Moderne Kunstströmungen des 20. Jahrhunderts: vom Impressionismus zum Kubismus

1. Einführung: Hallo, Leute. Und bevor wir in den Inhalt des Kurses eintauchen, sagen Sie mir bitte, waren Sie jemals in einer Situation, wenn Sie ein berühmtes Gemälde im Internet oder in einer Galerie sehen ? Und es scheint sehr vertraut zu sein. Aber Sie wissen, weder der Name des Gemäldes jetzt der Maler oder wahrscheinlich Ihre bei einem interessanten Ereignis, und die Menschen um Sie herum sprechen über die moderne Kunst. Sie erwähnten die Namen der Künstler, von denen jeder gehört hat. Aber man kann das Gespräch nicht aufrechterhalten, weil man einfach zwischen Impressionismus und Post Impressionismus verwechselt . Man kann den Unterschied zwischen Jugendstil und Kunst, die sie Obstruktionismus und Terrorismus nannten, kaum verstehen , ganz zu schweigen von allen anderen ISMs oder dem 20. Jahrhundert. Tat, derTat,die heutige Gesellschaft verpflichtet, mit den modernen Mode-Technologien, Kino und, natürlich, dermodernen Kunst Schritt Kino und, natürlich, der zu halten. Deshalb haben wir diesen Kurs geschaffen, in dem wir alle wichtigen Bewegungen und Stile in der modernen Kunst abdecken werden, angefangen von Impressionismus und gehen für Kunstpreis für sichtbaren Kubismus, Dada, abstrakten Expressionismus und optische Performancekunst. In jedem Vortrag zeigen wir Ihnen die wichtigsten Gemälde und manchmal sogar architektonischen Projekte, die zu Projekte, den Wahrzeichen in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert wurden, werden Sie die Unterschiede lernen zwischen den verschiedenen uns und Bewegungen, und er wird auch mit den wichtigsten Persönlichkeiten kennen lernen, die diese Meisterwerke geschaffen haben , einschließlich Manet, Gauguin, Bongo, Gowdy, Suzanne Cleaned und viele andere verbrachten eine Stunde Zeit, um an diesem Kurs teilzunehmen und selbstbewusster zu werden, dass Sie in einem kleinen Vortrag über die moderne Kunst sind. Der Kurs wird regelmäßig mit den Vorlesungen aktualisiert, also sollten Sie sich jetzt dafür anmelden und innerhalb des Kurses sehen. 2. Impressionismus. Historischer Hintergrund.: eine der wichtigsten Kunstbewegungen, die einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der modernen Kunst hatte . Und diese Frage jahrhundertealte klassische Wahrnehmung von Fort war Impressionismus. Um die Ursprünge des Impressionismus zu verstehen, müssen wir schnell in den historischen Kontext schauen. Damals war Frankreich die kulturelle Hauptstadt Europas und der Academy Day Bouza dominierte französische Kunst. Sie haben mich gehalten, traditionelle Malstandards in Bezug auf Inhalt und Stil zu bewahren. Was in der klassischen Zeit wichtig und geschätzt wurde, war die realistische Darstellung von Ereignissen, die historische oder religiöse Bedeutung hatten. Klassische Kunstgemälde zeigen einige Kampfszenen aus der Geschichte oder Geschichten aus Asien, Griechenland und Rom. Porträts oder berühmte Persönlichkeiten aus der Geschichte waren ebenfalls üblich. Gemälde in diesem klassischen Stil sahen realistisch aus. Pinselstriche wurden sorgfältig gelandet Zehenhöhe, die Künstlerhand in den Malfarben wurden abgeschwächt, und manchmal wurde goldener Lack aufgetragen. jedoch Wenn sich die damalige Kulturszenejedochmeist auf klassische Grundlagen stützte, das politische, veränderte sich das politische, soziale und wirtschaftliche Umfeld in Europa dramatisch. Die Mitte des 19. Jahrhunderts war eine Zeit des Wandels im politischen Kontext. Es gab eine Reihe von europäischen Kriegen und Revolutionen, die zu einer Art frühen demokratischen Schließung in den europäischen Monarchien aus sozialer und wirtschaftlicher Sicht geführt haben, es war nicht in der Welt Industrialisierung und Urbanisierung mit dem Aufstieg der Mittelschicht in den Städten. Es war also offensichtlich, dass sich die Welt veränderte, und die Künstler und Intellektuellen, die sich in Paris versammelten, wollten die Transienten von dieser Welt um sie herum erfassen . Sie wurden von der klassischen Schule vor der kontinuierlichen Boza desillusioniert, die auf historische ein bedeutendes Ereignis und Mythologie beruhte. Und auch nicht wollten sie Kundgebungen folgen, die sich mehr mit der Darstellung der politischen und sozialen Millionen jener Zeit beschäftigten . Stattdessen wird der Eindruck versucht, einen visuellen Eindruck von diesen wechselnden und flüchtigen Momenten darzustellen und dabei einen ganz anderen Ansatz zur Erfassung der Realität zu verfolgen. Diese neuartigen Autoritäten waren frühe Impressionisten, begannen, die Regeln der akademischen Malerei zu verletzen und wurden von vielen Menschen als Radikale betrachtet . Am Anfang, 3. Edouard Manet.: wahrscheinlich der erste Künstler, der eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Impressionismus war Edouard Manet. Seine Bilder zeigten antiakademische Empfindungen und schienen für die Öffentlichkeit zu provokativ zu sein. Werfen wir einen Blick auf sein Gemälde, das Mittagessen auf dem Gras. Warum schien es so provokativ zu sein? Und warum hat es die Öffentlichkeit verärgert? Denn vor meinem Namen war es nur möglich, die neue Frau zu malen, wenn sie irgendeine Art von Mythologie war. Hab das hier. Aber in diesem Bild zeigte Geld offensichtlich eine gewöhnliche Frau, die Newt war und nur einige Zeit mit anderen gewöhnlichen Männern verbrachte. So konnten alle Menschen keinen Mythos sehen, sondern die Szene aus einem gewöhnlichen Leben, das jeder verbergen wollte. Aber Geld hat es offenbart. Eine andere Sache, die provokativ war, ist, dass diese nackte Frau direkt in die Augen der Öffentlichkeit blickte . Bevor meine sehr wenigen Charaktere in Gemälden sah direkt auf die Öffentlichkeit. Sie schauten meist seitlich oder irgendwo in den Raum, also war das eine Art Schock für die Zuschauer. Geld weiterhin Herausforderung und brach Tradition Wahrnehmung von vier nach drei Jahren. In 18 65 präsentierte er ein weiteres Gemälde, Olympia, das wieder eine gewöhnliche Frau zeigte, die nackt auf dem Bett liegend. Das Gemälde hat bestimmte Symbole. Wir zeigen, dass diese Frau definitiv keine Göttin ist. Es ist eine schwarze bekommen auf der rechten Seite, eine Blume aus Orchidee in der Nähe der Frau hier, die ein Symbol der Begierde und gesehen ist, und der Hals gebogen auf den Hals, als ob sagen, dass ich ein Geschenk für Sie. Das Mittagessen auf dem Gras und Olympia öffnete die neue Seite in der Geschichte unserer, wo viele Dinge waren jetzt erlaubt. Ohne diese Bilder wären alle weiteren Experimente nicht möglich gewesen. Monets Gemälde waren jedoch jedoch nicht nur provokativ, sondern konzentrieren sich auch eher auf Textur, Ton und Farbe als auf Tradition. Konzepte aus Perspektive dafür, und er ist eine Bar im Folies Bergere. Dort versucht er, die Bewegung der Menschenmenge im Konzertsaal einzufangen und dann baumelnden Kronleuchter. Und er tut es durch Unschärfe-Technik, die dicke Pinselstriche und scharfe gesättigte verwendet. Hier ist der Hintergrund dieses Gemäldes ist eigentlich die Reflexion im Spiegel, und wir können die Reflexion des Mannes, der etwas in der Konzertsaal Kantine kaufen sehen . Es kann wahrscheinlich bedeuten, dass die Person, die die Frau betrachtet, der Maler selbst ist, und er wollte diesen Montag, eine Gelegenheit in seiner Malerei zu erfassen . Obwohl viele sich nie von der Kerngruppe des Impressionisten identifizierten, inspirierte er seine wichtigsten Mitglieder stark, indem er die Bedeutung von Textur, Pilot und künstlerischer Manipulation bei der Vermittlung der Bedeutung betonte . 