir bien con los otros colores de la imagen. Como se puede ver aquí, vamos a entrar en un rápido para una vista después. Hemos cambiado esos pantalones de un verde a un amarillo que coincide un poco más cerca con el amarillo en la pared. También puedes hacer esto después de haber agregado tu preset. Por ejemplo, si iba a añadir este preset mío a una imagen, hacer mis ajustes, todavía puedo bajar a nuestro tono, saturación y luminancia y hacer esos ajustes. Si tomamos esta imagen, que es una imagen realmente antigua en realidad, y podemos ver cómo podríamos crear tal vez un esquema de color armonioso aquí. Por el momento, tenemos un esquema de color muy monocromático. Como estaba diciendo sobre el color rojo antes, sí abruma a una imagen a menudo. Como se puede ver, en realidad no hay otros colores en la imagen. Pero lo que podemos hacer aquí es que podemos introducir otros colores mediante el uso de la tonificación dividida. Podemos empezar agregando algunos amarillos y naranjas, verdes a los aspectos más destacados. Las sombras, podemos introducir tal vez un azul o verde si queremos un esquema complementario muy completo, pero voy a mantener eso justo lo más cerca del centro. Basta con añadir un poco de verde claro o verde azulado para crear un poco de contraste. La mayor parte de lo que vamos a hacer aquí, estará dentro de los aspectos más destacados, y vamos a estar agregando el color complementario. Vamos a estar agregando un verde a esos reflejos rojos para crear un ambiente anaranjado amarillento. Nuevamente, también podemos usar nuestras curvas de tono si queremos mejorar aún más esto y hacer nuestros ajustes finales en otro lugar de la imagen, pero estoy bastante contento con fines de demostración con lo que hemos hecho aquí. Para recapitular. Hemos pasado por unas técnicas diferentes. Hemos estado explorando cómo usar la gradación de color y la tonificación dividida. Hemos explorado las curvas de tono, y también hemos explorado los deslizadores de saturación de tono y luminancia para ver cómo podemos mejorar y cambiar diferentes imágenes que hemos tomado. Ojalá, eso te dé una buena idea sobre cómo puedes usar las herramientas dentro Adobe Lightroom para mejorar tus imágenes. También puedes usar muchas de estas técnicas, por supuesto, diferentes software de edición como Capture One, como Photoshop, como VSCO o Snapseed en tu teléfono si no quieres editar en tu escritorio. Únete a mí en la siguiente lección donde vamos a recapitular todo lo que hemos aprendido dentro de esta clase. 8. ¡Vamos a recapitular!: [ MÚSICA] En esta clase, hemos cubierto los conceptos básicos del color, y cómo utilizarlo dentro de tu trabajo, [RUIDO] tanto para crear imágenes armoniosas y cohesivas que sean estéticamente agradables, así como usar colores para connotar y llevar significado dentro de su trabajo. Hemos mirado el poder de un solo color, y las ideas predeterminadas que tiene un público al respecto, así como algunos emparejamientos comunes para ayudarte a crear imágenes visualmente agradables. Hemos puesto en práctica algunas técnicas de teoría del color en una sesión de retrato usando luz artificial para ayudar a apoyar nuestras ideas. También hemos explorado técnicas de post-procesamiento en Adobe Lightroom, como el ajuste del color y la tonificación dividida, para ayudar a mejorar nuestro uso del color, y tomar decisiones más intencionales con el color. Ahora es tu oportunidad de salir al campo y poner en práctica las técnicas que hemos explorado. Cuando estés fuera de disparar, intenta enfocarte en encontrar combinaciones de colores naturales. Dicen que la naturaleza siempre crea hermosos emparejamientos de colores. Quizás empiece en la naturaleza si estás luchando por encontrar alguno. Si realmente no puedes encontrar ninguna combinación en el campo, considera traer color a tu estilo, tu iluminación y tus apoyos, especialmente cuando se trata de fotografía de retratos, o incluso manipulando tus colores en la postproducción. También puedes enfocarte en buscar un color en particular, por ejemplo, rojo y usar los atajos que el cerebro ya entiende para comunicar estado de ánimo, significado y emoción. Nuevamente, siéntete libre de usar las técnicas de post-producción que hemos explorado para mejorar aún más el color en el que has elegido enfocarte. Cuando hayas capturado tus imágenes, recuerda subirlas a la galería de proyectos de clase, con una breve explicación de las técnicas de color que has utilizado y por qué. Gracias chicos por acompañarme en esta clase. No puedo esperar a ver lo que has creado.