4. Benennung von Impressionismus).: Wie wurde der Impressionist also bekannt? Die erste Erwähnung Husten diesen Begriff A geheilt in 18 74 während ihrer ersten unabhängigen Galerie-Show in Paris, mit Gemälden von Camille Pissarro, Berthe Morisot und Edgar Degas, die Show wurde im Studio des Fotografen statt auf Boulevard. Sie behielten Racine, und es gab 165 Gemälde. Insgesamt. Das Gebäude war modern, und die Gemälde waren modern, um Bilder des gewöhnlichen Lebens so gemalt, dass viele Besucher dachten, dass sie unvollendet waren und übrigens, die Werke waren im Verkauf. Die meisten der Künstler waren der Öffentlichkeit unbekannt, und sie nennen sich die Anonyme Gesellschaft der Maler, Skulpturen, Gravever, es sagte, versucht einer der Kunstkritiker, die die Show besucht schrieb eine satirische Rezension in seiner Zeitung und rief die Show Ausstellung Off Impressionisten, inspiriert von Claude Monets Gemälde, die Impression Sunrise genannt wurde, indem der Kritiker wollen ihre Werke zu diskreditieren . Aber stattdessen erfand er ihre Identität und ihren Namen 5. Claude Monet.: , die später zu einem der berühmtesten Impressionisten wurde. Er verwendete gebrochene Farbe, was bedeutet, dass der Künstler anstelle einer uniformierten braunen Farbe, um die braune Oberfläche zu malen , neue mit Strichen aus anderen Farben, wie rot, blau oder gelb,kreiert wie rot, blau oder gelb, . Aus der Ferne erscheint die Oberfläche braun, aber schauen Sie näher und Sie werden alle Variationen tragen. Das Endergebnis kann wie eine Vibration der Farbe erscheinen, wenn Ihre Augen zwischen all den verschiedenen Farbenspringen verschiedenen Farben so eine optische Farbmischung erzeugen. Wenn Ihre Augen besonders sind, mischen Sie zwei verschiedene Farben und sehen Sie verschiedene Jahre. Wenn Sie genau auf minus Korn Stapel schauen, können Sie alle verschiedenen Farben verwendet Purpur, Gelb, Rot, Orangen und Blau zu sehen Gelb, Rot, . Und er ist ein weiterer Malmarsch nach Westen von TRATA, als sie die gleichen Gelbe, Orangen, Bluesund Cremes benutzten Orangen, Blues , um die Textur des Bogens zu malen. Er zeigte auch die Reflexion der Sonne auf den Wellen auf eine sehr flüchtige und inkonsistente Weise der Meerwassermalerei Blues, Greens, Gelb und Craze. Diese Technik der gebrochenen Farbe, ermöglicht es, die vorübergehende und flüchtige Essenz des Lebens zu zeigen. Dies ist der Rat, dass ein anderer Impressionist kommt, Pissarro, gibt darüber, wie man in der Landschaft Arbeit zur gleichen Zeit auf Himmel Wasser Zweige Boden zu zahlen , alles läuft auf einer gleichen Basis. Sie keine Angst, Farbschmerzen großzügig und unbedenklich anzuziehen, denn es ist am besten, den ersten Eindruck nicht zu verlieren. 6. Manet oder Monet.: Sie können fragen, wie ist es möglich, zwischen den Behörden und den Arbeitern und Gericht zu unterscheiden? - Für jetzt? Nun, es ist ganz einfach Geld mit einem konzentrierten mehr auf Menschen, wo sein Geld mit alten konzentriert auf Licht und Farbe und Menschen in den meisten seiner Gemälde sind wie im Hintergrund als Ergänzung zu der Landschaft gibt. Wir haben fast nie die schwarze Farbe wie andere Impressionist verwendet, während viele mit einem nicht für sich selbst als Impressionist, und so verwendete er die schwarze Farbe. 7. Japonisme. En plein: es ist sehr wahrscheinlich, dass Impressionist und eine, vor allem, wo irgendwie inspiriert von der japanischen Kunst, die in Europa in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts sehr populär wurde, ist es bekannt, dass Geld gesammelt große Anzahl von japanischen Holz Blöcke in seinem Haus in Giverny. Wie viele andere Künstler betrachten das Geld die japanische Kultur als sehr künstlerisch. Ich bevorzuge japanische Veep-Landschaften, Ansichten. Wir können sehen, wie das Thema, das die Bilder des Impressionisten betreut, das der japanischen Holzblöcke widerspiegelt , obwohl die Maltechnik natürlich völlig anders ist . Claude Monet führte auch die Technik, Onkel und Air genannt, die wie im Freien übersetzt wird und was bedeutet, dass er gerne im Freien mit Röhrenschmerzen malen , die gerade erfunden worden waren. Malerei im Freien erlaubt Morning und andere Impressionisten, um die Bewegungen in der Natur genauer zu erfassen , und es war völlig anders als die Schüler und Künstlichkeit aus. Die Künstlervereinigung kaufte sogar eine kleine Welt, die er oft als Malstudio benutzte. Andere Eindruck wird begonnen, die sich schnell entwickelnde verrückte Art System zu verwenden, um auf das Land mit den Röhrenfarben und Leinwänden auf der Suche nach Inspiration zu reisen , Eines der hellsten Beispiele aus der Zone Klinik-Technik. Seine Minuten. Was sind wirklich ernst, die etwa 250 Ölgemälde enthalten? 8. Pierre-Auguste Renoir.: Alles klar, Also, was wir auch erwähnen sollten, ist, dass nicht alle Impressionisten es vorziehen, die Natur zu malen, wenn auch rein. August Reynard zum Beispiel, der ein weiterer Pionier des Impressionismus war, ist berühmt für die Darstellung des Pariser Stadtlebens sowie weibliche Charaktere. Eines seiner bekanntesten Gemälde ist der Tanz. Er zeigt eine Menge von Menschen tanzen und singen an der schönen Marke, die er verwendet setzen alle Pinselstriche und lebendige Farben, um energetische Gefühl des Hofes zu geben und nutzt einige Fotografieren, Unschärfen und Zuschneiden. 9. Zuschneiden und Fokussieren im Impressionismus.: vor der impressionistischen Komposition in Gemälden war ziemlich traditionell und vorhersehbar. Die verschiedenen Elemente von Gemälden würden Ihr Auge in den Mittelpunkt führen. Der Eindruck ist jedoch, jedoch, setzen Fokuspunkte in mehr unerwarteten Orten und begann Zuschneiden von Gemälden auf der Website Einfluss, höchstwahrscheinlich durch das, was Fotografen aus Diese Zeit, die wir tun, können Sie sehen, die Zuschnitt Techniken in Vegas Rennbahnen, zum Beispiel, wo er vollständig eliminiert Teile der Schriftsteller oder Pferde. 10. Öffentliche Haltung zum Impressionismus: die Öffentlichkeit war zunächst feindselig und missbilligt. Aus dem Impressionismus schaut. Menschen mochten die neuen Bilder nicht, da sie ziemlich chaotisch und einfach unvollendet aussahen, dachten die Leute, oder es sollte sauberer sein. Und das Thema in der Kunst sollte wichtiger sein als Alltagsszenen. Allmählich begann die breite Öffentlichkeit zu schätzen Eindruck ist frisch und originelle Vision, die die Welt widerspiegelte, die sich so schnell änderte. Bis zum Ende des Jahrhunderts war es jedoch jedoch vor allem für die breite Öffentlichkeit. Aber die meisten Kunstkritiker und Kunstbetrieb weiterhin missbilligen den neuen Stil für viele Jahrzehnte folgen. Im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts veranstalteten Impressionisten eine Reihe von eigenen Ausstellungen, deren Finale gewonnen wurde. Der Sitz fand in 18 86 statt und es war offensichtlich, dass die Künstler begann, ihre eigenen Stile und Techniken zu entwickeln , wie George Seurat Punkt zu Vernunft. Diese neuen Ansätze würden später als Post-Impressionismus-Bewegung bekannt werden, die in unserem nächsten Vortrag 11. Zusammenfassung des Impressionismus.: Also, um zusammenzufassen, bereitete der Impressionist die Kunstwelt auf zukünftige Abweichungen von traditionellen Darstellungen und begann, sich zur Abstraktion zu neigen, die im kommenden Jahrhundert prominent werden würde. Die Hauptmerkmale des Impressionismus waren die folgende Distanz von der akademischen Malerei , die sich auf wichtige Ereignisse konzentrierte sich stattdessen auf die Vergänglichkeit des Lebens, flüchtige Momente und gewöhnliche Dinge konzentrierte. Menschen in Orten Inklusion von Bewegung ist ein entscheidendes Element menschlicher Wahrnehmung und Erfahrung. Ungewöhnliche visuelle Winkel. Yusof Neue und verschiedene Maltechniken gebrochen Pinselstriche ab, gemischt und rein auf Mischfarbe nicht glatt gemischt oder schattiert. Es war Kunde zu dieser Zeit, um einen Effekt von intensiven Farbschwingungen Malerei sehr dick und schnell zu erreichen Verwendung von fotografischen Effekten wie Zuschneiden kann Unschärfe, die machen das Bild weniger realistisch und mehr als ein Spiegelbild, wie der Künstler Felder. Bilder sind in der Regel mit weniger Details, wie ein Blick auf das, was sie so Aufmerksamkeit auf Licht, und es verändert Qualitäten, Textur und Farbe. Die Farben sind in der Regel hell und lebendig. Impression ist sehr selten schwarze Halsbänder verwendet. Wenn irgendwelche viele Bilder gemacht wurden, waren unsere Türen dort unrein mit dem Einsatz von neu erfundenen wenig Schmerzen, und hier sind die wichtigsten Künstler aus dem Eindruck Bewegung. Dies ist nicht der ganze Osten, natürlich, Einfluss auf die Entwicklung des Impressionismus. Er malte Alltagsgegenstände Community Cero und Alfred Ernst malte die französische Landschaft, und drei weitere Szenen genossen die Malerei Bauchtänzer und Pferderennen. Es gibt leichter gemalt Frauen tun alltägliche Dinge, die Auguste Renoir lieben, um die Wirkung von Sonnenlicht auf Blumen, Figuren und Hof zu zeigen . Mona interessierte sich für subtile Veränderungen in Atmosphäre und Licht. Es gab einige Impressionisten, und viele von ihnen werden zahlreiche Gemälde haben, die heute auf der ganzen Welt verstreut sind. Also schlage ich vor, dass Sie einchecken geben. Es gibt einen Eindruck von Galerien in Ihrer Stadt oder Gegend und in der Zwischenzeit, sehen Sie den nächsten Vortrag. 12. Post-Impressionismus. Georges Seurat. Pointillism.: in den vorherigen Dozenten, die gelernt haben, wie Impressionist die Wahrnehmung verändert, wie sie die klassischen Schulen herausfordern, eine realistische Darstellung von religiösen und historischen Ereignissen und stattdessen schlugen Szenen aus dem gewöhnlichen Leben mit gemeinsamen Menschen und Orte. Sie nutzten auch neue Techniken wie gebrochene Farbe, Unschärfe kann Zuschneiden, und wir können sagen, dass sie scheinen kreativer zu sein, um verschiedene Ideen vorzuschlagen, wie Malerei aussehen könnte. Um es kurz zu schneiden, bereitete der Impressionist die künstlerische Welt für weitere Experimente in der Malerei vor. In diesem Vortrag werden wir neue Persönlichkeiten kennenlernen, die die Grenzen der Kunst noch weiter einbrachten und die Bühne für revolutionäre moderne Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts darstellten. In den achtziger Jahren begann der Impressionismus in die Sackgasse zu kommen, und junge Künstler versuchen, den populären Stil zu überdenken, ihn zu entwickeln und neue Techniken zu entwickeln. Es war nicht die letzte Ausstellung des Impressionisten in 18 86, dass die postimpressionistische Bewegung diese Grundlagen legte. Einer der ersten Künstler, der seinen eigenen einzigartigen Stil der Malerei präsentierte, der sich von dem des Impressionisten unterscheidet, war George Sarah, der seine pointillistische Technik in einem seiner größten Werke , Sonntagnachmittag auf der Insel vor Grand Doctor in Punkt. Tourismus-Künstler verwenden Farben und Themen ähnlich wie Impressionismus, aber sie sind Pinselstriche sind anders. Dies ist der Hauptunterschied zwischen Pointillismus und Impressionismus. Sarah, in seinem Tod von La Granja, setzte sehr kleine Punkte reiner Farben nebeneinander, um ein größeres Bild zu schaffen. Es ist sehr ähnlich zu dem, was wir Schweinezellen auf unseren Bildschirmen heute von einem für das Gemälde zeigt ganz typische Szene, genau wie alle anderen Impressionen Gemälde. jedoch Wenn Sie sichjedochnäher an die Leinwand bewegen, können Sie separate kleine Punkte von einzelnen Farben sehen, die zu einem schimmernden Effekt führen, wie wenn Sie an einem heißen und sonnigen Tag erleben. Diese Farbschwingungen durch diese Farbpunkte erstellt wurden von Sarah beschrieben Neo-Impressionismus , und seine Ideen inspirierten eine Reihe von zeitgenössischen Künstlern, die die post-impressionistische Bewegung bilden würde , auch -Gemeinschaft. Mehrere, die einer der Gründer des Impressionismus war, unterstützte George Sarah im Punkt-Tourismus und weiterhin mit diesen Techniken für fünf Jahre im Punkt-Tourismus malen . Die Punkte auf dem Bild können groß sein, wie in Paul Signac Stacheln oben. Wir sind sehr klein, fast unsichtbar, wie in George Cerise Modellen. Eines der teuersten Werke von Punkt am wenigsten ist The Painting of George Legrand, die 1999 für $32 Millionen verkauft wurde. 13. Paul Cezanne.: ein weiterer Vertreter der Post Impressionismus Umfrage. Suzanne war freundlich mit Zitat, wenn Pissarro in den impressionistischen Malern kam und sogar seine Gemälde in den impressionistischen Ausstellungen gezeigt. Aber nach einiger Zeit wurde er immer noch ganz anders als ihre, Impulse und beschloss, sich auf geometrische Formen und mutige Umrisse zu konzentrieren. Er malte weiterhin aus der Natur, aber er beendete eine Art Figur in seine Werke. Er versuchte strukturell zu ordnen, was er sah, und er vereinfachte die Formen von Objekten in einfache Formen. Zum Beispiel würde er im Baum als Spalte sein. Im Gegensatz zu vielen Künstlern, die sich auf ein oder vielleicht zwei konzentrierten, sagt Thema Themen unbemalt. Dennoch präsentiert Lebenslandschaften und Nacktszenen in seiner großen Besserungssaison eine moderne Interpretation aus einer nackten Figur. Wir haben unvollendete Leichen in irgendeiner Art Behinderung. Diese einzigartige Art von Spaltung würde später Anlass zu Kubismus und Schlussfolgerung sind die Künstler wie Öffentlichkeit, weil so sieht anders als die Arbeit in Isolation in seiner Heimatstadt in der Provence. Und obwohl seine Bilder von der breiten Öffentlichkeit abgelehnt wurden, wurde er von jungen Künstlern respektiert, die ihn oft suchten. Später wurde Suzanne zu einer der renommiertesten Maler aller Zeiten. Er malt die Karte. Spieler wurden bei einer Auktion im Jahr 2012 für mehr als $250 Millionen verkauft.1 der höchsten Preise jemals in der Welt für Malerei bezahlt. Er ist ein anderes Gemälde. LaMontagne schickte Victoire Bruschetta Schuss. Anwar wurde im nächsten Jahr im Jahr 2013 für erstaunliche $100 Millionen gelöst. Der Einfluss Impulse auf den Kopf auf. Moderne Kunst kann durch das Schlimmste der öffentlich Castle und beschrieben werden 100 Mateas, die beide kalte Jahreszeit der Vater von uns alle, weil in vielerlei Hinsicht Saison war der erste westliche Künstler, der den Weg zu dem, was wir heute als abstrakte Malerei wissen führen. 14. Vincent van Gogh.: wahrscheinlich einer der renommiertesten post-impressionistischen Künstler und einer der einflussreichsten Künstler in der Geschichte der modernen Kunst, sagte, Mango Bangkok starb, als er 37 Jahre alt war. Aber in dieser sehr kurzen Zeit seines Lebens schuf er eine enorme Anzahl faszinierender Kartenwerke, die heute auf den Auktionen weltweit für Rekordsummen verkauft werden. Dieses Mal war ein Buch ganz anders als alle anderen Künstler. Er benutzte kühne Farben und genetische, impulsive und ausdrucksstarke Pinselarbeit. Bangkok litt an psychischen Erkrankungen, sagt die meiste Zeit seines Lebens, und es wird angenommen, dass sein Stil von seiner Krankheit betroffen war. Er versuchte, viele Parade verschiedene Elemente des Gemäldes als Mittel, um sein inneres Selbst auszudrücken . In seinem einer der berühmtesten Gemälde Story Night, die er malte, während in einem verrückten Asyl in 18 89 macht er einen wirbelnden Kunden von Wolken und Konturen mit lebendigen Farben von Sternen und Abnahme Ende. Diese Kombination bietet eine innen stört, chaotische Psych, die eine ganze Marco Van Brooks Ansatz war. Eine ganze Reihe von Künstlern wurde vom Van Goch Stil beeinflusst. Er zeigte, dass Sie frei sein könnten, Ihre Gefühle in den Gemälden auszudrücken, anstatt zu versuchen, eingeführt zu werden. Ycl e. Dies führte zu den Rechten des expressionistischen Bewegungsführers. Obwohl er mich unter seiner mentalen Instabilität litt, kümmerte er sich oft nicht um seine Gesundheit und pflegte stark seine Freundschaft mit einem anderen postimpressionistischen Künstler wieder mutig zu trinken und das in einem strengen Streit, bei dem er angeblich einen Teil seines eigenen linken Jahres mit einem Rasiermesser gefangen, schien es, dass die Behandlung in psychiatrischen Krankenhäusern ihm nicht geholfen hat, da er weiterhin mit starken Depressionen zu kämpfen hatte. Und im Alter von 18 90 im Alter von 37 Jahren zeigte er sich mit einem Revolver in der Brust und starb zwei Tage später an den Verletzungen. Während seiner kurzen Live and Go schuf mehr als 2100 Kunstwerke, darunter 860 Ölgemälde, meisten von ihnen in den letzten zwei Jahren seines Lebens. Wie auch immer Sie in seinem Leben sind, Bangkok hat nur ein Gemälde verkauft. Er war ziemlich arm, und sein Bruder Taylor pflegte es finanziell zu unterstützen, und viele Leute halten Dongguk für einen Wahnsinnigen und Fühler. Aber seine Kunst wurde erstaunlich populär Autor. Sein Tod, und vor allem im späten 20. Jahrhundert, als er begann, als ein missverstandenes Genie betrachtet zu werden, und jedes ehrenwerte Museum ist stolz darauf, seine Gemälde zu präsentieren, während einige seiner Werke für Rekord verkauft werden Summen auf Auktionen auf der ganzen Welt. 15. Paul Gauguin.: ein weiterer berühmter Post-Impressionist und enger Freund von Van Gogh, wieder gezogen, zog weg von Impressionismus mit starken Konturen, sehr helle Farben, floh Muster und kindliche Figuren. Er war von dem Impressionismus enttäuscht, als er fühlte, dass es in Bowling Tiefe wählt. Deswegen hat er die Kunst genossen. Wenn jeder kann nicht Asien, das voller Symbole und Kraft war, wollte Gogan dem städtischen und industriellen Umfeld der westlichen Zivilisation entfliehen und nach einem tropischen Paradies suchen, in dem er seine Ideen und Gemälde ausdrücken konnte. Gergen zog es, um es für ein paar Jahre in Französisch-Polynesien zu drehen. Dort konzentrierte er sich auf das, was er als primitive vierte und fünf Stil beschrieb. Sein Gemälde Tag der Götter, präsentiert eine bunte Strandszene und zeigt exotische und Hornhautland. Was am meisten in diesem Stück fasziniert sind die Beweise von gesättigten, bunten Farbtönen, die Intensität zu dem Gemälde hinzufügen glatt. Die zentrale Figur aus einem Tag. T steht für den Zyklus von Geburt und Tod und ed Stabilität zu diesem spannenden Gemälde. Eines der Beginne Meisterwerke ist definitiv seine Malerei. Woher kommen wir? Was sind wir? Wo gehen wir hin? Welche wurde auch in 18 gemalt? Es kann als die Kombination seiner Ideen betrachtet werden. Die drei Hauptfiguren des Gemäldes stellen die freien Fragen des Titels dar. Die Figuren sind von den Anfangsphasen des Lebens angeordnet, von jungen Figuren mit dem Kind über die Figur des mittleren Alters in der Mitte und dann bis zum Holunderfinger links vom Bild. Das Idol in der Bankrunde, hinter der älteren Figur gelegen, stellt das Jenseits dar. Neben seiner Künstlerin war Grogan auch Skulptur, Druckgrafiker, Keramiker und Tryingto. Gergen lässt sein späteres Leben in Armut. Seine Kunst wurde erst nach seinem Tod berühmt. Einige seiner Gemälde wurden zu Beginn des 21. Jahrhunderts für enorme Preise wie He's When Will You Marry verkauft, die im Jahr 2014 für mehr als $200 Millionen waren Otaki 430 Millionen im Wert von weit für fast $100 Millionen verkauft wurde . Seine Ideen über Farbe und Muster beeinflussten andere Behörden, wie Andre Matty's, bunte Bilder in einem Stil zu malen, der für Busan genannt wurde. Er ebnete auch den Weg zur Wertschätzung des Primitivismus, da seine Gemälde viele der vereinfachten Techniken benutzten, die 94 Künstler 16. "Post-Impressionism".: einer der Kunstkritiker sagte einmal, der Begriff Post Impressionismus sei kein sehr präziser, obwohl ein sehr praktischer ist , kann der Post-Impressionismus eher als eine Periode der Malerei als als als ein Stil oder eine Bewegung betrachtet werden . Der Geist verlor das ungefähr von 18 85 bis 1910. Es war eine Zeit, in der viele Behörden vom Impressionismus abgingen und ihren eigenen Stil entwickeln . Und interessant genug. Der während der Post Impressionismus wurde erstmals am Ende dieser Zeit von dem britischen Künstler und Kunstkritiker Roger Fry im Jahr 1910 verwendet , als er die 19. eine Ausstellung organisierte, Money and the Post Impressionist. Dieser Begriff sollte also Factum zusammen alle Künstler posten, die nach dem Impressionisten kamen. 17. Zusammenfassung von Post-Impressionismus.: so zusammenzufassen post impressionistischen erweiterten Impressionismus, während zur gleichen Zeit Ablehnung einiger seiner Grenzen und Ende einige neue Ideen. Auf der einen Seite verwenden sie weiterhin Bleifarben, oft verwendet, denken Pinsel und schildern das reale Leben Thema. Auf der anderen Seite begannen sie, geometrische Formen zu verwenden und Formen zu verzerren, um eine expressivere Wirkung zu erzielen. Sie mögen es auch, etwas unnatürliche Farben zu verwenden, und im Allgemeinen, post-impressionistische Gemälde neigen dazu, mehr Emotionen und Künstler persönliche Ausdrücke zu tragen. Obwohl Post Impressionist mit dem Impressionismus unzufrieden waren, konnten sie sich nicht auf den gemeinsamen Weg nach vorne einigen. Vier wichtige Persönlichkeiten standen an der Spitze des Postimpressionismus, und jede von ihnen erweiterte den Impressionismus in eine andere Richtung. Diese Künstler sind George Terra Impulse auf Paul Gauguin und Vincent Bangor. Sie lebten alle in Frankreich und kannten sich und stellten sich oft zusammen aus, aber sie arbeiteten nicht zusammen. Als Gruppe konzentrierten sich George Serra und seine Anhänger auf Pointillismus oder den systematischen Einsatz winziger Farbpunkte. Pulse ist auf wollte eine Art von Ordnung in Struktur zwei Gemälde bieten, indem Objekte auf ihre Grundformen reduziert werden. Doch er versuchte, die angesiedelten Farben des Impressionismus in Sandanme Buch verwendete Farbe und lebendige, wirbelnde Pinselstriche zu behalten lebendige, , um seine Emotionen auszudrücken. Und er ist in ihrem Geisteszustand. Google behielt auch intensives Licht und Farbe, aber lehnte Malerei von Natur und Baum eingeführt phantasievolle Themen. Jeder dieser post-impressionistischen Künstler bietet ihre einzigartige Wahrnehmung und gab Einblicke in, wie moderne Kunst wie die späte Stiftung aussehen kann und inspirierte, was als Führer bezeichnet werden würde , da es revolutionäre Bewegungen oder das 20. Jahrhundert wie Fauvismus, Kubismus, Expressionismus, Surrealismus und andere, die wir in unseren nächsten Vorträgen erforschen werden. Bleiben Sie dran. 18. Jugendstil. Organisches und ästhetisches Design.: Wenn Sie in Paris waren oder einige Fotos gesehen haben, erkennen Sie die wirbelnden Tore der Fabriklinie mit ihren eindeutigen Schriftzug, die als Eingänge zum U-Bahnsystem der Stadt dienen . Diese Zeit aus mentalen Eingängen ist ein schönes Beispiel für Jugendstil-Bewegung. Es wurde der Öffentlichkeit während der Pariser Weltausstellung im Jahr 1900 enthüllt, aber es hatte einige Jahre zuvor begonnen. Das Ende des 19. Jahrhunderts war ein Zeitalter der industriellen Revolution und der technologischen Innovation. Das Design des guten gesendeten Innenraums wurde durch die Methoden der Massenfertigung diktiert, und mehrere Künstler reagierten stark gegen sperrige und ähnliche Konzepte aus dem viktorianischen Zeitalter Wir erinnern uns an unsere Busvorträge, dass der Postimpressionismus eine provokative Verwendung von Farbe und Linie eingeführt hat . . Und es gab ein anderes Konzept namens S Statism, das symbolische Kriege der Kunst um der Kunst willen forderte. Gleichzeitig fördert die Kunst- und Handwerksbewegung, die etwa zur gleichen Zeit in der Zucht entstanden ist, die etwa zur gleichen Zeit in der Zucht entstanden ist,traditionelle Produktionsweisen wie Handwerkskunst. Ein Artikel hat all diese Aspekte in der Malerei und Grafikarchitektur in einem einzigen Konzept integriert und wurde in ganz Europa schnell populär. In den späten 18 neunziger und frühen 19 Hunderten, der Motor off Art Roman war Vergessen einige Quitte Arbeit. Wir sind totale Arbeit abgesehen von Deutsch, was bedeutete, verschiedene Medien zu integrieren und die Hierarchie zwischen liberaler und dekorativer Kunst zu eliminieren . Der Begriff Partner wird zuerst in der belgischen Zeitschrift Are unten in 18 84 erschienen, um die Arbeit aus leben in einer Gesellschaft von 20 progressiven Künstlern zu beschreiben. Diese Maler reagierten auf führende Theorien der französischen Architektin Regina Manimal Village LaDuke im britischen Kritiker John Ruskin, für die Einheit aus allen Künsten im Dezember 18 95 einsetzte, der in Deutschland geborene Kunsthändler Secret offen für Galerie in Perrys namens Mazandaran. Er war berühmt für den Verkauf japanischer Keramik und Tokyo Schmerzen, und er begann, diese neue Kunst in seiner Galerie zu fördern, indem spezifische Möbel, Stoffe, Tapeten und Kunstgegenstände verkaufte Stoffe, . Was ist also die Essenz aus unserer Rolle? Vor allem wurden Vertreter der Jugendstil-Bewegung von Rocco Curves inspiriert. Japanische Meister unter Hiroshi wurden wieder so wackelig. Hokusai und keltische grafische Motive. Sie leihen sich die Pflanze aus, formen sie so in der Natur und bedrohten sie dann zu eleganten organischen Motiven. Das Unterscheidungsmerkmal bei der Gestaltung aller Jugendstil-Objekte ist es eine symmetrische Linie, die oft in Form von Blütenstielen und Knospen oder einigen Ranken oder einigen Insektenflügeln und anderen Naturgegenständen in der Grafik annimmt . Besonders die Linie ist das Hauptelement, und sie unterordnet alle anderen Bildelemente, einschließlich des ehemaligen Raums und der Farbe. Das zweite wichtige Merkmal, abseits des Jugendstils ist, dass seine Theorien eine größere Koordination zwischen Kunst und Design gefördert haben. Sie wollten organische Formen und Muster in das Design von Alltagsgegenständen integrieren . Diese Idee kam wahrscheinlich von Breedens Orth and Crafts Bewegung. Einer der Gründer von FARC, Nivel. Englisch Designer und Geschäftsmann William Morris, definiert die Hauptziele aus dem Stil, um Menschen Freude an den Dingen, die sie perforce Jahre zu geben . Das ist ein großes Büro der Dekoration, um den Menschen Freude an den Dingen zu geben, die sie machen müssen . Das ist der andere Gebrauch, wenn es mehr verachtet wird. Arbeitsbedingungen in Fabriken und minderwertige Waren, die als Folge der industriellen Revolution und ein Chaos in Häusern von immer mehr Menschen hergestellt werden In dieser Zeit werden wir mehr angenommen, dass Alltagsgegenstände sollten mehr ästhetische und funktionelle Design statt nur sperrige, schwerfällige Dinge aus der viktorianischen Zeit mit schweren Ornamenten zu sein. Diese Ideen verstreuten sich bald auf der ganzen Welt, und viele Länder hatten ihr eigenes Verständnis von diesem Stil. In Schottland gab es die geradlinige Glasgow-Stil in Italien sind Umsatz oder noch Freiheit nach Londoner Firma Liber Tentacle Stil New oder könnte wo in Belgien, Juergen Stehle in Deutschland und Österreich, Tiffany-Stil in den Vereinigten Staaten und in Frankreich Stil U-Bahn. Manche Leute betrachten es Jugendstil als vereinheitlichten Stil für andere werden nie eine Vielzahl von vielen Nationen Stile vertreten . 19. Jugendstil. Lautrec. Klimt. Gaudi. Horta. Tiffany.: erste Experimente in einem symmetrischen Design und flog Steigung. Arbeit kann in den Werken von Grafikern wie Französisch Maler und Druckmaschine auf dem Leser gefunden werden , um den Überblick zu verlieren und junge englische Illustrator oder Briefings. Und Beardslee. Die üblichen zieht Jane April Shows und ein Pony meisten Can Dancer mit energetischen Farbe und einfachen arithmetischen Konturen. Wo ist Beardsley? Der Pfau Scared erinnert Dekadenz für Ding Kurationslinien gegen beide negativen Raum. Interessant ist hier zu beachten, dass beide Künstler ihre Thematik im Stil japanischer, äh, äh, imitieren die japanischen Holzschnitte, die im Westen im späten 19. Jahrhundert populär wurden. Wir sprachen darüber in unserem Vortrag über Impressionist in dieser Zeit, Zeitschriften, Plakate und andere Printmedien, wo überall und so helfen sie, Artikel Arbeiten einem größeren Publikum und breite Drucktechniken zu einem neuen Niveau der Kunstfertigkeit. Wahrscheinlich einer der prominentesten bildenden Künstler aus der Artikelperiode ist Eunice Maler Gustav, behauptet in der Austro Hungarian Empire Art Roman, hatte seinen eigenen Namen , der Jürgen Stehle in seinem ersten Porträt genannt wurde von Adele Bloch Bauer. Wir können ein Beispiel von den Bewegungen erreichen Yusof Ornamentierung und Abflachung gehen Form zu sehen. Das Bild wird vom Brilliant und Decorah Ocean über dem goldenen und silbernen Relief dominiert , das abgeschirmt wurde. Distinctive Style behauptet verwendet auch irgendeine Art von Obstruktion und unregelmäßigen Mustern, die seinen Wunsch zeigen, einige neue Elemente in die Art von Herz, das er erschaffen wurde, hinzuzufügen. Gustav beanspruchte Urlaub und schuf in Wien, und die Atmosphäre der Stadt in frühen 19 Hunderten war voller erotischer Liebe und Sexualität, die, es scheint, irgendwie mächtigen Einfluss auf den Künstler hatte. In seinem Gemälde The Keys, können wir zwei Figuren männlich und weiblich sehen, umarmt in einer Orgelschlüssel, rechteckig, schwarz-weiß Formen und Formen auf der Männerdarstellung und bunten Kreisen auf der Frau symbolisiert die Männlichkeit und Gemeinschaft, beziehungsweise. Jugendstil wurde oft in Architekturprojekten aus dieser Zeit verwendet. Es war direkt gegen die traditionellen architektonischen Werte, aus Vernunft, Symmetrie und Klarheit der Struktur. Zwei der berühmtesten Architekten, die voll von Artikelideen Gebrauch machen. Wo der belgische Architekt Victor Horta und sein spanischer Amtskollegen Antoni Gaudi, vielleicht der originellste Künstler der Bewegung, mögen ihre Gebäude anders erscheinen, aber beide wurden von organischen, gekrümmten und biomorphe Entwürfe der Natur. Diese organischen und grünen Rhythmus schafft eine Verschmelzung zwischen Struktur und Ornament. Auch die Innenarchitektur wurde unseren allgemeinen Konzepten unterworfen. Die Insel und die Glasarbeiten im Inneren, Keramik und Möbel haben Rebe und Engel Design, mit Fenstern scheinen wie Öffnungen für Licht und ein Jahr. Victor Hortas Gebäude beherbergt ein Museum, das Rebe wie Iran enthält, arbeiten innerhalb und außerhalb des Gebäudes und verschiedene verlassen entlang des ersten Staates, um das fließende und mehrstufige Interieur zu erfassen . Im Gegensatz dazu nutzt Gowdy Freimaurer-Technik und Blumenmuster, um eine animierte dynamische Burg zu schaffen die denen in den Drachen- und Prinzessinnen-Legenden ähnelt. Die Kunstneuerbewegung, die ihren Ursprung in Europa hat, machte ihren Weg ins Ausland und beeinflusste die Entwürfe amerikanischer Künstler. Einer der bekanntesten amerikanischen Promoter dieses neuen Stils wurde für Tiffany, Erbe seines Vaters, geschwächt . Silbernes Imperium aus festem Kern. Wir haben ein innovatives Eurydice und Glas erfunden, das von der Glasarbeit inspiriert wurde, die er auf der Pariser Ausstellung in 18 89 gesehen hat . Sein Glas benutzte wechselnde Farben sowie einige blumige Kurvenmuster. Dieses Glas wurde enorm erfolgreich und ermöglichte es dem Unternehmen, in die Branche der dekorativen Kunst und Schmuck zu expandieren , die heute noch beliebt und erfolgreich ist. Louis Sullivan in diesem amerikanischen Designer machte einige kunstvolle, ausdrucksstarke Muster, um mit seinen modernisierten Bauprojekten zu gehen, wie zum Beispiel der Eingang zu Carson Perry und Scott Building, die für seine Austausch Liege Arbeit anerkannt ist Turniere. Gekoppelt mit Go Take Feinheiten, die Ornamente enthalten sehr komplizierte organische und für ein Motive, die zu Hausaufgaben von Sullivans Design-Ästhetik wurden . Für Sullivan sind das dekorative Design und das funktionale Ziel. Es half, sein Gebäude von den umliegenden Kind zu unterscheiden und den Laden attraktiv für potenzielle Kunden zu machen . Der Einfluss des Jugendstils ist sichtbar in der Entwicklung der Werbung im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert, die Erfindung der Chromatographie, die eine einzigartige Methode für die Herstellung erschwinglicher Mehrfarbdrucke war, bedeutete, dass Werbeplakate Hunderttausende Male reproduziert werden konnten. Die großen offenen Boulevards von Perry wurden wie Kunstgalerien für diese neue Plakatkunst, und jetzt war diese Kunst direkt durch städtische Chaos zugänglich. Damals wurden Werbeplakate zur Kunst für sich. Die Wende des 20. Jahrhunderts war auch die Zeit der öffentlichen Faszination von Maschinen mehr als Transport und technologischen Fortschritt, und dies spiegelt sich in der Werbung Husten dieser Ära wider. Viele Plakate vorgestellten ist ihr Thema. Reisen Schafe, Flugzeuge, Fahrräder, Autos in einigen öffentlichen Veranstaltungen, wie Motorrennen in Segelregatten, die Plakatbilder waren auch ziemlich ehrgeizig reflektiert Mode, Reichtum und sozialen Status aus dem wachsenden bürgerlichen Regime. Trotz seiner Popularität innerhalb kurzer Zeit im frühen 20. Jahrhundert wurde die Verschönerung und Eleganz aus dem Artikel sehr bald vom modernistischen Design überwunden und nach 1910 schien Kunst nie altmodisch und wurde meist aufgegeben. jedoch Inspiriert von Bewegung sindjedochdie Experimente in Abstraktion und Konfiguration, die die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts beherrschen würden . Also, um zusammenzufassen, Kunst-Roman ist insgesamt Stil. Es umfasst nicht nur Malerei, sondern auch stark Kartenschmuck, Glas- und Metallarbeiten, Innenarchitektur und Architektur, Jugendstil, reichlich organische, symmetrische Formen von Blumen und Natürliche Dinge. Deshalb können wir viele Verschönerungen, Kurven und Ornamente sehen , und es ist Werke. mussten laut Artikelvertreter Alltagsgegenstände wie Möbelmussten laut Artikelvertreternicht nur nützlich sein, sondern auch ein schönes ästhetisches Design haben . Jugendstil auf der ganzen Welt verbreitet. In jedem Land, Art Nouveau hatte seine eigene Nation, alle Geschmack. Hauptvertreter der Artikelbewegung sind William Maurys auf Reduced Track oder Brilliance und Beardslee. Gustav beanspruchte Victor Horta und Antoni Gaudi. Wir kommen für Tiffany und drei Sullivan Overall. Jugendstil inspirierte andere Experimente in der Abstraktion und dem Pellet in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Es beeinflusste auch die Entwicklung der Werbung um die Jahrhundertwende. 20. Fauvismus. Matisse. de Vlaminck. Derain.: In den vorangegangenen Vorträgen haben wir gesehen, wie Impressionist und dann postimpressionistische und dann Kunst Nable Künstler die Wahrnehmung des vierten herausfordern und ihr Thema in weniger realistischen Formen präsentieren. Fauvismus , der Anfang des 20. Jahrhunderts an Bedeutung gewann, setzte diese Verschiebung in Richtung Abstraktion fort und betonte die expressiven Möglichkeiten der Farbe. Fauvism kommt aus dem Französisch Wort 4. Mai, die als das Wild Beast übersetzt wird, wenn Kritiker so Gemälde oder Wald zum ersten Mal. Sie nennen diesen Künstler Lee Vierter, weil sie glauben, dass diese Bilder eine Schande für die Kunst waren. Aber diese Künstler mögen das und akzeptierten diesen Namen mit Stolz und beschlossen, sich so zu nennen . Die Leute waren die wilden Bestien. Warum haben wir uns entschieden, einen genaueren Blick auf ism zu werfen? Obwohl es nur für weniger als ein Jahrzehnt in frühen 19 Hunderten dauerte, weil sein wichtiger Beitrag zur modernen Kunst war, dass für ism trennte Farbe von mit beschreibenden Zweck und erlaubte es, auf der Leinwand als eigenständiges Element und mehr wie Projektion des Künstlers bewegt, Farbe in Waldmalereien musste nicht wahr sein, um die natürliche Welt, einer der vielen Vertreter von vier Vision ist auf Traum ein necken. Anfangs experimentierte er mit post- und jetzt impressionistischen Techniken wie Pointillismus. Er reiste auch viel und wurde von Kunst aus anderen Kulturen beeinflusst. Er besuchte eine Reihe von Ausstellungen aus asiatischer Kunst und Kind, Nordafrika. Er verwendete auch einige der dekorativen Qualitäten der islamischen Kunst und der afrikanischen Skulptur in der Ebenheit japanischer Drucke. In seinem eigenen Stil, zum Beispiel, in seinen frühen Werken, sieht ruhig, entwickelt ein. wir können seine umfangreiche Verwendung von Punkten der Farbe sehen, wie in Punkt zu Vernunft Technik. jedoch Im Gegensatz zu seinen Vorgängern wie George Sarah verwendet Matissejedochverschiedene Farbtafeln mit dem vollen Spektrum der Pigmente, was mehr Energie und Dynamik hinzufügt. Zehe seine Werke werden auch die Gelb-, Grün-, Blues- und andere Kolorisierung Matisses Gemälde haben ihren eigenen Platz auf der Leinwand. Wo ist sowohl Sarah und Bosnien versucht, Ehe Punkte der Farbe eng zusammen, zusammen, harmonische Tonalität in 1905 Medizin. Die Gruppe seiner Anhänger und wie gesinnten Künstler veranstaltete ihre eigene Ausstellung, die sie Salon Downtown nannten, im Gegensatz zum traditionellen Salon. Zu dieser Zeit, für Visa hatte oder entwickelt seinen eigenen unverwechselbaren Stil mit vollen Jahren von Pigmenten und Farbpalette . Eines der wichtigsten Werke des Fauvismus ist zweifellos Matisses Band. Über die bösen nackten Körper sind vollständig in Verrat Figuren sind Konzert mit mutigen Linien abgeflacht . Das auffälligste Merkmal des Gemäldes ist die ausdrucksstarke Farbpalette. Einer der Kritiker hinterließ die folgende Beschreibung von diesem bunten Gemälde. Wenn Sie sich vorstellen können, was eine bestimmte Hundertjahrfeier Little Gila Schicksal halb verrückt mit Gen an einer weiß getünchten Wand tun würde , wenn sie entlang der Bücher der Kraniche gelassen wird, dann kommen Sie in der Nähe der Verteidigung, was die meisten dieser Arbeit war wie Matisse. weiteren berühmten Gemälden gehören Lungen. Matisse arrangierte Figuren in einem Kreis , der sehr beliebtes Motiv für viele Jahrhunderte war und suggerierte Harmonie und Frazier. Allerdings vereinfachte und behinderte Matisse die Körper der Tänzer und schlug sie in einer lebendigen roten Farbe mit flachem grünen Boden und blauem Himmel. Einige der Figuren befinden sich in so seltsamen Posen, dass es auch zur Dynamik des Gemäldes beiträgt . Als Adams zum ersten Mal im Salon zu Tom im Jahr 1910 ausgestellt wurde, schockierte und verwirrte die Öffentlichkeit. Nun lassen Sie uns einen Blick auf die Berge in Rio von einem weiteren 400 in dieser Arbeit verwendet puristischen Ansatz indem die Farben auf der Leinwand zu isolieren. Das Gemälde Uhren weniger naturalistisch, aber noch deutlicher, dass einige Elemente unnatürliche Farbe aufweisen, wie Blätter auf den Bäumen und einige der Fersen, die im Blauton dargestellt sind. Was mehr ist, verwendet kurze Pinselstriche wie Stöcke von Farbe, die geben, um Wirkung Erste Elemente schien auf den Betrachter gerichtet zu sein, anstatt zu reiten Tod , und zweitens, es ruft Bewegung Fluss und Dynamik in der malerei. Expressive Coloration ist das dominante Merkmal in allen für seine Gemälde in seiner Herbstlandschaft , Mehr Osten von Lemming verwendet chaotische Flammen von Fred auf den Gipfel, die Landschaft und Vegetation und einige sporadische Verwendung von Blues zu den großen die Himmel im Hintergrund. Die Verwendung von Farbe ist hier so ausdrucksstark, dass sie die Realitätsspitze fast auf Wiedererkennbarkeit abstrahiert , denn Vision wurde von früheren Kunstbewegungen beeinflusst, vor allem kann es als die Fusion zwischen Van Gogh ausgesetzt eingestuft werden Impressionismus, George Sarahs Pointillismus und andere postimpressionistische Künstler wie Paul Signac, Paul Cezanne und Gauguin. Matisses Einsatz kompletter Bereiche von gesättigter Farbe in seinen Werken ähnelt der Verwendung von Farbe von Paul Gauguin in seinen Gemälden von Tighty in 18 96 Matisse. Zu dieser Zeit ein unbekannter unser Student besuchte den Künstler John Peter Russell auf der Insel Bell E vor der Küste der Bretagne. Russell war ein impressionistischer Maler, und er war ein enger Freund von Wesen in Bangkok. Matisse hatte noch nie zuvor eine impressionistische Arbeit direkt gesehen und war so schockiert über den Stil, dass er für 10 Tage sagte, ich könnte es nicht mehr aushalten. jedoch Im nächsten Jahr kehrte erjedochRussell Student zurück, aber er weigerte sich, seine nackte Farbpalette zu verwenden und stattdessen impressionistische Farben verwendet. Matisse erklärte später, das Trussell war mein T-Shirt und Russell erklärte die Farbtheorie, um 1901 eine weitere Zukunft für die Behörden zu treffen . Östlich von Lemming stieß zum ersten Mal in einer Ausstellung auf die Arbeit eines Buches. Er war so beeindruckt von van Goghs Bildern, dass er bald erklärte, dass er Pilz mehr liebte als sein eigener Vater. Maurice de Vlaminck begann mit der Arbeit, indem er Farbe direkt aus der Röhre auf die Leinwand drückte . Diese Technik wird als Betrüger bezeichnet und es wurde von vielen Wäldern aus Gründen praktiziert. Als eine Bewegung dauerte nur ein paar Jahre und Leiter freie Ausstellungen, wandte sich der größte Teil des Waldes bald auf andere Art der Malerei. jedoch Ihre Ideen gehenjedochweiterhin unter Expressionisten und Kubisten zurück und verbinden somit einen weiteren Eckpfeiler in der Entwicklung der modernen Kunst. So für Visa betonte starke und ausdrucksstarke Farbe zusammenzufassen, sie betrachteten intensive Farbe als Mittel, um den Künstler emotionalen Zustand zu kommunizieren. Die Darstellung der Elemente auf dem Bild war weniger natürlich als die bisherigen Kunstbewegungen und verlagerte sich mehr in Richtung Obstruktionismus. Die meisten Elemente in Waldmalereien sind abgeflacht und haben vereinfachte Formen. Wo sind gesättigte Farben? Vielleicht ist der visuelle Eindruck stark in Busan, der Künstler individuelle Ausdruck ist Intuition, und seine emotionale Reaktion auf die Natur war wertvoller, als die akademische Theorie war ein wichtiges Thema. Die Anführer der Bewegung waren unter Matty. Norwegens Die Bombardierung und unter und über in der Bewegung war am aktivsten in den Jahren 1904 bis 1910 für Visa beeinflusst spätere Kunstbewegungen, insbesondere Kobys Münzexpressionismus, sowie einige andere zukünftige Hinderungskriege 21. Kubismus: bevor wir in eine der umstrittensten Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts eintauchen, lassen Sie uns daran erinnern. Die Bürste suchen lässt auf einem bunten Nachthimmel aus Spaß Witz und Pointillist scheint aus Matty's Und jetzt stellen Sie sich vor, wie Sie sich fühlen würden, wenn Sie zuerst die nicht-gegenständliche Malerei von George Brock in den frühen 19 Hunderten begegnen würden . Jedes Element im Bild ist einfach in Kisten finden, Rechtecke und andere geometrische Formen, und das Bild scheint mehr wie ein College anstatt ein Kunstwerk, wenn Kunst kritisch, Wir haben uns also die Landschaft gemalt von George Brock in 1908 Er war schockiert von den abstrakten Formen des Gemäldes. Später beschrieb er es in einer Pariser Zeitschrift, die trotz uns für die Herstellung alles Orte und Figuren und Häuser zu geometrischen Schemata zu Würfeln brach . Damals erhielt der Kubismus seinen Namen und später den Status einer der einflussreichsten und umstrittensten Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts. Eigentlich war George Brock nicht der erste Künstler, der mit Hindernistendenzen experimentierte. Post Impressionist Haupt Abstoßungen auf. Wir fangen auch an, einige einfache Formen zu verwenden, wenn die Kameras, aber es war Pablo Picasso, der die halten seine Bewegung belebt. Brooke war besonders inspiriert von, weil so den Namen zu verbringen war ein führender junger wo weil auch Schweine. Fünf Frauen waren eine. Einige Kritiker behaupten eine Frau aus mehreren Perspektiven und überführen geometrische und nicht-proportionale Körperformen, ganz zu schweigen von allen Formen auf der Leinwand, und es ist abstrakter Hintergrund. Es wird angenommen, dass, weil er selbst von afrikanischer Kunst inspiriert wurde, vor allem nach seinem Besuch im Ethnographischen Museum in Paris. Also, was war die Idee hinter dem Kubismus? Nun, kubistische Maler lehnten das geerbte Konzept ab, dass Kunst repräsentativ sein und die Natur kopieren sollte, oder dass Künstler traditionelle Techniken aus der Perspektive des Todes anwenden sollten. Stattdessen wollten sie die Leinwand hervorheben, und es ist zwei Dimensionalität. Aus diesem Grund bekämpfen sie Objekte einfach in geometrische Formen. Sie nutzten auch verschiedene kontrastierende Standpunkte, um Symmetrie und Perspektive in ihren Bildern vollständig loszuwerden . Vielleicht fragen Sie sich, warum verschiedene Körperteile oder Gesichter der Menschen in kubistischen Gemälden unnatürlichen Orten liegen. Nun, hier ist ganze Öffentlichkeit, weil so setzt es voraus, sagte, denn es ist eine Frage der Augen, Nase, Mund, Mund, die in jeder Weise verteilt werden kann, wie Sie möchten. weil Sign brach beide verließ im böhmischen Montmartre Bezirk von Paris, und sie trafen sich ziemlich oft, um ihre Ideen und Fortschritte zu diskutieren. Ihre Zusammenarbeit war so intensiv, dass es manchmal schwierig war, zwischen den Werken von Künstlern zu unterscheiden , und es scheint, dass sie Ähnlichkeit in ihren Werken in ihren frühen Jahren am Charisma liebten , sowohl weil Brock ziemlich arm waren, und sie mussten sich auf die finanzielle Unterstützung von einem Galeriebesitzer, Daniel Kahnweiler, verlassen , früher ihre Werke kaufte, als sie sie malten. Das ist, warum die meisten Werke von, weil, wenn Brock wurden nur in Kahnweiler ausgestellt ist Galerie. Es gab zwei verschiedene Phasen innerhalb des Kubismus. Die 1. 1, die sie ungefähr von 1908 bis 1912 verlor, wurde als Analytischer Kubismus bezeichnet. Während dieser Zeit wurden Gemälde durch die sich überlappenden Ebenen und Facetten eines Siri abstrahiert, geometrische Formen mit rechtwinkligen Winkeln, meist in monochromatischen dunklen Farben, Grazien oder Schwarzen. Sie verwenden auch Buchstaben in den Gemälden, um sie noch zweidimensionaler zu machen, zum Beispiel in Manzhouli, weil so fügt die Wörter marginal in den Boden, sowie eine Reise Ton in die Bildebene flach. Noch weiter ziehen sie es vor, Stillleben mit Flaschen, Spielkarten, Gräsern und Musikinstrumenten darzustellen Spielkarten, . Manchmal menschliche Gesichter und Figuren. Landschaften waren nicht üblich. Von 1912 bis 1914 experimentierte Kubisten noch weiter mit der Ausrottung der Tiefe und erfand so genannte topisch. Der Geist wurde als synthetischer Kubismus bekannt, in dem Künstler häufig fremde Materialien verwendet und vom Alltag erwartet, wie Zeitungsüberschriften oder Tabakrapper, und sie in Kombination mit gemalten Bereiche. Obwohl diese College-Technik vor Hunderten von Jahren bekannt war, waren es Kubisten, die Kohleasche zu einer wichtigen neuen modernen Kunstform machten. Mit diesen Hochschulen machte ein Fragment der Massenproduktion Kultur zusammen versammelt. Sie verändern die Definition des Herzens im analytischen Kubismus, kleine Stücke. Welches sezierte Objekt wurde wieder zusammengesetzt, um dasselbe Objekt zu erzeugen? Wo ist der synthetische Kubismus? Stücke eines anderen farbigen Papiers wurden in der gewünschten Form ausgeschnitten, um sie in einem bestimmten Objekt zu kombinieren . Andere große kubistische Künstler waren Horn, Griechenland und Fernand, anders als, weil, so in Brock, dessen kubistische Werke waren hauptsächlich monochromatisch, Huang Grease verwendet helle Farben in einigen seiner Kombinationen, erinnerte die Werke seines Freundes Matisse. Übrigens war es ein Griechenland, das den Begriff analytischer Kubismus geprägt hat, in dem er anfangs und später malte . Er machte auch seinen Übergang, um diesen Kubismus zu senden und fing an, im Volksmund oder Colleges als für Nicht-Schatz zu verwenden . In seinen frühen Arbeiten schuf er eine persönliche Form des Kubismus, die die Kritiker Busan wegen seiner umfangreichen Verwendung zylindrischer Formen in seinen Gemälden nannten. Wahrscheinlich eine weitere wichtige Figur im Kubismus, die wir nur erwähnen können, ist der Einzelgänger Claudia. Er ist ein amerikanischer Kosmetik-Milliardär, Substantiv, Philanthrop. In den vergangenen 40 Jahren sammelte er mehr als 80 Meisterwerke kubistischer Künstler, darunter Pablo Picasso und Georges Braque, um 2013 eine der bedeutendsten privaten Sammlungen kubistischer Kunst zu versprechen , um seine gesamte Sammlung an das Metropolitan Museum of Art in New York City zu übergeben. Auch der Kubismus hatte einen bedeutenden Einfluss auf diese Kultur und Architektur. Aus dem 20. Jahrhundert Alexander Hockey, Panko, Joseph Taqi, Raimond Ducharme können die jungen und Schokoladenblätter wie in der Malerei als die berühmten kubistischen Skulpturen benannt werden . Kubistische Skulptur zeichnet sich durch die Abstraktion von Objekt in Komponenten und geometrische Figuren, Würfel, Zylinder, Kugeln und Zapfen aus. Die Objekte können auf unterschiedliche Weise visuell interpretiert werden, und deshalb hatte jede kubistische Skulptur ihre eigene Art und Weise im Stil. Zusammenfassend Kubismus ihren gegenständlichen Aspekt von der Kunst völlig aufgegeben und den Obstruktionismus voll umarmt . Sie ebnete den Weg für reine Abstraktion, die die westliche Kunst in den nächsten 50 Jahren beherrschen würde . Kubismus ist gekennzeichnet durch verzerrte Figuren und fragmentierte Subjekte so konstruiert , dass er aus mehreren Blickwinkeln gleichzeitig betrachtet werden kann. Es waren die Kinder, die das College in der Malerei benutzten, und es gab zwei verschiedene Phasen und Kubismus, nämlich analytische und synthetische Kubismus. Kubismus wurde in Paris von der Öffentlichkeit erfunden, weil auf George Brock um 1907 im Stil wurde angenommen und manchmal von vielen anderen Künstlern entwickelt, darunter Fernand Leger, Kuang Grease, Marcel Duchamp, , um nur ein paar zu nennen. Viele wichtige Künstler, die in ihren eigenen Stilen populär wurden, gingen durch Kurien und Gesicht in ihrer Entwicklung, weil es wie ein Paradigma veränderte CART Bewegung war . PBS und hatte auch einen signifikanten Einfluss auf Skulptur und Architektur, und seine befreienden Konzepte beeinflussten große Kunstbewegungen, die insbesondere folgten, dass der Surrealismus Konstruktivismus, supra, Matiz, Ähm, und Futurismus. Ich hoffe, Sie haben dieses Vorlesungsteam bei den nächsten gefallen. 22. Dadaismus: Heute werden wir über eine Antikunstbewegung sprechen, und wir beginnen unseren Vortrag im satirischen Nachtclub Kabir. Ich werde dort in Zürich, Schweiz, im Jahr 1916, als Europa vom Ersten Weltkrieg erfasst wurde, flohen viele Menschen, die gegen den Krieg waren, in die Schweiz. Und dort gründete eine Gruppe von fluggesinnten Künstlern, nämlich Huebel und Tristan Sarah, diesen Verein. Dort drüben war es der Raum voller künstlerischer Anarchie, politischer Unzufriedenheit und Avantgarde-Aufführungen. Obwohl das nicht die Bewegung war, die einen gemeinsamen Stil hatte, prägte sie maßgeblich die moderne Kultur und moderne Kunst in der Rasse, die heute noch sichtbar sein kann . Das war die erste konzeptuelle Kunstbewegung, bei der Künstler nicht versucht haben , etwas zu schaffen , das das Auge des Betrachters ästhetisch priesterte. Stattdessen mit ihren Werken wollten sie mit ihren Werkender Gesellschaft schwierige Fragen in die bürgerliche Klasse stellen. Insbesondere stellten sie auch den Zweck der Kunst in Frage und die Rolle des Künstlers beim Schaffen von Kunst in Frage. Das heißt, trotz des Weltkriegs, der vor sich ging, und sie glauben, dass es etwas in der Gesellschaft gab, das diesen verheerenden Krieg beginnen und dann weiter führen könnte . Deshalb waren viele ihrer Konzepte Antikrieg, revolutionär und satirisch. Bequem dort. Der Gründer aus der tut Bewegung huggable, zuerst seinen berühmten Soundpoint, Paraguana. Auf den ersten Blick ging es nur um eine Sammlung bedeutungsloser Klänge und Emotionen. Es ähnelte keiner bekannten Sprache. Es sah aus wie die biblische Episode vor dem Turm von Babel, und mit ihrem Mangel an Sinn, es wurde entworfen, um den Wahnsinn aus dem Ersten Weltkrieg zu reflektieren und die innere Schönheit der europäischen Länder zu demonstrieren , um ihre diplomatischen Probleme mit der Erstellung. Alle Diskussionen, sein seltsamer Brauch machte seine Rede noch fremder und generationaler, und seine Hoffnung für vier Monate wurde als Protest gegen Nationalismus und bürgerliche Denkweise gesehen , die Gewalt ermutigten, Kolonisierung und Klassenkampf den zentralen Wert für den Rassismus, der das Wesen der Revolution demonstriert . Eine große Bewegung ist der Gründer des Hugo Ball sagte in seinem Abendessen Manifest, dass das kommt aus dem Wörterbuch. Es ist furchtbar einfach. Auf Französisch. Es bedeutet Hoffnung. Das Pferd auf Deutsch bedeutet auf Wiedersehen. Runter von meinem Rücken. Sie scheinen es irgendwann auf Rumänisch. Ja, in der Tat, du hast Recht, das war's. Und so weiter und so weiter mit dem Wort, dass der Künstler ein einzigartiges, logisches Verständnis von seiner Kunst verweigerte . In unprätentiöser Proklamation, Sarah fand den Weg, um die Ideen von Dadaismus zu visualisieren, indem er verschiedene Telefone in einem Stück kombiniert , zerstörte er die Harmonie der Arbeit, so dass es aussehen Nächstenliebe kann Trog. Diese Arbeit kann bereits als Beginn der Konzeptkunst angesehen werden, die die Verwendung von Materialien, Einstellungen und Ansätzen weitgehend auf herausfordernde Ideen abzielte, anstatt die reale Welt zu repräsentieren , um die Normen traditioneller Kunst. Es war notwendig, eine neue ästhetische Sprache zu erfinden, um so zu tun, dass der Künstler begann, fertige Mades zu verwenden, Alltagsgegenstände, die gekauft und als Kunst mit wenig Manipulation durch den Künstler, die Verwendung der vorgefertigten erzwungenen Fragen über künstlerische Kreativität und die Definition von Furz und seinen Zweck in der Gesellschaft. Dieser neue Stil ist in den frühen Werken von Paris zu sehen. Erwarten Sie Baum Marcel Duchamp , der alltägliche fertige Objekte in seine Werke eingebaut hat, zum Beispiel in Fantine Do. Einige präsentierten dem Publikum ein kopfüber Urinal und behaupteten, es gäbe eine Finanzierung vor ihnen. Später würde es eine hitzige Debatte in der künstlerischen Gemeinschaft provozieren. In dieser Finanzierung würde zu einem der ikonischsten Stücke der modernen Kunst werden. Warum ein fertiges Objekt kann als Kunst betrachtet werden? Laut Duchamp gibt esdrei Gründe. Laut Duchamp gibt es Erstens, die nahe Tatsache, dass der Künstler dieses Objekt gewählt hat, ist ein kreatives Arthur sagen. Zweitens, wenn wir so können, dass praktische oder nützliche Funktion aus dem Objekt, wird dieses Objekt auch Kunst. Und schließlich, wenn der Künstler gibt den Titel des Objekts, das er dem Publikum präsentiert all diese und neue Bedeutung für das Objekt und es wird Kunst. Diese Idee, wenn Künstler nicht der Schöpfer, sondern ein Auswähler ist, wird oft als Beginn der Konzeptkunst als die Konzeptautoritäten und das Objekt betrachtet oder in Frage gestellt. Zu dieser Zeit im frühen 20. Jahrhundert wurden diese Ideen der Verwendung von Credit Mate Objekten als Angriff auf das traditionelle Verständnis von unserem Status und der Natur betrachtet. Nach und nach wurden sie immer mehr in die Essenz der modernen Kunst integriert. Marcel Duchamp war auch eine wichtige Figur in der Bewegung, weil er wichtig, dass die Ideen von Europa nach New York es viele amerikanische Orangen inspiriert, klassische Ideen herauszufordern und kommen mit neuen und mutigen Konzepten weiter herausfordern die sehr Konzept aus, was es bedeutet, ein Künstler zu sein, den ich früher für die Montage, Collage und Assemblage in Ihrer berühmtesten These geschnitten mit dem Küchenmesser verwendet habe, machte der Berliner Künstler Hunter Hope ein Grafschaftskolleg abgeschnitten auf politische und kulturelle Themen. In einem Stück kombinierte sie radikale und konservative Politiker weibliche Figuren, darunter Ihr eigenes Selbstporträt und Haushaltsgegenstände und infolgedessen verwischtinfolgedessendie Grenzen zwischen den häuslichen und sozialen Sphären, sowie zwischen Hobie und Serious Art. 100 basierte andere Künstler namens Schwitters, verwendeten Schrott und Müllmaterial, die er auf den Straßen der Nachkriegszeit gesammelt huh, nie behinderte und halbabstrakte Colleges zu schaffen, die er als Verdienste. Schwitters wurde einmal zitiert, weil er sagte, dass auf jeden Fall alles zusammengebrochen sei und aus den Fragmenten neue Dinge gemacht werden mußten. Süß möchte betonen, dass Kunst und etwas Schönes aus der Zerstörung gemacht werden können . Kunst hatte dieses Potenzial, gebrochene Welt neu zu machen, indem sie das Objekt aus dem Alltag , das der Künstler wollte, um die Symbole der Moderne zu kritisieren. Diese Technik der College-und Dissemble Alter jedoch nicht etwas, war jedoch nicht etwas,das Sie zu dieser Zeit wissen wir aus unseren vorherigen Vorträgen, dass Kuba auch sehr Themen aus dem Alltag verwendet wird , wie Zeitungsüberschriften und Tabak Rapper auf der Leinwand, vor allem während der synthetischen Kubismus Gesicht andere als ein, wie Jagd sind Akte des Zufalls und Spontaneität in ihrer Arbeit für sein College drei Quadrate erforscht , in Übereinstimmung mit den Gesetzen der Zufall, zerrissen die Künstler Stücke von Farbpapier und warf sie in zufälliger Reihenfolge auf die größeren Blätter in Gruppe bedeckt dort, indem sie in Frage stellen die Bedeutung der Logik und Vernunft bei Herstellung von Kunst. Die Einführung des Zufalls war für die Tage weg, um künstlerische Normen herauszufordern und die Rolle des Künstlers im künstlerischen Prozess in Frage zu stellen. Die ungeduldige künstlerische Kontrolle über Kunst würde später auch zu einem wichtigen Element des Serialismus werden , einer Kunstbewegung, die versucht, die unbewusste Welt zu entsperren und die rassische Kontrolle der Kreativität loszuwerden . Zusammenfassend war das eine Kunstbewegung, die 1916 von Huebel und Tristan Sarah in Zürich als negative Reaktion auf die Schrecken und Katastrophen des Ersten Weltkriegs gegründet wurde . Die Kunst und Performances, die von diesem Eis produziert wurden, waren oft satirisch und unsinnig Natur. Sie benutzten häufig die Methoden der Satire Irony Wochenendparodie, um ihre kritische Einstellung zur Kunst in der Gesellschaft zu zeigen . Das ist auch begünstigt das Konzept von Zufall und Spontaneität, im Gegensatz zu der Logik und Ordnung, dass ich eine breite Palette von verschiedenen Medien von College und Fordham und Alter, Zehe alltägliche, fertige Objekte verwendet College und Fordham und Alter, Zehe alltägliche, und sogar Auftritte. Sie stellten die traditionellen Konzepte der Kunst in Frage, wie Kunst gemacht werden sollte, sowie die Rolle der Künstler und das Kunstobjekt, das ich Künstler dazu inspiriert habe, ihren eigenen künstlerischen Stimmen zu folgen , anstatt sich an Regeln oder Logik zu halten. Dass die Bewegung im neutralen Zürich in der Schweiz geboren wurde, sich aber schnell nach Berlin, Hannover, Paris und New York ausbreitete Hannover, . Viele Tage wandten sich schließlich in den 19zwanziger Jahren dem Serialismus, dem sozialen Realismus und anderen künstlerischen Methoden zu. Aber ihr Einfluss blieb stark, denn ohne den Rest des 20. Jahrhunderts in Aktion, Malerei, Design, Design, Kultur und anderswo hat man es kurz gemacht. Es war das, was den Grundstein für die Freiheit der Meinungsäußerung gelegt hat, die Künstler bis heute genießen